Le groupe parisien Ellside présente Run Away, son concept album naviguant entre ombre et lumière pour un voyage qui durera un an. Une lente année pour dévoiler 6 chapitres de 2 chansons, 12 titres qui narrent l'histoire de Light.
Le groupe invite les auditeurs à suivre son personnage principal pendant une quête personnelle, introspective et viscérale, inspirée de l'univers de Dante. Pour ce faire, Shake (guitare) et Pierre (chant/guitare rythmique) sont unis par la vie depuis 2012. A partir de 2018, les deux musiciens sont rejoints par Blaze (basse), plus tard par Nicolo (batterie) et enfin, récemment, par Greg (guitare rythmique, chœur). Le combo peut dès lors se mettre à la longue composition ambitieuse de son premier album qui se verra réalisée par Fred Duquesne (Mass Hysteria, Ultra Vomit, Tagada Jones...).
A l'heure des singles éphémères sur les plateformes, le groupe fait un choix sérieux : servir une histoire complète mais feuilletonnante qui développe un propos universel et supérieur.
Ellside présente ici « Kickout", son nouveau single. Il s’agit d’un titre lumineux, résolument Pop Punk. Après avoir traversé l’obscurité, les délires, la peur, il prend conscience de sesblocages et décide d’en sortir.
Le morceau évoque une prison mentale, une peur sociale, une mauvaise image de soi. La musique est rapide, catchy, entraînante, avec une vibe très live-friendly, parfaitement dans la tradition Pop Punk (à la Blink-182, Sum 41, Neck Deep). Ce titre sonne comme la victoire d’un combat intérieur, mais sans prétention ni solennité.
Le morceau est à écouter ici.
Deep Purple sortira son nouvel album studio « SPLAT ! » le 3 juillet chez earMUSIC.
Avec plus de 120 millions d’albums vendus depuis sa formation en 1968, Deep Purple a solidement inscrit son nom dans l’histoire du rock. Loin de se contenter de préserver cet héritage, le groupe continue de l’enrichir, porté par l’élan créatif qui caractérisait déjà ses débuts. Le chanteur Ian Gillan déclare : ‘La formation actuelle de Deep Purple reflète pleinement ce que serait une version très contemporaine du groupe tel qu’il existait dans les années 70’.
Une fois encore, le groupe s’est entouré du producteur reconnu Bob Ezrin (KISS, Pink Floyd, Lou Reed, Alice Cooper). Ensemble, ils ont conçu un album qui puise dans le son et l’attitude ayant toujours distingué Deep Purple. « SPLAT ! » est l’album le plus puissant du combo depuis de nombreuses années, enregistré en studio en conditions live, comme Deep Purple l’a toujours fait.
Ian Gillan précise : ‘Je dois dire qu’aujourd’hui, nous sommes revenus à un répertoire en adéquation avec « Highway Star », « Smoke On The Water », « Lazy » — avec la dynamique, l’équilibre et le plaisir qui caractérisaient la musique que nous avons créée entre 1969 et 1973’.
Au cœur de « SPLAT ! » se trouve une idée imaginée par Ian Gillan. Plutôt que d’aborder la fin comme une destruction, l’opus la conçoit comme une transformation : « SPLAT ! » explore la fin de l’humanité non pas dans une vision apocalyptique brute, mais comme une métamorphose au-delà de l’existence physique.
Ian Gillan résume : ‘Deep Purple se trouve aujourd’hui dans une excellente dynamique’.
Basé à Baltimore, dans le Maryland, SLOT s’impose comme un projet dance‑punk à haute pression mené par Abby Detrich au chant et Max Detrich à la basse, épaulé par une boîte à rythmes. Le duo développe un langage sonore immédiatement identifiable, où la sécheresse post‑punk se confronte à des beats électroniques massifs et des lignes de basse abrasives. Entre noise‑pop, rock alternatif et pulsations club, la formation privilégie une approche physique et directe, conçue pour entraîner les corps autant que les esprits.
