Double affiche ce lundi 15 septembre, puisque le club de l’Aéronef accueille la formation italienne New Candys et canadienne Preoccupations.
Formé en 2008, à Venise, par le chanteur-compositeur-guitariste Fernando Nuti et le bassiste-synthétiseur Dario Lucchesi, The New Candys se produit aujourd’hui en configuration trio. Dario Lucchesi est absent, laissant Fernando Nuti (guitare/chant) accompagné d'Emanuele Zanardo (guitare solo/chœurs) et de Francesco Giacomin (batterie/sampler), tous deux membres du combo depuis 2023.
À 20 heures précises, New Candys ouvre le set par « Cagehead » - un morceau caractérisé par des riffs sombres et lourds - devant une centaine de personnes ; mais la salle va se remplir progressivement.
Le drummer est installé au centre du podium, tout devant. Il porte des lunettes fumées, qu’il ôtera après deux ou trois morceaux. Les deux sixcordistes se placent aux extrémités de l’estrade. Le lookd es musicos est soigné, jusqu’aux chaussures. Ce qui colle bien au style shoegaze.
Incisives, les guitares construisent un mur de son pénétrant, sans doute appuyées par les samples de basse.
Et c’est le batteur qui fédère l’ensemble de son drumming souple et efficace.
Peu loquace, Fernando Nuti laisse la musique parler d'elle-même. Les influences de The Jesus & Mary Chain sont palpables, notamment dans les parties instrumentales où Zanardo laisse parler sa guitare avec précision. D’ailleurs, ce qui apporte ce petit plus d’âme à la musique de New Candys, ce sont ces accords surf, dispensés çà et là, mais judicieusement, par Emanuele.
Le band interprète des morceaux de ses quatre elpees précédents, mais met particulièrement l'accent sur son plus récent, « The Uncanny Extravaganza ».
Tout au long du concert, de nombreux spectateurs se balancent au rythme de la musique et bon nombre d’entre eux, qui ne connaissaient pas la formation, sont agréablement surpris de la qualité du show, certains regrettant même d’être arrivés en retard.
De quoi mieux comprendre pourquoi New Candys est signé sur le label 'Fuzz Club'.
(Photos Ludovic Vandenweghe ici)
Setlist :
Cagehead
Dark Love
Crime Wave
Breathe Me In
Tempera
Aphrodite in Leather
Night Surfer
You'll Never Know Yourself
Begin Again
Mercenary
Rising
Regicide
Overall
Place ensuite à Preoccupations. Ce groupe post-punk canadien (NDR : il est issu de Calgary) formé en 2012, a gravé son cinquième album, « Ill at ease », en mai dernier. Un opus au cours duquel le combo a pris un nouveau virage. Plus synth pop, mais dans l’esprit de New Order, tout en soignant le sens mélodique.
En février 2023, il s’était produit ici même, après avoir sorti un excellent long playing, intitulé « Arrangements » ; et sur les planches, le leader, Matt Flegel, avait cédé la basse à son frère, pour se consacrer exclusivement au chant. Mais de gros soucis de balances avaient gâché le concert.
Dès l'entrée en scène, la configuration du groupe attire l'œil : Matt Flegel, le leader, se place au centre, reprenant sa basse tout en assurant le chant, tandis que le batteur s'installe légèrement en retrait. De chaque côté, les deux guitaristes, véritables alter ego avec leur look de faux jumeaux, manipulent chacun un clavier identique, ajoutant une dimension synthétique au son du quatuor.
La prestation débute par ces fameuses lignes de basse frémissantes et des percussions précises, signature du combo. L’expression sonore enveloppe littéralement la salle, créant une atmosphère homogène. Les thèmes abordés sont pesants, parfois troubles, mais interprétés avec une maîtrise indéniable. Les morceaux du dernier opus, « Ill at ease », entrecoupés d’anciens titres, défilent sans fausse note. L’écoute est plaisante, sans toutefois jamais surprendre réellement l’auditeur. On se laisse envahir par ce climat, mais cette immersion devient rapidement lassante.
Si Preoccupations s’inscrit historiquement dans la mouvance post-punk, la prestation de ce soir flirte davantage avec la synth pop : les guitares se fondent parfois derrière les nappes de synthé, renforçant l’aspect monotone du concert.
Mais à force de linéarité, le concert finit par manquer de relief. Aux trois quarts du set, la lassitude s’installe, et il devient difficile de rester captivé. Si la qualité d’exécution est indéniable et le sens mélodique préservé, l’absence de moments forts ou d’envolées inattendues provoque un ennui certain. Si bien que nous préférons rejoindre nos pénates… (Page ‘Artistes’ là et photos Ludovic Vandenweghe ici)
(Organisation : Aéronef, Lille)
Le groupe italien New Candys, originaire de Venise, vient d’annoncer la sortie de son cinquième album, « The Uncanny Extravaganza », et partage le premier single « Regicide », accompagné d'une vidéo. La sortie de l'opus est prévue pour le 30 mai via Fuzz Club. Marquant une évolution audacieuse du son de New Candys, « The Uncanny Extravaganza » mélange ses racines psych-rock avec des influences électroniques fraîches et une production de pointe de Maurizio Baggio (The Soft Moon, Boy Harsher). C'est une expérience sonore qui défie les genres et qui pourrait bien être leur travail le plus convaincant à ce jour, oscillant entre des sons agressifs et rugueux, des rythmes de synthétiseurs et un minimalisme mélancolique et rêveur.
À propos du premier single, « Regicide », la formation a déclaré : ‘« Regicide est un morceau emblématique de notre nouvel album, qui incarne tout ce que nous voulons être aujourd'hui. Nous voulions introduire des éléments qui n'avaient jamais fait partie de nos chansons auparavant. Le rythme disco des couplets nous a vraiment enthousiasmés, c'était un choc délibéré entre deux genres éloignés que nous voulions mélanger, rendant la chanson aussi dansante et festive que possible tout en conservant une atmosphère sombre, exactement comme nous l'aimons. D'ailleurs, toutes les caractéristiques de nos morceaux les plus agressifs sont présents ici, mais dans cette chanson, ils sont poussés à l'extrême.’
La création de « The Uncanny Extravaganza » a commencé fin 2022, lorsque le groupe a commencé à travailler sur de nouveaux morceaux. Nuti, le principal auteur-compositeur du groupe, confesse : ‘Ce fut une période intense et passionnante. J'avais beaucoup de chansons et d'idées que je voulais tester avec le groupe, et nous avons fini par lancer « Crime Wave » en live. Nous n'habitons pas à proximité les uns des autres et ne pouvons pas répéter très souvent. Alors, la solution a été d'utiliser nos home studios. Ce nouveau processus nous a donné l'occasion d'expérimenter davantage et m'a permis d'explorer rapidement différents arrangements afin de trouver le meilleur pour chaque chanson’.
Pour découvrir le clip de « Regicide », c’est là
Le collectif post-rock féministe Lorsque les volcans dorment, réunit des membres de Bank Myna et de Skinsitive. Pour inaugurer cette nouvelle étape, le groupe dévoile un clip à la fois crépusculaire et libérateur : "Monstruations", premier extrait de son album attendu pour le 14 mars prochain 2025 chez Voice Of The Unheard records.
Ce clip pose les bases d'une œuvre profondément intime mais qui va bien au-delà, en transformant un parcours traumatique individuel en expérience collective et militante. Réalisé par Pierre Sopor Montali, avec la complicité d'Alain Delvare dans un esprit DIY, il incarne l'essence même du groupe avec une esthétique brute et poétique, inspirée des atmosphères crépusculaires de Dario Argento et du cinéma de Julia Ducournau et Coralie Fargeat. Le texte est signé par la poétesse Sélia Louise Château.
Le premier opus de Lorsque Les Volcans Dorment est pensé comme une longue montée en puissance combinant post-rock solaire et électro-indus glacé. Chaque morceau de l'elpee est une histoire, portée par des invité∙es issu∙es de différents horizons (slam, poésie, musiques extrêmes...) Le long playing s'accompagne d'un zine imaginé et fabriqué par le collectif ; il regroupe les textes originaux des différent∙es invité∙es, assortis de collages, découpages et illustrations 100% DIY.
La vidéo de "Monstruations" est à découvrir ici
"Mercy Street", c’est la face A du premier single "Follower" de James Canty, un chanteur et multi-instrumentiste issu de l’est de Londres. "Mercy Street" est une réponse à un souvenir d'enfance de Canty, lorsqu'il se promenait en ville en compagnie d’un adulte. En croisant un sans-abri l'adulte lui a dit de ne jamais lui donner d'argent, en se justifiant : ‘Y a-t-il un sentiment d'impuissance quand quelqu'un vous demande de l'argent dans la rue... Y a-t-il une déconnexion pendant que nous préparons une réponse ou que nous continuons à marcher ?’
"Mercy Street" est en écoute là
The Vacant Lots publiera son nouvel elpee, « Interiors », le 13 octobre 2023. En attendant, il nous propose son nouveau single, "Damaged Goods".
‘"Damaged Goods", c'est l'intégration de sentiments internes contradictoires. Si vous dites que vous avez besoin d'une stratégie de sortie et qu'une vie suffit, vous entrez dans une toute autre dimension. Sur cet opus, j'ai voulu creuser plus profondément que je ne l'avais fait jusqu'à présent et faire ressortir la douleur’, explique Jared Artaud à propos du nouveau single : ‘Dans Damaged Goods, des lignes d'autres chansons de l'album sont référencées et contrastées. Nous l'avons beaucoup fait sur "Interiors". J'aime la façon dont toutes les chansons peuvent interagir les unes avec les autres, et cela donne à cette chanson et à l'album une autre couche d'intimité, de profondeur et de proximité…’
Enregistré au cours de nombreuses nuits blanches et matinées sous amphétamines dans les studios isolés du bunker du projet à Brooklyn, "Interiors" approfondit l'esthétique minimale et maximale du groupe, avec des clins d'œil au punk des années 70/80 et à la musique des boîtes de nuit comme celle de Depeche Mode et New Order. Sur cet album, The Vacant Lots fait à nouveau équipe avec Maurizio Baggio (The Soft Moon, Boy Harsher) pour le mixage, qui avait également travaillé sur les deux derniers albums du groupe, 'Closure' (2022) et 'Interzone' (2020).
