Si vous êtes attentif aux hypes, et en particulier celles et ceux qui alimentent la scène indie californienne, vous ne pouvez passer à côté de Bethany Consentino. Elle est âgée de 23 ans. Et c’est la nouvelle coqueluche locale. Egérie de la marque Converse, aux côtés du rappeur Kid Cudi et de Rostam Batmanglij de Vampire Weekend (NDR : le morceau enregistré pour la marque américaine est disponible sur http://www.myspace.com/beastycoasty) et petite amie de Nathan William de Wavves, la blonde a de quoi énerver. Mais voilà. Que ce soit au sein de son ancien groupe de psyché-folk Pocahaunted ou de son nouveau projet Best Coast, la jeune fille est irrésistible. D’un point de vue musical, bien entendu (NDR : la demoiselle à d’autres atouts, mais limitons-nous au sujet qui nous préoccupe).
« Crazy For You » est tout simplement le rayon de soleil qui nous manque en ce début de mois d’août pluvieux. Cet opus est le disque parfait pour devenir votre compagnon durant cet été (même si celui-ci semble plus que compromis). L’artwork annonce d’entrée la couleur. Ce premier album (NDR : avant de le publier, elle avait commis plusieurs Eps) sent la Californie et la fraîcheur à plein nez.
Soutenue par son ami Bobb Bruno (NDR : et en live par la drummeuse des Vivians Girls, Kickball Katy), Best Coast appartient à cette nouvelle scène qui mêle allègrement surf, rock, garage rock et lo-fi, tout en puisant son inspiration aussi bien chez les Beach Boys que Sonic Youth. Pensez à Vivians Girls (of course !), Dum Dum Girls ou encore Surfer Blood. Découpé en 13 morceaux, « Crazy For You » ne dure que 23 minutes. Mais elles se révèlent particulièrement vivifiantes. La chanteuse déborde d’énergie et sa voix se fond parfaitement dans les sonorités shoegazing de la guitare. Les mélodies sont contagieuses. Les thèmes abordés dans les lyrics sont légers : les petits amis, la vie. Rien de bien philosophique donc. Et c’est justement ce qu’on aime chez Best Coast. Pas besoin de se casser la tête. Les morceaux passent d’une seule traite.
Bethany Cosentino démontre sur cet elpee qu’elle est davantage qu’un(e) hype. Cet opus est un véritable bain de jouvence. Vous êtes déprimés ? A cause du temps. Je vous comprends. Ah, et vous n’arrêtez pas d’écouter « I See The Darkness » de Bonnie Prince Billy. Envie de retrouver un peu de punch et de bonne humeur ? Changez un peu de disque. Ce « Crazy For You » devrait vous regonfler le moral…
Pionnier de la scène disco, le DJ et producteur Walter Gibbons a gagné respect et notoriété au cours 70’s et 80’s. A cause d’une collection remarquable de remixes. Résident du mythique club newyorkais Galaxy 21, il est parvenu à faire exploser le disco underground. Tout comme son ami François K (Kevorkian) ou encore David Mancuso. Et son style si personnel est devenu une référence incontournable auprès d’une multitude de DJs ; parmi les plus notoires, on peut d’ailleurs citer Francky Knuckles ou encore Larry Levan. Victime du SIDA, Walter est décédé en 1994.
Le label teuton Strut a décidé d’immortaliser quelques uns de ses plus grands remixes sur une double galette plus qu’essentielle. « Jungle Music, Mixed With Love : Essential & Unreleased Remixes 1976-1986 » regorge de tubes transformés en or depuis que le Newyorkais y a posé sa griffe. Au cours de sa brève existence (il s’est éteint seulement à 40 ans), Gibbons a retravaillé des tubes disco, expérimentations qu’il traduisait en allongeant les versions originales (souvent de plusieurs minutes) afin de les rendre plus hypnotiques. En outre, il y ajoutait des percussions, des breaks et des boucles toutes aussi flamboyantes les unes que les autres. Gibbons a ainsi marqué de son empreinte, l’histoire des clubs où la consommation d’acide et la défonce sur fond de dance music étaient devenus des rituels au sein de la Grosse Pomme.
