Considéré comme de l’Ambient par certains et du Post-Rock par d’autres, le projet de Matthew Cooper, Eluvium, est avant tout un intense voyage intérieur. Enveloppés d’une légère bulle d’oxygène, on se laisse emporter là où les splendides plages instrumentales de « Copia » nous entraînent, sans la moindre attache. On apprend enfin à respirer. On apprend enfin à ouvrir les yeux et, surtout, les oreilles. Les sons délicats du piano et des cordes d’Eluvium nous lavent de nos impuretés et nous absolvent de tous nos péchés, comme si le paradis avait ouvert ses portes et qu’il nous accueillait généreusement en son sein, l’espace d’une courte visite inopinée. Après nous avoir permis une petite mais essentielle remise en question de nos valeurs et de notre style de vie, le paradis referme délicatement ses portes et la bulle d’oxygène nous reconduit lentement sur terre. L’esprit sain et apaisé, on s’endort, satisfaits d’avoir enfin déchiffré le véritable sens de notre vie. Suite au magnifique « An Accidental Memory in Case of Death », Eluvium nous offre gracieusement une nouvelle expérience divine et atmosphérique à faire pâlir de jalousie Brian Eno. Alléluia !
‘Dans une atmosphère proche des ‘nursery rhymes’, il a construit un monde étrange, allégorique, où le Mal pourchasse l’Innocence, (…) où la poésie s’enracine dans le tuf du subconscient. Une œuvre intemporelle, qui survivra à toutes les modes’, écrit Claude Beylie à propos de l’unique et formidable film de Charles Laughton, « La Nuit du Chasseur ». Le nouvel album de Kris Dane n’est sans doute pas l’équivalent musical de ce chef-d’œuvre hallucinant, mais les voix qui le hantent et son ambiance feutrée nous rappellent ces images troublantes, d’un lyrisme au bord du cataclysme. Sans grossir le trait d’un folk douillet mais pas geignard, Kris Dane signe ici neuf chansons qui brillent sans trop d’éclat : la guitare se veut humble, le chant léger mais grave, la mélodie nimbée du spectre de Dylan (« The Horseman ») et de Nick Cave (« Back to Nature »). L’harmonica, le marimba, et surtout ces chœurs féminins, attisent cette impression d’être immergé dans cet album ‘comme on s’enfonce dans l’obscurité du poème et de la nuit’, les yeux bien ouverts mais l’attente incertaine, à l’écoute de ce qui va surgir. « Home sweet home is out there », susurre-t-il en citant le Paradis, l’Enfer, comme les doigts de Powell tatoués des mots ‘AMOUR’ et ‘HAINE’. D’où ce titre générique, « Songs of Crime and Passion », parce que les sentiments les plus extrêmes enfantent des meilleures histoires. Kris Dane n’offre rien de grandiose : juste sa vision dévoyée du folk-rock, ses hantises et ses menus fretins sous forme de ritournelles psalmodiées. Rien de grandiose, mais quelque chose d’attachant.
Elvis Presley est un véritable phénomène. Et on a pu de nouveau le constater lors de la manifestation organisée pour célébrer le trentième anniversaire de sa disparition. Pour rappel il est décédé chez lui, à Graceland, le 16 août 1977. Deux musiciens britanniques notoires ont voulu marquer d’une pierre blanche cet événement en enregistrant 15 chansons du répertoire du King : des classiques mais aussi des titres forts peu connus du grand public! Nos deux amis se sont donc réunis dans un studio de Nashville, pour la première fois depuis 13 ans.