Iggy Pop, soutien de longue date du groupe et parrain du punk, a peut-être parfaitement exprimé l'éthique de The Vacant Lots lorsqu'il a fait tourner le groupe dans son émission BBC 6 Music : ‘J'aime bien The Vacant Lots. Ils essaient un certain nombre de choses pour créer une ambiance musicale. Ils ne cherchent pas vraiment à faire de la pop, de la dance, du rock n roll ou quoi que ce soit d'autre. Ils se contentent de créer une ambiance agréable où qu'ils aillent’.
Réalisé, par Alexander Schipper, le clip de "Damaged Goods" est disponible là
Pour son retour en terre natale après un exil à Paris, Peter Roy a décidé de publier un Ep enregistré en prise ‘live’. Intitulé « Session Live H2T », il réunit 6 titres issus de son répertoire, mais en version acoustique.
Le résultat, d’une intimité saisissante, donne ainsi l’impression que l'artiste canadien se produit dans notre salon pour nous murmurer tout doucement ses mélodies.
Peter Peter y dévoile des captations tournées en plan séquence, dont Dominic Vanchesteing signe la réalisation, et révélant, de fait, la vulnérabilité de chaque titre.
Pour regarder et écouter les près de 23’ de session, c’est là
Issu de Brooklyn, The Vacant Lots, est un duo post-punk/synth-pop réunissant Jared Artaud et Brian MacFadyen. Son quatrième elpee paraîtra ce 30 septembre. Intitulé "Closure", il fera suite à "Interzone", paru en 2020. En attendant, il nous propose son single, "Chase". Composé à l’aide d’une boîte à rythmes Synsonics et d’un synthétiseur Yamaha CS-10, ce titre démontre que le tandem est capable de faire le maximum avec le moins d'éléments possible.
Non seulement Jared Artaud a coproduit les derniers opus d’Alan Vega, "IT" et l’album perdu "Mutator", mais il a publié un recueil de poèmes (‘Empty Spaces’) en 2014. Pas étonnant que certains médias ont qualifié The Vacant Lost comme un duo de synthétiseurs new-yorkais qui réalise la fusion entre Suicide et Burroughs...
Pour écouter "Chase", c’est ici
Voici une formation qui porte bien son nom. Pas la moindre bio, pas la moindre information, pas la moindre coupure de presse à se mettre sous la dent. De quoi entretenir le mystère (!). Est-elle canadienne? New-yorkaise? Américaine, certainement. Peut-être de Vancouver, puisque l'album y a été enregistré. Mais rien n'est moins sûr... D'autant plus que le style pratiqué par ce quartette semble davantage inspiré par la noisy pop britannique. Celle de la fin des eighties, qui a permis au label Creation de nous faire découvrir des groupes tels que Ride, Biff Bang Pow, My Bloody Valentine et House of Love. Encore que lorsque le son s'épaissit, on pense plutôt à Psychedelic Furs. A moins que ce ne soit à Dinosaur Jr voire à Eleventh Dream Day. Unique voie de garage américaine autorisée à ce "10 speed". Des guitares donc. Tempétueuses, fragiles, sauvages, mélodiques, frénétiques, grésillantes, chargées de feedback qui apportent aux compositions une intensité électrique blanche, presque palpable. Et si en bonus track, ce disque nous réserve une cover du "Glass of heart" de Blondie, c'est sans doute pour nous rappeler que Mystery Machine est bien issu du pays de l'once Sam. Encore un must!
Trio toulousain, Candélabre nous replonge au cœur même de la dark wave du début des eighties ; tintinnabulantes, cristallines, les sonorités de cordes évoquant tour à tour Cocteau Twins ou The Cure. La basse est bien post punk et le recours aux synthés ainsi qu’à la boîte à rythmes accentuent le climat mélancolique, gothique, de l’expression sonore, climat hanté par la voix spectrale, fragile et incantatoire de Cindy Sanchez, sorte d’hybride entre Elisabeth Fraser, Dolores O’Riordan et Sinéad O’Connor, qui lorsqu’elle est overdubbée rapelle alors les échanges opérés entre Miki Berenyi et Emma Anderson, chez Lush.
C’est la première et ce sera peut-être la dernière fois que votre serviteur assiste à un concert de Bertrand Cantat. La tournée 'Amor Fati’ s’achève définitivement ce soir dans une Ancienne Belgique pleine à craquer. C’est le Palois en personne qui va annoncer cette décision, avec beaucoup d’émotion, au beau milieu du set. Elle fait suite à toute la polémique déclenchée par son retour sur scène. Pourtant, ce périple aura permis à plus de 35 000 personnes de le voir ou de le revoir en ‘live’. Un public qui s’est déplacé pour l’artiste et pas l’homme, n’en déplaise à ses détracteurs…
Il n’est que 19h15 lorsque Belfour, le supporting act, grimpe sur le podium. Un duo issu de Clermont-Ferrand, réunissant les chanteurs/percussionnistes Michael Sacctti et Mena Lucie, cette dernière se consacrant également aux percus.
Energique, la musique du tandem puise ses sources dans la roots, le folk, le blues, le rock et l’electro, surtout à travers les samples. Les influences sont d’ailleurs multiples et oscillent de John Lee Hooker à Feist, en passant par T-Model Ford, Ali Farka Toure, PJ Harvey, Cat Power, Florence and The Machine, Janis Joplin, The Black Keys et The Kills. La voix de Michael Sacchtti est envoûtante, mais aussi parfois explosive. Celle de Mena adopte des inflexions proches de Beth Hart. Les chansons sont interprétées dans la langue de Voltaire ; et de la setlist, on épinglera « Juste une seconde ». Entre riffs entêtants, rythmique minimaliste, à la limite tribale, la paire s’autorise des crescendos bien sentis. Une excellente mise en bouche !
A 20h15, le backing group de Cantat débarque sur les planches, surmontées de deux estrades. L’une est destinée au préposé aux synthés et l’autre au drummer. Pascal Humbert (NDR : également impliqué chez Detroit) se charge, bien évidemment, de la basse. Et le line up est complété par deux guitaristes, Cantat empoignant épisodiquement une troisième gratte, et bien sûr se réservant le chant. Il entre en scène, après son quintet, sous un tonnerre d’applaudissements.
« Amie nuit » puis le titre maître d’« Amor fati » ouvrent le show. Des images correspondant parfaitement aux thèmes traités par ces deux compos sont projetées sur un écran installé en hauteur. Les interventions de Humbert à la basse sont déjà bien marquées. « Silicon Valley » et l’implacable « Excuse My French » libèrent toute leur puissance électrique. Cantat est impérial tout au long d’« À l'envers, à l'endroit », un des titres-phares de Noir Désir, et tout particulièrement derrière son micro. D’ailleurs, en général, sa voix s’impose. Il signale être content d’être à Bruxelles, que le public belge est moins prétentieux que celui de Paris et qu’il a vécu de très bons moments dans l’Ancienne Belgique. Sous le coup de l’émotion, il va quitter le podium, à trois reprises. Mais ses musicos prennent alors le relais. Et soudain, il annonce qu’il s’agit de son dernier concert. Le public est sous le choc, mais l’applaudit très longuement. C’est également à trois reprises qu’il souffle dans son harmonica, des moments au cours desquels il vide ses tripes et épanche tout son spleen. Il fustige également le showbiz et une certaine presse. Humbert remercie le public et apparemment secoué par la décision de Bertrand, déclare également, qu’il s’agit du dernier concert. Il fond même en larmes en présentant l’équipe des techniciens et les musicos qui l’accompagnent.
Véritable bête de scène, Bertrand Cantat nous délivrera, ce soir, 7 reprises de Noir Désir dont un « Sa majesté » de toute beauté. Et notamment en rappel, dont les incontournables « L’homme pressé », « Tostaky », « Lost » et « Ici Paris ». Enflammé, l’auditoire lui rétorquera, à plusieurs reprises, un ‘Ici Bruxelles’, moment au cours desquels Cantat cessera de jouer pour profiter du moment.
Lors du second encore, il clôt le show par une version unplugged de « Comme elle vient ». Et la foule reprend les paroles en chœur, mais en les hurlant, illustrant une véritable communion entre elle et le band. Un concert exceptionnel, c’est le cas de le dire…
(Organisation : Live Nation en accord avec Uni-T)
Dans l’esprit collectif, Bertrant Cantat est celui dont les déboires conjugaux l’ont conduit tout droit en prison à Vilnius, en Lituanie, pour l’homicide de sa compagne de l’époque, Marie Trintignant.
Très réducteur parce que l’existence de l’artiste a, elle aussi, fait couler beaucoup d’encre…
Il faut reconnaître que son talent inné a permis à Noir Désir de devenir –et à juste titre– un des meilleurs groupes de rock français, mais qui connaîtra un destin singulièrement tragique en raison de la condamnation de son leader. Denis Barthe (batterie), Serge Teyssot-Gay (guitare) et Jean-Paul Roy ont donc préféré donc changer d’air ou d’horizon, selon. Un divorce difficile que l’on imagine aujourd’hui définitif et sans appel.
Après huit ans de réclusion (dont quatre passées derrière les barreaux), Bertrand chasse les démons qui l’habitent et tente un retour sur scène en 2013, en formant Détroit. Une formation qu’il emprunte avec l’aide du bassiste Pascal Humbert et Bruno Green (responsable des programmations et des claviers).
Les uns crieront au haro sur le personnage, les autres le stariseront encore un peu plus.