La plupart des compos ont été prélevées de 12inches originaux. Puis remasterisées. La nouvelle mouture du « It’s Better Than Good Time » de Gladys Knight est splendide. Gibbons l’a enrichie de lignes de basse élastiques, de cuivres et de beats profonds. Gorgé de BPM, le « Magic Bird Of Fire (Fire Bird Suite) » du Salsoul Orchestra baigne dans une certaine forme d’exotisme. Mais un exotisme hallucinogène qui s’étale sur plus de 6 minutes. Impossible de rester de marbre à l’écoute de cette plage. Mais la plus grande surprise procède du « See Through » d’Arthur Russel. Un remix inédit mais brillant. Minimaliste aussi ; parcouru de micro beats et invitant un violoncelle imprévisible. Le digipack recèle des photos uniques ainsi qu’une biographie écrite par Tim Lawrence, déjà l’auteur de celle d’Arthur Russel, « Hold On To Your Dream ». Une belle famille en somme ; et surtout un disque à se procurer sans hésiter !
Comme il ne sert à rien de s’étendre trop longtemps sur ce qui n’en vaut pas la peine, nous serons brefs. « Girl on an unmade bed » de Lisbee Stainton est un disque de pop anglo-saxonne, composé d’une majorité de titres lents, ponctué de quelques morceaux plus pêchus. Soutenue par des musiciens pas si mauvais (cordes, carillon, batterie, claviers), sa voix réitère les attaques gémissantes, technique que l’on a l’habitude d’entendre chez les chanteuses pop. Les légers vibratos succèdent à ‘l’effet resserrage de gorge’, pour une ambiance fifille à sa maman. Lisbee, gentille comme un battement de cils, sage comme une image, a pourtant le vent en poupe. Aux Etats-Unis et en Angleterre, elle passe à la radio et fait les choux-gras des magazines. L’un de ses morceaux a même été choisi pour la journée de la paix des Nations unies, c’est dire.
‘Lisbee, la rose anglaise à la guitare à huit cordes’ peut-on lire dans le dépliant de promotion. Alors, là, les huit cordes, il faudra que l’on m’explique. Car à l’oreille, je n’entends pas la différence par rapport aux six cordes habituelles. Quant à la comparer à une rose insulaire, il faudrait plutôt replacer cette image dans le contexte d’un jardin anglais. Bien taillé, rien ne dépasse, et il y a même des jolies petites allées pour ne pas piétiner les plates-bandes…
En même temps, ce n’est pas comme si nous n’étions pas prévenus : la pochette du disque, dessinée par Lisbee herself, laissait présager d’ennuyeuses complaintes adolescentes. Un cœur rouge pendouillant au bout d’une canne à pêche, et le titre : une ‘fille sur un lit défait’… tout est dit !
Même si certains morceaux plus rigolos égaient un tantinet l’ennuyeux paysage, il faut bien reconnaître que l’ensemble du disque paraît sortir tout droit du dessin animé de Cendrillon. Un monde tout rose parsemé de gentils être humains, où l’on pleure quand même un peu lors des tracas amoureux. Mais où Lisbee vit-elle ? Dans une barbe à papa ?
Cet elpee est paru, il y a un peu plus d’un an, aux States. Et Fargo, vient judicieusement de le publier chez nous. Il est bien dommage d’avoir attendu si longtemps pour écouter cet opus, car il est de toute bonne facture. En outre, cet ensemble issu de Chapel Hill (NDR : c’est en Caroline du Nord) constitue une belle découverte de rock indie US. On se demande d’ailleurs combien de groupes du style militent encore, dans le Midwest américain, au sein de ce relatif anonymat.
