Le talentueux Josh Ritter publiera un nouvel Ep, ce 20 février, un disque dont les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Brooklyn. Il s’intitulera « Bringing in the Darlings ».
Tracklist :
01. Why (2:47)
02. Love Is Making Its Way Back Home (3:44)
03. Darlin’ (3:21)
04. Make Me Down (4:15)
05. See Me Through (4:22)
06. Can’t Go To Sleep (Without You) (3:17)
« Adventures In Your Own Backyard », c’est le titre du nouvel opus de Patrick Watson. Il paraîtra ce 16 avril 2012. Pour le défendre, il se produira à Bruxelles ce 29 avril. Son single, « Into Giants » est déjà en écoute sur son site.
Katy Perry publiera une nouvelle version de son album « Teenage Dream », elle s’intitulera « Teenage Dream : The Complete Confection », et paraîtra ce le 23 mars 2012. On y retrouvera les 12 plages originelles, dont les hits “California Gurls”, “Teenage Dream”, “Firework”, “E.T.”, “Last Friday Night (T.G.I.F.)” et “The One That Got Away”, tous classés n°1 au “Billboard Hot 100”, mais également trois titres inédits : “E.T” featuring Kanye West, “Last Friday Night (T.G.I.F.)” featuring Missy Elliott et une adaptation acoustique de “The One That Got Away”, mise en forme par Jon Brion. Le tout enrichi d’un mix de ces six singles produits par Tommie Sunshine.
http://www.twitter.com/katyperry
http://www.myspace.com/katyperry
http://www.facebook.com/katyperry
L’excellente formation américaine Lost in Trees publiera son second elpee ce 19 mars 2012. Il s’intitulera « A Church That Fits Our Needs ». Issu de ce future elpee, « Red » est déjà disponible sur la toile.
http://www.npr.org/blogs/allsongs/
Après avoir commis 3 albums chez Smooth, David Darricarrère a décidé de bosser sur un projet en solitaire, qu’il a baptisé Dtwice. So premier Ep, « Pleased to Meet You », paraîtra ce mars prochain.
Pour découvrir son teaser c’est ici et la session studio live là
http://www.facebook.com/pagedtwice
« Milk Famous », c’est le titre du prochain album des White Rabbits. Il paraîtra chez Mute, ce 5 mars. Produit par Mike McCarthy (And You Will Know Us By The Trail Of Dead, Spoon), il s’agira de leur 3ème opus, un elpee qui fait suite à l’excellent « It’s Frightening ».
Caractérisé par ses boucles de piano, le titre « Heavy Metal », est téléchargeable sur le site du groupe.
https://twitter.com/#!/White_Rabbits
http://www.facebook.com/whiterabbits
Nicolas Leroux, c’est la tête pensante d’Overhead. Son nouvel opus, « Death by Monkeys » devrait sortir cette année. En attendant, le multi-instrumentiste a gravé un second single, intitulé "The Destroyer", extrait de ce futur opus, un morceau toujours aussi contaminé par le rock et le jazz…
http://tfkcollective.bandcamp.com/track/the-destroyer
https://www.facebook.com/deathbymonkeys
Hoboken Division est un groupe français, fondé en 2011. Une formation nancéenne manifestement influencée par la musique yankee. Et en particulier le garage et le blues primaire. Celui de RL Burnside, notamment. Pourtant, Mathieu Cazenave et Marie Rieffy vouent un culte à PJ Harvey, elle bien insulaire.
Partagé en 4 titres leur premier Ep est autoproduit. Teintée de soul, la voix de Marie est puissante. Elle répond aux riffs de guitare épais mais acérés de Mathieu, dans un style rappelant tour à tour The Kills (« Headshake ») ou les White Stripes (« Happier than You »), au sein d’un univers sonore hanté par des interventions à l’orgue vintage ou à l’harmonica.
Pour un premier essai, il faut reconnaître que le résultat est probant. Simplement, il faudra que le duo digère complètement ses influences, encore trop évidentes sur leurs compos, s’il veut se forger une identité propre…
Ce Dvd a été immortalise live lors de deux set, ‘sold out’, accordés par la formation insulaire, les 13 et 14 septembre 2011, au Paradiso d’Amsterdam. Le duo y est soutenu par son backing band au complet, s’est à dire Jon Thorne à la double basse, le guitariste islandais Oddur Mar Runnarson (également bassiste) et le batteur danois Nikolaj Bjerre. Sans oublier le trompettiste Kevin Davy ainsi que le trio à cordes londonien Chi 2 Strings.