Les polémiques pleuvent évidemment, mais il y fait face. Et le projet rencontre un vif succès. Une belle revanche !
Fort de cette renaissance, il ose une fois encore défier, contre toute attente, et amorce un retour solo en publiant "Amor Fati". Il s’imagine libre de toute dette, mais les médias, les radios et les organisateurs festivaliers l’entendront autrement… une fois de plus.
Le disque ne sera pas proposé à la presse avant sa commercialisation par Barclay, filiale du major Universal.
Il a fallu que Les Inrockuptibles illustrent sa couverture par son faciès pour créer immédiatement un flot d’indignations démesurées et relancent une polémique malsaine.
Parce que le fond du problème est là ! Trop souvent confondre l’œuvre de quelqu’un et les actes primitifs, rend caduc tout espoir de libre arbitre.
En gravant ce nouvel opus, le Bordelais a voulu s’assurer et se complaire dans une zone de confort et renvoyer son image. Mais « L’amour du destin » (traduction du latin – emprunté à Nietzsche) n’en constitue malheureusement qu’une ombre.
La plage titulaire "Amie Nuit" laissait arguer un disque d’une excellente facture. La voix de Cantat y brille de mille feux sur un socle new wave, synthétique et croustillant, que sublime la trompette d'Erik Truffaz (présente sur trois titres au total).
Les autres compositions, plus proches des fondamentaux du rock, révèlent un phrasé décousu opéré sur des cordes de gratte électrique ("Aujourd'hui") ou folk ("Les pluies diluviennes", "Anthracitéor'). Un son qui rappelle aux nostalgiques les bons jours de Noir Déz’.
Quelques fautes de goût impardonnables viennent noircir un ciel qui aurait pu devenir azur.
Pourfendeur de la mondialisation et de l’ultra capitalisme, "L'Angleterre" (qui traite du Brexit) tombe assez vite dans l’ennui et la mièvrerie compulsive.
Si les thèmes abordés ne sont pas certes novateurs –pourquoi pas après tout– ils sont parfois traités avec légèreté et décadence, dans un style auquel les aficionados n’ont pas été habitués jusqu’alors.
Dommage aussi, ces lignes mélodiques entêtantes du début qui finissent par devenir niaises, répétitives et fondent vite dans une abyssale lassitude.
BC s'est toujours considéré poète et « Maybe I » lui permet de s’exprimer magistralement sur une voix douce et quelque peu éraillée.
Le spleen qui s’étire sur l’ensemble du disque témoigne une envie si ce n’est de tourner la page, de la déchirer.
Ce souhait rédempteur doit être souligné. Mais s’il est quitte de la Justice de l’Homme rien n’est moins sûr avec celle de Dieu…
Globalement, malgré le format coloré, Cantat ne s’en tire pas trop mal, car il fait la part belle aux genres variés, alternant titres tantôt dansants, tantôt lancinants.
S’il avait été un écolier, son titulaire de classe aurait indiqué sur son bulletin de fin d’année scolaire : ‘peut mieux faire’.
Ce petit prodige du songwriting s’était d’abord illustré en publiant, dès 2015, le très élégant « Architect », une œuvre nominée au Mercury Prize, il faut le rappeler. Christopher ‘C’ Duncan confirme partiellement les perspectives escomptées, en publiant « The Midnight Sun »…
Entre pop de chambre et pop/folk, la musique de cet Ecossais est toujours aussi limpide et cotonneuse. Et les arrangements particulièrement subtils, réservés à ce nouvel opus, en sont encore une belle illustration. Atmosphériques, les compos sont alimentées par des nappes de synthés ou diverses boucles qui soulignent le timbre velouté de l’Ecossais. Mais si l’ensemble se révèle cohérent, il souffre quand même singulièrement d’un manque de relief, bien plus présent sur le précédent essai. En bref, toutes les plages sont impeccables, mais elles sont trop similaires. Et au fil du long playing, elles deviennent ennuyeuses. Si le jeune compositeur osait quelques saillies pop accrocheuses, à l’instar de « He Believe in Miracles », il parviendrait de nouveau à tutoyer les étoiles, tant son talent est incontestable. Et des morceaux comme « Wanted It Want It Too » et « The Midnight Sun » sont certainement révélateurs de son énorme potentiel. En fait, lorsqu’il a gravé son premier essai, C Duncan avait mis la barre tellement haute, qu’il était quasiment impossible de renouveler cette prouesse. Ce qui explique, cette légère déception…
Ce soir, à l’AB, en mode Box, la salle est comble pour accueillir Spinvis ; mais votre serviteur a choisi le Club, endroit plus cosy, où va se produire Little Hurricane, un duo issu de San Diego, en Californie, qui réunit la drummeuse Celeste ‘C.C.’ Spina et le chanteur/guitariste Anthony ‘Tone’ Catalano. Il vient de sortir son nouvel elpee, « Same Sun Same Moon », en avril dernier. Il s’agit de son quatrième, si on compte celui consacré à des covers, le superbe « Stay Classy », publié en 2013. Le style de cette formation ? Un mélange de blues du Delta et de rock lo-fi.
Pas de supporting act. La salle est bien achalandée. Les spectateurs les plus bavards sont agglutinés au bar. A 20h30 précises, le couple monte sur l’estrade. Anthony est coiffé d’un chapeau (probablement un Stetson !) Plutôt sexy, C.C. porte une robe blanche en dentelle, assez courte. Elle laisse apparaître un superbe tatouage sur le bras gauche. Et elle est particulièrement jolie, ce qui ne gâte rien ! Elle ôte ses chaussures en cuir, pour libérer ses petits petons afin de manœuvrer plus facilement les pédales de ses fûts.
« Superblues » ouvre le set. Plutôt percutant, le morceau évoque instantanément Jack et Meg des White Stripes, même si le spectre de Black Box Revelation se met déjà à planer. « Summer Air » nous plonge dans les eaux du Mississipi. La voix de Tone est rocailleuse. Ses tonalités de cordes sont métalliques et frémissantes. Elles virent au surf sur « Sheep In Wolves Clothes », un morceau qui semble déchiré entre americana et bluegrass. Non seulement, la version du « Bad Moon Rising » de Creedence Clearwater Revival est méconnaissable, mais elle est surtout originale. C.C. rencontre un petit problème technique. Et lorsqu’il est réglé, le tandem attaque « Mt Señorita », une compo aux accents chicanos, qui figure sur le dernier LP. Plus groovy, « Isn’t it great » incite à bouger le popotin. Place ensuite à « Bad Business », un hit au refrain entêtant, qui a cartonné sur YouTube. Mr Calatano adapte le « God's Gonna Cut You Down » de Johnny Cash, en mode lap steel guitar, dos de l’instrument sur un fly case. Digne de Ben Harper ! Lors de « March Of The Living », un instrumental de plus ou moins deux minutes, les musicos en profitent pour étaler tout leur registre technique.
Après le très rock « Trouble Ahead », « Natural Blues » baigne au sein d’un climat paisible. C’est une compo signée Moby.
C.C. se réserve le micro pour « OTL ». Sa voix est limpide. Elle devient de plus en plus croquante/craquante (NDR : ne biffez pas la mention utile !) Lorsque Little Hurricane aborde « Boiling Water », la solution sonore entre en ébullition. Et quand il nous quitte, on a des « Crocodile Tears » dans les yeux. Mais les alligators ont encore faim et aimeraient dévorer davantage de morceaux. Qui leur seront servis, notamment, à travers une cover magique et endiablée du blues/funk « Ain’t no sunshine » de Bill Withers. Un duo à revoir de toute urgence !
Voir aussi notre section photos ici
(Organisation : Ancienne Belgique)
Derrière les pseudonymes Nasty Candy & Coco Lipstick se cachent Clémentine Collette (alias Clemix) et Marie Gaignier (alias Marie Paillette). C’est en 2015 que les deux Bruxelloises décident de monter ce projet. A première écoute, on a vraiment l’impression qu’elles prennent beaucoup de plaisir derrière leurs machines. « Rendez-vous » constitue leur premier Ep et a été mixé par Jean Vanesse du Greenhouse Studio (Dan San, Kid Noize, …)
Les cinq morceaux qui composent l’opus sont tous construits dans le même moule. Les deux dames dispensent une électro/pop construite sur une rythmique basique sur laquelle vient se poser des lignes de synthés et des sonorités futuristes. Et cette expression sonore véhicule des textes féministes. Mention spéciale, cependant, à « It Doesn’t Matter », une piste qui parvient à s’extraire de ce schéma, en ralentissant le tempo, pour libérer une large palette d’émotions. Si on imagine que sur les planches, l’énergie dispensée par Nasty Candy & Coco Lipstick est très susceptible de mettre le souk, il faut reconnaître que dans son salon, après avoir écouté trois morceaux, on a plutôt envie de zapper…
Cofondateur de Can, groupe pionnier du mouvement krautrock, Jaki Liebezeit est décédé ce dimanche 22 janvier, des suites d’une pneumonie. Il était âgé de 78 ans. Can est une formation qui a marqué l’histoire de la musique rock. A l’origine, elle réunissait Irmin Schmidt, Holger Czukay, David C. Johnson, Michael Karoli et bien sûr Jaki Liebezeit. Groupe avant-gardiste et underground, Can a exercé une influence fondamentale sur l’ambient, la new wave, le post rock, la musique expérimentale et électronique. Buzzcocks, Happy Mondays, Hunters & Collectors, Jesus & Mary Chain, Joy Division, Pavement, PiL, Portishead, Primal Scream, Siouxsie and The Banshees, Sonic Youth, Talking Heads, Talk Talk, The Fall, The Mars Volta et The Stone Roses figurent parmi ceux qui l’ont reconnue ouvertement.
