Front 242 est à un tournant de son existence. Période difficile à négocier, parce qu'elle se situe au moment ou il entreprend des expérimentations audacieuses. Comme celle qu'il vient de mener en compagnie du groupe new-yorkais Spill. Une situation qui ne fait pas que des heureux, et qui inévitablement entraîne des dissensions au sein de cette institution nationale. Malgré la contestation, Patrick Codenys et Daniel B ont décidé de faire front! La survie du groupe en dépend. Nous avons recueilli, pour vous, les confidences du second nommé...
Comment c'est déroulé la dernière tournée Lollapalooza?
Couci-couça. Alternant des temps forts et des temps plus faibles. Côté ambiance, nous n'avons pas eu à nous plaindre. Mais si on aborde l'aspect musical, l'optique est différente. Nous avons rencontré des problèmes. Techniques surtout. Nous ne sommes pas un groupe de festival. Tout le monde a pourtant fait le maximum, mais le changement de line-up nous a joué de vilains tours.
Qui est la nouvelle chanteuse?
Ce n'est pas une nouvelle chanteuse! Nous l'avons engagée pour participer à notre album "Off", mais nous ignorons toujours si nous allons poursuivre cette expérience. Elle joue en fait dans un trio new-yorkais que nous aidons : Spill. Le compositeur/percussionniste Eran Westvood participe d'ailleurs à notre tournée.
Comment êtes-vous entrés en contact avec ce groupe?
Un hasard! Après avoir donné un concert à New York, nous sommes sortis en boite. La chanteuse nous a glissé une cassette. Nous l'avons écoutée. Elle nous a plue. Nous les avons contactés. Et depuis, nous avons sympathisé.
Comment Richard a t-il réagi à son éviction du groupe?
Pas très bien! Mais il faudrait plutôt lui demander. Cela ne s'accepte pas de gaieté de coeur. C'est humain! Se sentir évincé? Je crois qu'il n'y a que lui qui puisse le croire. Il n'a aucune raison de se sentir écarté du groupe. Nous avons simplement voulu expérimenter une formule différente. Par exemple, mixer en "live" ne m'intéresse plus. J'ai fixé mes limites. Je ne me sens pourtant pas exclu parce que j'ai demandé d'engager un technicien pour me remplacer. Il faut savoir relativiser les événements. Le timbre vocal d'un homme est différent de celui d'une femme. Le chanteur ne va pas improviser une petite voix haute, un falsetto quoi! Lorsque tu souhaites incorporer une voix féminine, tu fixes ton choix sur une chanteuse. L'inverse aurait d'ailleurs pu se produire, si nous avions toujours fonctionné avec une chanteuse. Probablement, qu'à un certain moment, nous aurions senti le besoin de nous tourner vers un chanteur. Je pense que cette expérience traduit un besoin d'explorer de nouveaux paysages sonores...
Etes-vous toujours aussi enthousiastes pour vous produire 'live'?
Personnellement, je n'ai jamais été enthousiaste pour me produire en public. Parce que je suis trop difficile. Le degré de qualité atteint 'live' est toujours insuffisant. Donc ne me satisfait pas. Mais demande plutôt à tous ceux qui assistent à nos concerts ce qu'ils en pensent. Parce que moi, je ne serai jamais content.
Le succès engendre-t-il chez Front 242 une plus grande liberté d'action ou provoque-t-il une accumulation de contraintes? N'existe-t-il pas un risque de tomber dans l'autosatisfaction?
Le succès, c'est ce qui peut arriver de pire. Il exige une grande force de caractère, susceptible de surmonter les épreuves. Parce qu'il entrave la liberté d'expression. Aussi bien à l'intérieur qu'à l'extérieur du groupe. La pression des labels s'accentue. Celle des fans aussi, freinant alors l'évolution de notre création. Je m'en suis plaint récemment. Un type nous a menacés de nous dynamiter si nous nous présentions avec une chanteuse sur scène! Une partie de notre public ne souhaite pas que nous progressions. Il veut que nous reproduisions "Headhunter" ou "Welcome" jusque la fin des temps. Dans ces conditions, je préfère décrocher...
La musique électronique n'est-elle pas au bout du rouleau?
Le monde a évolué. Front aussi. La musique typiquement électronique pratiquée, voici dix ans, n'a plus aucun avenir. La musique hybride bien! Hybride parce qu'elle n'exclut rien. Ni les guitares, ni les drums, ni les samplings.
Un peu à la manière des Young Gods?
En général, j'évite de donner mon avis sur les autres groupes. Pour les Young Gods, c'est un peu différent. Je n'aime pas tout ce qu'ils font, mais leur démarche me plaît beaucoup. Leur musique est pourtant sous-estimée. C'est peut-être un peu de leur faute. Parce qu'ils ne cherchent pas à occuper la place qu'ils méritent. Front est probablement dans le même cas. Je reconnais qu'il existe un parallèle entre les deux groupes dans la manière de concevoir la musique. Avec un résultat différent, c'est vrai! Mais des problèmes identiques. Sur scène par exemple. Nous devons absolument trouver une solution. Et je pense que si, ni les Young Gods, ni Front ne parviennent pas à donner une nouvelle impulsion à cette musique, nous allons déboucher sur une impasse. C'est la raison pour laquelle nous avons expérimenté une nouvelle chanteuse et mené des collaborations avec d'autres artistes. La tentative peut avorter. Mais elle mérite d'être vécue. J'estime d'ailleurs que ces expérimentations mèneront à une porte de sortie. Mais ce n'est plus le moment de tergiverser!...
En soulevant des thèmes comme la manipulation, le stress, l'individualisme, la surinformation, la pollution, n'êtes-vous pas occupés de faire le procès de la société contemporaine?
Pas seulement la société contemporaine. L'histoire nous a prouvé et le futur nous démontrera qu'elle recèle davantage d'aspects négatifs que positifs. Chaque individu doit se battre pour se faire une petite place au soleil. Pour y trouver son petit bonheur. C'est un combat permanent, impitoyable que mène l'homme depuis sa naissance...
Tu ne sembles pas tellement optimiste à l'égard du futur de l'humanité. Est-ce la raison pour laquelle on vous a reproché de défendre des idées d'extrême droite?
Il serait nécessaire de recommencer le processus d'éducation de ceux qui se trompent de cible. Nous n'avons jamais prononcé, ni suggéré de discours semblable. Nous avons dû, même, nous justifier récemment. Ce qui ne devrait jamais se produire dans la vie de quelqu'un. Il est malsain de devoir se justifier lorsqu'une critique est dénuée de tout fondement. Il existe des individus chez qui je pourrais facilement coller une étiquette d'extrême droite ou d'extrême gauche, parce que leur discours reflète une doctrine bien précise. Mais ce n'est pas parce que tu incorpores deux ou trois collages dans une demi-heure de musique que tu en adoptes l'idéologie. Il est indispensable de dépasser les idées préconçues. D'essayer de comprendre la personnalité des autres avant de les juger. La culture devient de plus en plus superficielle; et le pire, c'est que certains médias entretiennent cette situation. Il est plus facile de coller une étiquette sur le dos de quelqu'un que d'essayer de nuancer une opinion ou de comprendre la véritable nature d'un être humain. Tant au niveau politique que musical.
Est-ce que Front est un produit de consommation recyclable?
Oui, je le pense. Je suis étonné que nous ne soyons pas samplés plus souvent. Prodigy nous l'a demandé. Il n'y avait aucune raison de refuser. D'abord, parce que nous n'avons jamais refusé l'opportunité de puiser dans notre répertoire. Et puis nous apprécions sa démarche.
Vous n'avez jamais eu l'idée de composer la musique d'un film?
Nous l'avons souvent proclamé. Mais j'ai l'impression que personne ne nous écoute. N'importe quoi! Même si cette bande sonore n'est pas destinée à un film de science fiction. Tu sais, mon rêve le plus secret serait de sonoriser une œuvre de Peter Greenaway... Mais apparemment cet univers semble plutôt hermétique...
Lors d'un concert, la prestation est interrompue par une panne de courant.
a) vous empoignez des guitares acoustiques, et vous improvisez un set folk.
b) vous entamez des vocalises a capella.
c) vous vous barrez, furieux, et on ne vous voit plus de la soirée.
d) vous persuadez le public d'organiser une émeute.
e) vous filez droit sur la cabine, et tentez de réparer les circuits défaillants.
Une aventure qui nous est déjà arrivée! Mon sequencer continue néanmoins de fonctionner, parce qu'il est alimenté par une batterie... Nous n'improvisons certainement pas un set acoustique. Nous ne sommes pas furieux, sauf si après avoir prévenu l'organisateur de cette défaillance survenue lors du soundcheck, elle se répète au moment du concert. Mais en général, nous attendons patiemment la suite des événements. Et si l'incident perdure, nous plions bagages. C'est un cas de force majeure! Je nous vois mal entamer un exercice a capella (rires)!
Version originale de l'interview parue dans le n° 17 (novembre 93) du magazine MOFO
Trois ans après la sortie de son premier elpee (« We are ready »), Showstar nous propose « . » (NDR : prononcez ‘dot’ !). Le groupe hutois, dont le line up s’est modifié, a donc pris son temps pour la conception de cet album, enregistré en partie à Bruxelles, en partie à Londres. Et le résultat est à la hauteur ! Les dix morceaux proposés révèlent un travail de finesse et de précision. La pop-rock anglo-saxonne rythmée, à laquelle nous a habitué le groupe, avec les guitares érigées en leaders, est toujours présente (« Mad on your sister », premier extrait de « . », largement diffusé sur Pure Fm, en est un bel exemple). Mais la formation est également parvenue à se renouveler, en composant des titres plus paisibles, baignant au sein d’une atmosphère plus particulière. A l’instar de « Day by day », « Special Gun » ou « Dan », proches de certains morceaux des Smashing Pumpkins. D´ailleurs, le timbre de Christophe Danthinne, chanteur et leader de Showstar évoque souvent celui de Billy Corgan ; et de temps à autre celui de Liam Gallagher. Ce subtil mélange entre l´ancien et le nouveau Showstar fait de «. » une véritable réussite.
Il faut dire que le groupe a bénéficié d´un budget plus conséquent que lors de la confection de son premier opus. Une situation qui lui a permis de travailler aux côtés de Gareth Parton, producteur dont la carte de visite mentionne la mise en forme d’œuvres, entre autres, de The Pipettes, The Killers, Placebo… L’aspect visuel également s’est métamorphosé. Le nouveau logo du groupe, affiché sur la pochette, est le fruit de leur collaboration avec Charlotte Beaudry, artiste hutoise elle aussi, dont les œuvres illustrent le livret du cd. Les thèmes abordés par le groupe sont divers, oscillant entre humour (« Get drunk »), nostalgie (« Stereo songs », « Day by day », « Dan ») et amertume (« Monster=you », « Special gun »). Reste à voir comment Showstar adaptera « . » à la scène. L´album laisse en tout cas présager le meilleur…
Troy Von Balthazar est un personnage énigmatique. Malgré le succès récolté par Chokebore, il a décidé de se lancer dans une carrière solo. En 2009, le combo s’était quand même reformé pour accorder quelques concerts ; et puis il avait publié un Ep l’an dernier, « Falls Best ». L’Hawaïen vient cependant de graver son troisième essai en solitaire, « … is with the Demon ». Un disque bien dans la lignée des deux elpees précédents. C’est-à-dire sombre, torturé, mélancolique, et probablement capable de refroidir le caractère du plus coriace des Inuits.
