Le seul intérêt de cet album procède de la présence de Hugh Banton et de Guy Evans auprès de Peter Hammill, réunis au sein du Van der Graaf Generator. Soit les trois-quarts du line up qui a marqué les seventies, puisque David Jackson, le saxophoniste, malgré sa participation à la tournée de réunion en 2005, brille par son absence, se consacrant aujourd’hui à d’autres projets. Bref, non seulement les 14 plages de cet opus sont exclusivement instrumentales, mais elles se résument à des exercices d’improvisation sans queue ni tête. Dispensable.
Duluth, c’est dans le Minnesota. Robert Zimmerman, alias Bob Dylan, y est né. Low également. Mais le groupe d’Alan Sparhawk y vit toujours. Trampled by Turtles aussi. Une formation qui s’inspire plutôt du Zim. D’ailleurs, à l’instar de Chatham County Line ou de The Avett Brothers, sa musique baigne dans l’americana ou le bluegrass. De vieilles recettes préparées à base de banjo, mandoline, harmonica, outre les guitares bien sèches. Les musicos possèdent une maîtrise parfaite de leurs instruments. Mais n’oublient pas de soigner le sens mélodique de leurs compos. « Stars and Satellites » constitue déjà le 6ème long playing des Etasuniens. Il ne recèle rien de neuf, mais lorsque le band libère son énergie folle, il parvient à transcender le style. L’opus oscille entre climats paisibles (« The Calm and the Crying Wind ») et envolées up-tempo dynamisées par le banjo (« Risk ») du très talentueux Dave Carroll. L’émotion peut même devenir palpable et se révéler bouleversante. Et tout particulièrement sur le single « Alone », caractérisé par son magnifique crescendo final.
A découvrir absolument ce 30 mai au Botanique de Bruxelles !
Moslyve est une formation française née en 2009. Avant de publier ce premier opus, elle avait gravé deux Eps. Produit, par Nicolas Leroux (Overhead), « Slave to Modern Age » marque donc le retour de ce combo injustement méconnu. Rien que le titre de l’elpee suggère une expression sonore au climat mélancolique voire ténébreux. Ce n’est pas le cas. En fait, la musique de Moslyve est empreinte de douceur et d’une grande délicatesse. A cause des voix. Deux féminines et une masculine qui se conjuguent parfaitement en harmonie. Le pop/rock visionnaire de Moslyve est, en outre, illuminé par des cordes de guitares presque shoegaze. Les influences puisées dans les 90’s sont manifestes (Seam, Pavement). Les mélodies souvent efficaces (« Walk Inside », « Lucky 13 »). Si les membres de Moslyve craignent de devenir les esclaves du monde moderne, leur musique planante et paisible devrait permettre à leur esprit de facilement s’évader….
Chaque année, je rencontre la même frustration. Mon classement des meilleurs albums de l’année écoulée est à peine établi que j’ai l’intime conviction d’être passé à côté d’œuvres incontournables. Et c’est une nouvelle fois le cas pour ce deuxième opus d’Electric Electric, « Discipline », qui aurait largement mérité de figurer aux places d’honneur. Même dans mon top 5. Cet elpee est même tout bonnement monstrueux…
La formation strasbourgeoise avait publié son premier essai, en 2008. Il s’intitulait « Sad Cities Handclappers ». Au cours des quatre longues années qui ont suivi cette publication, le duo (guitare/batterie) s’est forgé une solide réputation en se produisant en ‘live’, et notamment lors de la tournée ‘Colonie de Vacances’, accomplie en compagnie de Pneu, Marvin et Papier Tigre. C’est au cours de ce périple que le tandem a intégré un troisième membre, Vincent Robert (synthé), pour adopter la formule trio.