Jaki Liebezeit avait également et notamment bossé en compagnie de Brian Eno, Depeche Mode, Michael Rother (Neu), The Orb et même Eurythmics. Batteur créatif, il puisait son inspiration à la fois dans le jazz et dans les musiques dites ‘ethniques’. C’est le premier à avoir confronté ses drums à une boîte à rythmes.
On se souviendra aussi d’un titre dansant absolument fabuleux, paru en 1982, enregistré par le trio Jah Wobble / Jaki Liebezeit / Holger Czukay, « How much are they » (en écoute ici)
Voir également la chronique de la compile Anthology 1968 – 1993, sortie en 1994, là
R.I.P.
Patti Smith et son mari Fred 'Sonic' Smith avaient écrit "Summer cannibals", en 1996. C’est également le patronyme choisi par ce quartet rock issu de Portland, dans l’Oregon. Ce combo réunit trois filles et un garçon. Soit la chanteuse/guitariste Jessica Boudreaux, la bassiste Jenny Logan, la drummeuse Devon Shirley et le gratteur Marc Swart. Avant de publier "Full of it", la formation avait déjà gravé "No makeup" en 2013, et "Show us your mind" en 2015.
"Go home" lance rapidement le quatuor sur les rails. Un morceau punk, particulièrement dense. La voix de Jessica est empreinte de sensualité. Jenny assure les backing vocals. Quelque peu déjantée, la gratte de Swart met déjà le nez à la fenêtre. Le tempo décélère avant de repartir de plus belle. Et la piste embraie directement dans "Just a little bit". Allumée, la gratte dirige l’ensemble. Garage, les sonorités sont particulièrement ‘fuzzy’. Pop, la voix de Miss Boudreaux est accrocheuse et sensuelle. Tout comme sur "I wanna believe", une plage au cours de laquelle la section rythmique, renforcée par la gratte de Jessica, impressionne par sa force naturelle. "Say my name" s’ébroue plus paisiblement, avant de monter en puissance. Le lead vocal est empreint de sérénité. Les backing vocaux féminins reprennent le refrain en chœur. "Not enough" adopte un profil new wave. A cause de la rythmique. Cependant, les cordes de Marc prennent rapidement le large, implacablement soutenues par les autres instruments. Ce qui déclenche une forme de transe. Elle est devient rapidement permanente. Excellent ! Punk, cette rythmique punk fracasse "Full of it". Plus rien ne peut retenir la guitare qui s’emballe dès qu’elle est sous pression. Elle devient même acide afin de s’enfoncer au cœur d’un trip psychédélique. Et l’atmosphère est toujours aussi allumée quand "The lover" prend le relais. La voix est plus veloutée, mais la gratte continue de délirer. Bien garage/rock, "Talk over me" déborde d’énergie. "Make up" constitue un des sommets de l’elpee. Les cordes éclatent inlassablement au sein s’un climat ravagé et dévastateur. Imprimé sur un mid tempo, "Fallen" nous replonge dans une ambiance acide et fluctuante. "Simple life" clôt ce long playing. La voix est douce et fragile ; mais l’étincelle guette. Et quand elle se produit, c’est pour exprimer toute sa vitalité psychédélique…
Il a fallu s'armer de patience avant que le concert de C Duncan. puisse enfin se dérouler. Initialement prévu dans le courant du mois de novembre, il avait été annulé suite aux attentats perpétrés à Paris. Suite à ceux commis à Bruxelles (NDR : comme quoi lorsque la poisse te colle aux basques, elle ne te lâche plus), on craignait donc une seconde annulation. Heureusement, le spectacle a été maintenu et, c’est avec une certaine excitation qu’on allait enfin pouvoir découvrir la musique de Christopher Duncan, alias C Duncan, responsable d’un superbe premier elpee baptisé "Architect", un disque paru en juillet de l’an dernier.
Hormis quelques personnes qui profitent du soleil dardant ses rayons sur la terrasse des jardins du Botanique, le site est pour le moins vide, ce mercredi soir. Et pour cause, seul le show du Glaswégien est programmé. Direction vers le Witloof Bar, avant 20 heures, afin de se réserver une place idéale et surtout ne pas avoir la vue partiellement obstruée par les arches en briques. La salle est loin d'être bondée. Il ne faudra donc pas jouer des coudes.
Vers 20 h les lumières s'éteignent. C Duncan monte sur l'estrade. Il est accompagné d’un bassiste, qui se plante à sa gauche, d’un claviériste, à sa droite, et d’un drummer, à l’arrière. Le jeune songwriter se consacre à la gratte. Le set s’ouvre, tout comme sur l’opus, par l'excellent "Say". La voix de l’artiste insulaire est douce et paisible ; en outre, elle colle parfaitement à la musique. Ses musicos assurent les chœurs dans un climat propice aux belles harmonies vocales. "I'll Be Gone By Winter" est même digne des veillées de Noël. La set list alterne titres cool, comme "For", et morceaux remuants, à l'instar de "Here to There". Mais aussi de nouvelles compos, ainsi qu’une remarquable reprise du "Pearly-Dewdrops' Drops" de Cocteau Twins.
Les quatre musiciens ne sont pas des ‘bêtes de scène’ ; cependant, ils parviennent à créer une chouette ambiance en communiquant avec le public. Et tout particulièrement lorsque le bassiste dédie "He Believes in Miracles" à un ami présent dans l’auditoire qui lui avait annoncé son prochain mariage. Ce qui va déclencher une belle salve d’applaudissements. Christopher Duncan confesse que lui et sa troupe visitent Bruxelles, pour la toute première fois et qu’il comptent se rendre, dès que le concert est terminé au Delirium. Mais les spectateurs de la capitale belge sont les premiers à les dissuader. C’est une brasserie très souvent bondée qui n’attire que les touristes. Rendez-vous est donc pris, après le spectacle, pour échanger les adresses.
Après une heure de set, rappel compris, le combo écossais tire sa révérence. Il est à peine 21 heures, mais la soirée est déjà réussie.
(Organisation : Botanique)
Hurricane # 1 s’est donc reformé en 2014, mais sans Andy Bell. Qui est quand même venu donner un coup de guitare sur un titre de cet elpee, « Think of the sunshine ». Un gage d’amitié pour Alex Lowe, victime d’un cancer, qui a composé les morceaux de l’album, alors qu’il suivait une chimiothérapie en milieu hospitalier. Parue en single, cette compo bénéficie d’un refrain particulièrement contagieux. Bref, en remontant le combo, c’était sans doute un acte davantage thérapeutique qu’artistique. Au sein du nouveau line up, figurent les frères Carlo et Lucas Mariani, respectivement gratteur et bassiste, ainsi que l’ex-Teenage FanClub, Chris Campbell, aux drums.
L’album recèle inévitablement des titres britpop, aux mélodies hymniques, sculptés dans des guitares épiques. A l’instar du titre d’ouverture, « Best is yet to come » ou du single (NDR : qui se termine même comme une jam). D’autres plus allègres. Comme « Crash », rogné de claviers ou « Where to begin », une piste bluesy caractérisée par des cordes grésillantes. Des compos sur lesquelles le timbre graveleux de Lowe manque quand même de justesse. On a même parfois l’impression qu’il essaie de pasticher Liam Gallagher. Mais en général, l’ensemble de l’opus est tramé dans l’instrumentation acoustique ou semi-acoustique. Et paradoxalement, c’est dans ce contexte que la voix de Lowe –bien plus limpide– révèle sa face la plus intéressante. Des plages qui sont très susceptibles d’émarger à l’americana. Il y a même de la slide sur la ballade uptempo « Has it begun » (Imitating life) » et de la pedal steel sur la valse « Coyote ahoy ». Enrichi par de superbes harmonies vocales, « Roomed in circles » aurait pu figurer au répertoire de Crosby, Stills & Nash, alors que tapissé de chœurs en arrière-plan et sublimé par une jolie conjugaison de cordes acoustiques, « Heathen mother » lorgne plutôt vers Poco. On se croirait revenu à la fin des 70’s en pleine période west coast. Et l’album de s’achever par le bouleversant « Find what you love, and let it kill you », une chanson hantée (NDR : et le mot est faible) par une chorale…
Candy Robbers se produisait au Salon de Silly, ce vendredi 26 février, un groupe belgo/américain établi à Bruxelles. A son actif, un Ep éponyme, publié en en 2014, et un single, « 1000 Miles », dont le clip a été primé au festival 'Clip That Beat’ aux côtés de ceux de Robbing Millions, Great Mountain Fire ou encore Stromae. Et un premier album, dont la sortie officielle est prévue pour cette année. Après avoir remporté la finale de l’Emergenza (NDR : devant Feels !), en 2015, tremplin qui s’est déroulé à l'Orangerie du Botanique, le combo représentera la Belgique cet été, dans le cadre du festival ‘Taubertal’, à Rotenburg, un événement auquel participe 20 pays.
Pas grand monde dans la salle pour accueillir Candy Robbers. Tout au plus une cinquantaine de personnes. Le line up du band implique le drummer Remy Polfliet, le guitariste Axel Olson, le chanteur/gratteur (NDR : ce barbu à la bouille sympathique se sert d’une semi-acoustique) Maxime Rosenberg (NDR : c’est aussi le leader !), la claviériste/choriste Florence Theys et la (nouvelle) bassiste Bo Waterschoot.
Le set s’ouvre par « Oscilliations », un extrait de l'Ep. Maxime joue de la guitare à la manière de Matthew Irons. Ses riffs sont tour à tour doux ou atmosphériques. Puissante, bouleversante, chaude ou veloutée, sa voix est capable de monter très haut dans les aigus ou descendre très bas dans les graves. Pas de cuivres, comme sur disque ; ces sonorités sont reproduites par les synthés.
Lorsqu’elle emprunte des intonations funkysantes ou jazzyfiantes, la voix de Maxime lorgne davantage vers celle de Mark King (Level 42). En fin de parcours, « Running Away » autorise un duel entre cordes.