Sa voix est bouleversante d’intensité. Pensez à Mark Linous ou Elliott Smith (NDR : ils ne sont d’ailleurs plus de ce monde). Quelques accords de piano, des boîtes à rythmes bancales et des cordes de guitare faméliques soutiennent ce chant dont l’hypersensibilité est susceptible de briser votre cœur. L’émotion est à fleur de peau. Et la mélodie entretient parfaitement ce climat chargé de spleen. De parfaits exemples ? « Tiger vs. Pigeon » ou « Tropical ». Troy Von Balthazar s’enfonce dans le monde des ténèbres ; et soyez prudents, il pourrait bien vous y entraîner, sans même que vous le remarquiez…
En publiant le second volume de « ¡Chicas! », Vampisoul rend un bel hommage aux chanteuses pop qui ont sévi en Espagne entre 1963 et 1978. Entre sonorités yé-yé (Las Chic, Los Cenits), rock’n’roll (The Zara’s), twist (Karina con Los Jaguars) ou soul (Los Quandos, Barbara), ces filles ont communiqué toute leur joie et leur pétillante énergie au peuple de l’époque afin de lui permettre, d’une certaine manière, d’oublier les difficultés vécues sous le régime franquiste. Plusieurs pépites bourrées de charme parsèment cet opus qui compte quand même 28 titres, dont l’imparable « Tu Eres Mi Idolo », chanté dans un adorable français par Donna Hightower, « Ponte Bajo El Sol », balayé par les claviers vintage des sœurs Elia Y Elizabeth –auxquelles le label barcelonais avait déjà consacré un best-of–, la sucrerie « Pochoclo » de Las Trillizas de Oro ou le plus mélancolique « Aho… Aho » des Chicas. Occultées à l’époque de la dictature, ces artistes talentueuses reçoivent enfin l’attention tant méritée qu’elles n’avaient pas reçue à l’époque! Et les notes signées Vicente Fabuel ainsi que les photos qui figurent dans le booklet valent, en outre, le détour…
Laurent Fontanel avoue être fortement influencé par les grands noms de la chanson française traditionnelle, et en particulier par Daniel Balavoine, Michel Berger, Alain Souchon, Véronique Sanson ou encore Jean-Jacques Goldman. Il est vrai que le timbre de ce dernier et celui de Laurent Fontanel sont assez proches. Mais la comparaison s´arrête là ! Il faut en effet avouer qu´il n´a malheureusement pas autant de talent. Les deux titres proposés sur ce cd single sont dépourvus de toute originalité. Les mélodies sont peu recherchées et les textes sont inintéressants. Ajoutons-y la manière maladroite de chanter de Monsieur Fontanel et nous obtenons une œuvre tout à fait ringarde, digne de Franck Michaël. A réserver aux amateurs de kitsch !
Enregistré à Londres, ce deuxième disque solo de Romane Serda arbore fièrement un autocollant vantant les ‘12 superbes chansons écrites par Renaud et mises en musique par Romane’. On se sent quand même un peu obligé de démentir cette ronfleuse affirmation. Il suffit d’écouter le lamentable « Les bobos » (un des derniers tubes de M. Séchan) pour se rendre compte que l’inspiration lyrique de Renaud est tarie. Il ne fait pas mieux ici, se contentant de rimes paresseuses comme lors de cet hommage à Bob Dylan : ‘Je sais que ton père était fan d’un certain Robert Zimmerman, d’où ce prénom de gentleman, Dylan’. Le reste est au diapason, illustrant une uniforme succession de ballades pop-rock, jouées pépère par des requins de studio londoniens et martelées par le phrasé répétitif (et agaçant) de Romane Serda. Néanmoins, cet efficace produit d’industrie lourde risque de squatter les ondes F.M. pendant un petit temps.
Anne-Marie, propulsée grâce au tube « Ciao Adios », s’invite sur un featuring de David Guetta "Don't Leave Me Alone".
Celle qui avait cartonné avec « Makeba » et « Come », a sorti ce 24 août un second album intitulé « Souldier ».
En voici le tracklisting:
1. On my way
2. Flash (Pointe-Noire)
3. Alright
4. Oh man
5. Inspecta
6. Dream
7. Star
8. Feel it
9. Abu Dhabi
10. Souldier
Pour fêter la sortie de cet opus, Jain dévoile 'Oh Man' ici .
En 1977, Supernature, le morceau le plus emblématique de Cerrone dévoilait une facette jusque là inconnue du public à travers une version instrumentale...
Aujourd'hui reprise dans la BO du dernier film de Gaspar Noé, "Climax", l'hymne disco-funk, aux paroles surréalistes de Lene Lovich, s'épure pour ne garder que le son entraînant et hypnotique du synthétiseur Odyssey Arp.
L'instrument qui lui était alors inconnu deviendra son fidèle allié tout au long de sa carrière mais aussi une marque de fabrique et la clé de son renouvellement.
Après avoir fait danser les dancefloors du monde entier, ce sera donc aux acteurs de "Climax" de se déhancher sur ce morceau.
Si "Supernature" fut en 1977 une réflexion, sorte de prisme punk et contestaire, sur une époque tourmentée, sa version instrumentale trouvera sûrement écho dans le propos du film de Garspar Noé.
Disponible aussi sur les plateformes digitales le 7 septembre et en vinyle le 14 Septembre.
A écouter ici .
Entièrement produit par Leon Michels, le premier album du groupe new-yorkais 79.5, « Predictions », est attendu pour fin septembre sur le label Big Crown Records (Lee Fields, El Michels Affair, Lady Wray, The Shacks...).
Etiqueter 79.5 est chose impossible. Le groupe new-yorkais sonne comme un poste de radio où toutes les fréquences s’entremêleraient avec une si grande intensité qu’il s’en dégagerait une force unique, transcendante, quasi spirituelle. On pense à du disco sur un rythme de house actuelle. Que ce soit la reprise d’un banger de Cardi B par les Supremes ou le saxophone de Roland Kirk marié au funk et au versant le plus audacieux de la pop des années 70. Une expérience hautement saluée (à plusieurs reprises) par The New Yorker, sur le seul mérite d’un single autoproduit et d'apparitions live dans la Big Apple.
Les onze titres de ce premier essai englobent toute la complexité de leur travail, parfois littéral et léger, parfois plus abstrait et ésotérique. Si 79.5 est l’un des groupes les plus adulés du moment à NYC, c’est sans doute parce qu’il incarne parfaitement la richesse et la diversité de cette ville…
https://www.facebook.com/thisis79.5/
Boy George et son groupe Culture Club sont de retour ! Et ils viennent de graver un nouveau single, « Let Somebody Love You » ; le premier depuis 20 ans !
Ecrit par Boy George, Roy Hay, Michael Craig, Jon Moss et Ritchie Stevens, il a été produit par Future Cuts. Ce single prélude la sortie d’un nouvel album, « Live », qui sortira ce 26 octobre 2018. Il faut se rappeler que depuis sa création en 1981, Culture Club a vendu plus de 150 millions de disques à travers le monde.
Le groupe s'était réuni en 2014 pour participer ensuite, à deux tournées mondiales, à guichets fermés
Tracklist :
1. God & Love
2. Bad Blood
3. Human Zoo
4. Let Somebody Love You
5. What Does Sorry Mean
6. Runaway Train
7. Resting Bitch Face
8. Different Man
9. Oil & Water
10. More Than Silence
11. Life
La vidéo de « Let Somebody Love You » est sur la toile, et c’est ici
La nouvelle tournée passera par le Lotto Arena d’Anvers, ce 27/11/2018 : https://www.teleticketservice.com/fr/tickets/2018-2019/culture-club
http://boygeorgeandcultureclub.com/
Slash est de retour, flanqué de son band, Myles Kennedy & The Conspirators, pour un quatrième album solo intitulé « Living The Dream », un disque qui sortira le 21 septembre 2018. Sur ce nouvel album, Slash reste fidèle à lui-même et nous propose 12 morceaux aux riffs dynamiques et électriques accompagnés de solos lyriques. Le premier single tiré de l’album est déjà disponible et à découvrir ici
Pas de tournée prévue actuellement pour l’Europe
Tracklist :
1. Call of the Wild
2. Serve You Right
3. My Antidote
4. Mind Your Manners
5. Lost Inside the Girl
6. Read Between the Lines
7. Slow Grind
8. The One You Loved Is Gone
9. Driving Rain
10. Sugar Cane
11. The Great Pretender
12. Boulevard of Broken Hearts
Sans aucun doute, le LaSemo est devenu un fer de lance, en matière de découverte musicale. Au lieudit ‘La Guinguette’, un binôme sexué dénommé ‘Mortalcombat’ vient d’y livrer une prestation, certes un peu ‘molle du genou’, mais qui promet tout de même que l’on suive de près, les péripéties de ces trentenaires.
Caché derrière un patronyme issu du célèbre jeu pratiqué dans les années 90, le combo a pris le parti de revisiter la pop française en y ajoutant de la modernité sur fond d’envolées synthétiques.
Entretien avec César (claviériste sortant de BRNS) et sa compagne à la ville comme à la scène, Sarah, entre souvenirs, nonchalance et vague à l’âme…
César, désolé d’y revenir, mais ton nom est irrémédiablement associé à un autre groupe belge, BRNS. Tu as participé à l'écriture, à l'enregistrement et au mixage de « Sugar High ». Tu les as accompagnés sur certaines dates de concerts également. Puis un jour tu décides de tout plaquer en cours de route. Peux-tu nous expliquer le cheminement intellectuel de cette démarche pour le moins étrange ?
César : Mon départ n’est pas récent. Il remonte en fait à deux ans et demi déjà. BRNS est un projet qui exige un investissement full time. Je m’y suis donné corps et âme durant cinq ans. Sincèrement, je ne me sentais plus prêt à m’engager de manière durable pour la sortie de ce nouvel opus. Je ressentais l’envie de passer à autre chose. Durant une pause concert de six mois environ, nous avons abordé le sujet ensemble. Les autres musiciens ont été très compréhensifs. Par chance, ils ont déniché mon successeur rapidement en la personne de Lucie Marsaud qui se réservait auparavant claviers et flûte traversière chez Arch Woodmann, un groupe mené par le Brestois Antoine Pasqualini.
Même si BRNS a pu assurer la pérennité du band sans problème, j’imagine que maintenir le paquebot malgré les défections de certains de ses matelots ne doit pas être facile…
C. : Lorsqu’une formation connaît une certaine pérennité dans le temps, elle est forcément confrontée à ce genre de situation. Ses membres viennent et vont au gré des opportunités, c’est tout à fait normal. Cette défection n’a pas altéré leur succès et je crois que c’est le plus important. Lucie étant une amie, la transition a été d’autant plus facile !
Vous avez milité tous les deux au sein d’Italian Boyfriend. Le projet est en standby, mais est-il toujours sur les rails ?
Sarah : Le projet est en effet en standby. C’est la seule certitude aujourd’hui. Il y a déjà un an et demi que nous avons arrêté de nous produire en concert. A vrai dire, à la fin de la tournée, les uns et les autres ressentaient le besoin de passer à autre chose, que ce soit dans le domaine musical ou non d’ailleurs. César avait envie de rebondir, ce qui a donné naissance à Mortalcombat. Je ne sais te dire combien de temps durera encore cette pause, ni même si Italian Boyfriend renaîtra de ses cendres encore chaudes. On verra ! On ne se pose pas la question parce qu’il n’y a aucune pression de notre part…
Ce besoin de changement dénote un sentiment plus profond, en somme ?
S. : Ce n’est pas un besoin, mais tout simplement une envie. Chacun peut à un moment donné ressentir l’envie de développer des projets un peu plus personnels. L’essentiel est de garder de bons souvenirs et aller de l’avant…
Justement, le fait de baigner dans la musique depuis un certain temps, vous permet-il d’être plus crédible aux yeux de vos pairs ou du public ?
C. : Non, je ne le pense pas ! Lorsque tu empruntes une carrière musicale, il faut pouvoir s’imposer en tout temps. C’est un combat perpétuel. En outre, je ne crois pas que ce soit à nous de répondre à cette question. A vrai dire, on s’en fout un peu. Le plus important c’est de s’épanouir dans ce que l’on fait…
S. : Je rejoins tout à fait le raisonnement de César. Ce n’est pas parce que nous avons participé à différents projets que nous jouissons de plus de crédibilité aux yeux de nos pairs ou du public. Nous avons un projet particulier, oui, c’est vrai, mais d’autres aussi finalement…
Mortalcombat se réfère à un jeu vidéo populaire des années 90. L’orthographe est pourtant différente. Si le but était de garder cette culture bien ancrée, pourquoi ne pas l’avoir fait jusqu’au bout en optant pour une retranscription identique ?