Quoique s’inscrivant parfaitement dans la lignée du précédent long playing, « Discipline » est surtout davantage abouti. Cohérent et reflétant la parfaite maîtrise des musicos aussi. La surprise procède de l’intégration de références tribales au sein de leur cocktail d’électro, de math-rock et de noise. L’album oscille entre compos hypnotiques, abordées dans l’esprit du combo américain Maserati (« Material Boy ») et titres davantage rock noise (« xx1 », « xx2 »), en passant par des plages dynamisées par des rythmes exotiques et contaminées généreusement par l’électronique (« Neutra Tentra », « La Centrale ») ; sous cette dernière configuration, le spectre de Battles n’est d’ailleurs jamais très loin.
Si dans le style, de nombreux ensembles issus de l’Hexagone revendiquent les mêmes racines, peu sont capables de rivaliser avec leurs maîtres. A contrario d’Electric Electric qui parvient, malgré ses influences, à se forger sa propre identité musicale. Et « Discipline » en est certainement la plus belle illustration, tout en revendiquant un prix d’excellence.
Des circonstances tragiques ont entouré la publication du premier album de ce groupe londonien. Et pour cause, « Wild Peace » était à peine tombé dans les bacs, que Peter Hayes, leur drummer, perdait la vie. C’était en juin dernier. Ce dernier n’a donc pas eu l’opportunité d’entendre les premiers échos recueillis lors de la sortie de cet elpee. Et pourtant il en aurait été fier, tant les médias ont été unanimes pour le couvrir d’éloges. Car en effet, ce « Wild Peace » est bon, voire très bon.
L’expression sonore d’Echo Lake évolue quelque part entre la dream pop de Beach House et le shoegaze de My Bloody Valentine. A l’écoute de cet elpee, on entre en lévitation continue, pour ne revenir sur terre que 40 minutes plus tard, après les dernières notes de « Just kids ». Pour nous accompagner, il y a la voix de Linda Jarvis. Ethérée, chargée de reverb’, elle parvient néanmoins à s’extraire des nappes de claviers (« Wild Peace », « In Dreams ») ou de vagues de guitare constamment distordues (« Young Silence »), dispensées par l’autre tête pensante du groupe, Thom Hill…
Malgré le drame qui l’a frappé, le band insulaire est reparti en tournée en octobre et prévoit de nombreuses dates, en Grande-Bretagne, en 2013. On espère qu’il aura la bonne idée de venir défendre ce chouette opus, chez nous…
Ce quintet ne nous vient pas du Sud des States, mais de Suède. Une formation nordique qui semble avoir égaré son esprit du côté de l’Alabama, de la Georgie voire du Kentucky. Répondant au patronyme de Mr. Morning, elle vient de publier son 3ème album en 10 ans. Ses références ? Le bluegrass, l’americana (Wilco, Jayhawks), mais également le psychédélisme (Grateful Dead).
Les 8 longues plages de « Home on the Bend » oscillant de 5 à 13 minutes, nous plongent tour à tour dans le country rock (« Top of Every Mountain »), la roots (impliquant inévitablement harmonica, orgue et violon) quand elles ne s’autorisent pas de longues envolées épiques (« Motorbike »). Tiens justement ce titre nous renvoie au film de Dennis Hopper réalisé en 1969, « Easy rider », un long métrage dont la bande sonore avait été partagée entre Steppenwolf, Roger McGuinn, The Electric Prunes et quelques autres.