La version quasi-acoustique de « 1000 Miles » est un vrai bonheur. La voix de Max est enrobée de chœurs féminins. L’instrumentation est soignée. Les interventions de drums sont légères et précises. Et la mélodie est contagieuse. « Come On » réverbère des sonorités surf, une compo très radiophonique. « Strangers Out Of Time » adopte un profil subrepticement reggae, nonobstant la présence de la slide. « Tango Dancer » baigne au sein d’un même climat. Quoique soul et autoritaire, la voix féminine appuie alors impeccablement celle de Max. Un inédit ? « Holler ». Des clapotis émanent du bord de la six cordes pour « Sorry », avant que les percus ne fassent monter la sauce.
Funkysantes, les grattes secouent « What You Searching For », dans l’esprit de Nile Rodgers. Et au bout d’une heure, « Beast Is Wild », clôt le set. Le nouvel album, « Cookie Jar », est exclusivement en vente lors des concerts. Pas de distribution officielle pour l’instant. Les biscuits se méritent ! Pour vous les procurer, vous devrez vous rendre à l’une des distributions consenties lors des concerts de Candy Robbers…
(Organisation Le Salon de Silly + Silly Concerts)
Groupe légendaire, Canned Heat figure parmi les meilleurs groupes de boogie sur cette planète. Et ce crédit ne date pas d’hier ! D’ailleurs le combo célèbre, en 2015, ses cinquante années d'existence. La formation a été fondée à Los Angeles, par deux collectionneurs invétérés de vieux blues, Bob Hite et Alan Wilson. A l’époque, Stu Brotman se chargeait de la basse. Les gratteurs et batteurs vont défiler au sein du line up ; mais finalement ce sont Henri Vestine et Frank Cook qui vont s’y coller. Dès 1966, le quintet enregistre un elpee, sous la houlette de Johnny Otis. Il ne sortira qu'en 1970, sous le titre de "Vintage Heat". En mars 1967, Larry Taylor remplace Brotman à la basse. 1967. Le 17 juin, la formation se produit dans le cadre du premier grand festival, le Monterey Pop. En juillet 1967, elle grave officiellement son premier opus. Il est éponyme. Le 1er décembre 1967, Adolfo Fito de la Parra remplace Cook, derrière les fûts. L’année suivante, Canned Heat publie "Boogie with Canned Heat", sur lequel figure le hit "On the road again". Le succès est au rendez-vous ! Si De la Parra est toujours au poste, devenant au fil du temps le moteur et le leader du boogie band, il faut reconnaître que le destin s’est acharné sur les autres musicos. Ainsi, de grandes figures comme Alan Wilson, Bob Hite et Henri Vestine se sont éteintes. Et pourtant, ceux qui les ont remplacés ou qui se sont succédés, tout au long de l’histoire du Canned Heat se sont, la plupart du temps, révélés talentueux.
Cette année, le label Ruf a donc décidé de publier un nouveau chapitre des "Songs from the Road", dans le cadre de leur ‘50 Years Anniversary Tour’. Soit un coffret réunissant un cd et un dvd. Fito de la Parra est bien entendu au poste, mais également son prédécesseur, le remarquable bassiste Larry Taylor. John Paulus est préposé à la gratte, Dale Spalding au chant et à l'harmonica.
Le cd est découpé en 14 plages, le dvd en recèle deux de plus : "I'm her man" et "Have a good time". Le concert s’ouvre par le classique "On the road again". Spalding souffle dans l’harmo et Fito se charge du micro ; et toute évidence, c’est lui qui possède la voix la plus frêle et la plus proche d'Alan Wilson. Mais il ne convainc pas sur cette plage. Tout comme sur l’incontournable "Going up the country". A contrario, Spalding chante impeccablement le "Time was" de Wilson, dans une autre version. John Paulus pète la forme sur sa six cordes. "I'm her man" est également extrait du long playing paru en 1969, "Hallelujah". CH passe au jump style. Larry se réserve les vocaux tout au long de "Don't know where she went". Mais aussi la gratte ; comme sur l'instrumental "Nighthawk", alors que John Paulus excelle à la basse. "So sad" est une piste issue de "Future Blues". La guitare y tire son épingle du jeu. Et Spalding la sienne, à l’harmo, sur les savoureux instrumentaux "Oaxaca" et "Cristo Redentor", un vieux traditionnel que Charlie Musselwhite avait popularisé. D’ailleurs, il adopte un style proche du vieux Charlie. Larry Taylor chante encore "Amphetamine Annie", un titre qui figurait sur "Boogie with Canned Heat", alors que John Paulus a pris le rôle de Vestine. Taylor se consacre au bottleneck sur l’exquise cover du célèbre 'Rollin'and tumblin'" et le tube "Let's work together". Et tout bon concert de Canned Heat s’achève par un long boogie. Pour la circonstance, "Euro Boogie", un morceau de plus d'un quart d'heure. En route pour le 60ème !
Graham Candy est né à Auckland, en Nouvelle-Zélande. Il y a grandi. C'est le plus jeune d'une famille de 4 enfants. Peu studieux, il rêve déjà de se consacrer à la musique, au cinéma et à la danse. En 2012, il est repéré par un label allemand. Qui le signe et l’invite à rejoindre Berlin, pour donner une nouvelle impulsion à sa carrière.
C'est donc en Allemagne que l’artiste commence à prendre ses marques. Il y rencontre les Dj's Parov Stelar et Alle Farben aux studios Riverside de Kreuzberg. Il apporte son concours aux vocaux à deux compos du second cité, en 2014, « She Moves » et « Sometimes ». Elles deviennent d’énormes tubes outre-Rhin.
Graham possède une voix particulière. Androgyne et légèrement ébréchée. Un peu dans le registre d’Asaf Avidan, mais sans –ou très rarement– la teinte soul.
Pour concocter cet Ep 4 titres, il a reçu la collaboration du groupe teuton… « Holding Up Ballons » est une compo pop sucrée et lumineuse. Ce titre a comptabilisé 5 millions d'écoutes sur la seule plate-forme. C'est fou !
« Worth It All » baigne au sein d’une forme de trip hop. Envoûtante, troublante, cette plage fait la part belle aux chœurs, nappes de synthé complexes et samples…
« Addictive Personality » est contaminé par quelques beats électro. Une piste indolente qu’interprète Candy d’un timbre délicat, instinctif… Langoureux, « Don't You Worry » incite à rejoindre le dancefloor. Plus soul, sa voix est ici la plus proche d’Asaf Avidan.
A conseiller, si vous appréciez Two Kids In Holiday. « Plan A », son premier véritable album, devrait paraître en septembre 2015.
Difficile de ne pas penser à Pearl Jam lorsqu’on écoute Dry Can ; et tout particulièrement le morceau qui ouvre l’elpee, « Path ». Faut dire que la voix du leader, Antoine Abinun, est très proche de celle d’Eddie Vedder. La montre de ce groupe français semble d’ailleurs s’être arrêtée au cours des nineties, faute d’avoir pu entrer dans le nouveau millénaire. Le quatuor puise manifestement ses influences dans l’indie-rock et le grunge. Pensez à Nirvana ou encore Sonic Youth. Dry Can ne s’en tire pourtant pas trop mal lorsqu’il libère un max d’énergie, la voix en profitant pour hausser le ton. A l’instar du titre maître, chanté par Anne Lupieri. Des interventions vocales féminines qu’on retrouve à plusieurs reprises, comme sur « Wasted» ou encore tout au long d’un « Nu Start », de très mauvais goût néanmoins. Maintenant, n’imaginez pas que la formation se contente d’un copier/coller. Plus acoustiques, certaines compos se démarquent même de l’ensemble. Et en bien. Comme l’excellent « Sarah Blues » ou « Away », un morceau qu’on croirait tout droit sorti de la BO d’« Into the Wild ».
Bref, si cette plongée dans les nineties opérée par Dry Can, sur ce « Meanwhile », procure de bons moments, il en concède également de moins inspirés. Enfin, le disque souffre également d’une production pas toujours très soignée. Ce qui rend parfois son écoute inconfortable.
Originaire de l'Alabama, Candi Staton chante la soul et le gospel. Dans quelques jours, elle fêtera ses 75 ans. Dès son plus jeune âge, elle milite au sein du Jewell Gospel Trio. Pour y chanter. Elle commence à enregistrer dès 1953. Sa notoriété de vocaliste southern soul, elle la forge fin des 60’s et au cours des 70’s. Mais en 1982, elle en revient au gospel. La discographie de Candi est conséquente. Elle a décroché ses plus grands succès, quatre décennies plus tôt, quand elle enregistrait au sein du studio Fame, à Muscle Shoals, en Alabama, sous la direction de Rick Hall. Pour concocter son 27ème LP, elle y est retournée.
Quoique plus de première jeunesse, elle a conservé son joli brin de voix. Soutenue par les harmonies vocales de John Paul White et Jason Isbell (ex-Drive by Truckers), elle aborde "I ain't easy to love", en l’imprimant sur un impeccable tempo R&B. Rick Hall dirige "Commitment" et "Never even had the chance", deux plages balisées par la section rythmique constituée du bassiste David Hood et du drummer Tommy Harden. La fille de Candi, Cassandra Hightower, participe aux chœurs, sur "Close to you", une compo que chante Mrs Statton d’une voix autoritaire. Sur cette piste, Toby Baker double à la guitare et l’orgue. Le reste du long playing a été mis en forme par son fils, Marcus Williams. En outre, il apporte sa collaboration aux drums. La suite de l’opus baigne dans une soul intimiste ; et notamment "For eternity", "Even the bad times are good", "Where were you when you knew?" et "Go baby go", trois morceaux qui bénéficient de la participation de Steve Cuningham, à la pedal steel. La section de cuivres est au complet pour aborder "Beware" et "Treat me like a secret", des morceaux funk/r&b dansants. Mrs Staton et sa fille Cassandra signent "Three minutes to a relapse". Candi interprète "Have you seen the children?", une ballade r&b empreinte de tendresse et de passion qu’elle a composée. Tout comme "Have you seen the children?", alors soutenue par l'orgue de Kevin Griffin et le saxophone de Mike Burton. En bonus, elle revient chanter "Where I'm at", une plage dansante, funky et cuivrée.