Fondé par les frères Matheny (Skip et Logan), Roman Candle est né en 1997. Un trio qui implique également l’épouse du premier cité, préposée au piano et autres claviers. Toute la famille a cependant émigré à Nashville, en 2008.
En général, les compos de cette formation sont sculptées dans un style sudiste, ma foi fort classique : harmonica, orgues Rhodes, guitare acoustique, Farsifa, … Roman Candle n’oublie aucun ingrédient nécessaire à son artifice (= Roman Candle !) sonore. Rock conventionnel (« A Hearbeat ») et americana font donc ici bon ménage. Un peu comme si le combo avait trouvé le chaînon manquant entre Jayhawks et Wilco. On a aussi droit à des ballades acoustiques, à l’instar de « Big Light ». Les mélodies sont superbes (morceau délicieusement vintage, « Why Modern Radio is A-Ok » est un hit FM potentiel), les lyrics profonds et le timbre vocal de Skip est aussi puissant que chaleureux. Leurs prestations scéniques seraient épatantes. Interprétées en ‘live’, leurs compos seraient d’ailleurs bien plus percutantes. Ce qui explique sans doute pourquoi, le band a été invité à assurer les premières parties de The Soundtrack of Our Lives, Wild Beasts et Iron and Wine. « Oh Tall Tree in the Ear » constitue déjà le troisième album de Roman Candle. Et si vous appréciez ce style, vous ne pouvez passer à côté de cette plaque. Fargo a encore eu le nez creux…
Signé chez Wallace Records, Rollerball fait un peu office de mouton noir dans la bergerie. On se demande quand même comment ce trio américain (NDR : issu de Portland, très exactement) est parvenu à signer chez le label indépendant milanais. Car si la musique manifeste certains aspects expérimentaux, elle est tout à fait abordable, et évolue à des années-lumière des combos punks transalpins comme Bachi Da Pietra, R.U.N.I ou X-Mary, qui sévissent au sein de cette écurie.
« Two Feathers » constitue leur quatorzième elpee. En 15 années de carrière, on peut affirmer que la formation n’a pas chômé. Malheureusement, cette productivité ne leur a jamais permis de se faire une place au soleil. L’expression sonore de Rollerball évolue quelque part entre prog, jazz (NDR : la présence du saxophone n’y est pas étrangère), pop, psychédélisme et musique gothique. Quant à la voix de Mae, elle me rappelle plutôt celle de Beth Gibbons (Portishead). Tout au long de l’elpee, les claviers dominent le sujet. Circonstanciellement, des percussions tribales communiquent une belle énergie aux compos. A l’instar de l’excellent et aventureux « Say It ». A contrario, certaines compos embrassent un format plus pop. Et je pense tour particulièrement à « Split Pea » et « Aquapipe Netarts ». Bref, un opus bien sympathique, mais malheureusement très peu susceptible de toucher le grand public…
« Simple Times » constitue le deuxième elpee de Joshua Radin. Il était paru aux States en 2008. Le natif de l’Ohio bénéficie donc enfin d’une sortie officielle, sur le Vieux Continent, de cet opus, alors que la publication du troisième « The Rock and the Tide » est prévue pour cet automne. En fait, cette initiative est dictée par la mini-tournée européenne qu’il entamera en octobre, et qui transitera par l’Ancienne Belgique, le 10 du même mois.