J’avais eu l’occasion d’assister à la prestation de la formation mancunienne, sous la forme d’un trio (NDR : avec le bassiste), lors de l’édition 2009 du festival Cactus. Et je dois avouer être alors tombé sous le charme de leur concert. Alors imaginez sous ce line up ! Le set s’ouvre dans un style ma foi jazzyfiant (la double basse et la trompette), avant de passer progressivement au trip hop. Le soutien des cordes est magique. La voix de Lou Rhodes superbe et Andy est toujours aussi excité derrière sa console, son clavier ou au bord du podium. Le climat pourtant empreint de mystère est souvent propice à la danse, et le public (on les envie) est aux anges. Quelques interventions de percus sont également au menu, histoire de mettre encore davantage le feu. Et puis le set s’achève à nouveau dans le jazz. On ne décolle pas des yeux les images proposées par ce superbe Dvd enrichi de deux morceaux interprétés en ‘live’ à Rock Werchter (beaucoup moins bien !), de photographies et d’une interview accordée par notre duo.
Rebel Rave est un projet né en 2008 destiné à mettre en exergue le travail des DJs à travers le monde, via la publication et la distribution de mixes ainsi que de compiles techno et house. La diffusion est même opérée sur leur propre chaîne TV (www.rebelrave.tv ). Au programme des sets underground proposés en ‘live’, aux quatre coins du globe.
Comme son titre l’indique, « Rebel Rave 2 » constitue donc le second volet du projet. Il est destiné à réunir la quintessence de la techno/house dispensée en 2011. Et pour y parvenir, ils ont engagé des personnages notoires tels que Jamie Jones, Glimpse, Deniz Kurtel ou encore Damian Lazarus (NDR : dont je vous conseille vivement d’écouter le set « Get Lost »).
Le deuxième volume est partagé en trois disques. Un triple opus dont les deux premières plaques sont découpées en 11 pistes. Et la troisième nous en propose 16. Soit un mix entier de Droog et un dynamique trio de producteurs: Andrei Osyka, Brett Griffin and Justin Sloe. Un collectif de DJs qui fait d'ailleurs particulièrement fureur aux USA, et en particulier à Los Angeles et Miami.
Difficile néanmoins de bien analyser les deux premiers volets du recueil, puisqu’aucun titre n’y figure. M’enfin, l’essentiel procède du troisième cd, consacré au set de Droog.
En ce qui concerne le mix, mon avis est plutôt mitigé. On est en présence d’une techno profonde, parfois impétueuse, certainement énergique et qui se révèle, ma foi, fort sympathique. Et je pense tout particulièrement à « I can't wait », caractérisé par ses accès de basse puissants et sa ligne mélodique balisée sur l’électronique. Ainsi qu’à « Radar ». Un poil trop court, sans doute répétitif, mais dont le rythme et particulièrement entraînant.
Mais il reste en bouche (ou plutôt dans l’oreille) un goût d’inachevé. Il manque tout simplement une véritable bombe musicale susceptible d’être réécoutée en boucle. De nous faire vibre, si vous préférez…
Dès lors, si vous n’êtes pas trop difficile, vous estimerez que cet album est de bonne facture. Si vous l’êtes beaucoup moins, vous lui reprocherez son manque d’originalité.
Premier album du duo français Ana. Issu du Mans, il réunit la chanteuse Annabelle Ariane et le guitariste Xavier Renault.
Il s’ouvre par le titre éponyme : « Secret Garden » et nous partons à la découverte de leurs petits et grands secrets.
« So Love » est le morceau phare. Accompagné d’envoûtantes notes de violoncelle, il libère une puissance émouvante. La voix claire d’Annabelle nous emporte dans un tourbillon de douceur et de force à la fois. Caractérisé par son refrain entêtant, « Deserve more » est nettement plus rock,
Globalement, les autres titres sont assez commerciaux et évoquent parfois Avril Lavigne. Surtout à cause de la voix, qui oscille sans cesse entre retenue et moments où elle est poussée haut et fort, un petit côté moins agréable à l’oreille.
L’ensemble du disque est porté par la virtuosité du guitariste Xavier Renault. Il semble capable de tout jouer : du folk, du rock, avec une dextérité digne de Tracy Chapman (« Shelter »).
« My Ennemy » se démarque, à nouveau grâce à la guitare, qui nous emmène loin, très loin.
La chanteuse interprète deux morceaux en français : « Recipies » et « Je me noie ». On navigue alors entre Vanessa Paradis et Lââm. Aussi différents que ces deux styles puissent paraître.
Car Ana hésite en permanence entre deux univers, l’un tout en force et relativement commercial, l’autre plus intimiste et oh combien plus précieux.