En 1986, le guitariste Axel Julius remonte son premier groupe Lions Breed, mais lui attribue un nouveau patronyme : Scanner, alors responsable d’un power speed métal orienté science-fiction. Là où certains creusent le sol pour trouver leurs démons, eux ont choisi de scruter les cieux pour y trouver l’Autre avec un A majuscule. Si on se réfère à l’actualité cinématographique de la période concernée, on peut se demander ce qui l’a perturbé à ce point ? ‘Aliens’, ‘Critters’, ‘Star Trek IV’ ou ‘Top Gun’ ? Quoi ? ‘Top Gun’ ce n’est pas de la science-fiction ? Pour votre serviteur, un gars de 52 balais qui a encore la même tronche qu’à ses 25 ans, c’est un Alien ! Je m’égare… donc ce Scanner nous sort un premier album passé relativement inaperçu « Hypertrace » en 1988 avant de faire parler de lui en 1991, en publiant « Terminal Earth ». Plus accompli dans un style davantage instrumental et mélodique, Scanner commence à se faire un trou dans le milieu, et menace de se hisser à hauteur des ténors du speed mélodique des années 80 tels Blind Guardian, Gamma Ray ou Helloween. Mais le problème de Scanner, c’est la stabilité…
Ainsi, autour du père Julius, pas moins de 27 membres différents répartis à travers les cinq opus du band ont transité au sein du line up ; puisque « Terminal Earth » sera suivi de « Mental Reservation » en 1995, « Ball Of The Damned » en 1997 et « Scantropolis » en 2002. Cinq elpees et autant de chanteurs… Mais en 2003, Efthimios Ioannidis s’installe définitivement au micro de Scanner. Là de nouveau je cherche un déclencheur. ‘Terminator 3’, ‘X-Men 2’ ou ‘Matrix Reloaded’ ? Toujours est-il que même avec cette stase de la formation, il faudra attendre 13 ans pour les voir revenir le 23 janvier 2015 grâce à « The Judgement », signé chez Massacre Records.
« The Judgement », ce sont dix titres (et une intro) qui oscillent entre speed et power, de bonnes mises en ambiance et un vocal impeccable. Pour ce dernier point, les tessitures sont impressionnantes et nous plongent dans un univers proche de l’opéra métal, raconté ou hurlé. Modifiée électroniquement ou soutenue en chœur, la palette est très large. Musicalement, le mélodique passe du pied au plancher à des moments plus intimes, grâce à un excellent jeu de cordes assuré par A. Julius en personne et Andreas Zeidler. Jonathan Sell se réserve la basse et Patrick Klose les tambours. Scanner semble vouloir mettre fin aux compromis pour produire un son entraînant s’apparentant à de l’hymne heavy-métal. Au niveau thématique, les Allemands quittent la galaxie et les étoiles pour revenir sur notre bonne vieille terre et constater ce que la religion a fait de l’humanité avant de se poser la question suivante : ‘Peut-on vivre en paix sans religion ?’
Pour les amateurs du genre, ce sont 55 minutes extrêmement agréables à prévoir.
En attendant la sortie de « The Judgement », ils nous offrent une pré-écoute sur leur site ici
Vous avez cherché les déclencheurs ? Vu la pochette, perso, c’est ‘Tron’ ! Mais je triche…
C'est dans le cadre des Francofolies de Spa que Fastlane Candies a eu l’amabilité de nous accorder cette interview. Soit ce 18 juillet 2014. En fin de soirée, après une journée torride. L’entrevue s’est déroulée dans le hall d'entrée de l'Hôtel Radisson Blu Palace. En délégation, le guitariste Laurent, aka Krispy Velours, et la claviériste Sandy C.
D'où vient le patronyme Fastlane Candies ?
Sandy C : Perso, je ne participais pas encore à l’aventure. Mais quand Alexis et Laurent l’ont entamée, ils cherchaient un nom qui sorte de l’ordinaire. Ils ont commencé à feuilleter les magazines de PMU et leur esprit a été attiré par celui d’une jument. Elle s'appelait ‘Fastlane Candy' et était encore à débourrer. Elle empruntait toujours la voie rapide. Le choix venait d’être établi.
Laurent : Nous ne voulions pas d’un nom qui représente quelque chose de spécifique. Qui définisse notre style. On l’a plutôt choisi pour sa consonance. Les mots correspondaient bien à l'esprit de notre projet. Le plus marrant, c’est que quand certaines formations américaines ou anglaises en adoptent un, ils cherchent à lui donner plusieurs sens. Parfois secrets. Nous avions côtoyé un groupe australien qui avait déclaré que le sien, Oh Drug's, en suggérait bien d’autres. Un but que nous ne poursuivions pas au départ. En fait, nous souhaitions simplement que le public y trouve ce dont il avait envie. C'est un concept intéressant. Il n'existe pas qu’une seule dimension dans un nom ou dans la musique. Chacun a le droit de s'y plonger et s'y retrouver à sa manière.
Candies, en français, se traduit par bonbons. Ce qui explique pourquoi votre pop est plutôt sucrée ?
Laurent : Oui, c'est sucré. C'est clairement dans cet esprit que notre musique évolue. Pour nous, Candies est un nom qui sonne pop. Il est pétillant et lolipop. Il est toujours difficile de déterminer l’origine de notre musique. Quand on a entamé ce projet, on n’était pas nécessairement attirés par ce style. Perso, j'écoute pas mal de trucs différents. Du psychédélisme. Du rock. Parfois plus dur, plus complexe. Au départ on a voulu emprunter une voie pop et directe. Positive, même. Certainement pas nous enfoncer dans un univers sombre. Et après l’avoir développée, elle est devenue un peu ‘sucrée’.
Sucrée, mais également colorée, comme « La Chica » ?
Laurent : Ce n'est pas incompatible. Certaine sucreries sont multicolores. Un peu comme chez Badbadnotgood, un trio de jazz/rock vraiment génial. Notre musique est colorée, mais nous voulons encore y amener d'autres teintes. En y apportant des éléments différents et en explorant d’autres sources. Nous essayons de rendre nos disques les plus cohérents possible. Davantage que les albums. Pour se forger un propre style. Sur le cd, on a voulu développer de nouvelles idées, comme sur « Charm » qui est un peu plus électronique. Dans le passé, j’avais un petit problème avec les cuivres. Mais depuis, j’ai écouté pas mal de bands qui y ont recours, et dont la section pète littéralement des flammes. Ces instruments sont plus classiques et permettent de générer des ambiances ou des nappes sonores. Ce qui me plaît beaucoup. Nous ne sommes pas assez compétents pour les développer nous-mêmes. On doit faire appel à des collectifs spécifiques. Mais c’est envisageable. On pourrait les utiliser d’une manière mélancolique, atmosphérique, comme Beirut. Miles Davis est aussi un musicien que j’adore…
Sandy C : Alexis est d’origine espagnole. J’apprécie des formations plus latino. Calexico, par exemple
Peut-on également qualifier votre musique de légère ?
Laurent : Difficile à dire ! Sur scène, c’est différent, on libère davantage d’énergie. On essaie de provoquer un déclic. Mais aujourd'hui, ce n'était pas évident. La salle était très belle, mais ce Théâtre Découverte est en configuration assise. Le public n’était pas très nombreux. Donc, au début, quand tu commences à jouer, tu as une drôle d’impression. Tu te sens un peu mou. Puis progressivement, tu entres dans ton trip. Surtout quand les spectateurs commencent à réagir. C’est à partir de ce moment que tu peux commencer à libérer l’énergie. Il n’y a pas de secret, c'est l'énergie qui fait la différence. Et cette interactivité entre l’artiste et le public. Mais ce n’est pas quelque chose qui soit prévisible. Parfois ça marche, parfois pas. Bien sûr, dans notre setlist, on glisse des titres qui ont de la pêche, au bon moment. Pour permettre au concert de décoller…
Vous comptez beaucoup sur le collectif JauneOrange ?
Laurent : Oui, c'est important pour nous. Si nous avons atteint ce stade, c'est parce que nous appartenons à ce collectif qui se charge aussi de notre booking. Ses relations nous permettent de se produire dans pas mal d'endroits. Il héberge plusieurs groupes liégeois qui s’entraident de manière générale. Et pas seulement pour la promo et le booking. La semaine dernière, nous avions besoin d'un van. Nous nous sommes adressés à notre label et The Feather nous a prêté le sien. C’est une forme de solidarité. Notre album a été produit par Xavier Guinotte, membre de MLCD et du collectif depuis le début. My Little Cheap Dictaphone, je les avais vus en concert, dès l’âge de 15 ans.
Question bateau, mais nécessaire pour mieux connaître Fastlane Candies. Quelles sont vos influences ?
Sandy C. : C'est assez marrant. Elles partent dans tous les sens. Même vers l’électro. J’aime beaucoup Django Django, par exemple…
Laurent : Elles sont multiples. Comme les comparaisons. Celle qui revient le plus souvent concerne Clap Your Hands Say Yeah. La voix du chanteur est particulière. Spécifique et immédiatement identifiable. Un peu comme celle d’Alexis. Et puis on aime bien ce groupe. Leur indie/rock n'est pas complètement calibré. Il est mélancolique, mais très susceptible de partir dans toutes les directions. Et c’est ce côté un peu 'fou, fou' qui peut contribue à mettre la pêche. A nos débuts, on aimait bien inclure des percussions, des couleurs exotiques, tropicales, et puiser dans d’autres cultures. Comme Django Django. Moins aujourd’hui. Perso mes goûts sont assez éclectiques. J’appréciais beaucoup Madrugada, dont la structure reposait davantage sur les guitares. Ce band norvégien s’est séparé. J’affectionne autant l'indie/rock américain et anglais en général que l’électronique. Je suis également un fan des Doors…
Et les Beatles ?