Agé de 35 balais, ce songwriter plutôt mainstream est surtout notoire pour son répertoire folk. Un répertoire dont les chansons hyper mélodiques, plutôt simples, légères et parfaitement mises en forme sont aussi très accessibles. Les compos réunies sur « Simple Times » ont ainsi servi de B.O. aux histoires d’amour de ‘Grey’s Anatomy’, des ‘Frères Scott’ et de ‘Scrubs’… Pas vraiment de quoi en faire un plat. Bien sûr, Joshua est beau, riche, acteur et chanteur. Il a aussi une voix douce, sensuelle ; mais perso, ses gentilles ballades ne m’accrochent pas. A contrario, je suis convaincu qu’elles plairaient à ma petite sœur ou même à ma grand-mère. Mais si, c’est lui qui interprète ce fameux tube « I’d Rather Be With You »… Ben le reste, sur ce « Simple Times », est de la même trempe. Des mélodies vite mémorisées, puis vite oubliées. On épinglera quand même deux jolis duos. Le premier en compagnie de Meiko sur « Sky » et l’autre de Patty Griffin pour « You Got Groing Up To Do ». Le disque parfait à écouter en voiture, pour ne fâcher personne de la famille, quand on part en vacances. Cette pâle copie d’Elliott Smith (NDR : dont il a récupéré le producteur, Rob Schnapf) est à réserver en priorité aux fans de Jack Johnson et de Pete Yorn.
Lorsqu’on est chroniqueur, rien de tel d’apprendre qu’une prévision se concrétise. Surtout quand elle est favorable. Suivant ce que j’avais présagé, il y a quelques mois, tout particulièrement en consacrant quelques lignes à son dernier elpee solo, (« Learning to Bend »), le violoncelliste folk Ben Sollee jouit enfin d’une certaine reconnaissance…
Quel plaisir donc de le retrouver sur un nouvel opus, édité pour la circonstance chez Sub Pop, dont il assure la paternité en compagnie de Daniel Martin Moore, un guitariste folk tout aussi doué.
« Dear Companion » propose des compos trempées dans l’americana et le bluegrass. Des morceaux dont l’authenticité et la profondeur transpirent le Kentucky sudiste. Pourtant, les deux acolytes prennent bien soin de ne pas s’enfermer dans la tradition. Si les mélodies sont agréablement surannées, elles ne virent jamais au revivalisme. Ce qui explique sans doute pourquoi leur musique est considérée comme néo folk. Dan et Ben se partagent l’écriture des chansons de ce « Dear Companion ». Leurs voix souvent alternées sont pourtant très complémentaires. Le climat ambiant est doux, raffiné, parfois jazzyfiant. Cher à Andrew Bird, le picking se taille la part du ‘bison’ ; mais les banjos ont également leur mot à dire. Les arrangements sont sophistiqués. Faut dire que la production a été confiée à Jim James, un autre natif de Kentucky, et surtout le célèbre leader de My Morning Jacket ; à mon humble avis, la mise en forme est néanmoins parfois un peu trop lisse. Au sein du tracklisting, j’épinglerai cependant le bouleversant et intimiste « Only a Song », caractérisé par de superbes lyrics, « This is only a song, it can’t change the world » également, ainsi que les plus allègres « Dear Companion » et « Something, Somewhere, Sometimes », qui lorgnent vers le Ben Harper des débuts.
Tout en manifestant une pointe de conscience politique bienvenue, Ben Sollee et Daniel Martin Moore sont des artistes dignes de leur maître, Andrew Bird. A cause de leur musique, tout d’abord. Et puis de leur engagement écologique. La vente de cet opus est destinée à récolter des fonds pour aider les associations qui s’opposent à l’implantation des compagnies charbonnières, dont le seul but est d’exploiter –honteusement– les montagnes des Appalaches… Digne de Guthrie ! Cet album ne changera pas le monde, mais il est très susceptible d’apporter sa pierre (NDLR : de houille ?) à l’histoire de la musique américaine. Et ce n’est déjà pas si mal…
Composer une macédoine à base d'instruments issus de traditions différentes, c’est tendance, mais le résultat n’est pas toujours garanti, surtout lorsqu’elle se limite à accumuler les influences et les ingrédients (imaginez un couscous incorporé à un hachis Parmentier, agrémenté de morceaux d’ananas). Le parti pris par Vincent Ségal et Ballaké Sissoko est plus prudent, car il se limite à agréger deux instruments : un violoncelle et une kora (cet instrument d'origine mandingue qui s'apparente à une harpe). Mais plus audacieux aussi, car, dans un tel dépouillement, aucune sauce d’artifices ne se charge d'associer les deux univers.