C. : À vrai dire, on avait déjà l’image du mot en tête en choisissant le nom du groupe. C’était une manière de prendre le contre-pied de nos morceaux qui restent très doux par rapport à la bande annonce violente et agressive du jeu. A titre anecdotique, dans les moteurs de recherche, si tu tapes le patronyme du groupe, tu verras apparaître en premier lieu le célèbre jeu vidéo. Bien avant même de voir nos clips. Nous avons trente ans. Aucun d’entre nous n’y a jamais joué. Personnellement, je ne pourrais même pas t’en parler…
S. : Il fallait une accroche ! Choisir un tel nom nous permet un référencement intéressant puisque tout le monde va ‘tilter’ d’office.
Vous prenez le parti de chanter en français en y ajoutant de la modernité avec des envolées synthétiques. Si ce choix vous permet d’insuffler davantage de subtilités dans le texte et le chant, il reste plus difficilement exportable que l’anglais. Quels sont les objectifs que vous vous étiez fixés au départ ?
C. : Je ne suis pas d’accord avec cette analyse. Il vaut mieux bien chanter en français que mal en anglais, surtout lorsque l’accent est médiocre… Notre langue maternelle n’est pas une barrière en soi. Ce sont des préjugés ! Certaines formations s’exportent d’ailleurs très bien en Flandre. D’autres peuvent connaître plus de difficultés lorsqu’elles choisissent la langue de Shakespeare. A nos débuts, nous avions opté pour l’anglais, mais nous maîtrisions mal cette langue. Seuls les bilingues sont légitimes à mon sens. En adoptant la langue de Voltaire, nous y sommes parvenus. Un jour, un organisateur a refusé de nous programmer au Trix à Anvers tout simplement pour une question linguistique alors que des artistes comme Angèle, Témé Tan ou Nicolas Michaux ont brillamment réussi à s’imposer.
Lorsqu’on choisit de chanter en français, il faut bien admettre qu’il est souvent difficile de trouver un compromis dans la manière de poser les sons, la musicalité et les textes. Or, à l’écoute de votre concert, il y a quelques minutes, j’ai été stupéfait par cet équilibre. Quelle est la recette ?
C. : La manière dont nous travaillons est assez simple. Sarah et moi-même composons la musique et les textes. A l’aide de mon synthé, je peux déjà imaginer à quoi ressembleront les compos. Clément qui nous accompagne est le partenaire idéal parce qu’il se charge des arrangements. Il a des qualités que ni Sarah, ni moi-même ne possédons.
Le clip de « Beau et Décadent », a été tourné dans le quartier bruxellois de Saint-Gilles. Alors, dites-moi, pour la beauté ou la décadence ?
S. : C’est là où l’on vit ! A la base, il ne s’agit pas d’un choix artistique, mais tout bonnement pratique. Le choix s’est imposé de lui-même. Nous n’avions ni le temps, ni les moyens de réaliser autre chose. Au final, le résultat est assez réussi. Avoir tourné dans des endroits que nous connaissons nous touche encore un peu plus.
C. : Je crois que cette solution était la bonne. Nous connaissions cet environnement et pouvions plus facilement repérer des endroits identifiés où les autochtones pouvaient s’y reconnaître facilement. D’ailleurs, peu de temps après, spontanément, une page Facebook intitulée ‘I love Saint-Gilles’ s’est créée.
Sarah, cette vidéo met en scène la quête de l'homme idéal en quelque sorte. Tous ces prétendants aux goûts plus ou moins douteux que tu vas croiser jusqu’à ce que tu trouves ‘the one’ représente la réalité d’une frange de la population féminine. Quel est ton regard de femme sur le sujet ?
S. : Pour ma part, je dois dire que je n’ai pas multiplié ce genre de rendez-vous. En tout cas, ni plus, ni moins que la moyenne des filles de mon entourage. Je n’ai jamais eu l’impression que le personnage du clip recherche quoique ce soit en fait. C’est juste une nana qui a un rendez-vous avec un gars… et ça ne colle pas, voilà tout ! Peut-être attend-t-elle le prince charmant ? Mais, existe-t-il seulement ? Pour y parvenir, elle multiplie les expériences et les rencontres. Dans ma vie de femme, je n’ai jamais cherché cette quête ultime de l’amour. Lorsque j’ai rencontré César, je ne suis pas tombée des nues en me disant ‘Oh, enfin, il est arrivé !’ Mais, oui, c’est devenu mon prince charmant (rire).
César, à la surprise de tous, tu nous as démontré, en ‘live’, que tu possédais un bel organe vocal. Peut-on espérer un jour te voir tenir le micro, voire chanter en duo ? Ou doit-on considérer cette prestation comme un one shot ?
C. : En fait, le titre sur lequel j’ai chanté n’a pas trouvé sa place sur l’Ep. Je ne me considère pas comme un chanteur. Je ne me sens pas du tout à l’aise dans cet exercice. Ce n’est pas naturel. Il faut le voir davantage comme une blague que comme quelque chose de sérieux. J’ignore si je vais recommencer l’expérience, car je démarre de trop loin dans le chant ; c’est très compliqué de rivaliser. J’ai même l’impression d’être un imposteur. Des voix se sont élevées pour que Sarah et moi chantions en duo. C’est une alternative, pas forcément une probabilité.
Alors que l’été tire doucement sa révérence, les auteurs du tube séculaire « Voilà l’été » refont parler d’eux après un retour remarqué au festival des Vieilles Charrues cette année.
Ils ne s’interdiraient pas de revenir à la création, semble t-il …
Rappelons qu’à la suite du décès par overdose du chanteur emblématique (1993), le groupe a continué son petit bonhomme de chemin avant de se séparer en 2001.
Une petite piqûre de rappel ici .
Il y a quelques mois, votre serviteur chroniquait l’album « The Imperfect Sea » de Penguin Cafe. Il s’agissait du premier elpee gravé par Arthur Jeffes qui avait voulu, quelque part, ressusciter le projet imaginé par son paternel, en 1974. Un disque publié sur le label anglais, Erased Tapes (Nils Frahm, Olafur Arnalds,…) La même écurie a décidé de rééditer « Union Cafe », un opus du collectif originel. Brian Eno avait été charmé par les qualités de l’orchestre, dès le départ, et l’avait pris sous son aile. « Union Cafe » constitue le cinquième et dernier album de ce groupe. Paru en 1993, il est rapidement devenu culte. En 1997, le leader et fondateur, Simon Jeffes décède…
« Union Cafe » est découpé en seize pistes. Elles sont toutes issues de la plume de Simon Jeffes. Pour la circonstance, il a reçu le concours d’une trentaine de musiciens. Si le piano sert de fil rouge, l’instrumentation s’avère particulièrement riche, le collectif prenant le soin de varier les climats. De ce long playing, impossible de ne pas passer à côté de la version du traditionnel « Discover America », dont la mélodie est restée incontournable...
L’initiative d’Erased Tapes (NDR : une écurie en vogue !) permet de (re)découvrir le projet de Simon Jeffes. A cette époque, Penguin Cafe Orchestra était parvenu à extraire la musique classique et le jazz de son carcan d’initiés et de disciples. Quelques décennies plus tard, manifestement, ce travail de précurseur a payé…
Mingawash est un collectif atypique responsable d’une musique, née d’un croisement entre néo métal hexagonal (Enhancer, Pleymo, Watcha) et nu métal yankee (Slipknot, System of a Down). Née en 2012, cette formation belge semble véritablement dans son élément en ‘live. Des sets décalés, proches de l’hystérie, alimentés par des textes engagés, interprétés dans la langue de Voltaire.
Après les 30 secondes percussives de l’« Intro », « Tape » entre dans le vif du sujet. L’image de Roy Le Panda s’avance, gants de boxe en garde avant de vous percuter la face, sans vergogne.
Le chant est hurlé. Chaque chanson baigne au sein d’un univers métallique différent.
Un peu comme chez Dadabovic, la camisole de force et les médicaments font partie du décor…
Tout au long de « Joujou », les percus sont tribales, dévastatrices et les interventions de grattes suintent de testostérone. La compo raconte l’histoire d’un bipolaire, coiffé d’un chapeau à grelots. L’immersion dans le délire se poursuit…
« Pornographique » vilipende les dérives de la société actuelle contemporaine (l’argent facile, travailler pour payer ses factures, etc.). Les pandanettes soutiennent le chant de Martin.
Une rythmique trash s’impose sur « Médisant »…
« Bande Organisée » nous entraîne à l’époque de la prohibition.
Frénétique et puissant, « Champignon » est hallucinogène…
Une bande sonore réminiscence d’un western spaghetti à la Sergio Leone amorce « Chope Ton Biker », avant que l’image de Roy, se déplaçant sur son mini vélo, ne se mette à circuler dans votre esprit.
Dynamisé par les percus latino de Martin, « Aveugle » est littéralement laminé par les cordes de gratte.
« Imposteur » est un cri du cœur, mais aussi le titre maître de l’elpee.
« Zagadaga » baigne au sein d’un univers oriental, au cours duquel les pecus marocaines évoquent les expérimentations en solo, menées par Robert Plant…
Le précédent elpee studio de cette formation remonte à 2011. Il s’intitulait « Bordel De Luxe ». Il a donc fallu sept longues années, avant que le collectif ne publie ce nouvel essai. Apparemment, il a pris le temps pour le concevoir. Il s’agit de son sixième en 20 années d’existence ! « Luna De Papel » a été financé par un crowdfunding. Les nouveaux musicos apportent un vent de fraîcheur aux compos dont le mélange entre rock, pop, world, poésie, folk et chanson française s’avère particulièrement audacieux…
Les douze plages constituent autant de tranches de vies. Laurent Kebous signe ou cosigne tous les textes. Chaque titre est une histoire, une atmosphère, qui s'installe tranquillement.
« Des Hauts Des Bas » hésite entre rock'n'roll et twist…
La voix douce d’Aurélia Campione (La Cafeteria Roja) se pose « Luna de Papel », un titre maître particulièrement radiophonique…
Chanté partiellement dans la langue de Cervantès, « Cumbia » nous entraîne au soleil, sur les plages ensoleillées des côtes cubaines, cigare au bec et mojito à portée de main…
Résolument punk, « L'appétit » incite à la révolte, la lutte et la quête d'un monde meilleur. Le cuivré « La ferveur » et « Social traître » sont tout aussi contestataires…
Jojo est à l’accordéon et Napo Romero (Ogres de Barback, Manu Solo) à la gratte pour « Filles de Joie », un morceau qui relate la vie des prostituées, dans les rues de Bordeaux.
Les cordes délicates de l’oud pimentent « La Liste » et « Mourir De Vivre », des pistes où on ressent très fort les influences orientales.
Kebous et Fredo (Ogres De Barback) chantent en duo « Quand Tu Seras Là-Bas », une piste qui clôt l’opus.
Kent a fondé Starshooter en 1977. Lorsque le groupe se sépare en 1982, l’artiste entame une carrière solo, et pas seulement dans l’univers de la musique, mais également de la BD et du roman. Il apporte aussi sa collaboration à de nombreux congénères, dont Johnny Hallyday, Calogero et Nolwenn Leroy. Il signe encore « Quelqu’un de bien », un titre chanté par Enzo Enzo, en 1994.
Enregistré ‘live’, l’album a été enregistré le 7 novembre 2017, au Café De la Danse, à Paris. « La Grande Effusion » survole quatre décennies de sa carrière. Il y revisite, tantôt seul, flanqué de son groupe ou en duo avec Alex Beaupain (« Tous les Mômes »), Katel (« Notre amour »), Alice Animal et encore le chanteur/guitariste de Radio Elvis, Pierre Guénard (l’excellent « Metropolitain »), des chansons de son répertoire devenues classiques. Et des morceaux, le plus souvent empreints de mélancolie. A l’instar de « Panorama » ainsi que d’une variante longue d’« Ici Et Maintenant ». De l’elpee, on épinglera encore les versions des « Congas et maracas » et « Bestsy party » de Starshooter, ainsi que l’hommage à feu Bowie, « Scary monsters »…
La version digitale est enrichie de deux bonus tracks.