Souhaitons-leur de poursuivre leur jolie route à la découverte des recoins plus confidentiels de leur jardin secret.
Seul chez lui, Isidor Hibou a donné vie à son projet, Animaux Surround. Projet en solitaire que le Français dirige d’une vraie main de maître. De la composition, à la production en passant par la réalisation, l’artiste mène la barque. Touchant également à la photographie, il a même réalisé l’artwork de son premier Ep, « Booking Rooms ». Isidor Hibou est donc l’exemple type du DIY. De l’autodidacte, si vous préférez !
L’album s’ouvre par un premier morceau manifestement influencé par la new wave/électro anglaise des années 80. Les loops de synthés en sont la plus belle illustration. Plutôt glacée à premier abord, la musique d’Animaux Surround se réchauffe progressivement. Sur « Awake », le piano et la voix sont admirablement valorisés par de petites touches électroniques dans un style qui peut parfois rappeler le « Kid A » de Radiohead. Une accalmie de brève durée, puisque dès le morceau suivant, le rythme est à nouveau soutenu et l’énergie dispensée plus palpable. Les percussions ‘exotiques’ et la guitare font leur apparition. Par la suite, Animaux Surround incorpore des ‘cut-up’ de films et journaux. Le disque s’achève par « Booking Rooms » une plage qui nous plonge au cœur d’une ambiance davantage ténébreuse et inquiétante.
Si la mise en forme de cet Ep n’est pas parfaite, le reste l’est bien. Pour un premier essai, Isidor Hibou est parvenu à épater la galerie. Bien sûr, tout n’est pas impeccable ; mais il faut rappeler que ce « Booking Rooms » a été réalisé, de A à Z, par une seule et même personne. Et à ce titre, on ne peut que s’incliner.
Du ‘russian jazz/indie’, c’est ce qui m’était annoncé, lorsque j’ai accepté de chroniquer cet opus.
Tanya Balakyrska est originaire de Kramatorsk, en Ukraine, mais réside à Dubna (NDR : c’est à 125 kilomètres, au Nord de Moscou). Elle jouit d’une certaine notoriété comme journaliste et bosse comme éditorialiste chez jazz.ru.
Après avoir participé à différents projets (NDR : notamment Fan et le trio Yekaterinburg Free-Spoken Band), elle décide de se lancer dans une aventure solo.
Dès les premières notes de « New Horizon », le ton est donné : la musique sera dominée par le jazz. Mais un jazz bien contemporain. Les interventions à la basse et les percus alimentent tout particulièrement ces pulsations rythmiques swinguantes. Une expression sonore sur laquelle vient se poser la voix de Tanya, dont le timbre peut rappeler Sade.
Si « Auburn-haired maiden » lorgne vers la lounge, et pourrait aisément sonoriser un resto branché, « Thank you god » épouse un format plus pop.
Pourtant, si les lyrics sont empreints de poésie, textes pour lesquels elle a reçu le concours de la Canadienne Sienna Dahlen, je ne retrouve pas chez Tanya Balakyrska les sonorités bien spécifiques des pays de l’Est. Et c’est cette identité propre qui manque à cet album qui devrait cependant plaire aux aficionados de Morcheeba voire de Devotchka.
Cascao est danseur et producteur. Lady Maru est DJ à Rome. Ils sont italiens et ont décidé de partager un projet en commun. Et « Gong ! » constitue le résultat de leur collaboration.
Un opus découpé en 10 plages qui ne laisse pas indifférent. Et pour cause, énergiques, éclectiques et novatrices les morceaux sont alimentés par des mélodies plutôt étranges. Surprenantes, même. Tout comme les vocaux, d’ailleurs. Et « Bad Might », en est certainement la plus belle illustration.
« Gong ! » nous plonge donc au sein d’un univers déconcertant, déstructuré même. Parfois un peu retro. A cause des arrangements ou des synthés, réminiscents des années 80. Mais les titres les plus déjantés sont manifestement « Tropical Tasting » et « Viulenza e decadanza », deux pistes complètement délirantes, que nos deux compères parviennent pourtant à parfaitement contrôler.
Bref, ce parfum new wave voire électro punk qui baigne cet elpee n’est pas pour me déplaire et nonobstant son aspect un peu décalé, il s’avère totalement rafraîchissant. On guette déjà la suite avec impatience... et curiosité.