Ce disque est né de la collaboration entre deux amis qui se sont patiemment apprivoisés, tels le renard et le Petit Prince. Ballaké Sissoko, tout d’abord. Né pour ainsi dire d'une kora (puisque son père et son grand père étaient eux-mêmes des joueurs de kora), ce grand nom de la musique malienne a apporté sa collaboration à moult griots et chanteurs. Vincent Ségal, ensuite. Ce violoncelliste notoire a forgé son expérience auprès d'artistes comme M, Cesaria Evora et Malik Mezzadri de Magic Malik, pour ne citer que les plus célèbres ; il est également membre fondamental du groupe Bumcello.
Reposant, le son créé par Ségal et Sissoko a été enregistré de nuit, et s’y prête particulièrement bien. On s’imagine sous les étoiles, dans un village d’Afrique. Deux amis discutent à voix basse, assis dans des fauteuils, les yeux rivés dans le ciel. Nul bruit alentour, pas de lumières. Le temps est une chimère. Et les deux compères, à l’aide de leurs instruments en guise de mots, refont le monde. Les deux cultures millénaires parviennent à s’entendre, à trouver une langue commune, et parfois la limite entre kora et violoncelle s’estompe, lorsque Ségal pince les cordes comme Sissoko. C’est une harpe de plusieurs octaves, jouée simultanément aux doigts et à l’archet, par quatre mains sages.
Les deux musiciens discutent avec l’aisance de ceux qui se connaissent depuis toujours. Musique nocturne, elle est aussi désertique. Ses silences sont des respirations, ses mélodies parlent et apaisent l’âme. Aucun soubresaut ne pointe à l'horizon.
Contrairement à l’expression sonore de Bumcello, dont le beat vitaminé est bien de notre époque, « Chamber Music » propose une musique expérimentale certes, mais séculaire. Ce disque est plus intimiste, comme produit en retrait du monde. C'est peu dire que le métissage entre la musique classique occidentale et la musique traditionnelle africaine est ici réussi. Il faudrait plutôt parler d'une harmonie mystérieuse, qui, si l'on se laisse bercer, nous fera passer une nuit à la belle étoile.
« Loveless Unbeliever » suit un premier Ep qui avait déjà fait sensation par sa couverture rose flash –et sa stratégie promotionnelle d’édition limitée– une couleur chewing gum qui annonce le style indiepop renvoyé à ses pures racines pré-électroniques. La bande à Liz Hunt, originaire de Cardiff et aussi principale compositrice, ne conçoit rien de bien nouveau en matière de girl pop des années 60 : le groupe cite ses influences ostensibles allant des Beach Boys aux Ronettes en passant par les Shangri-Las, Phil Spector et Camera Obscura. L’octuor (!) ravive cependant le genre et nous donne envie de renfiler jupes bouffantes et blouses à pois, de danser insouciamment couettes tirées et Lollipop aux lèvres.
Formé en 2007, le combi gallois signe, après seulement quatre concerts, sur le label espagnol Elefant Records, qui publie certains titres sur leurs compilations. Les premiers singles (« All I wanna do/Valentine ») illustrent des ballades poético-romantiques enjouées où le chagrin est fredonné avec sourire et scintillements.
Une pop sixties féminine et blonde suggère évidemment l’album « Life » des Cardigans et, au goût du jour, les Pipettes, mais The School reste moins expérimental, pour ne pas dire moins moderne. Leurs mélodies sucrées sur du doo-wop immaculé sont d’une innocente allégresse qui contraste avec notre époque. La voix de Liz est aussi moins pénétrante et retentit d’une neutralité à la Au Revoir Simone. Cette musique marshmallow promet une douce impression de déjà-vu, en tous les cas pour ses refrains qu’on retiendra tout de go. On notera en outre quelques attributs de la formation : une corniste et des chœurs mixtes (Fran, Steph et Kay) qui intègrent à merveille les instruments chatoyants.