Véritable mythe de la scène indie U.S des années 2000, The Decemberists a publié la bagatelle de 8 elpees, depuis 2002. Mais au fil du temps, le combo a un peu perdu de sa fraîcheur originelle, libérée tout au long de ses classiques « Picaresque » et « The Crane Wife »… Une constatation corroborée par le dernier opus, « What a Terrible World, What a Beautiful World », qu’on pourrait qualifier de moyen. Pourtant, la passion de Colin Maloy et sa bande est demeurée intacte ! Et le groupe nous le démontre tout au long de cet « I’ll Be Your Girl », un disque qui respire la bonne humeur dès son morceau d’ouverture, l’hymnique « Once in My Life », une compo aux accents électro 80’s. Ou encore « Severed », un titre aux réminiscences disco. Sans oublier le glam/rock addictif, « We All Die Young ». Le long playing recèle, en outre, un morceau de bravoure, comme il est le seul à pouvoir le composer; en l’occurrence le sombre diptyque final « Rusalka, Rusalka/The Wild Rushes ». Mais en général, le folk/rock de la formation est joliment coloré de teintes new wave. Tout en conservant le lyrisme qui fait son charme, The Decemberists semble avoir retrouver son potentiel créatif, mais également une joie de jouer diablement communicative grâce en partie au producteur John Congleton (St. Vincent, The Walkmen). The Decemberists prend à nouveau des risques ; et c’est une très bonne idée !
Devenus en l’espace de quelques albums, l’un des mastodontes du circuit rock mondial, les p’tits gars d’Arctic Monkeys auraient pu décider, à l’instar de King of Leon ou des Editors, de devenir une véritable machine à tubes, en gonflant le son et en offrant aux stades les refrains XXL et testonérisés dont ils raffolent. C’était mal connaître Alex Turner et ses élégantes aventures précédentes vécues au sein de The Last Shadow Puppets…
« Tranquility Base Hotel + Casino » est surprenant. A cause de cette ambiance classieuse et croonesque’ si chère à ce projet partagé auprès de son comparse Miles Kane. Turner a écrit les pistes de son sixième opus au piano, depuis Los Angeles, et pas à la guitare, comme il était coutumier du fait. En résulte des compos feutrées, matinées de sonorités 70’s, qui évoluent aux confins de l’univers d’un Father John Misty voire de Jarvis Cocker. Un opus qui risque de désarçonner les fans. Pas un single à l’horizon, mais une collection soyeuse de titres nostalgiques teintés de soul. Une belle prise de risque…
Si un groupe devait incarner le progrès technologique, la mondialisation et la circulation des êtres humains sur le globe (à l’exception, bien sûr, de la population issue de l’hémisphère Sud), Superorganism constituerait certainement le meilleur ambassadeur de cette évolution. Tout a commencé par la prise de contact entre une jeune Japonaise d’à peine 16 ans, Orono Noguchi, et un groupe néo-zélandais, dont elle est fan. Le courant passe bien entre les correspondants qui échangent des fichiers audio. Elle est finalement invitée à y poser la voix. Il s’agit des balbutiements qui précèdent la formation du band. Quelques mois plus tard, Superorganism est né. Le line up implique huit musicos issus d’Angleterre, du Japon, de Nouvelle-Zélande et d’Australie, dont sept vivent ensemble, dans une maison équipée d’un studio DIY, sis à l’Est de Londres. De leur collaboration va éclore un premier single baptisé « Something for Your M.IN.D ». La compo devient virale. Frank Ocean et Ezra Koenig (Vampire Weekend) ne tarissent pas d’éloges le combo. Domino le signe. Ce qui permet à Superorganism de publier un premier elpee et puis de se voir ouvrir les portes des festivals les plus prestigieux, dont le Pukkelpop. Tout baigne pour l’octuor cosmopolite…
D’une efficacité redoutable, ce premier LP marche sur les traces de MGMT voire d’Architecture in Helsinki. Une pop foutraque, jouissive et colorée (à l’image des clips et ‘costumes’ de scène) qui contraste avec la voix faussement apathique d’une Orono abordant des sujets de société, comme l’importance de l’image ou la célébrité. Une expression sonore alimentée par des synthés, de la guitare, des chœurs, des samples et des bruits issus de la vie quotidienne. En résulte dix singles potentiels dont les plus notables s’intitulent « Everybody Wants To Be Famous », « SPRORGNSM » et, bien sûr, « Something For Your M.I.N.D ».
Pour conclure, rien de tel qu’une citation d’Orono elle-même : ‘J'aime penser que Superorganism est juste une faute d'orthographe à Superorgasme’. Vu la jouissance ressentie à l’écoute de l’album, cette phrase prend alors tout son sens.
Le clip "Justice" continue son périple jusqu'en Argentine où il est "Prix du public" au Festival Internacional de Cine Ambiental FINCA .
RIVE poursuit donc son ascension !
L'occasion de rappeler que le binôme sexué s’envolera à nouveau pour le Canada du 21 août au 02 septembre.
(Re)découvrez le clip de "Justice" ici .
The Lemon Twigs, présente “The Fire”, une chanson de six minutes. Elle est la troisième d’un opus de 15 titres écrit, enregistré, produit et mixé par les frères Brian and Michael D’Addario chez eux à Long Island.
“These words” permettra, en cliquant ici , de vous familiariser avec cet univers singulier.
Geppetto and the Whales sortent un nouveau single « I know who you were” issu d’un prochain album à paraître en septembre et intitulé « Passages ».
Cliquez ici pour découvrir « 1814 ».
Christine and the Queens dévoile « 5 dollars », un nouvel extrait de son album CHRIS, à paraître le 21 septembre.
« Cette chanson est si délicate, si débraillée », nous dit Christine. « Ça parle en quelque sorte de l’amour — celui qu’on achète. C’est littéral. Payer pour baiser… c’est drôle comme l’acte peut être apaisant ! Le rapport de force est limpide, comme de l’eau sur les mains ; c’est un pur geste d’amour, de total consentement. »
Dans le clip réalisé par Colin Solal Cardo, qu’elle décrit comme « une variation sur American Gigolo », Christine se met dans la peau d’un marginal flirtant avec des limites invisibles. On la voit s’habiller, sans savoir pour qui ni pour quoi. « Il y a deux compartiments dans le placard — un pour les costumes, et l’autre pour les tenues SM. Mais il ne faut pas en tirer de conclusion hâtive, puisque c’est nous-même que l’on regarde de manière obscène, voyeuriste. Le prostitué est celui sur qui on projette ses fantasmes et qui finit toujours par disparaître en vous laissant seul face à vos pensées. »
Découvrez le clip ici .
Ce dimanche, c'est le dernier jour du W-Festival et également l'heure du bilan. Dans l'ensemble, cette 3ème édition peut être créditée d’un franc succès. Plus de 30 000 visiteurs, venus de Belgique mais aussi de France, d'Allemagne, d'Angleterre et des Pays-Bas ont envahi la plaine d'Orroir, provoquant une véritable vague noire (NDR : ou presque !) Comme si, fêtant ses 40 ans cette année, la new-wave se la jouait couguar pour se refaire une nouvelle jeunesse…
Hormis le jeudi soir, gâché par un orage dantesque, le temps a été idéal et le soleil généreux. L’évaluation du festival est globalement positive ; son organisation, le site, les chapiteaux, la logistique, l'accueil, le son et les lumières (excellents!), la mise en place, le respect des horaires, les écrans vidéo, le catering, les boissons, le camping, le prix des tickets et les tarifs en général.
A améliorer pour l'année prochaine : un restaurant moins onéreux et un plus grand choix de bières. On est en Belgique, quand même ; et supprimer la blanche, alors qu’au départ elle était prévue sur les affichettes réservées aux tarifs a suscité une réaction normale d’incompréhension ! Côté programmation, il serait judicieux d’accorder davantage de place aux groupes internationaux de la nouvelle génération post-2000. Elle est extrêmement vivace, et pourrait réduire l'empreinte, omniprésente et légèrement nécrophile, des 'vieilles gloires' des années 80. Enfin, le gros point noir : l’accès au site. Personne n'a compris pourquoi on imposait aux festivaliers un détour interminable (25 minutes de marche) alors que l'entrée principale était en fait à quelques mètres seulement de la rue principale.
Mais revenons à la journée de dimanche. C'est le 4ème jour (le 5ème pour celles et ceux qui ont débarqué mercredi) et la fatigue commence à éprouver les organismes. Ce qui explique pourquoi de nombreux spectateurs ont déclaré forfait ou arrivent tardivement. Mais comme le dit l’adage, les absents ont tort car sous le coup de 13h40, Captain Sensible s’empare de la scène Synth. Et, en dépit de ses 64 balais, le capitaine à bord, Raymond Ian Burns de son vrai nom, a conservé son look éternel et traditionnel : il a enfilé une chemise en jeans sans manches et customisée, est coiffé d’un béret rouge, arbore une chevelure blonde et est chaussé de lunettes de soleil extravagantes. Le début du set est plutôt punk. Il faut dire que Raymond milite, depuis plus de 40 ans, au sein du mythique The Damned. Il est soutenu par les membres de Fifty Foot Combo : son bassiste, et la toujours sexy claviériste. Des musiciens que le leader prendra le temps de présenter, avant que le guitariste ne lui rende hommage en décrétant ‘Without him, the band couldn’t exist’. Après un début de set très punk donc, il opère un écart dans le rock psychédélique, ‘parce que le rock actuel est malade’, signale le Capitaine. Avant de se lancer dans son tube indémodable « Wot » (NDR : mais si, vous connaissez le refrain ‘He said me Captain, I said Wot’). Le chanteur n’hésite pas à préciser à la fin ‘It’s the most stupid song I’ve written ! But it saved me for working hard the rest of my life’. C’est de l’humour très british, of course! Le show est ponctué par son premier single, datant de 1978, une reprise de « Ca plane pour moi » dans une version plus punk intitulée « Jet Boy, Jet Girl ». Et dans la langue de Shakespeare, s'il vous plaît ; excepté lors du refrain, que le public reprend en chœur. Un bon moment propice à la bonne humeur ; et il est impressionnant de constater à quel point un rockeur qui a roulé sa bosse à travers le monde, et a côtoyé des légendes comme Lemmy Kiliminster ou Malcom McLaren, prend encore autant de plaisir devant quelques centaines de spectateurs. (**)
Dans la tente « Wave », après Struggler, le désistement de dernière minute de Fär permet à Lizard Smile de participer à la fête. Etabli à Anvers, ce groupe réunit le bassiste Albi (Albert Van Onckelen), le guitariste Strobo (Bart Van Laeken) et le chanteur (également préposé aux visuels, beats et synths) Beatnick (Nico Van Aerde). Son 4ème opus, « Wandering in Mirrors », est paru récemment chez Wool-e-Discs. Devant quelque 150 spectateurs, le trio dispense un cocktail ‘gothic-electro-rock’ très mélodique et, ma foi, fort séduisant. Et si on pense tour à tour à The Mission, The Cure, Sisters & Fields, la signature est propre…
Un crochet rapide par la Synth-Scene permet ensuite d'entrevoir le set d’Animotion, la formation américaine responsable, en 84, de la célèbre version synth d'« Obsession », le hit de H. Knight et M. Des Barres, bien que les 'Wavers' apprécient surtout celle, sublime, de Kirlian Camera et Dive, datant de 1998. Le duo se produit pour la première fois en Belgique. Malgré un son plutôt brouillon et une voix féminine nasillarde, voire agaçante, le set satisfait sa fan base…
Changement de scène pour Dole, une formation issue d'Athus, près d'Arlon, qui compte près de 40 ans de carrière. Elle peut se targuer d'avoir bénéficié du concours de la production du regretté Adrian Borland (The Sound) et d’être la première signature sur le label belge PiaS. Et bien, franchement, les musiciens ne font pas leur âge et restent pimpants en ‘live’. Leur 'dark pop' lorgne vers The Cure et les Smiths, époque « The head on the door » et reste, ma foi, très agréable à entendre. A l’instar de « Walking on Air », « The Dream » ainsi que « Snowflakes », une nouvelle compo plus electro, au cours de laquelle le groupe adresse un clin d'oeil appuyé au « Blue Monday » de New Order. Fun !