Si les Scandinaves n’inventent rien, il faut reconnaître que leurs mélodies sont bien plus inspirées que la pochette de leur album. Un groupe qui espère néanmoins monter en première division dans une catégorie déjà hyper-saturée, celle du rock sudiste…
‘Maintenant, ajouta l'électricien, nous allons examiner l'organisme de la créature nouvelle, électro-humaine, de cette Eve Future, enfin, qui, aidée de la génération artificielle, me paraît devoir combler les vœux secrets de notre espèce, avant un siècle’. Cette citation tirée de " L'Eve Future ", le roman de Villiers de l'Isle-Adam, date de 1900… Pourtant, cent deux ans plus tard, elle est toujours d'actualité, et sied même comme un gant à cette musique électronique qui rythme notre quotidien et, justement, comble nos vœux d'amateurs de sonorités nouvelles. Kreidler l'a bien compris, et c'est un bel hommage qu'il rend à l'écrivain, précurseur de toute cette cyberculture dans laquelle nous sommes sans cesse plongés. En cinq titres d'électro sophistiquée mais rêveuse, l'Allemand reprend les choses là où son compatriote Giorgio Moroder les avait laissées avec sa BO pour Metropolis, le chef-d'œuvre de Fritz Lang (une autre histoire d'Eve Future). Parfait comme bande-son d'un film imaginaire dans lequel les machines seraient les égales de l'homme (ce lien possible entre le compositeur et son sampler), cet EP s'écoute donc idéalement sur les images de Blade Runner ou de Ghost In The Shell. Le film idéal, en somme…
Issus du Pays-de-Galles, les musicos de Prosperina sont probablement des grands fans de Tool et du métal des années 90, en général... Après avoir écouté leur premier album, « Faith In Sleep », on en a la conviction. Les guitares atmosphériques et les constructions progressives rappellent constamment l’univers de la bande à Maynard James Keenan. Malheureusement, ces nobles ambitions sont parfois couplées à d’étranges dérapages métalliques aux accents 80’s, très souvent parcourus de solos inutiles voire du plus mauvais goût… Gethin Woolcock (guitare et voix), Owen Street (basse) et Yotin ‘Yo-Yo’ Walsh sont ambitieux, mais leurs compos se complaisent un peu trop systématiquement dans la complexité. L’elpee recèle néanmoins quelques plages de bonne facture, caractérisées par de belles envolées atmosphériques dont le mélancolique « Snow Leopard » rappelant la quintessence de Deftones (« White Pony »). L’empreinte stoner est manifeste sur les excellents « God vs. Darwin » et « Trees Have Eyes ». Les morceaux sont longs et embrassent une multitude de références : Isis, Queens of the Stone Age, Deftones, Tool, Colt, Kyuss, Baroness… et même Pink Floyd ! Que du bon et du lourd, parfois à la limite de l’indigestion ! Espérons simplement que pour leur prochain essai, le trio privilégie l’originalité…
Spencer Krug est un musicien à la fois hyperactif et particulièrement inspiré. Il est impliqué, entre autres, chez Wolf Parade, Sunset Rubdown ou encore Swan Lake. Et malgré son don d’ubiquité, le Canadien ne s’est toujours pas planté.
Moonface est sans doute le projet le plus personnel de Spencer Krug. Avant de publier « Hearbreaking Bravery », il avait gravé « Organ Music Not Vibraphone Like I’d Hoped », en 2011. Pour concocter ce second opus solo, le Canadien s’est rendu en Finlande, afin de s’attacher les services du groupe de krautrock, Siinai, formation qu’il avait rencontrée lors d’une tournée accomplie en compagnie de Wolf Parade.
Dès le premier morceau de l’album, on se rend compte que le ton est différent de celui adopté au sein de ses autres projets. Pas de joyeux bordel sonore comme chez Wolf Parade ou Sunset Rubdown. La présence du band finlandais y est certainement pour quelque chose. L’ambiance se révèle même plus lourde, ténébreuse, solennelle aussi. En fait, Siinai puise tout simplement ses influences au sein des 80’s. Dans le krautrock et la prog, notamment. Les compos sont denses. Les rythmiques écrasantes et hypnotiques. Les claviers impérieux. Et pourtant, malgré cette superposition de nappes sonores, la voix de Spencer Krug parvient à émerger. Saturée d’émotion, elle est susceptible de vous flanquer la chair de poule. Et je ne sais pas trop pourquoi, mais elle me fait de plus en plus penser à celle de David Bowie. Le meilleur titre de ce long playing ? « Headed For the Door », une plage dont l’intensité est tout bonnement irrésistible.
