Konstantin Gropper est auteur/compositeur/interprète et multi-instrumentiste. De nationalité allemande, il a suivi une formation classique ; puis au cours de son adolescence a sévi au sein d’un groupe punk. Aujourd’hui, c’est le leader de Get Well Soon, une formation de pop symphonique aux références littéraires marquées et assumées. Si le premier opus avait été encensé par la critique, le deuxième n’était pas parvenu à confirmer ces bonnes dispositions.
Pour son troisième opus, l’Allemand a décidé de creuser son propre sillon, en proposant une collection de morceaux qui reflète l’esprit énigmatique et baroque de son auteur. Et rien que le titre de l’elpee corrobore ce point de vue : « The Scarlet Beast O’Seven Heads ». Un album qui rend hommage à des artistes aussi différents que le réalisateur allemand de blockbuster Roland Emmerich ou la compositrice électro Wendy Carlos. Gropper prend cependant le soin de plonger l’ensemble dans un climat à la fois moderne, classique et romantique. Gropper n’hésite pas à sampler Alfred Hitchcock sur « You Cannot Cast Out The Demons (You Might As Well Dance) ». Les sonorités électro, les chœurs et les cordes entrent bien évidemment toujours dans la texture de ses compos. Tout comme la structure en crescendo. Entre plages cinématographiques (« Let Me Check My Maya Calendar », « Roland, I Feel You ») et pistes grandiloquentes, à la limite du kitsch (« Kids Today »), le long playing est une totale réussite. Totalement libéré, Gropper concrétise tout ce qui lui passe par la tête. De quoi ravir celles et ceux qui avaient succombé aux charmes de son premier long playing. Une œuvre hyper référencée, mais unique en son genre !
Chanteur, pianiste et auteur-compositeur, Bill Fay avait publié deux albums entre 1967 et 1971. Un single également. Mais faute de succès, l’Anglais avait disparu de la circulation. A l’époque on l’avait même comparé à John Lennon.
Si le Londonien ne donnait plus le moindre signe de vie, la nouvelle génération s’est intéressée à ce phénomène. Tout d’abord le label Wooden Hill, responsable de la sortie d’une compilation réunissant d’anciennes démos. Puis de véritables amoureux de la musique, comme Jeff Tweedy (Uncle Tuppelo, Wilco) et David Tibet (Current 93), qui ont repris certains de ses morceaux et en sont devenus de véritables fans. De quoi faire revivre celui qu’ils considéraient comme le chaînon manquant entre Nick Drake et Léonard Cohen. Et puis, Tweedy est parvenue à le convaincre d’enregistrer un nouvel elpee.
Quarante années après avoir publié son dernier opus solo, Bill Fay nous propose son nouveau long playing. Il a 69 balais et pourtant, on ne peut pas dire que ce vétéran soit rouillé. On se rend compte même que les éloges reçus n’étaient pas usurpées. Et puis ses nouvelles compos sont terriblement actuelles. Tout au long des douze morceaux de cette œuvre, il y peint une large palette d’émotions. Mais si la mélancolie est bien palpable, elle ne sombre jamais dans la déprime. L’orgue et la guitare alimentent « There is a Valley » un morceau particulièrement dense, entraînant même voire allègre. Canalisé par les interventions au piano, « Big Painter » se révèle cependant plus solennel, plus sombre. Jeff Tweedy assure les backing vocaux sur « This World », une plage qui lorgne inévitablement vers le pop-folk américain. Bouleversant, « Be at Peace with Yourself » est enrobé de chœurs gospel. C’est également le sommet de cet elpee. Et le reste des compos est peuplé de petites perles. Je vous laisse d’ailleurs le soin de les découvrir.
Bill Fay est un songwriter d’exception. Il n’a cependant pas l’intention de sortir de l’ombre. Alors ne boudez pas votre plaisir, car une écoute vaut mieux qu’un long discours.
Extra Life est une formation difficile à cerner. Tout d’abord parce que leurs influences sont très difficiles à discerner. Et que le résultat de leurs expérimentations est, à chaque album, spécifique. En résumé, il appartient à la catégorie de groupes ou d’artistes en perpétuelle recherche. Etonnant dès lors, de lire dans la biographie, que ce band entretienne des liens divers avec Xiu Xiu et Parentheticals Girls. Pour Dirty Projectors, on peut comprendre plus facilement, puisque le leader y a sévi quelque temps.
Extra Life nous vient de Brooklyn. Drivé par Charlie Looker (chant, synthé), son line up implique également Caley Monahon-Ward (violon, guitare) et de Nick Podgurski (drums). Mais au sein du trio, chaque membre apporte sa pierre à l’édifice.