L’opus s’ouvre par "A mess of blues", la flip side de "It's now or never". Gordon possède une superbe voix. Il est à l'aise dans tous les registres, à l’instar d’un certain Presley. Soutenu par les merveilleux chœurs des Jordanaires, il chante puissamment "I beg of you". Le son est superbe. Mais là où on prend une claque, c'est quand le grand Gordon se met à chanter le rock'n'roll ; et en particulier sur "I'm left, you're right, sh's gone" (un single de 1655), au cours duquel Spedding se révèle éclatant en soutien. Il peut aussi emprunter un timbre de baryton pour chanter le gospel au milieu des chœurs. Comme sur "Peace in the valley", une plage investie par le piano et l'orgue. Il y en a pour tous les goûts. Elvis le rocker lorsqu’il adapte "Don't be cruel" et "My baby left me", deux plages interprétées parfaitement dans l'esprit d'Elvis et des Jordanaires, au cœur des fifties. Elvis le sage, quasi crooner, lors d’un autre gospel : le tendre "Love me". Et puis enfin Elvis le bluesman, lorsqu’il chante sans ambigüité "Trying to get to you". Un très bon moment. Tout comme la version de "It feels so right". Mais la plage que je préfère est incontestablement "Lawdy Miss Clawdy". Evoluant sur un tempo très décontracté, très blues, Gordon se démène face à son quartet animé par le sombre Chris. Manifestement, il n’y a pas de déchet sur cet opus. On peut même affirmer qu’il s’agit d’un hommage de très bon goût au King. Spedding met de temps en temps le nez à la fenêtre, tout en demeurant mesuré et respectueux. A l’instar de "Too much". N'oublions pas le titre maître de cet opus. Beaucoup d'encre avait coulé lorsqu’Elvis avait chanté "O Sole mio". Mais sa voix était susceptible de s'adapter facilement à tous les genres. Ces musiciens n'ont rien inventé mais ils ont osé. Sans pour autant occulter le mythe Elvis Presley, ils ont opéré un exercice de style fidèle dans la reproduction. Et ils n'ont pas à rougir de ce témoignage de reconnaissance adressé au plus fabuleux des rockers du siècle dernier.
En 2001, Tim Booth quittait James -un groupe phare de la pop anglaise des années 90- après avoir vendu plusieurs millions de disques sur le globe, essentiellement en Grande Bretagne et aux Etats-Unis. Mais curieusement sans jamais accéder à la notoriété internationale des artistes ayant assuré un jour la première partie de leur tournée. Parmi ceux-ci, nous retiendrons les Stones Roses, Happy Mondays, Stereophonics, Nirvana, Radiohead et Coldplay ! La formation décidait alors de mettre l’aventure du groupe entre parenthèses. Avant d’entrer en hibernation, le combo avait accordé une dernière tournée mémorable, au cours de laquelle tous les musiciens ayant transité par le line up avaient répondu à l’invitation. Même Brian Eno s’était circonstanciellement associé à l’événement. Depuis, Tim avait poursuivi une carrière en solitaire. Sans grand résultat, il faut le reconnaître. Début 2007, Booth a repris contact avec ses musiciens ; et le team est reparti en tournée. Et dans la logique des événements, le collectif nous propose son dixième opus studio (NDR : leur dernier, “Pleased to Meet You”, était paru voici déjà 7 ans). Booth, Gott, Glennie, Davies, Hunter et Baynton-Power, c'est-à-dire la formule qui avait commis « Laid », ont marqué leur accord pour reprendre du service instantanément. Le trompettiste Andy Diagram a pris le temps de réfléchir. Sans doute fatigué de son aventure partagée au sein de Two Pale Boys, en compagnie de David Thomas, il a finalement adhéré au projet.
Mais venons-en à cet opus. Tout d’abord la pochette originale a été censurée. Elle avait bien servi à la campagne de promotion, mais elle a déclenché une levée de boucliers. En cause, une arme à portée de main d’un nourrisson. Depuis, l’objet litigieux a été remplacé par un pistolet en plastique. En fait, l’image originelle était destinée à faire passer un message politique. Hostile à la participation de la Grande-Bretagne dans la guerre de l’Irak. Et surtout à l’envoi de jeunes soldats. Vous comprenez la métaphore. Et les lyrics du titre maître de cet album traduisent cette impression. Des lyrics toujours aussi soignés qui ne s’intéressent pas seulement à la politique, mais aussi au spirituel, à l’insécurité, à l’insatisfaction, à la folie ainsi qu’à des thèmes plus personnels. A l’instar de « Whiteboy » et surtout de « Bubbles ». Clairement autobiographique, ce dernier est ainsi inspiré par la naissance de son fils. Mais instrumentalement, cette chanson évolue bien dans l’esprit du groupe du début des nineties. A cause des interventions de cette trompette toujours aussi virevoltante. Celles de Diagram, bien sûr. Des interventions qui parsèment cet opus de manière aussi judicieuse que parcimonieuse. Tout comme celle du violon. Coproduit par Lee ‘Muddy’ Baker, personnage qui avait déjà bossé pour l’album solo de Tim Booth, « Bones », en 2004, « Hey Ma » nécessite quand même plusieurs écoutes pour être apprécié à sa juste valeur. Pas de souci quand même, la plupart des plages sont toujours aussi hymniques et la voix de Tim aussi passionnée que versatile. D’ailleurs ce disque semble d’abord vouloir rassurer les fans de la première heure. Les détracteurs lui reprocheront probablement une mise en forme trop raffinée. Et pas de hit de la trempe de « Sit down » ou de « She’s a star ». N’empêche, ce retour est un événement fort sympathique. Et l’album s’avère très agréable à écouter. En outre, les profanes vont enfin se rendre compte de l’imposture de Clap Your Hands Say Yeah ! Me demande s’ils ne vont pas aller se rhabiller !