Autre formation belge, Red Zebra met le feu à un chapiteau ‘Synth’ plein à craquer. Les chouchous du public flamand ont accompagné le W-Fest depuis les débuts et, après quelques séparations et dissensions diverses, le groupe brugeois fête ses 40 ans d’existence et se montre plus fort que jamais. Son punk pop est toujours aussi énergique et communicatif, que ce soit à travers « Spit on the City » ou « Shadows of Doubt ». Lors de ce dernier morceau, Peter Slabbynck glisse son allusion habituelle à « This is not a love song », soulignant l'évidence filiation avec P.I.L. Et le hit « I can't live in a living room » constitue, bien entendu, le point d’orgue de cette excellente prestation.
Chouette découverte live, ensuite, sous la tente ‘Wave’. Antipole est le projet du Norvégien Karl Morten Dahl et propose un post punk froid, éthéré et mélodique. Un croisement entre The Cure période « Faith » et Interpol. En tout cas, il est soutenu par un backing group au complet, au sein duquel figurent la chanteuse Eirene et le chanteur Paris Alexander, tout deux originaires de Brighton. La setlist s’appuie sur le superbe premier opus, « Northern Flux », publié l'année passée par notre ami Pedro, d'Unknown Pleasures Records. Parmi les moments forts, on épinglera « Someday 45 », un morceau caractérisé par son excellent riff de basse, « Part Deux » et, en final, « Please Let Me Sleep » puis « Narcissus ». Nice job, guys !
A 17h40, en raison d'un changement d'horaire de dernière minute, c'est le premier 'schedule clash' du festival. Il faut en effet choisir entre Shriekback sous la tente Synth et Trisomie 21 dans l'autre. Heureusement, les deux correspondants se répartissent la tâche.
Votre serviteur prend en charge Shriekback, dont le concert est très attendu. La formation anglaise a marqué les années 80 grâce à une wave-fusion teintée de funk, sise à la croisée des chemins de A Certain Ratio, Talking Heads et Gang of Four. Face à un auditoire moins nombreux que prévu, un véritable big band épaule les deux chanteurs/compositeurs, Barry Andrews et Carl Marsh. Ils sont huit sur les planches ! « All Lined Up », « Black light trap » et « Underwaterboys » passent bien la rampe, mais il manque ce petit plus pour que le show décolle. Probablement la faute au mixage ; car la basse, qui constitue normalement le point focal, la moelle épinière des compos (NDR : pensez à « My Spine is the Bassline » !), est insuffisamment mise en exergue. Une belle prestation, donc, mais qui aurait pu s’avérer bien plus percutante, si les balances avaient été mieux réglées…
A même moment, la tout grande foule s’est massée sous la tente Wave pour le concert de Trisomie 21. Il faut dire que ces Français du Nord (Valenciennes) jouent presque à domicile, peu de temps après avoir foulé les planches des Nuits Secrètes d’Aulnoye. Et nombreux sont les fans ch’tis présents dans l’audience. Actif sur le label PiaS de 1985 à 1997, le band avait été lui-même surpris de son succès international, touchant même le Canada et l’Amérique du Sud. A sa tête, on retrouve toujours Philippe (au chant) et Hervé (à la guitare) Lomprez, secondés par un claviériste. La voix de Philippe ne semble pas avoir pris une ride, même s’il reste plutôt statique sur scène, et assez mal à l'aise dans ses rares chorégraphies. On aurait aimé aussi un peu moins de samplings et un vrai batteur en chair et en os ! Mais qu’importe puisque les mélodies de « Where Men Sit », « La fête triste » et bien sûr le tubesque « The last song » résonnent comme autant d'impérissables souvenirs de jeunesse... (**)
Pressés de faire une pause dans ce marathon, musical, nous zappons honteusement Clan of Xymox. Il est vrai que le combo batave est omniprésent, lors des festivals 'dark', depuis quelques années ; et après avoir les avoir vus une dizaine de fois en ‘live’, on commence à connaître la... musique.
Marc Almond, l'ex-chanteur du mythique Soft Cell, s’était également produit dans le cadre du festival, deux ans plus tôt, lors d’une prestation cinq étoiles. On ignore si le botox est le principal responsable, mais son visage est un peu bouffi. Mais son look de Peter Pan de la Wave est inaltérable et au cours d'un set passionnant, il régale son public grâce à une succession de hits incontournables, comme « Bedsitter » ou « The Torch ». Les versions sont malheureusement moins ‘minimal synth’ que les originales, vu la présence d'un véritable batteur ; cependant, l'ensemble sonne très bien. Pendant « Jacky », la reprise de « La Chanson de Jacky », de Jacques Brel, qu'Almond a publiée en 1991, le chanteur se saisit d'une photo de Brel, tendue par un fan, et la montre au public qui répond par une clameur : un bel hommage ! Le climax atteint, bien entendu, son sommet pendant « Tainted Love », la reprise de Gloria Jones qui avait propulsé Soft Cell au sommet des charts. La compo est enchaînée, comme d’habitude, par un « Where Did Our Love Go » jouissif à souhait. Pendant un des derniers titres, « Say Hello Goodbye », Almond réalise l'exploit de tenir une note aiguë pendant quasi 30 secondes. On a même eu peur qu'il s'étouffe !
Changement radical de style ensuite car on a rendez-vous de l'autre côté de la plaine pour le spectacle des pionniers de la ‘harsh electro-indus’, baptisée également ‘aggrotech’ : Suicide Commando. Créé par Johan van Roy en 1986, le projet inclut également, lors de ses live shows, Torben Schmidt aux claviers et Mario Vaerewijck aux drums. C'est revêtu d'une chasuble noire et coiffé d'un chapeau pointu que van Roy grimpe sur le podium, pendant que les notes de « The Gates of Oblivion » retentissent. Un look gothique solennel qui, combiné aux vidéos assez 'horror movies', communique une impression générale 'dark'... très 'dark'. Mais le chanteur reprend bien vite sont look habituel pour « My New Christ », signe avant-coureur d’un set intense, palpitant, imprimé sur des beats sataniques. Van Roy arpente la scène de gauche à droite (et inversement) ; et, en bon showman, vient titiller les fans des premiers rangs, qui éructent les paroles en même temps que lui. L'ambiance est infernale et monte encore d'un cran lors de « God Is In The Rain » et « Cause of death : Suicide ».
Mais il est temps de quitter ce chapiteau pour rejoindre l’autre, car D:uel, le projet réunissant les ex-Propaganda Claudia Brücken et Suzanne Freytag, va bientôt grimper sur l’estrade. Rappelons que Propaganda était, à l'origine, un groupe allemand, formé en 1982 par Freytag, Ralf Dörper (Die Krupps) et Andreas Thein. Claudia Brücken rejoint le line up un an plus tard et le band signe alors sur fameux label de Trevor Horn et Paul Morley, ZTT Records. Cette année, profitant de la réédition de leur album culte, « A Secret Wish », les deux chanteuses rendent hommage à Propaganda dans une série de concerts exceptionnels. Sur le podium, la cinquantaine fringante, elles portent des vestes à paillettes et font une belle impression. « dr Mabuse » ne manque pas d’allure, mais dès « A Dream within a Dream », on décèle les premières lacunes et les séquences de solos réalisées à la guitare, à la batterie et aux claviers, sont un peu limite : il est clair qu'il manque Trevor Horn à la production. Confirmation, « Duel » vire carrément au massacre. Heureusement, le sublime « p:Machinery » remet les pendules à l'heure, même si le riff aux claviers est trop faible dans le mix. Un show émouvant, donc, très nostalgique, mais dont la mise en place a manqué de rigueur, voire de précision…
L'heure avance et la lassitude envahit progressivement les organismes. C'est sans doute la raison pour laquelle nous sommes restés complètement insensibles au show de Lords of Acid. Le projet de Praga Khan, lancé par le hit « I Sit on Acid » en 1988, livre des shows démentiels, puissants et agressifs mais l'ensemble ressemble plutôt à un cirque, un barnum, voire même un foutage de gueule. Le même sentiment éprouvé face aux lamentables spectacles de Marilyn Manson. La chanteuse, Marieke Bresseleers, est très sexy, se meut sur l’estrade comme une panthère en chaleur et chante comme une hard-rockeuse. Mais cette représentation navigue en permanence à la limite du mauvais goût, surtout quand apparaissent, sur l’estrade, une poupée gonflable et trois 'danseuses' proposant les plus gros clichés ‘kinky’ et ‘SM’ possibles et imaginables. Le groupe a néanmoins de (très) nombreux fans et l'ambiance est électrique. Comme quoi...
Quittons bien vite le chapiteau (de cirque) pour rejoindre une dernière fois la Synth-Scene. Le point d'orgue du festival est bien choisi : c'est Vive La Fête, le sympathique projet de Danny Mommens (ex-dEUS) et Els Pynoo. Formé en 1997, VLF est connu dans le monde entier grâce à sa pop electro-wave enjouée et irrésistible. Pour les festivaliers, les hits du groupe, que ce soit « Nuit Blanche », « La Vérité », « Maquillage » ou le nouveau « Toute la nuit », issu du nouvel LP, « Destination Amour », constituent les cerises sur le gâteau après 4 (ou 5) jours de folie. Tout le monde sourit, chante et danse et c'est donc sur une note ultra-positive que se referme le W-Festival.
Pour être tout à fait complet, ajoutons qu'Anne Clark présentait tout au long du festival un spectacle vidéo 360° ainsi qu'un showcase live dans une tente séparée en forme de dome installée au milieu de la plaine.
En conclusion, bravo aux organisateurs et aux artistes et... rendez-vous l'année prochaine pour la 4ème édition, dont l'affiche est déjà quasi-complète ! Sont annoncés The Human League, Killing Joke, The Stranglers, Alphaville, Nick Kershaw, Peter Hook & The Light, Tony Hadley (ex-Spandau Ballet), Time Bandits, China Crisis, Allez Allez, The Blow Monkeys, Toyan Schmutz, Monreal Biarritz, Johnny Hates Jazz, Rational Youth, Lavvi Ebbel, Fehlfarben, Psyche, Nitzer Ebb, VNV Nation, And One, She Wants Revenge, Blutengel, Mesh, Escape With Romeo, Merciful Nuns, Lebanon Hanover, Kowalski, The Cassandra Complex, Pink Turns Blue, Apoptygma Berzerk, Signal Aout 42, Whispering Sons, Apparaat, Desperate Journalist, Palais Ideal, Portion Control, Solar Fake, In Strict Confidence, Empathy Test, Rational Youth, Alphaville, Lebanon Hanover et Adam Ant, notamment.
Prévue au départ comme tête d'affiche, Blondie a publié un démenti sur les réseaux sociaux : une erreur commise par une agence de booking est à l’origine de ce petit couac.
(Organisation : W-Festival)
(**) Sébastien Leclercq
Ce 3ème jour du W-Festival s'annonce sous les meilleurs auspices : le temps est délicieux et l'affiche, plus qu'alléchante.
En débarquant sur la plaine d'Orroir (Mont-de-l'Enclus) à 14h, les concerts de Da Geist, l'excellent duo lillois et celui de Katrina (ex-Katrina & The Waves), se sont déjà déroulés. Mais face à la Wave-Scene, une des sensations de ces dernières années va bientôt se produire : Ash Code. ‘Il gruppo napoletano’ et She Past Away sont quasi les seuls représentants de la nouvelle génération 'wave', qui déferle depuis 2008-2010. On regrettera d’ailleurs que la programmation ne se consacre que peu aux 'jeunes pousses', préférant les anciennes gloires, voire les dinosaures, pour plus de sécurité. Enfin, revenons à Ash Code. Sur les planches, le groupe réunit les jumeaux Alessandro et Adriano Bellucio ainsi que Claudia Nottebella. Crossover entre postpunk, darkwave, synthpop et EBM, sa musique se distingue par des sonorités très classiques mais particulièrement efficaces. A cette heure encore matinale, il n'y a que 200, voir maximum 300 âmes devant le podium et le concert tarde à décoller. Mais au moment où le trio italien entame « Want », tout s'éclaire ; les rythmes claquent et l'ambiance monte immédiatement d'un cran. « Perspektive », la plage titulaire de son 3ème et plus récent elpee, et surtout « Dry Your Eyes », son titre le plus notoire, interprété en fin de set, confirment ce regain d'énergie lors d’une prestation finalement très prometteuse.