L’histoire de SLOT prend racine dans la scène DIY américaine. Abby et Max se rencontrent comme bénévoles au festival MACROCK en Virginie, réunis par une passion commune pour les concerts en appartement et les tournées indépendantes. À la suite de la dissolution d’un précédent combo post‑punk durant le confinement, ils lancent SLOT. À partir d’une boîte à rythmes Boss DR‑5 empruntée, Max convertit son expérience de batteur en mécaniques électroniques, tandis qu’Abby affine une écriture frontale et s’affirme comme performeuse magnétique.
Attendu le 11 septembre 2026, « Dry Swallow » marque une nouvelle étape dans l’évolution du duo. Dans la continuité de « Limbo » (2023), ce long playing se montre plus affirmé, plus mordant et plus libre. L’opus explore les zones de friction entre performance, désir, image de soi et réappropriation du corps, sans filtre ni complaisance. Cette matière thématique irrigue chaque titre, cherchant un équilibre tendu entre urgence punk, efficacité rythmique et théâtralité pop.
Enregistré en Virginie sous la houlette de Danny Gibney, « Dry Swallow » revendique un travail poussé sur les textures. SLOT y conjugue une sensibilité DIY à des choix de production plus expérimentaux, multipliant les contrastes entre mécanique froide et vibrations organiques, notamment par des traitements vocaux atypiques.
Premier extrait de l’elpee, « I Like My » résume parfaitement cette direction. En un peu plus de deux minutes, le duo condense basses râpeuses, attitude bravache et énergie dance‑punk nerveuse. Le morceau aborde la réappropriation du plaisir et de l’image de soi, dans un esprit aussi accrocheur qu’insolent, capable de dialoguer aussi bien avec les playlists alternatives qu’avec les auditoires curieux de nouvelles hybridations.
Electric Six poursuit son œuvre d’excès contrôlé. Le groupe disco‑punk de Detroit annonce la sortie d’une réédition remasterisée et largement augmentée de son quatrième album, « I Shall Exterminate Everything Around Me That Restricts Me From Being The Master », initialement paru en 2007. Pour la toute première fois disponible en vinyle, l’album bénéficie d’un somptueux format double LP pressé sur vinyle rouge rubis translucide, à la hauteur de la folie créative qui l’anime.
Cette réédition accompagne le retour du groupe sur scène avec une tournée américaine entamée fin avril et qui s’achèvera le 23 mai, avant de traverser l’Atlantique pour une série de dates britanniques. Electric Six lancera cette tournée européenne le 11 juin au Download Festival, avant de parcourir le Royaume‑Uni jusqu’au 28 juin.
À sa sortie originale, le chanteur Dick Valentine décrivait l’opus comme le fruit d’un ‘accès excessif à l’excès’. Une déclaration qui résume parfaitement ce disque foisonnant, oscillant entre cabaret jazzy (« It’s Showtime! »), pop rock calibrée pour la radio (« When I Get To The Green Building » ») et explosions new wave teintées de stoner rock (« Dirty Looks »). Fidèle à sa philosophie, le groupe y mêle humour absurde, hédonisme assumé et énergie débordante pour capturer le chaos jubilatoire du monde moderne.
En collaboration avec Metropolis Records, Electric Six a profité de cette réédition pour enrichir l’elpee de cinq titres bonus. Parmi eux figure le single actuel du groupe : une reprise particulièrement musclée du classique « One de Harry Nilsson » (1968). Dick Valentine raconte avoir retravaillé ce morceau à travers ‘la machine musicale Electric Six’, pour en livrer une version plus abrasive et nerveuse, enregistrée à l’origine pour une campagne publicitaire liée à l’univers du jeu vidéo. Une relecture mordante et ironique, fidèle à l’esprit de la formation.
Formé à Detroit en 1996, Electric Six s’est imposé comme un groupe inclassable, capable de fusionner garage rock, new wave, punk, disco et metal, toujours avec un second degré jubilatoire. Révélé au grand public en 2003 grâce aux tubes « Danger! High Voltage » et « Gay Bar », le combo n’a cessé depuis de publier des albums et d’écumer les scènes, notamment au Royaume‑Uni, où il jouit d’un public particulièrement fidèle.