De « Hey Ma », on retiendra surtout les morceaux susvisés, mais également « Waterfall » (hanté par Lou Reed et les Kinks, il s’inscrit dans la lignée de la collaboration opérée entre Booth et Angelo Badalamenti »), l’atmosphérique « Boom boom » (ces arrangements de cordes en fin de parcours auraient pu figurer sur « Some Cities » des Doves), le poétique « Of monsters & heroes & men », un « Semaphore » sculpté dans la douceur semi-acoustique et le final « I wanna go home », un fragment construit en crescendo et caractérisé par un violon grinçant ainsi qu’une guitare cosmique. Probablement le titre le plus audacieux de l’opus. Et une idée à creuser, pour ne pas que la réunion ne se résume pas à un feu de paille. Croisons les doigts !
Publiée il y a une dizaine d’années sous forme de vinyle, « Roots of rumba rock » connaît enfin les honneurs du cd. Quarante titres enregistrés entre 1953 et 1955 pour le label Loningisa par les musicien(ne)s qui vont contribuer à définir la rumba congolaise. Un témoignage des premiers pas d’un genre musical qui allait essaimer sur le continent africain comme un souffle de liberté et d’émancipation dans un continent colonisé. Mélange de musique traditionnelle congolaise (usage fréquent des likembés), des rythmes caribéens (popularisés dans un premier temps par…Tino Rossi) et de fanfare, la rumba congolaise est aussi le fruit de la grande mixité culturelle qui avait cours dans les années 50 à Léopoldville, vitrine officielle de l’empire colonial belge. L’auditeur y découvrira les stars de l’époque (Bowane en tête) mais aussi une musique richement mélodique et percussive, conçue pour la fête, dont les paroles amusées et ironiques constituent une véritable chronique sociale du Congo Belge. Au fil des titres, la guitare électrique fait son apparition, de même que le Solovox, un clavier ancêtre des synthétiseurs, belle preuve de l’approche résolument moderniste des musiciens impliqués. Chaque titre est abondamment commenté dans un livret fort intéressant enrichi par des photos de toute beauté. Musicalement, c’est surtout la ressemblance avec la musique des Caraïbes qui surprend. Pour s’en convaincre on vous conseille de (re)découvrir la compilation « Mento Madness, Motta’s Jamaican Mento 1951-56 » dont les traits communs sont évidents ; bel exemple du ‘zeitgeist’ ayant sévi dans les années 50.
Actif depuis 15 ans aujourd’hui, Guster n’a jamais véritablement pris son envol. Et c’est peu dire. Même le brillant single « Airport Song », extrait de « Goldfly » (1996), leur deuxième essai, ne leur aura pas permis de faire partie de ce que l’on nomme les ‘One-Hit Wonder’. Et il y a peu de chance que le cinquième recueil de la formation parvienne à changer la donne. Malheureusement. Bien que joliment produit, « Ganging Up On The Sun » n’est en soi qu’un disque de folk supplémentaire et dispensable, risquant fort bien d’être noyé par l’énorme vague de nouveaux et excellents albums apparus dans les bacs en 2007. Guster puisera certainement à nouveau sa clientèle au sein des campus américains mais ne sera accueilli que très tièdement du côté de chez nous…
Il ne faut que quelques secondes d’écoute pour émettre un avis favorable vis-à-vis de cet elpee de Fuck Buttons. Et pourtant leur musique n’est pas facile à assimiler. Difficile, dès lors d’expliquer, pourquoi on y accroche aussi rapidement. Peut-être parce que le duo originaire de Bristol possède ce petit je ne sais quoi pour séduire instantanément. Et « Street Horrrsing », premier opus d’Andrew Hung et de Benjamin John Power, libère un florilège de sonorités expérimentales susceptible d’émerveiller. 50 minutes alliant puissance et intensité rappelant les travaux d’Autechre ou encore de Black Dice. Même le concept de la pochette est fort proche. Deux grandes références musicales qui semblent avoir fortement marqué les deux Britons.