En 1989, les Fuzztones publiaient “In heat”, un disque alors produit par Shel Talmy. La mise en forme, Le groupe semble ne jamais trop avoir digérée, puisqu’il a décidé de rééditer le disque sous sa mouture originale. En fait, à l’époque, Rudi Protrudi et Ian Astbury, el chanteur de The Cult, s’étaient liés d’amitié. Ce qui avait permis à la formation new-yorkaise de décrocher un contrat chez Beggars Banquet (NDR : alors une compagnie major !) Mais lorsque les bandes sont arrivées chez le label, il a fallu les relifter. La boîte estimait que leur musique était trop rude. L’écurie a donc choisi Shel Talmy, un producteur notoire qui avait notamment bossé pour le Who et les Kinks, pour effectuer l’opération. Le résultat et catastrophique, puisque les morceaux sont constamment noyés sous l’orgue ‘cathédralesque’, un peu comme chez certains groupes de hard rock atmosphériques.
La nouvelle version du disque est donc la plus proche possible de l’originelle. Le groupe avait même conservé les démos, dans le plus grand secret. Rudi et Jordan Tarlow (Outta Place) se sont chargés de traiter les plages, suivant leur propre philosophie ; et l’ordre du tracklisting a été complètement chamboulé. Et le résultat est plutôt concluant, puisqu’on y distingue enfin les autres instruments, et notamment les guitares ainsi que l’harmo, qui font la marque de fabrique du combo de garage revival. La bande à Protudi a voulu remettre les pendules à l’heure. C’est donc fait !
Après plus de trente années d’existence, les Fuzztones sont encore en activité et leurs prestations ‘live’ toujours aussi excitantes. Si en 1989 ils surfaient sur une vague garage, propulsée par des Chesterfield Kings, Lyres ou enocre Cynics, aujourd’hui ils peuvent se targuer d’avoir enfanté des héritiers aussi prestigieux que les Strokes ou encore et surtout The Hives…
L’année 2011 a été bien remplie pour Charlotte Gainsbourg. Elle a en effet accouché de son troisième enfant, ainsi que de ce double album, intitulé « Stage Whisper ».
Cet opus réunit 11 enregistrements live et 8 nouveaux titres studio, dont 4 écrits par Beck. Un Beck que l’on retrouve à la production, tout comme Noah & the Whale, The Villagers ou encore Connan Mockasin.
Sur « Terrible angels», le titre d’ouverture, l’empreinte de Beck (à l’écriture et à la production) est bien visible (ou plutôt audible). La voix de Charlotte berce littéralement « Memoir », une longue ballade. Une voix toujours imparfaite, mais qui vient se poser délicatement sur cette compo signée Conor O’Brien et Renaud Letang.
Pour le reste, cette partie ‘studio’ semble provenir de chutes de bandes, abandonnées lors d’une session d’enregistrement. De quoi satisfaire les fans, mais pas vraiment en rameuter de nouveaux. Pas de quoi non plus remonter sa cote de popularité dans les critiques, qui ont tendance à la délaisser au profit d’autres artistes issues de l’Hexagone.
Le live est bien plus intéressant et surtout diversifié. Depuis l’entraînant « IRM », caractérisé par son côté disco/pop, au plus intimiste « Just like heaven », en passant par un « Heaven can wait » plus allègre que sa version studio.
C’est d’ailleurs de ses enregistrements en public que nous est donc venue la bonne surprise. Elle qui fuyait la foule comme la peste ou semblait si angoissée lors de ses rares passages TV, nous épaterait presque par moment.
Et si à l’image de feu son père, son chant n’est jamais impeccable, Charlotte semble tout comme ‘Gainsbarre’ perfectionniste. Peut-être qu’un jour, elle parviendra à conquérir sa France…
D’origine suisse, Andres Garcia est producteur. Il milite dans l’univers de la musique électronique, de type minimaliste. Son premier album remonte à 2002, et s’intitule « I am your Friend ». Dans son expression sonore, il a le bon goût d’apporter une dimension onirique et sentimentale à ses compos. En soignant les mélodies et les voix, par exemple. Des vocaux qui subliment, notamment, « I am no longer », une piste savoureuse, judicieusement partagée entre harmonies vocales douces, suaves, et électro. Cependant, on a aussi parfois l’impression de baigner dans une forme d’ambient voire de lounge.
Ce Galicien vient donc de publier son dernier opus. Un disque découpé en 9 pistes. Lors des sessions d’enregistrement, il a reçu le concours de toute une volée de collaborateurs, réunis sous la bannière de The Ghost. Pour la plupart des amis proches. Qui ont participé tantôt à l’écriture des lyrics ou même des morceaux. Certains titres bénéficient même de la présence d’un quatuor à cordes.