« Dream Seeds » constitue leur troisième album. Première constatation, les rythmiques sont moins mises en avant qu’auparavant. On y retrouve cependant toujours ces références au Moyen-âge. Dans la voix de Looker, par exemple ; mais également sur « No Dreams Tonight », traversé par des interventions surprenantes au flûteau. Longues plages ténébreuses et lyriques, « Blindest Beast » (14’09) et « Ten Year Teardrop » (12’27) sont construites suivant un crescendo que ne renierait pas Swans. Le band n’hésite d’ailleurs pas à alterner climats indus et transitions acoustiques…
Sam Genders s’est donc barré de chez Tunng, pour embrasser une carrière en solitaire. Mike Lindsay, cofondateur du groupe, a aussi décidé de tenter une aventure en solitaire, mais apparemment il n’a pas (encore ?) quitté le navire. Toujours est-il que si le premier essai du premier cité avait été largement surestimé, quoique de bonne facture, celui de son comparse a visé dans le mille.
Pour cette escapade individuelle, Mike a choisi le patronyme de Cheek Mountain Thief. Pas le nom d’un chef indien, mais de la montagne Kinnafjoll, sise en face du village islandais au sein duquel il a décidé de s’installer. Et pour enregistrer cet opus, il a reçu le concours de musiciens locaux.
Tout au long de cet opus éponyme, Mike Lindsay s’amuse et nous invite à partager cette récréation. Une œuvre au cours de laquelle, il aligne de mini-symphonies de psyché folk, à l’aide d’une instrumentation à la fois riche et insolite : glockenspiels, cordes, marimba, xylophone, samples et autres cors de chasse. Sans oublier les chœurs euphorisants. Les morceaux sont longs. La structure des compos est improbable. Mais surtout la forme est ouverte aux expérimentations les plus aventureuses. Depuis « Attack », suspendu aux murmures à « Showdown », hanté par le Beta Band, en passant par « Nothing », contaminé par le folk intimiste, l’Anglais a l’esprit en ébullition, un peu comme les multiples sources qui peuplent l’Islande. Finalement assez proche de celui de Tunng, son univers acid folk est plutôt ludique, un monde au sein duquel Lindsay semble s’épanouir.
Et dire que je viens d’établir mon top 20 pour 2012 sans y insérer ce très bel album !
De son véritable nom Rick Bates, Tas Cru, est d'origine canadienne. Québécoise pour être plus précis. Ce jeune artiste a chopé le virus du country blues après avoir quitté la US Navy. Il s'est ensuite fixé à Albany, capitale de l’Etat de New York. Il se produit aussi bien en solitaire qu’en compagnie d’un groupe. Sur les planches, il est même parfois flanqué d’un sextuor. Son pseudo Tas Cru signifie ‘Patate crue’ en québécois (‘Raw potato’, en anglais)! Il compte déjà quatre elpees à son actif : "Biscuit" en 2006, "Gravi-Tas" en 2008, "Grizzle 'n bone" en 2009 et "Jus ' dessert" en 2010. Il est considéré comme un poète du blues. Son écriture est pleine de verve. Il aime dépeindre les aventures banales de la vie, mais de manière très personnelle. Il construit ses propres guitares à l’aide de boîtes de tabac, des instruments baptisés ‘cigarbox guitar’. Pour enregistrer cet elpee, il a reçu le concours d’une section rythmique et de deux claviéristes qui se relaient. Il signe toutes les compos et, sans surprise, assure la production.
Le disque s’ouvre par le titre maître. Et son intro semble émaner du cœur du Delta avant que la compo n’adopte un tempo soutenu. Tous les musiciens se partagent les tâches, Tas Cru s’illustrant par les sonorités métalliques de ses cordes et Tony Perrino se chargeant de l’orgue Hammond. La voix du leader est particulièrement éraillée, mais elle domine l'ensemble. Un souffle d’harmonica fragile, proche d’un John Mayall, introduit "Changin' my ways", avant que l'orgue et la guitare Resonator n’entament un long flirt. Blues lent, "One more time" ne manque pas de charme. Cru chante de sa voix de fausset. Sa passion y est bien contenue. L'orgue de Chip Lamson communique à la plage sa chaleur naturelle, alors que les cordes acoustiques poussent de légers gémissements. "Road to my obsession" est sculpté dans du R&B bien saignant. A moins que ce ne soit du funk. Profondes, les grappes de notes dispensées par la guitare sont manifestement inspirées par Albert King. Et leur flux est inextinguible. "Try, oh I try!" est le fruit d’une rencontre entre blues lent, décontracté, obsessionnel et funk léger, au cours duquel un harmo tente de pointer le bout de son nez. Imprimé sur un mid tempo, "That lovin' thang" est un blues/rock hydraté par l’orgue de Perrino et dynamisé par une slide pétillante. "Every word you say" adopte un rythme plus enlevé. La guitare Resonator amorce "Sure do", une ballade blues roots très cool ; et climat nonchalant envahit également "Story time", une piste illuminée par de très jolies lignes de slide dessinées par un pote vivant également à Albany, Jeremy Walz. Talonnés par les cordes de Jeremy, les accords produits par la cigar box guitar de Cru empruntent le rythme du chemin de fer sur "Heal my misery", une plage lancée à toute vapeur. Morceau final indolent, "Dark side of the mountain" baigne au sein d’un climat sombre, ténébreux, empreint de tristesse, un climat entretenu par l’orgue Hammond et les interventions de gratte dignes de Mark Knopfler. Au cours de cette compo, Cru dialogue à la manière d’un Tom Waits. Et le résultat est à la fois envoûtant et remarquable…
Pour rappel l’apocalypse est annoncée prochainement (et perpétuellement).