Grâce à cette réédition vinyle événement, Electric Six rappelle qu’il reste un maître incontesté de l’excès… et qu’il n’a aucune intention de lever le pied.
Jeudi 02 juillet 2026 - Kneecap - Rock Werchter, Werchter
Jeudi 02 juillet 2026 - La Jeunesse Hantée - Rock Werchter, Werchter
Vendredi 10 juillet 2026 - La Jeunesse Hantée - Cactus festival, Brugge
Jeudi 29 octobre 2026 - Fat Dog - De Roma, Anvers
Samedi 07 novembre 2026 - Kneecap - Forest National, Bruxelles
Lundi 23 novembre 2026 - Muna - La Madeleine, Bruxelles
Dimanche 29 novembre 2026 - Paris Paloma - La Madeleine, Bruxelles
Mardi 01 décembre 2026 - First Aid Kid - Cirque Royal, Bruxelles
Lundi 08 février 2027 - Five Finger Death Punch - Forest National, Bruxelles
Jeudi 25 mars 2027 - La Jeunesse Hantée - Lotto Aréna, Anvers
Ma 26.05.2026
COOL presents Lady Wray
Ma 09.06.2026
COOL presents An Evening With Theo Katzman
Me 24.06.2026
COOL presents Dilated Peoples
Je 29.10.2026
High Hi
Ma 09.02.2027
Heather Nova
mar. 12 mai |
Corne de Gazalle x AB talk
mar. 09 juin |
Tashi Dorji
dim. 04 oct. |
Alister Spence
dim. 08 nov. |
Against The Current
jeu. 26 nov. |
Juste Shani
sam. 28 nov. |
ILA
jeu. 17 déc. |
Plain Jane
sam. 06 févr. |
Isaac Roux
Nichée dans les enluminures médiévales comme dans le cockpit d'un vaisseau spatial, Lutèce Lockness traverse les époques grâce au Châ. Créature des marges, portail entre les mondes, il est une chimère venue des profondeurs des âges pour inventer le futur.
De sa fourrure monte une mélopée profonde, chant de tristesse devant la violence des humains et de tendresse pour tout ce qui échappe aux normes. Libéré de l'apesanteur et du temps, il nous invite à accueillir le bizarre, l'étrange, l'intime — tout ce qui tremble encore à la lisière de l'imagination.
L'album Le Châ est une épopée métamorphe, où se mêlent sonorités psychédéliques, timbres médiévaux, textures numériques et drones planants. À partir d'improvisations au bouzouki, les morceaux sont construits comme des cadavres exquis, assemblant, découpant et superposant des séquences sonores devenues matières vivantes à sculpter. Le souffle de Lutèce devient guide au cœur d'un univers enveloppant et envoûtant, mixé par Etienne Colin (The Artist), et explore à travers la composition une tessiture vaste, incantatoire et puissante.
Dans ce premier extrait disponible intitulé « and the love is born in me for a stone », les orgues de la cathédrale de Düsseldorf, pilotés par le système robotisé de Maxime Denuc, exécutent des séquences au-delà du jeu humain, explorant des rythmiques et des sonorités inaccessibles à la main.
And the love is born in me for a stone est à découvrir en cliquant ici.
Pale Grey revient avec “Lucie” en interprétant la venue au monde d’un enfant dans un morceau low-fi et atmosphérique.
Le protagoniste raconte la venue au monde d’un enfant surprise. Des questions aux doutes, de la peur à l'inondation amoureuse, le narrateur tangue d’un sentiment à l’autre en trouvant peu à peu un sens à cette épopée naissante.
Dans cette œuvre, le groupe tente de renouer avec ses origines musicales dans leur simplicité, leur spontanéité et leur fragilité pour coller au mieux au fond de cette histoire universelle, devenir père.
Ce titre évoque le meilleur de Boniver ou Withney. Il est à voir ici.