En gros, « Loveless Unbeliever » n’offre pas une seconde de répit au pays des bisounours, parcouru par sa bonne humeur contagieuse. The School ne prétend aucunement réinventer la pop mais a produit son premier album en mode totalement ‘old school’ et ne cache pas son intention de créer des hits à profusion.
Un peu de douceur dans ce monde de brutes (de temps en temps).
RotoR joue de la musique instrumentale depuis 1998, scande une bannière sur le site du groupe berlinois. Comme si, franchement, c’était quelque chose de vraiment bien. Chacun ses goûts, mais personnellement, le stoner, sans chanteur et, pour ainsi-dire, dépourvu de soli de guitares, c’est hautement soporifique.
Qualifiez moi d’obtus si vous le désirez, mais j’ai franchement beaucoup de mal à entrer dans le concept d’une musique, certes rythmique, mais dépourvue d’attraction vocale et de démonstrations techniques intéressantes. Alors d’accord, tout est dans l’ambiance et le paysage sonore. Sauf que question ambiance, RotoR se la joue spatiale et enfumée, à grand renfort de pédale wah wah. Vide spatial et brouillard hallucinogène, pour le paysage, on a vu plus joli.
Si excitation il y a, elle n’arrive, comme le chant, que sur la dernière piste, lors de la reprise du titre « Neatz Brigade » des doom métalleux américains The Obsessed (NDR : extrait de l’album « The Chuch Within », paru en 1994). Encore que, sans la voix de Scott ‘Wino’ Weinrich, ce n’est pas vraiment la même chose. Vous l’aurez compris, RotoR 4 ne m’a pas convaincu. Mais vous avez raison, je suis difficile.
Originaire de l'Oregon, dans le nord-ouest américain, cette formation s'est fixée à Austin. En 1997. Son line up réunit le chanteur/guitariste Willy Braun, son frère Cody, le violoniste/mandoliniste/harmoniciste, le guitariste et préposé à la lap steel David Abeyta, le drummer Jay Nazz et le bassiste Chris Schelske. Leur premier elpee, "Millican" est paru en 98. Deux ans plus tard, elle publie deux opus : "Acoustic : Live at Stubbs" et "The day". En 2003, elle signe chez Sugar Hill, écurie pour laquelle elle va graver plusieurs elpees. Joe Ely, légendaire chanteur de Honky Tonk, tombe sous le charme du groupe, et commence à vanter leur talent auprès de la presse. Le band passe ensuite chez Yeproc, pour lequel il édite "Bullett proof", en 2008.