Leur premier opus a été enregistré au sein des studios londoniens de Tim Cedar (Part Chimp) ; il a en outre reçu le précieux concours de John Cummings, un des guitaristes de Mogwai, à la production. Mais Fuck Buttons ne s’est pas contenté de tirer la quintessence de tout cet environnement. Il a fait fonctionner sa matière grise. Langoureux, visionnaire et apaisant, « Sweet Love For Planet Earth » est une invitation à la méditation. « Bright Tomorrow » plane sur des beats deep techno novateurs tout en créant de vives sensations. Agité de rythmes tribaux, « Colours Move » nous plonge dans un univers inexploré. Manifestement, Fuck Buttons possède un gros bagage technique en matière d’innovation technologique. Mais ce potentiel est auréolé d’une certaine forme de mysticisme. Et la somme de toutes ces énergies permet d’apprécier les six longues plages, sans jamais susciter la lassitude. Enfin, cette intensité est tellement contagieuse, qu’on finit par en réclamer davantage. Le duo est probablement à l’aube d’une grande carrière. Une chose est sûre, il est à suivre de très près.
Peu d’infos sur ce Jim King. Une chose est sûre, c’est un admirateur de l'Anglais Peter Green. D’ailleurs, la traduction du titre de l’album est éloquente. Non, ce n’est pas ‘Quand les blues ou les blues sont verts’, mais bien ‘Quand les blues sont (Peter) Green’, ou quelque chose dans le genre. Un nouvel hommage (après ceux rendus par Gary Moore, Bernie Marsden et bien d'autres) au plus talentueux des chanteurs/guitaristes de blues anglais. Lors de ses remerciements, il s'adresse à Peter Green à l’aide de mots simples : ‘Thanks for the music’. Jim est californien. Probablement issu de San Diego, il est également le guitariste des Aunt Kizzy'z Boyz, responsable de deux elpees à ce jour : "Trunk full of blues" en 2004 et "It's tight like that" en 2007. Pour concocter son premier opus solo, King a reçu le concours de trois musiciens : Chuck Kavooras à la guitare et à la slide, Ralph Carter à la basse et aux claviers ainsi que Toss Panos aux drums. Il interprète pas moins de sept compositions de Green, une de Danny Kirwan (autrefois chez Fleetwood Mac) et trois autres titres issus du répertoire de Peter.
Jim manifeste beaucoup de solennité pour entamer les hostilités. Le son gras et réverbéré de la Gibson Les Paul est immédiatement saisissable, et avouons-le, s’inscrit parfaitement dans l'esprit cher au Peter Green de la fin des sixties. Les notes concédées sont parcimonieuses et la sensibilité à fleur de peau. Ce "Sugar Mama" est ici attribué à Howlin' Wolf. Peter ne l'avait immortalisé sur aucun album officiel de Fleetwood Mac ; mais cette compo figurait bien dans son répertoire. Très british, la section rythmique n’opère guère dans la délicatesse. Plutôt écrasante, elle libère beaucoup d’intensité dramatique. La voix de King est excellente. Cependant, il ne s’agit pas d’une pâle copie du timbre de Peter, mais d’un organe fort proche d’un autre vocaliste issu du British Blues Boom : l'incomparable Chris Youlden de Savoy Brown. Issu de l’elpee "Mr Wonderful", "Rollin' man" constitue, à mon humble avis, une des meilleures compos de Green. Manifestement, elle mettait parfaitement en exergue son potentiel. Blues lent aux accents volontiers dramatiques, "Drifting" figurait sur l'album "The original Fleetwood Mac". King démontre ici qu'il a vraiment assimilé l'esprit énigmatique et introverti de Peter. Les silences sont importants. La voix impressionne. A cause de la sensibilité qui en émane. "Rattlesnake shake" a été écrit plus tard. Le choix de cette cover justifie la perception parfaite de l’intégralité du répertoire. Jim et Chuck Kavooras, son guitariste rythmique, conjuguent leurs talents ; mais ce dernier –également producteur– l’interprète d'une voix autoritaire. A l’instar de Peter quarante ans plus tôt, Jim chante "World keeps on turning". Un morceau lent au cours duquel il s’accompagne uniquement à la guitare. Parmi les reprises, on épinglera le "Lemon squeezer" de Jimmy Rogers, le "Coming your way" de Danny Kirwan, un autre guitariste du Mac, et "Need your love so bad". Signé Little Willie John, ce 45 tours avait décroché un énorme succès à l’époque. La voix de Jim est à nouveau très proche de celle de Youlden. L’œuvre recèle encore l’adaptation de deux des plus beaux blues lents issus de la plume de Peter Green : "Fool no more" et "Love that burns" (ce fragment figure sur le meilleur opus de Fleetwood Mac, "Mr Wonderful"). Ces deux plages exhalent un feeling incroyable. Des frissons vous traversent le corps et l'âme. Jim King n'a sans doute rien inventé mais il a bien compris le mal qui hantait le grand Peter Green. Pour être parvenu à le restituer, je le remercie et le félicite. ‘God bless you Jim, you sure have the blues inside!’
