Exit Angus & Julia Stone. Cette année, c’est chacun de son côté que les frangins publient leurs travaux. Surfant sur le succès de « Down The Way » (2010) et du single « Big Jetplane », les Stone retournent à leurs besognes en solitaire. L’aînée a pris les devants en publiant ses deux cds en moins d’une année : « The Memory Machine » (juillet 2011) et « By The Horns » (mai 2012). Et c’est en juillet dernier que le cadet se décide à délivrer quelques chansons sous son propre nom. Après « Smoking Gun », un premier labeur publié sous le patronyme de Lady Of The Sunshine, l’Australien dévoile 13 nouvelles compositions, pas foncièrement différentes de celles qu’il mijote en général en compagnie de sa sœur. Un folk lénifiant à une voix au lieu de deux, tout simplement.

« Broken Brights » ne recèle pas de ‘grandes’ chansons, mais quelques ritournelles parfois captivantes (« Monsters », « Broken Brights », « The Blue Door » « Apprentice Of The Rocket Man » et ses accents à la Bob Dylan). Dans son ensemble, le nouvel LP d’Angus Stone ne laisse aucune trace indélébile dans la mémoire de l’auditeur mais génère un sentiment de bien-être véhément. Et ça, c’est déjà pas mal.

Angus Stone sera à Bruxelles le 11/02/2013, sur les planches de l’AB.

Le No Refund Band est né en 1998, lorsque le guitariste Mike Crownover décide de monter son groupe. Depuis, la formation a rencontré des fortunes diverses et subi de nombreux changements de line up. Il faudra attendre l’arrivée du chanteur Ricky Jackson et du bassiste Rik Robertson, juste avant un concert à Fort Worth (NDR : c’est au Texas), pour stabiliser le band. Le nouveau trio intègre alors une section de cuivres ; en l’occurrence le trompettiste Jim Brady et le saxophoniste Anthony Terry. Le No Refund Band est enfin sur les bons rails, d’autant plus qu’il bénéficie alors de la complicité de Walter Cross à la batterie. Leur premier elpee a été mis en boîte au studio Sugarhill, à Houston. Un excellent opus au cours duquel le combo aborde une belle amplitude de styles.

Signée Kevin Bowe, "Blues is my business" ouvre la plaque. Un Memphis blues bien rythmé qui ne manque pas de charme. Puissante, la voix de Jackson colle parfaitement au style. Guitariste subtil, il distille de courtes phrases inspirées par Albert King. Invité, Travis Doyle se réserve l’orgue Hammond. Les cuivres sont à la fête. Cette plage me rappelle Electric Flag, un groupe qui a sévi à la fin des sixties, au sein duquel militait Buddy Miles et le légendaire Mike Bloomfield aux cordes. "Come down slow" nous propulse de l’autre côté de la frontière américano-mexicaine. A cause de l’instrumentation. Jackson maîtrise parfaitement son sujet tout au long de cette plage caractérisée par une bien jolie mélodie. La reprise du "Eleonor Rigby" des Beatles est à la fois excellente et surprenante. Personnelle aussi. La voix de Ricky est chargé de passion et de feeling, tout au long de ce classique au sein duquel viennent parfaitement s’intégrer interventions de violon, de violoncelle (Max Dyer), de trompette et accords de gratte astucieusement psychédéliques. La voix de Jackson est rejointe par celle, empreinte de douceur, de la Texane Tommie Lee Bradley, sur "Fall again", une tendre ballade bercée de cordes. "Just to be blues" est le blues lent de circonstance. Ricky chante ce morceau dans un registre très proche de celui du ‘genious’, Ray Charles. Miss Bradley lui donne à nouveau une excellente réplique face à l'orgue Hammond et le piano de Randy Wahl. Imprimé sur le beat de Bo Diddley, "One more drink" est une des moments forts du long playing. Puissante, cette piste réverbère un écho jusque dans le rythme pour mettre en valeur la force naturelle du chanteur, qui s’autorise même une sortie audacieuse et menaçante sur ses cordes. Autre blues lent, "One more drink" démarre délicatement par des accords de guitare acoustique. Exacerbée, la sensibilité du leader est parfaitement traduite par sa voix. "Soul shine" est une des meilleures compos écrites par Warren Haynes (Govt Mule et Allman Brothers). Ricky et Tommy Lee se partagent remarquablement les vocaux tout au long de cette version qui autorise une brillante sortie au sax ténor! On a aussi droit à deux plages d’inspiration plus hispaniques. Elles sont issues de la plume de Hoyt Axton, compositeur américain disparu à la fin du siècle dernier. Tout d’abord « Spain prelude », caractérisé par une excellent intro accordée à la trompette par Brady. Puis "Never been to Spain", une plage dont la rythmique me rappelle Bob Seger. Et elle est à nouveau soulignée par un envol brillant de Terry au sax. De bonne facture, cet elpee s’achève par une cover du classique "Willie the wimp".  