"Somewhere in time" constitue un hommage au chanteur Pinto Bennett, leader des Famous Motel Cowboys, pionniers du style dans le Nord Ouest. Le combo reprend ici ses chansons. Lorsque l'on jette un œil sur la pochette, on découvre les cinq musiciens à cheval, sur fond de soleil couchant. De l’image à la musique, il n’y a qu’un pas. Nous sommes bien dans l’univers de la country… Mas pas seulement, car sur ce long playing, le rock a également sont mot à dire…
"Little Blossom" ouvre le long playing. Une ballade très séduisante. La guitare rythmique est largement amplifiée et entraîne les autres instruments. La voix de Willy est très caractéristique du style. La guitare prend un premier envol. Elle se situe bien en avant. Le quintet jouit d’un potentiel certain. Leurs mélodies accrochent instantanément ; et j’avoue un petit faible pour l’intense "The ballad of Elano Delson". Parfaitement construite, cette compo est marqué par la forte présence de Joe Ely ; mais également de ce mur de cordes, manifestement une marque de fabrique chez RK, sans pour autant dépasser certaines limites. L'orgue Hammond est bien planté dans le décor. Les nappes d’orgue adoucissent d’ailleurs les sonorités des grattes. "Bird on a wire" est lancé au galop. On imagine des cowboys soulevant un nuage de poussière, au fond de l’horizon. Cordes acoustiques et électriques se conjuguent sur cette ballade uptempo, pendant que le violon, bien saignant, vient dialoguer avec les autres instruments. Un autre sommet de ce "Somewhere in time". Illuminés par la présence divine de la lap steel guitare, "Ive done everything I could do wrong" et "Idaho cowboy" baignent dans la country la plus pure. Un style également embrassé par "I hold the bottle, you hold the wheel" et "You cared enough to lie". Lorsqu’il passe au country rock, Reckless Kelly est tout aussi convaincant. A l’instar de "Some people's kids" ou du magnifique "Pure quill". Leur expression sonore lorgne alors manifestement vers des combos alternatifs issus des 80’s comme les Long Ryders voire Green On Red. Dans le genre (NDLR : le Paisley Underground !), ils sont même devenus légendaires. En fin de parcours, l'ami Pinto Bennett est venu chanter son "Thelma", une ballade paisible et dépouillée. Avant que le superbe titre maître, une plage chargée d’intensité, ne referme l’œuvre. Excellent !
Les punks rockers néo-zélandais sont plutôt précoces. Chazz (chant/guitare) et Rupe (chant/batterie) on à peine quinze ans, en 2001, lorsqu’ils forment la première mouture de The Rabble (Les Fripouilles). Les deux frères galèrent quelques années avant de trouver en Jamie, le bassiste idéal. Adeptes du ‘Do-it-yourself’, le trio keupon d’Auckland produit lui-même son premier album « No Clue, No Future » ainsi qu’un Ep intitulé « This Is Our Lives ».
« The Battle’s Almost Over », le second LP sort en Nouvelle Zélande, en 2007. Les bandes, enregistrées par Chazz lui-même dans son home studio d’Auckland, ont été mixées à Boston par Jim Siegel (Dropkick Murphys, Brain Failure). Dans son pays d’origine, la galette corrosive fait un carton. Quatre ‘hit-singles’ en sont extraits. Les passages en radio et à la TV ainsi que les tournées se succèdent. Ces dernières mènent le trio de l’Australie à l’Angleterre. Du haut de leur vingt-cinq ans, les trois punk rockers se targuent d’avoir déjà dix années d’expérience. Un exploit !
The Rabble est la preuve vivante que l’on peut jouer du punk mélodique aux refrains accrocheurs sans pour autant sombrer dans la daube pathétique pour ados en mal de sensations fortes. Les Néo-zélandais jouent du punk rock au sens large du terme. Aussi inspirés par les héros anglais de la fin des seventies que par les combos yankees les plus récents, le trio décline un punk aux saveurs multiples : punk mélodique à la limite de la pop sur « Seeking », hardcore pour « Sick and Tired » ou lors du décapant « This World Is Dead », presque psychobilly tout au long de « The Devil’s Highway », celtique à la Dropkick Murphys sur « The Battle », Sex-Pistolien chez Start Again », voire même Ska lors de « Step Back ». Dans cette diversité punkoïde, il y a tout de même quelques constantes : les voix infectieuses, les refrains fédérateurs, la guitare incisive et surtout le son de basse décoiffant de Jamie qui détruit tout sur son passage.
Chose rare pour un groupe punk, l’artwork du digipak qui emballe « The Battle’s Almost Over » est réellement superbe. Enrichi d’un livret, d’un poster et de photos qui mettent en valeur les superbes coupes ‘iroquois’ des musiciens. Trois ans après sa sortie nationale, « The Battle’s Almost Over » est enfin distribué dans le monde entier. A ne rater sous aucun prétexte !
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