Contact : Jim King – P.O Box 890276 - Temecula - CA 92589 – USA
Ronnie Horvath est aujourd’hui âgé de 58 ans. Il vit aujourd’hui à New York, mais a réalisé l'essentiel de son parcours musical à Boston. Il avait monté un groupe en compagnie de Sugar Ray Norcia, les Bluetones. Il a vécu son heure de gloire, lorsqu’il a remplacé Duke Robillard au sein du big band, le Roomful of Blues. Il a ensuite entamé une carrière de leader, en dirigeant ses Broadcasters. Depuis, il a aligné un nombre important d'albums. Ronnie est un guitariste respecté, vénéré même. Un esthète qui allie une profonde sensibilité et une technique irréprochable. Sa musique semble parfois presque trop parfaite et manquer de chaleur. A cause de sa recherche constante de la perfection. Ronnie ne chante pas. Il se consacre donc exclusivement à son instrument. Ce nouvel album a été concocté ‘live’, au sein des studios Wellspring Sound. A Acton, dans le Massachussetts. En avril 2007. C’est un opus instrumental. Lors des sessions, il a reçu le concours de Dave Limina au piano et à l'orgue Hammond B3, de Jim Mouradian à la basse et de Lorne Entress à la batterie. Son vieil ami Michael ‘Mudcat’ Ward intervient circonstanciellement à la basse et au piano. Tout au long de cet elpee, Ronnie étale sa connaissance et sa profonde compréhension des musiques qu'il aime : le blues d'Otis Rush, de Magic Sam et de T-Bone Walker ainsi que le jazz de Kenny Burrell et de Wes Montgomery. En outre, il reprend ici certains thèmes qu'il avait déjà abordés dans le passé.
Ronnie ouvre son concert privé en faisant la part belle au rythme et aux percussions. "Eddie 's gospel groove" nous entraîne au cœur d’un voyage proche des sphères musicales de Carlos Santana. Les interventions de Lumina à l'orgue Hammond sont superbes. "Bobby's bop" pénètre dans l’univers du jazz. Lumina se met alors dans la peau de Jimmy McGriff, tandis que Ronnie produit son flux ininterrompu de notes lumineuses. L’œuvre aligne alors une (trop) longue suite de blues lents. Des plages fort intéressantes, il faut le reconnaître, mais dont le registre rythmique souffre d’une trop grande uniformité. Ce n'est pas la première fois qu'il nous réserve son "Blues for the West side", un hommage aux gratteurs de Chicago qui ont immortalisé ce style : Magic Sam, Otis Rush, Buddy Guy, Luther Allison ou encore Luther Johnson. La transition vers la compo suivante, "I am with you", s’opère tout naturellement. Mais qu'est-ce qu'il joue divinement, ce Ronnie ? Il met son cœur et son âme au service de sa musique. "Katrina blues" ouvre une parenthèse. Earl y joue seul de la guitare acoustique. Le climat est empreint d’une grande tristesse. Guère étonnant lorsqu’on sait que les lyrics évoquent la tornade dévastatrice qui a défiguré la vieille cité de la Nouvelle Orléans. Une bonne dose de vivacité irradie "Wolf dance". La trame rythmique de base est aussi solide que celle du géant Howlin' Wolf. Ronnie se prend pour Hubert Sumlin. Il ne manque pas de panache. Lumina le seconde au piano. "Kay my dear" replonge aussitôt dans le blues bien lent. Un style très classique, institué par BB King. Bien mis en exergue, l’orgue Hammond contribue à une écoute confortable. "Blues for the homeless" adopte un même tempo. Une ancienne composition au cours de laquelle Lumina joue passionnément du B3. "Beautiful child" baigne dans la douceur et la mélancolie. Une plage très atmosphérique, magnifiée par ce véritable esthète des cordes. Plus explosif, "Blues for Otis Rush" constitue sans doute le meilleur blues de cet opus. A l’instar d’Otis, qu’il apprécie tout particulièrement, Ronnie y injecte toute sa passion et sa fougue. Ce "Hope radio" s’achève par "New gospel tune", un gospel instrumental caractérisé par ses échanges de piano et guitare.