Oui, oui, elle enregistre encore des disques. Si l’intérêt que les médias et le publics éprouvait à l’égard d’Alanis Morissette s’est limité à ses deux classiques, « Jagged Little Pill » (1995) et « Supposed Former Infatuation Junkie » (1998) ainsi qu’à sa très sympathique parenthèse « Unplugged » (1999), la Canadienne n’a jamais baissé les bras. Ainsi, elle publie « Under Rug Swept » en 2002. Le disque reçoit un accueil très mitigé, malgré le single « Hands Clean », qui arrive à se faufiler en radio. Deux ans plus tard, elle lâche un « So Called Chaos » qui passe quasiment inaperçu en Europe, tout comme son successeur, « Flavors Of Entanglement », publié en 2008. Elle réclame alors son C4 à Maverick Records et se consacre ensuite à diverses activités. On l’aperçoit d’ailleurs dans quelques épisodes de la série « Weeds ».

Quatre ans après le flop de « Flavors Of Entanglement », c’est sous son propre étendard, Collective Soul (NDR : hébergé tout comme Maverick par Sony), qu’Alanis reprend du service. « Havoc and Bright Lights », le huitième enregistrement studio de sa carrière, est publié en août dernier. Quatorze nouvelles compositions résolument pop-rock, qui n’apportent  pas même un caillou à son édifice. Certes, des morceaux comme « Woman Down », « Spiral » ou « Receive » ont un haut potentiel radiophonique mais autant dire qu’hormis Classic 21, les radios s’en foutent un peu d’Alanis.

« Havoc and Bright Lights » est un disque en demi-teinte, la chanteuse nous réservant le meilleur (« Numb », qui nous renvoie à son heure de gloire) comme du beaucoup moins bon. A l’instar des ballades mièvres « ‘Til Now » et « Will You be My Girlfriend ? » ou encore « Empathy », caractérisé par son piano à la Vanessa Carlton. L’auteure des tubes « Ironic », « Uninvited » et « You Oughta Know » va, une nouvelle fois, avoir du mal à imposer son style. Encore faut-il en avoir.

Green Moon est un trio réunissant Lorcan Fahy (violon, mandoline), Lucas Deru (contrebasse) et Téo Crommen (guitare). De formation classique, ces trois artistes se sont rencontrés lors de stages musicaux. Ils se trouvent alors assez rapidement des atomes crochus. Et suite logique des événements, de leur amitié naît un groupe. Passionnés par leur instrument respectif, ils adoptent un consensus susceptible de permettre à chacun de s’exprimer. Aucun n’étant ‘une voix’, c’est naturellement vers un univers acoustique et instrumental qu’ils se dirigent. En 2010, ils enregistrent une démo afin de participer au concours Imagine-Festival. Grand bien leur en a pris puisqu’ils arrivent en finale, décrochant comme récompense quelques engagements pour des festivités locales jusqu’à recevoir une invit’ aux Francos de Spa.

« Allô la Terre ? » D’entrée, « The Lady » donne le ton. Une tonalité résolument folk émane de cet album. Les racines musicales émanent sans aucun doute du côté de l’Irlande. Néanmoins, quelques petites touches pop ou rock pimentent agréablement l’ensemble. Mais mieux encore, ce sont des sonorités typiquement jazzy qui communiquent un parfum très original à ce disque. Les onze plages suivantes sont du même acabit, un véritable culte au mouvement celtique basé sur la combinaison bien agréable du violon, de la contrebasse et des guitares. Indéniablement, Lorcan est un virtuose de l’archet, car omniprésentes, ses interventions donnent largement le ton sur chaque compo. Cerise sur le gâteau, c’est le même homme qui dix fois sur onze prend la plume pour coucher sur le papier les partitions qu’il a imaginées. La dernière relevant du guitariste, tout aussi talentueux !

Jamais ennuyeux malgré qu’aucun mot ne soit prononcé, le dialogue s’opère par instruments interposés. Agréable à l’oreille, la musique se laisse écouter distraitement sans soulever un enthousiasme béat mais sans lasser non plus. Un album tranquille qui a le mérite d’explorer des horizons d’une autre époque, mélangeant les genres et les cultures. Intéressant et convaincant.