Laurent : Je ne crois pas qu’ils soient une source d’inspiration immédiate. Mais mon père était fan des Beatles. Il avait tous leurs vinyles et au cours de mon enfance, forcément je les ai écoutés. Tout comme Sandra, d’ailleurs. Nos parents sont également musiciens. Ce qui nous a permis de découvrir un tas d’artistes différents. Mais manifestement, les Beatles demeurent une référence imparable.
Le vinyle et la bonne vieille cassette audio, ringard ou un effet de mode ?
Laurent : Je ne peux pas en dire du mal, car je possède une platine vinyle depuis longtemps et je rachète des disques de ce type. J’en possède beaucoup. J'aime les écouter. Ce qui ne m’empêche pas de me poser des questions. Il y a, en effet, peut-être aussi un effet de mode. J’ai écouté ceux de mon père, tout petit, puis on est passé au cd. Après, on n'a juré que par le cd parce que c'était cool à ce moment-là. Maintenant le vinyle revient et c'est un son différent. C’est quand même en vogue. Les gens ont besoin d'un nouveau support et d'une nouvelle motivation. Le vinyle sonne bien et est plus chaleureux. La pochette est plus belle que cette du cd. C'est bien, mais ce n'est pas forcément l'essentiel. Bien que collectionneur de disques, j’avoue que ce comportement, cette envie d'accumuler un maximum de disques, ce n'est pas l'essentiel dans la musique. L'essentiel, c'est quand même de l’écouter. Pourquoi acheter ce que tu ne vas pas écouter ? Je me procure les disques qui me plaisent vraiment et j'essaye de rentrer dedans et de vivre vraiment la musique. Maintenant, si on peut l'auditionner dans de bonnes conditions sur une bonne chaîne hi-fi qui diffuse un son chaleureux, tant mieux ! Tout dépend aussi de la qualité du vinyle. Certains ne sont pas bien masterisés. Et il y en a plein. C’est pourtant indispensable. Pourquoi graver un cd en vinyle s’il sonne à l’identique ? Il est alors préférable de le laisser en cd. J'organise parfois des soirées 45 tours. Et je peux t'assurer que je suis dedans…
Trois albums cultes ?
Laurent : J’hésite entre « Trompe Le Monde » et « Bossanova » des Pixies. En fait, j'aime bien ces deux-là, car ils ont un gros son. Le public préfère, en général, leurs premiers. L’album éponyme de Suede. Je suis un grand fan de ce groupe. « Wish » de Cure, ensuite. C’est l’œuvre majeure de leur carrière. Elle m’a particulièrement frappée. Je l’ai beaucoup écoutée à l'époque. Mais « Disintegration » me plaît également. Il recèle davantage de diversité et renoue avec les débuts.
Sandy C : Je ne vais pas te citer des titres d’albums, mais plutôt des artistes qui m'ont marqué. The Cure, Clap Your Hands Say Yeah dont je suis fan. Wampire également, dont on a assuré la première partie.
Vous avez participé à la plupart des festivals d'été ?
Laurent : En Wallonie, on en a assurés quelques uns…
Lors de votre concert accordé au Salon de Silly, vous avez rencontré un problème de claviers. Finalement, vous vous en êtes bien tirés ?
Laurent : Oui, c’est vrai. Pour ces Francos, on a joué sous un line up plus restreint. En formule acoustique avec un synthé. Ce n’est pas un problème pour nous. A la base, nous écrivons nos chansons suivant un profil guitare/voix. Mais elles sont adaptables. Pour l’album, on les a étoffées afin de leur communiquer une sonorité davantage pop/rock. On peut également leur donner une autre dimension. Il n'est pas impossible qu’à l'avenir on se serve uniquement de synthés et ou de boîtes à rythmes. Nous n’avons pas peur d’expérimenter et aimons emprunter de nouvelles directions…
Votre setlist est-elle immuable ou la modifiez-vous en fonction des circonstances ?
Laurent : Certains enchaînements entre morceaux fonctionnent bien. On a donc envie de les conserver. Parfois on opère la transition entre les compos à l’aide de passages aux synthés. Ce n’est pas une formule que nous avons adoptée aujourd’hui, car nous ne disposions pas des machines et nous produisions en ‘light’. Dans une setlist, certains titres sont prévus pour le début et d’autres pour la fin. Pour le reste, on essaye de varier quelque peu. Lors d’un festival, on n'a pas beaucoup de temps pour mettre en place une telle structure, et on privilégie ce qui accroche. Pendant un concert, j’aime qu’il se déroule par vagues. Une alternance entre moments plus énergiques et plus paisibles. Pour ne pas lasser…
Un nouvel album ou un Ep en préparation ?
Laurent : Pas pour l’instant. Mais Sandra bosse également sur son projet baptisé Telegraph. Alexis et moi-même avons le nôtre qui mêle musique et littérature. Alexis a publié un bouquin. Il a écrit les textes. Nous y travaillons. La lecture de ce livre est entrecoupée de fragments musicaux.
Sandy C : Oui, quand je disposerai d’un peu plus de temps disponible, je me focaliserai davantage sur mon projet. Pour l’instant, c’est assez difficile, car il demande trop d’application et de travail. Mais dès que possible il va se concrétiser. Et on va alors sortir quelque chose…
Laurent : Il est normal que de temps à autre, on prenne du recul par rapport au groupe. Qu’on s’aère l’esprit. Perso, j’aime bien m’aventurer dans l’électro. Et c’est en expérimentant qu’on trouve de nouvelles directions. J’imagine, qu’après avoir exploré d’autres horizons, on va remettre son métier sur l’ouvrage. Probablement en automne. Je ne pense pas qu’il faille écrire tout le temps et ramer encore et toujours dans la même direction. A un moment, il faut un peu s’arrêter. Ce qu’on vient de faire, mais pour se produire en concert. Mais ensuite, il va falloir se changer les idées, écouter d’autres trucs, se remettre en question, et reprendre alors notre route…
Chanteur/harmoniciste/compositeur, Dave Hoerl est né à San Francisco. Il a beaucoup appris de Rick Estrin, le leader des Nightcats. Il réside au Canada, du côté de Vancouver, depuis 1986. Et en 2012, il a acquis la double nationalité, canadienne et américaine. Lorsqu’il débarque dans son pays d’adoption, il devient très proche du pianiste Kenny ‘Blues Boss’ Wayne. Dave fonde les Twisters en 1994. La formation a gravé depuis 4 long playings ; et si elle et toujours en activité, seul Hoerl y milite comme membre originel. Une aventure qui lui a permis depuis de cumuler les nominations aux Awards du blues, décernés par la Toronto Blues Society. Hoerl développe également d’autres projets. En duo ou trio, au sein de Hurricane and the Hooligans.
Ce nouvel opus solo a été enregistré dans le studio Blue Wave, à Vancouver. Il est co-produit par Kevin Burke et Dave. Hoerl a écrit ou co-écrit 9 des 11 plages. Lors des sessions, il a reçu le concours de la crème des musiciens locaux. Et notamment Double D (Dave Dykhuizen) aux guitares, Charles Hart (l'un des Twisters) à la basse, Roger Brant à la batterie, Dave ‘Cob’ Webb aux claviers et Johnny Ferreira aux saxophones.
"Soul mate", titre qui ouvre les hostilités, est sans doute celui qui lorgne le plus vers le Chicago blues. L’ambiance est cool. Dave Webb assure derrière son piano. Parcimonieux aux cordes, James ‘Budd’ Rogers (invité pour la circonstance) est tout aussi efficace sur ses cordes. Mais les interventions de Hoerl à l’harmo sont à la fois personnelles et bouleversantes. Ce n’est pas un musicien extraverti qui en remet constamment trois couches. Il privilégie la sobriété tout en livrant son âme, à l’instar du très swing "Pure & simple blues", une plage au cours de laquelle il est soutenu par Double D à la slide. "I'd rather be blind, crippled and crazy" est issu de la plume de Charles Hodges et O.V Wright (avec la bénédiction du label Hi). Un soul blues indolent, qu’il chante discrètement. Webb tapisse l’expression sonore de ses interventions à l’orgue Hammond. Double D tire son épingle du jeu en mode jazz. "Snake charm" est une plage élégante, dansante et subtilement manouche. La six cordes de Brandon Isaak (le Twister) libère énormément de swing. Ferreira vient apporter son concours au saxophone ; et finalement David se sent comme un poisson dans l’eau au cœur de ce style qui incontestablement aurait plu à notre Toots Thielemans. "Fight of the century" est une piste lente, mais subtilement funky, une plage au cours de laquelle Webb tire son épingle du jeu à l’orgue Hammond. Empreint de délicatesse, "Don't think it can't happen to you" est un autre titre de toute bonne facture imprimé sur un tempo jazzyfiant. Un morceau qui baigne au sein d’un climat fragile entretenu par l'orgue et l'harmo du leader ! Chip Hart amorce "Grand old game" (NDR : une chanson dont le lyrics traitent du baseball), une compo dont le Diddley beat est imprimé par les percus de Hart aussitôt relayées par l'harmonica. "She took back my heart" trempe dans le soul funk. Roots song entraînante, "Long highway" repose sur une jolie ligne mélodique. "A little off the top" adopte un profil r&b emprunté aux 50’s. Câline, la voix s’inscrit parfaitement dans ce climat fin de soirée. Les accents jazz sont entretenus par la contrebasse, le piano et le sax ténor de Ferreira. "I left my heart in San Francisco" est un morceau autrefois popularisé par Tony Bennett. La version proposée est instrumentale. L’ombre de Toots Thielemans plane à nouveau. Hoerl et manifestement un musicien talentueux, mais en même temps créatif. Ce qui ne gâte rien !