A l’instar de Sad Lovers & Giants, Modern English est une formation atypique née au tout début des eighties. Dans un style plus atmosphérique, mais à la ligne de guitare claire, elles ont eu une influence majeure dans l’histoire de la musique pop/rock, sans pourtant récolter le succès mérité, même celle qui nous concerne, en cette fin d’après-midi, a décroché un énorme tube ? Intitulé « I melt with you » et gravé 1982 (voir clip ici), il a également servi de B.O. pour le film « Valley girl » de Rachel Goldenberg, en salle l’année suivante. (*)
C’est ce morceau qui clôt un set d’excellente facture, un titre que la foule reprend à l’unisson en frappant des mains. Du line up initial, 4 des musiciens sont toujours au poste, soit le claviériste Stephen Walker, le bassiste Michael Conroy (NDR : de petite taille, lunettes vissées sur le nez, on dirait un fonctionnaire), le chanteur Robbie Grey (NDR : raide comme un piquet, on dirait le sosie de Hergé) et le guitariste Gary Mc Dowell (NDR : qui a eu la gentillesse d’accorder une interview à Musiczine). Lui il a toujours un fameux look ! Cheveux en broussaille et barbe longue, tatoué, même sur le visage, et affublé d’un costume imprimé en peau de léopard, il joue de la guitare en se servant d’un tapis de pédales et parfois jette un oeil sur une partition posée sur un chevalet, à sa droite. Roy Martin remplace Richard Brown, à la batterie, depuis la reformation du quintet, en 2010. Et il assure. Le son est puissant dès les premiers accords. Mieux vaut donc suivre la prestation, aux abords de la table de mixage. Et manifestement, il est distinct. Le band a le bon goût de proposer des morceaux issus de son dernier elpee, « Take me to the trees ». Et tout particulièrement « Trees » et « Moonbeam », une composition réminiscente de Wire, malgré les interventions vintage du synthé. Mais il n’en oublie pas pour autant ses titres les plus notoires, comme « Someone’s calling » « Gathering dust » et « Into the darkness ». Grey pratique toujours cette même gestuelle pour dépeindre ses chansons, galvanise la foule, l’invite à frapper dans les mains, quand il ne vient pas taquiner ses comparses. Amusantes, ses attitudes, sont comparables à celles d’un personnage de BD (NDR : Tintin ?) Etonnant, quand il ne déclame pas, il chante bien mieux que sur les compos de son dernier long playing. L’auditoire apprécie manifestement le show, répond aux sollicitations du chanteur et applaudit à tout rompre. Un très chouette concert qui aurait mérité une prolongation ; mais surtout un set dont la musique n’a pas pris une ride. Par rapport à de nombreux groupes ou artistes qui ne vivent que de leur glorieux passé, c’est une fameuse référence ! (*)
Vu qu'il faut également se restaurer et, surtout, se rafraîchir, on snobe honteusement Charcoalcity et Nouvelle Vague. Ces derniers écument depuis longtemps nos contrées et ses reprises lénifiantes de hits new wave en mode bossa-nova de supermarché finissent par agacer. Enfin, pas la foule présente qui semble apprécier. Rob Grey vient pourtant faire, lors du dernier morceau, son apparition, sur le podium, pour chanter en duo. Paradoxalement, ce sont ces cover bands qui attirent le plus de peuple, lors des petits festivals. Et pourtant, en général, ils ne font que reprendre le rôle d’orchestres de bals populaires organisés dans les villages, au cours des 60’s et 70’s…
C'est donc vers 17h que le véritable cours du festival reprend ses droits. Et pour notre plus grand plaisir, puisque Marsheaux se produit, sous le chapiteau 'Wave'. Ce duo féminin de synthpop a été créé à Athènes en 2009 par Marianthi Melitsi et Sophie Sarigiannidou. Le patronyme ‘Marsheaux’ s’inspire d’ailleurs de leurs deux prénoms. Soutenues sur l’estrade par deux musiciens pilotant des machines, les deux beautés hellènes nous ensorcèlent rapidement par leurs mélodies suaves et leurs arrangements voluptueux. Lors du lumineux « Summer » et le séduisant « Now You Are Mine », les influences de Ladytron et Fisherspooner sont palpables. Et ce sont de très belles références, il faut l’avouer. En outre, les lignes de synthés qui alimentent « Dream of a Disco » évoquent OMD. Autre jolie référence, avouée, celle-là : Depeche Mode. Marsheaux adapte en effet « Now This Is Fun », issu de « Broken Frame » (82). La version est considérablement ralentie, ce qui accentue le côté hypnotique de la composition. Une jolie prestation qui a traversé le festival, comme un éclair de lumière…
L’interview d’Ash Code, réalisée dans la press room, se déroule pendant le show The Devil and The Universe, un combo autrichien de neo-folk/dark ambient. Ashley Dayour, Stefan Elsbacher et David Pfister décrivent leur musique instrumentale comme de la ‘Goat Wave’ ('goat' signifie 'bouc'), une allusion à Baphomet, le dieu/démon à tête de bouc, dont les musiciens adoptent le masque en ‘live’ et dans leurs vidéos. Au loin, on perçoit quand même l'ambiance hypnotique, voire tribale du concert, qui navigue quelque part entre In Slaughter Natives, Enigma et Restive Plaggona. Un peu comme si Dead Can Dance embrassait l'esthétique satanique. Son dernier opus, « Folk Horror », est paru chez Aufnahme + Wiedergabe. Et il est à découvrir absolument !
L’épopée new wave se poursuit, mais sous la tente 'Synth' ; et c'est Heaven 17 qui s'y colle. Ce combo synthpop britannique est originaire de Sheffield. Il s’était déjà produit dans le cadre du festival, il y a deux ans. Il a été formé en octobre '80 par Martyn Ware et Ian Craig Marsh, après avoir quitté Human League, brouillés avec Phil Oakey. Rejoints par Glenn Gregory, les Anglais rencontrent un succès conséquent au cours de la première moitié des eighties. Ian Craig Marsh a quitté le line up en 2006, mais la prestation, rehaussée par la présence de jolies choristes, est toujours parfaitement en place. Du set on épinglera surtout « We don't need that Fascist Groove Thang », « Circus of Death », la reprise du « Let's Dance » de David Bowie et, bien entendu, « Let Me Go »...
‘Let Me Go’ : ça tombe bien : laisse-moi partir ! Car sur l'autre podium, le concert, très attendu de She Past Away, un duo issu de la nouvelle génération, va bientôt commencer. D'origine turque, il implique aujourd'hui Volkan Caner et Doruk Ozturkcan et propose un post punk teinté de darkwave et de gothic rock. Mais le chant en turc surprend ! Sur les planches, les morceaux sont interprétés exactement comme sur disque. Mais visuellement, la paire assure le minimum syndical. Visiblement assez timides, les deux compères sont très statiques et se concentrent sur leur musique. La voix de Volkan Caner rappelle clairement celle d'Andrew Eldritch, mais sans la hargne et sans les c********. Heureusement, les compositions tiennent très bien la route, surtout « Ritüel » et « Katarsis ». Résultat des courses, les fans du groupe, très nombreux dans un chapiteau plein à craquer, accordent une véritable ovation à ce tandem promis à une belle carrière.
Après Limahl, l'ex-chanteur de Kajagoogoo, qui a ravi les nostalgiques sur la Synth-Scene en interprétant les hits : « Too Shy » et « Never-ending Story », ainsi que quelques reprises dispensables, on passe sans transition à Front Line Assembly, une formation créée en 1986 par le Canadien Bill Leeb, transfuge de Skinny Puppy. Bien qu’ayant déjà assisté aux concerts de FLA, à quatre reprises, celui-ci va se révéler tout bonnement hallucinant. Sa musique hypnotique, dont la base est l’EBM, est enrichie par des accents darkwave-electro-indus et empruntent une dimension 'big beat', très susceptible de faire penser à Fatboy Slim ou aux Chemical Brothers. Le tout, combiné à la touche tribale imprimée par le batteur et les percussions que se réserve, entre autres, le chanteur en personne. C'est un peu comme du Front 242 sous acide. La version live de « Plasticity », par exemple, s'étend sur près de 12 minutes. Une succession irrésistible de progressions électroniques, changements de dynamique et chants incantatoires d'une puissance inouïe. Un grand moment !
Pour clore la soirée, Paul Young est programmé sur la Synth-Scene ; mais après un rapide coup d'œil, tout en tendant l’oreille, à l'intérieur du chapiteau, il faut se rendre à l'évidence : Paul est plus 'old' que 'young' et il n'a plus beaucoup de voix. Il peine a exécuter (c'est le mot) ses propres chansons et quand il décide de massacrer « Love Will Tear Us Apart », une envie irrésistible de rejoindre ses pénates envahit votre serviteur. D’autant plus que demain, dimanche, le dernier jour du marathon l’attend…
(Organisation : W-Festival)
(*) : B.D.
Ce vendredi, c'est le 2ème jour du W-Festival et sur la plaine du Mont-de-l'Enclus, les festivaliers sont prêts à accueillir une nouvelle salve de groupes et artistes des mouvances ‘dark’ (new-wave, synthpop, darkwave, …) Un beau soleil inonde tout le site. Quel contraste par rapport au déluge qui s’est abattu, la veille, en fin de soirée.
A 13h20 tapante, Flesh & Fell ouvre le feu sur la Synth-Scene. Créé par Pierre Goudesone, ce projet belge a sévi au cours des années 80 et a été reformé en 2011, mais en compagnie d’une nouvelle chanteuse : l'excellente Laurence Castelain (aussi chez Alk-A-Line). Au W-Fest, il présente son nouvel opus, « Icarus », qui célèbre les 30 ans du groupe. Cet elpee et le précédent constituent l'essentiel de la setlist, qui recèle néanmoins quelques classiques, dont « Hunger » et « The Wind ».
L’estomac crie famine ! Il est temps d’aller se restaurer. Par conséquent, Doganov, le groupe belge de 'heavy-gothic rock', Altered Images, la formation responsable des hits « I Could Be Happy » et « Happy Birthday » ainsi que Monica Jeffries et Me The Tiger passent malheureusement à la trappe…
On est de retour pour Orphaned Land. A l’instar de Machiavel, la veille, cette formation israélienne sort complètement du cadre 'new wave' prôné par le festival. Mais pourquoi pas, quand on veut varier les plaisirs… Actif depuis 27 ans, il infuse son prog-metal de sonorités orientales et de musiques traditionnelles. Malheureusement, malgré la qualité des compos et les messages de paix délivrés par le chanteur, le concert n'est guère convaincant. L’instrumentation ‘live’ ne parvient pas à s’intégrer aux bandes qui tournent en play-back. Résultat des courses : c’est brouillon ! A découvrir sur disque ou alors, si c’est en concert, sous la houlette d’un ingénieur du son compétent !
La Synth-Scene est déjà bien remplie à 16h pour la prestation de Peter Godwin, un chanteur anglais qui a décroché quelques hits au cours des eighties. Sa synthpop est sirupeuse, trop sans doute. Il affiche un look de ‘vieux beau’ à la Pierce Brosnan et ses attitudes précieuses frisent le ridicule. Heureusement, « Criminal World », d'ailleurs repris par Bowie, « The Art of Love » et surtout « Images of Heaven » sortent quelque peu du lot...
Pendant ce temps, Echoes of Yul, le projet polonais emmené par Michał Śliwa, déroule sans grande conviction ses sonorités dark/ambient/drone/doom.