Depuis l’an 2000 et l’album « Voodoo », on a plus de nouvelles de celui qui avait toutes les cartes en main pour devenir un personnage de la trempe de Prince ou Marvin Gaye. En fait, D’Angelo a séjourné derrière les barreaux à plusieurs reprises ; des détentions largement dues à sa consommation de drogues. C’est vraiment dommage, surtout quand on écoute cette curieuse compilation d’inédits, de reprises et d’extraits de concerts à la qualité sonore souvent discutable.
Après une parfaitement inutile intro qui rappelle (sur plus de dix minutes) les plus hauts faits d’armes du bonhomme, on entre enfin dans le vif du sujet. L’elpee s’ouvre par le très beau « Really Love », un inédit enregistré en compagnie de Questlove, l’essentiel batteur des Roots. Une ballade jazzy imparable portée par une rythmique énorme et la mélancolie chronique de D’Angelo. L’elpee recèle également des titres peu connus comme « Your Love Is So Cold », des versions live de morceaux anciens (comme le très bon « Devil’s Pie ») et des reprises soul (Roy Ayers, Al Green, Prince, Ohio Players), opérées en studio et en concert. La musique est de très bonne facture. Dommage que le son soit souvent très mauvais. L’opus s’achève par la longue impro jazzy de « Go Back 2 That thing », au cours de laquelle notre homme démontre ses ‘skills’ aux claviers et à la voix. Cet opus s’adresse donc essentiellement aux fans. Pour les autres, on les aiguillera vers « Brown Sugar » et « Voodoo », bien plus indiqués pour entrer dans l’univers du bonhomme, en attendant un hypothétique retour…
Aaron, duo composé de Simon Buret et Olivier Coursier, frappe un premier coup. Un crochet gauche ferme, asséné droit au cœur. Profitant d’un étourdissement succinct, les deux Français nous plongent dans un univers sans concession. A peine y est-on pénétré que l’emprise de leurs animaux artificiels se fait irrépressible. Impossible d’en réchapper. Tel un Ghinzu baigné dans une mélancolie inapaisable, Aaron envoûte, enflamme, éblouit. Tout ça à la fois et bien plus encore. Le charme de Neverland opère dès l’ouverture crescendo d’un « Endless Song » habité d’une légère mais exquise nappe électro. S’ensuivent, entre autres, l’enivrant single « U-Turn (Lili) », un « Lost Highway » qui n’aurait pas dépareillé en fond sonore du film éponyme et une reprise osée mais étonnamment brillante et belle à en frissonner de « Strange Fruit », poème d’Abel Meeropol (alias Lewis Allan) immortalisé par la grande Billie Holiday. Aaron se risque même à poser « Le tunnel d’or », petite composition dans la langue de Molière, au beau milieu d’une œuvre anglo-saxonne. Et l’audace paie. Intelligent et touchant, « Artificial Animals Riding On Neverland » est une œuvre prodigieuse propulsant Aaron au grade de plus belle découverte française en 2007.
L’ennui. Il existe bien des façons de lutter contre ce mal dont on est tous victime à un moment ou un autre de notre vie. Ces choses là arrivent. Il ne faut pas se laisser abattre pour autant. Notre remède personnel est simple, efficace et tient en un nom : Josh Ottum. Pas de prescription nécessaire. Seul suffit un petit détour chez le disquaire du coin. Satisfaction garantie. Et même si ce n’est pas le cas, au moins vous aurez pris l’air. Mais on doute fortement que l’effet produit sur vous par ce bonhomme soit celui escompté. Emmené par « It’s Alright », un single des plus entêtants, le premier essai de Josh Ottum grouille d’agréables ritournelles gorgées de rayons de soleil. Dominée par une pop printanière à la Phoenix (« Pipe Dreams », l’obsédant « Who Left The Lights On ? ») et Ben Folds Five (« Having You Around »), « Like The Season » est une de ces plaques qui semblent si naturelles à l’écoute, de la première à la dernière seconde, qu’on l’adopte presque instantanément. Disponible en import depuis mars, « Like The Season » ne sera officiellement dans les bacs qu’en novembre prochain. Préparez-vous à chanter à tue-tête des journées entières. Fini l’ennui !
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