Vous ne disposez plus de beaucoup d’opportunités de vous lancer à corps et cœur perdus dans cet excellent album de surréalisme effroyable.
Bande-son incontournable de série B, mais truffée de vraies bonnes chansons, « Dead As A Dodo » revisite l’univers décalé et sensuel d’une approche cinématographique très seventies, époque dorée du genre érotico-gore.
On pense plus d’une fois au Vampyros Lesbos de Jésus Franco, et ces images en filigrane collent parfaitement à l’univers de Joy As A Toy.
Plus subtil qu’il n’y paraît sous ses allures parfois grotesques (la frénésie de « Successful Failure » par exemple), cet album est gorgé de bonnes idées. De titres jouissifs aussi.
Zombie Safari », « Better Lock Your Door » ou « Only Mother Shot In The Head » sont suffisamment évocateurs…
Mais le côté excitant de l’objet, c’est qu’il ne sombre jamais dans le potache et reste avant tout un album décomplexé et enthousiasmant.
Fun comme un épisode d’un bon vieux Scooby Doo !
Petites célébrités locales, les lads de Mystery Jets comptent déjà 3 albums à leur actif. Si le pop/rock de ces Insulaires véhicule des accents psyché, il faut reconnaître que leur expression sonore lorgne de plus en plus vers les States. Leur précédent elpee, « Serotonin », en était une belle illustration.
Et pour concocter « Radlands », les Anglais son allés au Texas ! En regardant l’illustration de la pochette, les intentions de Mystery Jets sont claires. Et puis il y a le titre de cet opus. Fruit d’une contraction entre celui du premier film de Terence Malick (Badlands) et le nom de la maison de Keith Richards (Redlands). En enregistrant ce disque dans l’Etat pétrolier cher aux Bush(s), le quatuor allait-il carburer à la super yankee ? Pas vraiment ! En fait, si on décèle des interventions à la slide, un zeste de country et un chouia de chœurs gospel dans leur musique, l’ensemble de l’œuvre nous renvoie carrément aux Kinks. Et en début de parcours, la formule fonctionne à merveille. Depuis le titre maître qui ouvre l’album (NDR : très réussi, par ailleurs), jusqu’au très référencé single « Greatest Hits ». Mais, progressivement, la formation s’essouffle, sans pour autant jamais démériter, lorgnant même en chemin, vers Erland & the Carnival (« The Nothing ») ou Blur (« The Ballad of Emmerson Lonestar »).
« Cast the same old shadow » constitue le second opus de ce chanteur/compositeur louisianais. Il fait suite à « Paupers Field », publié en 2010, un disque pour lequel il avait reçu le concours d’Emmylou Harris. Le nouvel elpee a été enregistré aux célèbres studios Muscle Shoals (Wilson Pickett, Aretha Franklin, Otis Redding) et coproduit par Trina Shoemaker, déjà détentrice de 3 Grammy Awards.
Reconnaissant pour influences majeures, Townes Van Zandt et Neil Young, ce jeune artiste possède une superbe voix. Fragile, torturée, elle emprunte tantôt les inflexions de Chris Isaak, parfois à Thom Yorke. En fait, il utilise sa voix comme un instrument. Et c’est elle qui guide l’expression sonore. Ce qui donne une coloration particulière à sa musique qui trempe pourtant dans de l’americana aux arrangements particulièrement luxuriants. Outre son backing band, il bénéficie circonstanciellement, de préposés à la steel guitar plutôt talentueux (Melvin Duffy, Wayne Bridge ou Pete Finney).
Malheureusement, la plupart des compos marinent un peu trop dans la mélancolie. Une mélancolie opiacée, presque maladive qui finit par plomber l’atmosphère de l’œuvre. On épinglera quand même le titre maître du long playing, une superbe plage que Dylan illumine d’accords de sèche en picking, dispensés un peu à la manière de Mark Kozelek (Red House Painters, Sun Kil Moon).