« Heartbreaking Bravery » n’est pas une œuvre facile à assimiler ; mais au fil des écoutes on comprend mieux pourquoi ce talentueux songwriter jouit d’une telle notoriété sur la scène underground…
David Maxwell est un pianiste qui jouit d’un excellent crédit, dans l’univers du blues contemporain. On lui a souvent collé l’étiquette de réplique d'Otis Spann (NDR : disparu en 1970, ce merveilleux pianiste avait sévi au sein du backing group de Muddy Waters, pendant ses années d’or). David écume les scènes depuis belle lurette. Pourtant, on ne le reconnaît à sa juste valeur, qu’à partir de 1997. Pour sa participation à l’enregistrement de l'album "Deep in the blues" de James Cotton. Puis lors de la sortie de son premier opus personnel, "Maximum blues piano" (publié chez Tone-Cool). Il a milité au sein des backing bands des plus grands bluesmen : Freddie King, James Cotton, Jimmie Rogers, Otis Rush et Hubert Sumlin. Il a également chez les Broadcasters de Ronnie Earl. En 2005, il grave "Max attacks", un opus pour lequel il reçoit le concours de ses amis Hubert Sumlin, Pinetop Perkins, James Cotton, Duke Robillard, Ronnie Earl et Kim Wilson. En 2009, il est nominé pour le long playing "You got to move", un disque qu’il partage avec Louisiana Red. En 2011, il concrétise un ambitieux projet : faire revivre Otis Spann en dialoguant sur des plages de l'album de feu son maître, "Otis Spann is the blues". Pour ce projet baptisé "Conversations in blue", il recevra deux WC Handy Awards (meilleur pianiste et meilleur album acoustique de l'année).
Pour réaliser ce "Blues in other colours", David a voulu mêler le blues et les musiques du monde! Il y célèbre la rencontre entre instruments traditionnels (piano, basse et batterie) et traditionnels issus de l'Inde, d'Afrique occidentale, du Maroc et de Turquie. Pour y parvenir, il a reçu la collaboration de férus du genre. Dont le Canadien Harry Manx. Ce spécialiste des ragas indiennes est qualifié de ‘Mysticssippi’ bluesman. Enregistrées en studio, les treize plages instrumentales semblent avoir été immortalisées, en novembre 2007!
"Movin' on" pénètre au cœur de l'Inde profonde. Un dialogue s’établit entre le piano, le Mohan Vina de Manx (NDR : un instrument hybride entre le sitar et la guitar) et les percussions indiennes de Jerry leake. Maxwell se réserve le piano électrique sur "Blue dream", une compo visionnaire et exotique. L'interlude "A" laisse libre cours aux interventions de Mohan Vina de Manx. La mise à feu de "Big sky" est plutôt conventionnelle. Les ivoires sont soutenues très classiquement par la guitare de Troy Goynea, la basse de Marty Ballou et les drums d’Eric Rosenthal, avant que Vina le magique ne vienne les rejoindre. David n’en a pas pour autant oublié Otis Spann ; et il nous le rappelle enfin, sur "Cryin' the blues", un blues lent bouleversant caractérisé par les cordes amplifiées de Goynea. Imprimé sur un tempo blues inspiré du Chicago Southside, "Heart of darkness" met en exergue les percussions de Leake, le Turkish Ney (NDR : une sorte de flûte traversière) de Fred Stubbs et les cordes de Manx. Le périple en terres exotiques se poursuit par "Harry's raga", illuminé par les instruments en symbiose et embraie sur "Chillin' in Casa", rehaussé par la présence de Boujmaa Razgui à l’oud. Et les images se bousculent dans notre imagination… Plus classique, "Rollin' on" campe un blues originel qui trempe dans le delta du Mississippi. Et "Just the blues" est tout simplement beau à pleurer ! Enfin "Mombai blues" replonge au sein de l’Inde profonde, alors que "Last cry" nous propulse au Maroc. Excellent!
The Loved Drones est un groupe belge issu de la famille Freaksville, label fondé par Miam Monster Miam. Un concept que Benjamin Schoos, son fondateur, a imaginé afin de faire de la musique autrement avec d’autres gens…
Rappelez vous de ces ‘Fantômes’ qui ont accompagné Lio, Marie-France et Jacques Duval. Et bien, sous l’impulsion de Benjamin, ce band belgo-belge a assuré une nouvelle vie à des artistes pourtant considérés comme morts ou presque…
Finalement ces spectres ont muté et se sont transformés en drones ; amoureux qui plus est !