The New Mendicants est un nouveau super groupe formé par l’Américain Joe Pernice (NDR : fondateur des Pernice Brothers, of course) et l’Ecossais Norman Blake (NDR : chanteur/guitariste du mythique Teenage FanClub), devenus tous les deux canadiens suite à leur mariage. Un line up complété par Mike Belitsky, le drummer des Sadies. « Into the Line » constitue leur premier album. Un disque tout au long duquel le trio cherche à choyer la pop, tantôt dans l’esprit des Beatles (« If You Only Knew Her »), de Belle and Sebastian (« Cruel Annette »), mais aussi en sublimant ses propres atouts pour créer un mix entre l’énergie power-pop du Teenage FanClub (« Shouting Match », « Verry Sorry Christmas ») et le sens des harmonies chères à Joe Pernice (« High on the Skyline »). Et si on regrettera peut-être le manque de folie, il ne faut pas oublier que cette pop d’orfèvre (« Cruel Annette ») était censée, à l’origine, illustrer un film de Nick Hornby…
Vous pouvez écouter certains disques des dizaines de fois et ils vous font autant d'effet qu'une compétition de curling. Vous avez beau lire des chroniques élogieuses de vos confrères, rien n'y fait. Vous l’estimez creux, vide, limite énervant. C'est l'effet que m'a fait le second album de Royal Canoe, sextet de Winnipeg dans le Manitoba.
Signé sur Nettwerk, le label des Born Ruffians entre autres, "Today We Are Believers" fait suite à deux maxis sortis début 2013 et à "Co-Op Mode", une première réalisation tellement confidentielle qu'elle n'est même pas signalée dans le communiqué de presse.
Royal Canoe pratique une musique assez hybride entre electro-pop à grand renfort de claviers analogiques, folktronica et influences soul, funk 70's et 80's. Prince semble d'ailleurs être une des influences majeures, ne fut-ce que par l'emploi régulier du falsetto. On retrouve aussi çà et là des rythmiques vaguement africaines à la Vampire Weekend.
Les compositions sont loin d'être simplistes, chaque morceau proposant différentes atmosphères et la production est plutôt audacieuse. Mais il y a tel magma d'effets (sur les voix notamment) et de directions que l’ensemble en devient parfois un peu écoeurant. On sent bien que le groupe a voulu multiplier les propositions, ajoutant au passage quantité de samples, mais au final, ce développement déconcerte et lasse plus qu’il ne convainc. Et si le début de l'album, qui reprend les premiers singles ("Today We're Believers", "Hold On To The Metal") peut séduire, la seconde partie est profondément ennuyeuse. Trop ambitieux, trop long, "Today We Are Believers" pouvait se passer d'un bon tiers des morceaux. Il en aurait été bien plus digeste.
Encensé à gauche, plébiscité à droite, le premier album des Liégeois est digne d’intérêt.
De fait, les plus sceptiques en seront pour leurs frais.
Car dans le genre lumineux, Faslane Candies en connaît en effet un rayon.
Pop de qualité, tirée à quatre épingles, mélodies imparables, gimmicks accrocheurs, production léchée et maîtrise du sujet ; la recette semble éculée, et pourtant elle fait toujours mouche.
Sans doute grâce à ce brin de magie qui distingue un honnête petit groupe d’un collectif talentueux.
Assurément de la trempe de la deuxième catégorie, les orfèvres aux commandes ici ont pris le temps de donner naissance à ce « Telenovelas ». Et ils ont bien fait serait-on tenté de dire, tant le résultat leur donne entièrement raison.
Soit des chansons qu’on devine rôdées en répétitions où passion et érudition devaient se disputer à l’évidence ; mais aussi et surtout sur scène ou le groupe a trouvé son équilibre, dessiné son cap et forgé son expérience (à l’aide d’une nouvelle section rythmique).
Cette maturité s’affiche d’emblée sur « Girls » et le single éclaireur « Let Yourself Go », mais surtout se confirme tout du long de l’opus.
Ce « Telenovelas » est terriblement accrocheur, mais pas forcément dès la première écoute ou du moins pas aussi facilement qu’il n’y paraît.
Comme face à une beauté fatale, on sait dès le début qu’on succombera tôt ou tard, mais les attributs de séduction, s’ils fonctionnent immédiatement et à merveille, sont loin d’être racoleurs. Et évitent le côté Pompier dans lequel bon nombre se vautrent trop maladroitement.
Aussi, les amateurs de Pop ensoleillée ne pourront donc que s’émerveiller.
Quant à ceux qui préfèrent l’ombre, ils éviteront de trop s’exposer.
Un album brillant à plus d’un titre (puisque l’album en comprend dix).
L’air de rien, le label JauneOrange est occupé de redessiner la carte territoriale de la Wallifornie, en plaçant Liège Angeles au beau milieu.
Mobilisation relativement faible pour la première apparition de Volcano Choir sur nos terres. Et ce n’est pas faute d’avoir essayé. En tablant sur l’accroche ‘Volcano Choir featuring Justin Vernon of Bon Iver’, le Botanique et le Cirque Royal espéraient certainement cocher toutes les cases du tableau de réservation. Mais c’est au final dans un Cirque Royal rétrogradé à son format ‘Medium’ que le barbu et ses idoles se sont produits, devant un public plus attentif que jamais.
Et quel bonheur, ce public ! Certes, les balcons du second étage se sont vus condamnés pour la soirée, suite à la vente faiblarde des tickets. Ce qui n’a pas découragé Volcano Choir, formation réunissant Justin Vernon et les six membres de l’une de ses formations fétiches, Collections of Colonies of Bees. Les sept musiciens ont offert un set majestueux devant un parterre des plus respectueux.
Dès l’entame, vers 21h, le Cirque Royal plonge dans un silence religieux. Justin Vernon se place derrière son pupitre dissimulant les textes des morceaux de la troupe ainsi que sa loop station. Les six CCOB s’installent derrière leurs instruments et le spectacle démarre sur « Tiderays », entame du second LP, « Repave ». S’ensuivent une heure et quart de pur ravissement, étayée par des versions sublimées de « Island, IS », « Acetate », « Bygone » et autres « Comrade ». Un set ponctué de trois nouveaux morceaux, dont « The Agreement » et « Valleyonaire », s’emboîtant parfaitement à l’ensemble.
Et toujours, ce silence salvateur entre ET pendant les morceaux. Aaah, le plaisir d’écouter un concert sans parasitage ! Les applaudissements, plutôt timides en début de parcours, enflent à la même mesure que l’intensité de la performance. La formation semble ravie. Ça tombe bien, nous aussi. Puis interviennent ces grands moments de grâce, « Alsakans », « Dancepack » et, en fin de set, une superbe version de « Still », morceau incorporant les textes du « Woods » de Bon Iver et extrait du –je ne le dirais jamais assez– génialissime « Unmap ».
La cohésion de groupe n’était pas nécessairement évidente en début de set, mais le septuor est parvenu, au bout de quelques morceaux, à faire oublier le côté ‘featuring Justin Vernon of Bon Iver’, qui aurait pu ébranler la solidité du show. Le Volcano Choir remballe ses bagages après avoir accordé un joli rappel consacré aux intenses « Youlogy » et « Almanach ».
Simplement superbe !
(Organisation : Botanique)
Daddy Longlegs est considéré comme un groupe de garage. Il nous vient de Waterloo, dans l'Etat d'Ontario, au Canada. Fondé en 2001, il a décroché un Maple Blues Award (César du blues canadien), en 2008. Le line up réunit le chanteur/guitariste Mike Elliott, l’harmoniciste Chris ‘Junior’ Malleck, le bassiste Steve Toms et le drummer Jeff Wagner. Les musicos revendiquent comme influences majeures, les spécialistes du West Coast blues, comme Rusty Zinn, le regretté Nick Curran, les Fabulous Thunderbirds, Red Devils, James Harman et Little Charlie and the Nightcats. "The devil's in the details" constitue leur 5ème opus.
L’elpee démarre par le titre maître. Un brûlot à l’impact direct. Les sonorités primaires dispensées par la guitare me rappellent les Red Devils. La voix est caractéristique des ‘garage bands’. L’harmonica est plutôt détonnant. "Your love is killing me" élève le tempo. Chris Malleck est incapable d’attendre son tour et aligne une série de notes torrides, explosives. Il est rapidement relayé par Elliott qui n’hésite pas à en remettre une couche. Mike chante, d’un timbre à la fois perçant et émouvant, le blues lent "Lonely". Sa sortie aux cordes est bien plus parcimonieuse, face aux interventions graves et écrasantes de la section rythmique. Guitare et harmonica se conjuguent pour attaquer le nerveux "Borrowed time". Wagner en profite pour s’exciter sur ses fûts, alors que Malleck nous réserve un solo plein de dynamisme. Shuffle menaçant, "40 hour wreck" est balisé par le travail rythmique de la guitare. Une compo qui brille par sa cohésion. Manifestement la formation canadienne prend plaisir à nous faire partager sa musique."Easy for me" adopte le rythme du Chicago Westside originel. La voix se déchaîne sur "Get drunk and be someone", du pur rock'n'roll, très jump, au cours duquel Chris souffle dans son harmo comme un possédé alors que Mike semble hanté par le regretté Hollywood Fats. Ralentissement de tempo pour "You wonder", une plage qui baigne au sein d’une atmosphère lourde et au cours de laquelle la guitare se charge de reverb’. Malleck aborde le thème musical de "Summertime" dans sa partie libre à l'harmonica. "The one" lorgne à nouveau vers les Red Devils de Lester Butler. Le rythme est hypnotique et la six cordes totalement déjantée. "Half pint" nous replonge dans le West Coast jump. De bonne facture, cet opus s’achève par un blues acoustique intitulé "Dug my own grave".
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