Derrière Jaguare Affair se trouve le projet d'Édouard Choupay (chant, guitare, écriture), qui s'entoure de Charles Pierre (basse, claviers, production) et Jordan Gury (batterie, claviers). En s'appropriant le nom de son chien Jaguare, Édouard Choupay amorce un nouveau départ, avec l'idée de faire peau neuve et de recentrer son projet autour de l'humain, de l'amour et de la confiance.
Formé en 2024 dans le Grand Est, Jaguare Affair navigue entre pop française élégante et lignes plus obliques, et développe un format à la fois accessible et légèrement à côté, quelque part entre chanson, rock et soul.
Après un premier EP éponyme remarqué en 2025, soutenu notamment par Radio France, le trio publiera le 26 juin son premier album. Intitulé Vol.1, ce premier long format regroupe le premier EP — salué par France Inter et Coup de coeur FIP — auquel s'ajoutent plusieurs morceaux inédits, dont le single On s'aime comme on se hait.
Dans Vol.1, Jaguare Affair avance avec peu d'effets mais des choix nets. Derrière cette apparente simplicité, les textes jouent sur les décalages, les doubles sens, une forme d'ironie discrète qui traverse des thèmes pourtant directs comme l’amour, la perte ou encore les contradictions. On pense à un mélange de Bertrand Belin et Andy Shauf, traversé par la nonchalance de Mac DeMarco.
Le titre est à écouter ici.
Manivelles, le deuxième album de l’artiste sonore Anadol et de l’autrice-compositrice Marie Klock, s’inscrit dans une perspective différente de leur premier duo paru en 2024 ; là où La grande accumulation était née d’une rencontre fulgurante et bouillonnait d’un surréalisme débridé, Manivelles puise en profondeur dans le vécu d’une amitié rare. Son titre fait allusion à l’atmosphère de friction ludique dans laquelle créent les deux camarades férues de boîtes à musique.
Saluées par The Quietus qui voit en elles «un duo pop décalé dont chaque moitié pousse l’autre vers des sommets d’excentricité», Anadol et Klock produisent une drôle de mixture de musiques pop, kraut et folk aux arrangements parfois opulents. Une grande partie des instrumentaux a vu le jour dans les studios parisiens de David Sztanke, Antoine Bourachot et Irfane, dont elles ont picoré les machines extravagantes (Prophet-5, Jupiter-6, Space Echo, Pianet M…). Sur Sans toi, par exemple, le cliquetis mécanique du Pianet a non seulement été conservé mais amplifié pour nourrir le vague-à-l’âme de la mélodie.
Une deuxième salve d’enregistrements a eu lieu quelques mois plus tard dans le studio d’Anadol, à Istanbul. Là, le duo a pioché parmi son ample collection de claviers obscurs et d’échantillons sonores (enregistrements de bétail, essoreuse à salade en guise de drone…), méticuleusement tissés, subtilement saucissonnés.
Retour au parc. Les textes de Marie Klock, navigatrice de l’infime et du cosmique, devaient constituer la colonne vertébrale du disque. Mais des monceaux d’angoisses encombraient l’accès à sa voix – jusqu’à cette secousse sismique qui la fit jaillir, enfin, dans Symposium. Ecrit d’une traite, comme une parodie d’éditorial pompeux, et hurlé au micro, ce texte déclencha tous les autres. Henri, une berceuse répétitive pleine de tendresse adressée en patois à son grand-père, suivit comme un contrepoids.
Le premier single est en écoute en cliquant ici.
Transgressive Records annonce la sortie, pour la toute première fois, d’un album studio solo inédit de Graham Coxon (Blur). Intitulé "Castle Park" et enregistré en 2011, cet album inédit sera disponible le 19 juin 2026 et s'inscrit dans le cadre d'une réédition complète du catalogue solo de Coxon, comprenant 9 albums studio et 3 bandes originales, qui s'étalera sur les 12 prochains mois.