Autour du producteur multi-instrumentiste, gravitent Marc Wathieu (Marc Morgan) et Jampur Fraize aux guitares, Jérôme Danthinne aux drums, Pascal Scalpschyns à la basse, ‘Man From Uranus’ et Brian Carney aux claviers ainsi que Philippe Laurent à la trompette. Il s’agit du line up de base ; car si on tient compte de tous les intervenants et invités, on peut presque doubler le nombre de musicos impliqués dans l’aventure. On est donc davantage en présence d’une concentration de musiciens adhérant à un même projet que d’un groupe proprement dit. Soit, l’idée peut paraître séduisante, reste à écouter l’album.
Dans un vaisseau aux couleurs rock et électro, Schoofs et sa bande d’amoureux nous emmènent dans un voyage rétro-futuriste (ça existe ?) En effet, tout au long de ce parcours quasi instrumental –la voix d’Emmanuelle Parrenin opérant quelques apparitions furtives– le style supposé avant-gardiste se révèle au final plutôt revivaliste. Un peu comme si on assistait à un film de science-fiction tourné dans les années 70 ou 80, friand de décors en carton-pâte et de trucages grossiers. Pas que la musique dispensée soit ringarde ou dépassée, mais vu l’instrumentation à la sauce Kraftwerk et les sonorités adoptées, on pourrait facilement imaginer que les partitions avaient été oubliées au fond d’un tiroir durant quelques années (au moins). Et comme par enchantement, elles réapparaissent ré-instrumentées à la sauce seventies. Drôle !
D’ailleurs, y’a pas que du Kraftwerk là-dessous. La première plage, « The Tangible Effect of Love » concède des relents du Floyd période « Meddle », et… Ian Anderson n’aurait-il pas apporté discrètement sa flûte sur « Red City » ? Les comparaisons ne s’arrêtent pas en si bon chemin. Jean-Michel Jarre ou Alan Parsons semblent également avoir mis un pied dans « Love Interlude » et Barry White l’autre lors sur « Easy Love ». Bref, vous en avez conclu que ces neuf morceaux nous ramènent quelques années en arrière. Jamais désagréable, l’opus multiplie les références et c’est avec un plaisir non dissimulé qu’il se laisse écouter de bout en bout.
Une bonne surprise de fin d’année. Fallait simplement avoir de l’audace et le talent pour concrétiser un tel projet !
Bien que fondé il y a une bonne dizaine d’années, cette formation hutoise vient seulement de graver son premier elpee. Avant de publier cet opus, elle avait quand même sorti 4 Eps. Ce quatuor reconnaît pour influences majeures Sonic Youth, Nirvana, Smashing Pumpkins et les Pixies. Donc il aime les guitares. Le line up compte d’ailleurs deux préposés à la gratte. Dont le chanteur Pierre Arthur Lejeune, qui possède une voix claire, mais chargée de spleen. Empruntant même certaines inflexions à Tim Wheeler. En outre, le sens mélodique particulièrement soigné évoque même très souvent… Ash. Ne pas oublier que le trio irlandais disposait également de deux gratteurs, à une certaine époque.
Sans quoi, découpé en 12 titres pop/rock courts, accrocheurs, mais efficaces, « Teenage thrill » ne lésine pas sur l’électricité rafraîchissante. Et paradoxalement au cœur d’un climat empreint d’une grande mélancolie. Accords ou riffs discordants (le titre maître), tintinnabulants (« Once in a while », la valse « The advance »), saignants (« Sunset note », « Million »), métalliques (« Black Rhino »), offensifs (le plus élaboré « Everything wanted ») sont parfaitement balisés par la section rythmique. Le tracklisting épingle l’une ou l’autre compo mid tempo, à l’instar de « Catapult », et une ballade minimaliste, « Costumes », finale rehaussée par la présence de Florence Sauveur (Sweek) au violoncelle ; ces deux plages sont, en outre, caractérisées par le recours à du xylophone. Un chouette album !
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