Franchement, je me demande pourquoi Joey Burns, John Convertino et leur band sont allés à la Nouvelle-Orléans pour enregistrer leur nouvel album, « Algiers ». Pas de trace de Mardi Gras, de dixieland, de zydeco ou de vaudou. Une seule compo évoque les inondations catastrophiques provoquées par l’ouragan Katrina, « Para », mais c’est plutôt dans le but de faire table rase du passé. Il y a des cuivres, mais toujours bien latino, et bien plus discrets que dans le passé. Sur les douze morceaux que comptent l’opus, une bonne moitié est constituée de ballades. Pop, rock, folk, country ou le tout à la fois. Le plus souvent minimalistes et mélancoliques. Un répertoire qui s’adresse surtout aux mélomanes romantiques…
Penchons-nous plutôt sur les morceaux les plus pétillants de la plaque. « Sinner in the sea » tout d’abord. Un tango qui monte un crescendo au sein d’un climat hispanique, mais de mauvais augure. L’énigmatique « Epic », ensuite, éclaboussé de riffs de gratte épileptiques, à la limite du funk blanc. Et bien sûr les plages les plus mariachi et cuivrées. A l’instar de « Puerto », colorée par ces sonorités de harpe ‘durango’. Et « No te vayas », une piste exotique, sauvage, chantée dans la langue de Cervantès.
Un disque au potentiel commercial indéniable, mais qui risque fort de décevoir les aficionados du Calexico festif…
Qui donc brûlera d’amour pour cette formation canadienne, dont les mélodies ne font certainement pas dans la dentelle ? A l’instar du titre de l’album (« Rotten Thing to Say »), ce groupe n’a d’ailleurs pas que de jolies choses à dire. Mais il déploie une belle énergie pour communiquer son message. Chris Colohan (Cursed, Left for Dead, Swarn) en est le leader, le vocaliste et le porte-parole. Et ses lyrics, il les martèle de ses cordes vocales enragées
Urgent, leur hardcore est teinté de punk et de rock’n’roll. Et dès « Karla », le ton est donné : ‘fuzz’, les interventions de basse sont puissantes, la rythmique est endiablée ; power chords à la Turbonegro et solos bien tranchants déferlent en alternance. Le tout pour soutenir des lyrics qui font froid dans le dos et que n’aurait pas renié Nick Cave (NDR : pour la ‘serial killer’ Karla Homolka par exemple…)
« Rotten Thing to Say » baigne au sein d’une ambiance poisseuse, réminiscente du MC5 ou des Stooges. Et des titres féroces comme « Hateful Comforts » ou « Broken Glass » sont marqués au fer rouge par ce son de Detroit. Kurt Ballou, le guitariste de Converge, a produit cet elpee, le second de Burning Love, qui devrait ravir les fans de Social Distortion ou The Bronx.
Un superbe album peut aussi passer inaperçu. « The Tarnished Gold » devrait plus que probablement rejoindre ces disques mésestimés. Pourtant, sur cet opus, aucun morceau n’a été bâclé. Treize pépites élégantes, décontractées, sculptées dans un pop/folk légèrement teinté de country et truffées de mélodies célestes. Difficile de comprendre pourquoi les stations radiophoniques ne se sont pas encore penchées sur cet opus.
C’est en 1998 que la bande drivée par Christopher Gunst et Brend Rademaker (ex-Further) a entamé son parcours. Après voir publié deux albums, Beachwood Sparks s’est séparé en 2002 pour mieux revenir en 2008. « The Tarnished Gold » constitue leur premier opus depuis leur réunion. Dans un style rappelant les Byrds voire Gram Parsons (« Talk about Lonesome »), parfois aussi Wilco ou Iron&Wine (« Nature’s Light »), leur musique, soulignée par des harmonies vocales parfaites, reflète le climat ensoleillé de la Californie…
Fenêtre ouverte depuis New York sur Berlin, Fenster est l’archétype de la formation sans prétention proposant sa propre vision de la pop. But avoué ? S’évader, et par la même occasion, offrir un espace de douceur vaporeuse, au mélomane qui accepte de pénétrer dans son champ d’audition.
Pas étonnant qu’on retrouve sur « Bones », premier album enregistré au cœur de l’hiver, ces consonances ‘velvetiennes’ et ce côté espiègle de toute enfance retrouvée, part de rêve en apesanteur.
Tout au long de cet opus, le trio (NDR : signé chez Morr Music !) nous propose douze titres instinctifs, où bribes de mélodies tutoient les expérimentations ludiques mais jamais gratuites.
Agréable comme une bal(l)ade en hiver, lorsque les flocons de neige commencent à tomber…
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