Bref, pas la peine de trop s’attarder, car A Flock of Seagulls, une formation anglaise qui a marqué l'époque new wave, grâce à un style rock/pop synthétique très efficace et au charme irrésistible, s’apprête à grimper sur les planches. Bon : au niveau du look, c'est râpé : le chanteur a troqué sa célèbre crête punk blonde contre une coupe à la Bruce Willis et affublé d’une veste argentée, on dirait un 'Bonhomme Michelin' qui aurait été kidnappé par les Aliens. La voix a mûri, mais ne parvient plus à passer l’octave supérieure. Cependant, plus rock, la musique passe bien la rampe. Des hits comme « Modern Love is Automatic », « The More you Live the More you Love » et, bien sûr, « I Ran » n'ont pas pris une ride et on se rend compte à quel point certains groupes contemporains ont pillé le style des volatiles, surtout Arcade Fire. Première belle surprise de la journée !
Quant à Dive, il n'y a pas de surprise ! Ce projet electro-indus de l'hyperactif Dirk Ivens (NDR : aussi derrière The Klinik, Absolute Body Control et Sonar) est devenu notoire pour ses concerts-tueries. Et il ne dérogera pas à la règle. Comme pour D.A.F. la veille, c'est simple, minimaliste même mais... ça déchire. Ivens est seul sur l’estrade, soutenu par une bande-son et des stroboscopes ; mais son énergie est impressionnante. Que ce soit sur « Underneath », « Far Away » ou « Bloodmoney », le son est puissant et on l’encaisse comme un coup de poing dans la figure. Il faut dire que Borg (Bodybeats, The Klinik, Juggernauts), le fidèle comparse d'Ivens, est derrière les manettes. « Power of Passion » vire à l'indus-noise et devient quasi-bruitiste. En fin de set, « Concrete Jungle », un morceau découpé par un riff d'infrabasses jouissif, suivi de deux reprises de The Klinik (« Sick... » et « Moving Hands »), passées ici à la moulinette, provoquent un orgasme auprès du public massé dans un chapiteau 'Wave' affichant 'complet' : un grand moment !
Bow Wow Wow est une formation emblématique de la new wave, fondée en 1980 par le manager Malcolm McLaren. Responsable d’une musique percussive, elle est fortement influencée par le rockabilly et la world, tout particulièrement celle issue du Burundi. Pour former le line up, ce dernier avait recruté des musiciens chez Adam & The Ants, dont Annabella Lwin, qui n’avait alors que 13 ans. Cette dernière avait alors suscité la controverse, en posant nue sur ses premières pochettes, un peu dans l’esprit de la toile d’Edouard Manet, ‘Le déjeuner sur l’herbe’. Faut dire que la nénette n’a pas froid aux yeux et n’hésite pas à se produire en petite culotte… ou presque. Comme en ce début de soirée, vêtue d’une robe ultra-courte à motifs jaunes et noirs. Ah, fallait quand même le préciser, Annabella ne joue plus chez Bow Wow Wow, au sein duquel, d’ailleurs, ne figure plus que le seul Leigh Goman comme membre originel, mais se produit subtilement sous le patronyme d’Annabella’s Bow Wow Wow. Ce qui ne l’empêche pas d’interpréter des titres de son ancien groupe ou encore des reprises, dont « These Boots Are Made for Walkin' » de Lee Hazlewood ainsi que « I Want Candy » des Strangeloves. Bien qu’ayant pris des rondeurs, elle est encore jolie et puis, c’est une véritable pile électrique qui parcourt le podium de long en large. En outre, sa voix est toujours aussi spasmodique et aiguë. Son drummer est excellent et semble avoir bien assimilé la technique de Dave Barbarossa, produisant parfaitement ce groove si caractéristique. La première moitié du set est particulièrement sauvage et ludique, le gratteur à la belle guitare blanche et le bassiste participant activement à ce débordement d’énergie ; avant que le soufflé ne retombe, pour laisser place à des morceaux plus pop, mais moins intéressants. L’occasion d’aller prendre un rafraîchissement, avant la pièce de résistance… (*)
De retour sous le chapiteau 'Wave', une foule compacte attend Die Krupps. Un groupe qui a tout simplement ouvert la voie (royale) à Rammstein. Dès les premières notes de « The dawning of doom », on a l’impression d’entendre « Tier » voire « Engel », deux compos de leurs compatriotes. Et l’intro de « Crossfire », intégrée en milieu de set, n’est pas sans rappeler le « Sehnsucht » de leurs voisins pyromanes. On pourrait encore citer « Hi tech/low life » comme titre plagié. Pas besoin de feux d’artifices ni de mise en scène théâtrale pour Die Krupps. Sa déferlante EBM et indus s'abat sur la plaine tel l’orage qui a secoué la région, la veille. Le leader, Jürgen Engler, a pour seul artifice un instrument de percussion industriel composé de 4 gros tubes cylindriques, sur lequel il s’acharne à la manière d’un N.U. Unruh (NDR : Einsturzende Neubauten). Et tout particulièrement tout au long de « Wahre arbeit », moment au cours duquel, le micro est tendu vers le public pour qu’il reprenne en chœur le refrain binaire ‘Lohn – Arbeit’. Les compos défilent comme des uppercuts, mais toujours avec ce sourire et cette sympathie qui animent les membres du groupe. Regardez d’ailleurs leur clip video « To the hilt » ici pour bien percevoir leur humour. (**)
Dans la lignée, la réputation de Project Pitchfork n’est plus à faire. Il compte d’ailleurs 3 décennies de carrière. Le combo hambourgeois a fondé son propre label (NDR: Candyland Entertainment) avant de signer sur une major (Warner), fin des années 90. Le leader Peter Spilles et le claviériste Dirk Scheuber sont présents depuis les débuts de l’aventure. Ce soir, ce dernier apparaît métamorphosé, aminci, à la coiffure bien plus nette qu’auparavant, et sort d'une cure de désintox, paraît-il. En tout cas, le quatuor hanséatique confirme à nouveau son statut de référence du genre darkwave. Derrière la voix rauque de Peter, se cachent des lyrics intéressants défendant l’écologie ou les risques de l’évolution humaine. « Time killer », « Rain » ou « Beholder » sont autant de singles qui font bondir la foule et déclencher des pogos devenus rares au sein des festivals. Une prestation 5 étoiles, clôturée par une ovation du public dont se rapprochera le chanteur, visiblement ému par un tel accueil. (**)
Pendant ce temps, sur la Synth-Scene, ABC en étonne plus d'un en livrant une prestation en tous points parfaite. Fondé en 1980, il est toujours drivé par le très classieux Martyn Fry, et se pose en véritable 'big band'. Non moins de huit musiciens occupent le podium et on se croirait à Las Vegas tant leur apparence est soignée et leur jeu, professionnel. Vêtu d’un costume impeccablement taillé, Fry affiche un look de Lord Sinclair et le temps ne semble pas avoir eu davantage de prise sur sa voix. La setlist est un feu d'artifice de hits dans le style typiquement disco-wave teinté de soul qui a fait la célébrité des natifs de Sheffield. Quant au son, il est simplement exceptionnel. Chaque instrument est clair, distinct et parfaitement équilibré : un fait très rare ! Les tubes font bien entendu mouche : « Poison Arrow », « All of My Heart » ou « The Night you Murdered Love ». « When Smokey sings » rend un hommage touchant à Smokey Robinson et à la soul en général. Venu en masse, le public fait ensuite un triomphe au groupe pendant « The Look of Love », sans conteste son plus grand hit. En un mot comme en cent : ce groupe nous a étalé l’ABC de la classe...
Pour clôturer cette journée, les organisateurs ont cassé leur tirelire et ont invité Kim Wilde, la reine de la synthpop, qui fait pour l'instant une seconde carrière étonnante, déplaçant les foules dans l'Europe entière. Pour se rendre compte de la popularité, hallucinante, de l'Anglaise, il suffit de regarder les premiers rangs de la Synth-scene. Plusieurs centaines de fans sont massés devant les barrières depuis plus de 3 heures, attendant impatiemment leur idole. En raison de problèmes techniques, le show accuse 20 minutes de retard et c'est une véritable ovation que reçoit la belle blonde au moment de monter sur l’estrade.
Evidemment, les années ont passé et la jeune fille élancée a fait place à une femme mûre aux formes plus rondes. Mais le caractère est toujours bien là : Kim Wilde est souriante, enjouée même et sur « Chequered Love », elle s'amuse avec le public et ses musiciens. Dans le groupe, on retrouve bien entendu son frère Ricky, co-compositeur et producteur, que la chanteuse présente comme ‘celui sans lequel rien de tout ceci ne serait arrivé’. Les hits sont interprétés dans des versions plus 'rock' que les originaux, ce qui permet de passer un petit coup de baume sur les « Cambodia » et autre « You Came ». La ferveur est telle dans les premiers rangs que deux personnes doivent être évacuées au-dessus des barrières Nadar en raison d'évanouissements. La 'Wildemania' continue sur le dernier morceau, la reprise des Supremes, « You Keep Me Hanging On ». En rappel, Kim Wilde présente un nouveau morceau, « Pop Don't Stop », tiré de son nouvel album : « Here Come The Aliens » et le final est, comme on s'en doutait, consacré à « Kids In America », le premier hit de Kim Wilde, sorti en 1981. Malgré quelques petites fausses notes et un côté un peu agaçant, le concert est une vraie réussite et aura au final ravi tous les fans...
(Organisation : W-Festival)
(*) BD
(**) Sébastien Leclercq
Le nouveau clip de Julia Guez, « Le Train » (à voir ici), extrait de l’album « Champs-élysées, souffle un vent de fraîcheur en plein heure d’été. Julia Guez a sillonné les Etats-Unis avec le réalisateur Yannick Saillet (Les Enfoirés, Soprano, Jean-Jacques Goldman) pour le réaliser. Un road trip à couper le souffle ! Une idée de périple inédit, d’une côte à l’autre des Etats-Unis, qui nous plonge au cœur de paysages américains sublimes et surprenants…
Sur ce morceau électro/pop au refrain entêtant, elle chante avec énergie et passion, un grand départ. Un moment clé où quelque chose bascule dans la tête et qu’une fenêtre s’ouvre. On sait alors qu’il est temps de foncer et de prendre la route…
https://www.facebook.com/Julia-Guez-647778575358657/
Le W-Festival (‘W’ pour ‘Wave’ !) a été créé, il y a 3 ans, pour se consacrer, comme son nom l'indique, à la new wave et aux courants musicaux dits 'dark' (darkwave, EBM, synthpop, cold-wave, etc). La première édition s’était déroulée à Wortegem, et avait accueilli, entre autres, Peter Hook, Alphaville et Marc Almond. En 2017, le festival était passé à un stade supérieur et avait pris ses quartiers sur le site de l'aéroport d'Amougies. Au programme, trois jours (dont un premier exclusivement réservé aux campeurs) rythmés, notamment, par la musique de Front 242, Human League, Anne Clark, etc. Cette année, le W-Festival prend une nouvelle envergure, car il s'étend sur 4 jours (outre le concert de Peter Murphy en lever de rideau) et bénéficie de deux chapiteaux, plantés sur un nouveau site, toujours à Amougies, dans l’entité de Mont-de-l'Enclus. Côté line up, ce n'est plus une vague, mais un tsunami : pas moins de 62 groupes ou artistes vont se relayer pendant ce qui est bel et bien devenu le plus grand festival 'dark' de l'année en Belgique, voire même en Europe (seuls le Wave Gotik Treffen et le M'era Luna le sont encore davantage).
Il est vrai que la musique des années 80 et les sonorités plus sombres redeviennent 'in' ces derniers temps ; et de plus en plus de formations ou d’artistes s'inspirent de la synthpop, la cold wave ou l'EBM. Les organisateurs ont donc eu la bonne idée de mélanger les 'classiques' des années 80, comme Marc Almond (Soft Cell), D.A.F., Kim Wilde, ABC ou Propaganda (sous le patronyme de D:uel) à des grands noms de la 'darkwave' des 90’s (Project Pitchfork, Front Line Assembly, Die Krupps), sans oublier d’y insérer les 'petits jeunes' qui montent, comme par exemple, She Past Away ou Ash Code.