Produit par Ben Hillier (Blur - Think Tank), "Castle Park" a été enregistré en 2011 dans le cadre des sessions d’"A+E" (2012). Initialement prévu comme la suite d’"A+E", la sortie a été reportée en raison des activités de Blur en 2012, avant que Coxon ne se consacre à d’autres projets.
"Castle Park" est un recueil de 10 titres qui s’inscrivent dans le son mod classique de l’artiste, avec le premier single « Billy Says » – un incontournable de longue date des concerts de Coxon – déjà bien connu des fans et désormais enfin disponible pour la première fois.
Billy Says est en écoute ici.
Il y a un moment dans ‘Maintained Love’ où Mauro Pawlowski avoue qu’il court pour attraper un bus et se surprend soudain à penser à quelqu’un qu’il aime. Pas de dîner aux chandelles, pas de grand geste : juste un fantôme qui apparaît à des moments aléatoires, et la prise de conscience tranquille que cela suffit. C’est peut-être la chanson d’amour la plus désarmante de sincérité qu’il ait jamais écrite.
Aujourd’hui chez Unday Records, ‘Maintained Love’ (en écoute ici) est le nouveau single extrait de son prochain album ‘Unspectacular Times’, attendu le 19 juin. Là où d’autres morceaux du disque s’appuient sur des synthés imprégnés des années 80 et des lignes de basse entraînantes qui définissent l’album, celui-ci prend son temps. Chaleureux, un brin ironique, il dissimule au passage un clin d’œil au groupe punk britannique obscur The Homosexuals, bien en évidence.
‘Unspectacular Times’ est produit par Scorpio Twins aka Stéphane Misseghers (dEUS) et Bruno Coussée (Rheinzand), avec Brianne Dunne — batteuse de Daryl Hall & John Oates — présente sur cinq titres de l’album. Il s’agit à ce jour de la déclaration pop la plus aboutie de Pawlowski, signée par l’une des figures musicales belges les plus infatigables et collaboratives : un musicien dont la carrière traverse Evil Superstars, dEUS, le théâtre, la danse, le cinéma, et plus d’alter ego que la plupart des artistes n’ont d’albums.
‘Unspectacular Times’ sort le 19 juin chez Unday Records.
Editors vient de partager un tout nouveau single, « Call It In », et annonce les dates de sa tournée 2027 au Royaume-Uni et dans l'Union européenne.
« Call It In » marque le retour musical du groupe depuis l’album studio « EBM » paru en 2022. Ce nouvel opus est issu de sessions d’enregistrement réalisées entre la sortie du premier ekpee solo de Tom Smith, « There Is Nothing In The Dark That Isn’t There In The Light », et les dates de concerts en cours. L'évolution a toujours été au cœur de la création des Editors à travers leurs sept long playings studio et « Call It In » donne un avant-goût du prochain chapitre de l'une des formations les plus appréciés du Royaume-Uni.
À propos du single, le chanteur Tom Smith a déclaré : ‘Nous avons passé une grande partie de l'été 2025 reclus dans la campagne du Gloucestershire, à travailler sur des chansons tous ensemble dans une pièce, sous une configuration de groupe plus traditionnelle. « Call It In » est l’une des dernières chansons sur lesquelles nous avons travaillé. Il s’agit d’une chanson qui parle en réalité de demander de l’aide face à une angoisse existentielle, de trouver réconfort et consolation auprès d’un proche et d’échapper au bruit assourdissant de la vie moderne’.
Le titre, désormais disponible chez Play It Again Sam, s’accompagne d’un clip réalisé par Justin Lockey, le guitariste du combo.
Formé en 2002 après une rencontre à l'université de Birmingham, Editors a sorti sept albums studio qui se sont tous classés dans le top 10 au Royaume-Uni.
N'hésitant jamais à explorer musicalement différentes nuances et couleurs, le combo est devenu, au cours des vingt dernières années, l'un des plus appréciés et les plus acclamés du Royaume-Uni ainsi qu’à l'étranger.
Pour découvrir le nouveau single « Call It In », c’est là
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