Par principe, la ‘Synth Scene’ va se concentrer sur les formations synthpop et new wave des années 80, alors que la ‘Wave Scene’, se focalisera sur la darkwave des années '90-00’, ainsi que sur la scène plus contemporaine.
Ce sont les Christians qui ouvrent les hostilités sur la Synth Scene. La formation liverpuldienne est surtout notoire pour son hit « Words », paru en 1990. De la formation originale, il ne reste plus que Garry Christian, le chanteur. Teintée de soul, sa synthpop tient la route ; mais à cette heure quasi-matinale, il n'y a pas grand monde devant le podium, au grand dam du vocaliste, qui commet l'erreur de s'en plaindre ouvertement...
Après le duo polonais electro-darkwave Dark Side Eons, place à The Wedding Present. Originaire de Leeds, la formation emmenée par David Gedge est responsable d’une power pop aux accents post punk, dans la veine des Buzzcocks, Fall ou Gang of Four. L'ambiance est chouette et quelques fans, aux premiers rangs, encouragent les musiciens.
Roza Parks, dont le patronyme est emprunté à la célèbre activiste noire Rosa Parks, est le premier combo belge à fouler les planches de la Wave Scene. Issu de Peer, il pratique une forme de wave-shoegaze réminiscente de Joy Division et Sisters of Mercy. Les musicos se décrivent comme 'Ian Curtis embrassant PJ Harvey tandis que les Foals font un boeuf avec DAF'. Dommage que le résultat ne soit pas à la hauteur des références...
Machiavel constitue la première entorse au concept du festival. Il est alors 15 heures. On sort de la ‘Wave’ et on élargit le 'scope'. Il faut dire qu'Amougies hérite d’une tradition rock bien ancrée, vu que son édition légendaire, qui s’est déroulée en 1969, a longtemps été considérée comme un 2ème Woodstock. Soucieux de rendre hommage à cette filiation (NDR : suivant les informations recueillies, l'an prochain, l'hommage devrait être davantage mis en exergue). Eric De Ridder, le boss du W-Fest, a donc prévu quelques surprises, afin de diversifier quelque peu la programmation. Machiavel en fait partie. Pionnier du prog/rock belge et reconverti ensuite à une pop 'fusion', il honore, tout simplement, ses engagements pris avant la mort, en janvier dernier, de son regretté chanteur, Mario Guccio. C'est Marc Isaye, le batteur (et par ailleurs boss de Classic 21), qui se charge des parties vocales. Il est soutenu par la choriste, Laura, tandis que Roland de Greef –du line up originel– se réserve la basse, Christophe Pons, la guitare, et l'excellent Hervé Borbé, les claviers. Le répertoire alterne entre classiques prog/rock (« Rope Dancer », « After The Crop ») et morceaux plus pop (« Over The Hill »), sans oublier quelques compositions plus récentes, fortement teintées de blues/rock. Comme on le redoutait, Marc Ysaye n'a ni la maîtrise vocale ni la présence de Guccio et l’ennui commence à s’installer, sauf, évidemment, lors du hit incontournable, « Fly ».
Vers 16h, la plaine commence tout doucement à se remplir et c'est sous un chapiteau Wave quasi-complet que Parade Ground entame son set. Réunissant les frères Jean-Marc et Pierre Pauly, ce duo belge a été un des fers de lance de l'EBM et de la cold wave, de 1981 à 1988. Au W-Fest, son show est, une fois de plus, très intense et passionnant. Jean-Marc, flotte, comme d’habitude, dans un costume noir trop large pour lui, mais chante énergiquement, au point de quelquefois s'époumoner, tandis que Pierre passe du mini-korg au chant en multipliant les chorégraphies hyperactives. Le tandem dispense une forme d’Electro Body Pop hypnotique et mutante, comme si l’ADN de Front 242 avait été contaminé par celui de Tears For Fears. La setlist recèle une majorité de classiques mais aussi quatre tout nouveaux morceaux, que l'on est impatients de (re)découvrir lors de la sortie de son prochain long playing. Superbe concert !
Il est temps ensuite de s’accorder une petite pause ; et tant pis pour Wang Chung (le band britannique n’a finalement qu'un seul véritable hit à son actif, « Dancehall Days », publié en 84) et Roland Gift, ex-Fine Young Cannibals (on se souvient de « She Drives Me Crazy »). Pendant ce temps, sous la tente Wave, Pro Patria ravit les partisans d'un 'harsh électro-indus' proche de Hocico. A noter que ce projet créé par Peter Vercauteren en 1988 vient juste de renaître de ses cendres après une longue traversée du désert. Jérémie Venganza (Super Dragon Punch) se consacre à la batterie et Sebmer Blondwülf aux claviers…
Le temps de siroter une petite bière et on a rendez-vous avec une des têtes d'affiche du jour : A Split Second. Fondé en 85 par Marc Ickx et Peter Bonne, ce groupe belge jouit encore d'une énorme popularité en Flandre. Ce qui explique pourquoi le chapiteau Wave est bondé dès les premières notes de « Colonial Discharge ». Malheureusement, cette excellente compo n'est exécutée qu'à moitié, le band switchant en milieu de parcours vers un « Rigor Mortis » aux accents new beat. Sur les planches, tous les regards convergent vers Marc Ickx. Son look est imposant et son attitude, sauvage. Le son, assuré aux manettes par Borg (Bodybeats, Klinik, Juggernauts), est puissant et précis. Le public se régale en écoutant les hits tels que « Colosseum Crash », « Backlash » ou « On Command ». Mais le paroxysme est atteint sur « Bend My Body Armour » et surtout « Flesh », le plus gros tube du band, qui constitue, selon la légende, les prémisses de la new beat.
Contraste quasi-surréaliste, on passe ensuite à Axel Bauer sous une tente 'Synth' à moitié remplie (NDR : ou vide, selon). Un grand écart digne de JCVD ! A ce moment, le soleil tape fort sur la plaine et les festivaliers privilégient la bronzette. Le chanteur français propose pourtant un pop/rock de qualité, mélodique et parfaitement maîtrisé. Les musiciens du backing group font correctement leur job et Bauer excelle dans l'exercice des solos de guitare. Un peu trop d'ailleurs, car quand il reprend le « Voodoo child » de Jimi Hendrix, c'est franchement 'too much'. Heureusement, il sauve les meubles grâce à une version super-maxi de son seul véritable hit : « Cargo ». On est passé très près du « Cargo d'ennui » !
Retour sous la tente Wave pour Covenant, une des formations les plus illustres de la darkwave des années '90-00’. Les Suédois ont commis quelques albums devenus des références absolues dans le style 'Futurepop'. Ils pratiquent une musique électronique majestueuse et hyper-dansante, soulignée par le chant mélodique habité et inspiré d'Eskil Simonsson et, bien sûr, infusée par une indispensable touche gothique. Ce soir, Daniel Myer est de la partie. Une bonne nouvelle, car omniprésent (NDR : il participe à une kyrielle de projets), c’est un magicien des sons. La prestation de ce soir est fidèle à la réputation de 'killer act' du band. L’auditoire est canardé par une succession de bombes electro comme « Like Tears in Rain », « Bullet » ou « King of My Domain ». Après une séquence plus calme, d'ailleurs un peu trop longue, « Bring The Light » sonne le galop final. Un titre au sein duquel Daniel Meyer injecte une énergie hallucinante, avant que le groupe ne ponctue son set par « Call the Ships To Port ». Beau concert, même les plages un peu trop paisibles auraient pu se substituer à d'autres brûlots comme « Dead Stars » ou « I Stand Alone ».
Si Midge Ure a sévi au sein de Slik, Rich Kids et Thin Lizzy, c’est chez Visage et surtout Ultravox qu’il a rencontré le plus de succès. L’an dernier, il a publié « Orchestrated », un elpee au cours duquel il revisite certains titres de sa carrière solo, mais aussi de son aventure vécue chez Ultravox. Il y a du peuple devant la Synth scene, et lorsque le quatuor grimpe sur l’estrade, il est accueilli par une énorme ovation. La boule à zéro, Midge Ure se charge de la guitare (électrique et parfois acoustique) et du chant, et sa voix n’a rien perdu de sa superbe. Il la maîtrise toujours aussi parfaitement, montant dans les aigus ou la rendant emphatique, suivant les émotions qu’il cherche à communiquer. En outre, il peut s’appuyer sur l’excellent backing vocal du bassiste, dont la longue et fine barbe en triangle doit bien mesurer 20cm. Le line up est complété par un claviériste et un drummer. Le set s’ouvre par « Call of the Wild ». Le son est excellent. Et puis surtout, si les versions originales reposaient sur des sonorités électroniques, sous une forme organique, ils prennent une autre dimension. Un sentiment de nostalgie envahit la foule, qui chante, danse, frappe des mains (parfois à l’invitation de Midge) sur des grands classiques comme « Fade To grey » de Visage, « Vienna », sans violon, mais particulièrement électrique (NDR : cette envolée !), « The voice », moment choisi par Midge pour rejoindre le claviériste derrière ses ivoires, « Hymn », au cours duquel la foule reprend en chœur la fameuse phrase ‘Give us this day all that you showed me / The power and the glory / Til my kingdom comes’, « If I was » et en final un « Dancing with tears in my eyes », qui touche la sensibilité profonde de certains aficionados, au point d’embuer leur mirettes… Le plus étonnant, c’est que plusieurs jours après ce concert, les mélodies de ces chansons trottent encore dans la tête de votre serviteur. Le concert était certainement très pop, mais qu’est ce qu’il a fait du bien ! (*)
On ne sait si c'est un mauvais signe, mais au moment où Chameleons Vox monte sur la Wave Scene, il se met à pleuvoir des cordes ! Pourtant, personne ne peut reprocher à Mark Burgess, le chanteur historique des Chameleons, de chanter faux. A la tête de son groupe mancunien, il a défini un style post punk psyché unique et incomparable de 81 à 86. En 2009, après un long hiatus, Burgess et John Lever, le batteur historique, malheureusement décédé l'année dernière, ont repris le flambeau sous le patronyme Chameleons Vox. Ce soir, la magie opère à nouveau. La personnalité de Burgess, attachante et sensible, rallie tous les suffrages et le public fait un triomphe aux merveilles que sont « A Person Isn't Safe Anywhere These Days », « Monkeyland » et surtout « Second Skin », probablement une des plus belles compositions dans l'histoire du rock. S'étendant sur près de 8 minutes, elle permet à Burgess et son band de dérouler une musique hypnotique et quasi mystique, alors que des bulles de savon se mettent à planer au-dessus des premiers rangs et du podium. Un grand concert, marqué par la conjugaison savoureuse entre les cordes carillonnantes des deux gratteurs et rehaussé par la maîtrise aux manettes de Kenny KGB (Simi Nah).
C'est en pataugeant dans la boue que les festivaliers doivent ensuite traverser la plaine pour rejoindre la Synth Scene, où D.A.F. a déjà entamé son set. Les pionniers de la musique électronique et de l'EBM sont rompus au haut de l'affiche lors des festivals 'dark' et une fois de plus, Gaby Delgado et Robert Görl démontrent ici que, près de 40 ans plus tard, leur musique est toujours aussi irrésistible. Imaginez le côté rythmique répétitif du krautrock et de Suicide, combiné à la puissance des riffs de basse synthétique et le chant incantatoire de Delgado (soit en allemand ou en espagnol), et vous obtiendrez des bombes atomiques. « Der Mussolini » et « Sato Sato » mettent tout le monde d'accord. Görl assène ses coups de caisse claire tandis que Delgado arpente inlassablement l’estrade en éructant comme un possédé. C'est simple, minimaliste même, mais le public ne peut s'empêcher de danser et de crier. Un point d'orgue idéal pour cette première journée de festival. Vivement demain ! Enfin, en espérant que la pluie cesse… sans quoi ce sera le cloaque !
(* : BD)
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