Destinée à la relaxation, cette expression sonore n’est évidemment pas novatrice. Ni transcendante, d’ailleurs. Mais elle est de bonne facture. Simplement, afin d’être appréciée à sa juste valeur, elle doit s’écouter dans un état d’esprit bien particulier. Et pas nécessairement, au calme, dans son salon. Mais plutôt en ‘live’. Et pour cause, l’artiste aux talents multiples, la met régulièrement au service de spectacles chorégraphiques. De manière, sans doute, à lui insuffler ce dynamisme qui manque cruellement à ses compostions…
Trente années, c’est un âge des plus respectables pour un label, dans la conjoncture numérique de notre siècle hédoniste. L’occasion d’une belle fête déclinée en deux volets. Compte rendu de la première partie de ce diptyque.
Première nuit placée sous l’égide du son organique, voir ultra-sonique, ce jeudi voyait défiler quelques beaux fleurons de l’écurie.
Honneur aux couleurs locales en compagnie de Daan qui va éclabousser une nouvelle fois de son ébouriffante classe un parterre déjà bien garni sur le coup de vingt heures. En formule trio, comme sur son dernier album en date enregistré l’an passé, l’Anversois pose les jalons d’un trentième anniversaire célébré avec le bon goût dû aux égards réservé à cette quasi institution qu’est PIAS.
Un petit détour par l’autre salle me permet de vérifier tout le bien colporté au sujet de Roscoe, avant de retourner voir que la belle Agnès Obel ne s’est pas égarée dans des chemins de traverse. Toujours aussi sage, la musique de la Danoise se faufile poliment dans mon conduit auditif, telle une brise d’été.
Ce n’est pas le charismatique Tom Smith venu éprouver son répertoire en formule solo qui risquait de dénicher les toiles d’araignées jalonnant mon esprit. Cette tâche étant bien sûr confiée aux iconoclastes Ecossais de Mogwai.
Bref, une première partie de soirée plutôt calme avant le déferlement furieux du combo de Glasgow, qui encore une fois va démontrer toute la puissance mais aussi la finesse de son jeu.
Une prestation tellurique pour clôturer cette première soirée aux accents contrastés.
Organisation : PiaS
La formation louviéroise a donc décidé d’amputer une partie de son patronyme (NDR : Party Project) pour le limiter à Von Durden. « Dandy Animlas » constitue leur second opus, et il fait suite à « Death discotheque » publié en 2008.
Considérée comme du ‘stoner disco’, la musique de Von Durden ne manque ni de groove, ni de pêche. Hormis le slow un peu bateau, « Lions of grace » (NDR : un titre à proposer à Machiavel !) et le petit interlude instrumental « Ili VS Lynch (theme) », toutes les autres compos évoluent sur un tempo plus ou moins enlevé. Parfois même furieux ou frénétique.
Soulwax et Ghinzu constituent certainement les références les plus évidentes. Celles qu’ils puisent dans le cinéma sont moins évidentes, mais bien réelles. Le groupe reconnaît même y puiser son inspiration. Les influences sont peu décelables. Souvent bien digérées. Hormis l’empreinte des Stranglers époque « Rattus Norvegicus ». Elle est même manifeste. Pas sur toutes les pistes, mais plusieurs quand même. A cause du climat ténébreux (« Another Messiah »), du ton vindicatif (« She’s gone commando »), de la ligne de basse menaçante (« Sex mouth ») et surtout des claviers rognés, vintage (« Motorgasm », « Montesuma's Revenge » et lors du final « Loony Danny », même si la piste s’achève dans un accès de délire guitaristique). Une gratte qui, à l’une ou l’autre exception près (NDR : dommage, car alors le toucher y est autant subtil, judicieux, qu’élégant) se contente de découper dans le métal, à l’instar des formations indus. Elle est en outre, régulièrement soutenue par ces claviers, dans sa démarche. Des claviers ou plus exactement des synthés, qui libèrent également, de temps à autre, des sonorités 80’s (NDR : c’est l’autre trace, encore audible). Dans l’esprit d’Ultravox circa John Foxx voire même D.A.F. (« Electric Skeleton »). Souvent falsetto, les vocaux et les chœurs sont extrêmement soignés. Et ce sont eux qui apportent surtout ce petit côté pop aux compos.
Bref un album de très bonne facture, auquel votre serviteur a cependant beaucoup de mal à accrocher. Nonobstant d’excellents paramètres, une grande richesse instrumentale et une énorme dose d’intensité libérée, le canevas des compos me semblent parfois un peu trop prévisible…
Ensemble bordelais, Crane Angels calque son concept sur celui d’I’m From Barcelona voire de Polyphonic Spree. Ils sont nombreux : treize en tout et accordent une grande importance aux chœurs. A l’instar de leur patronyme, ce collectif réunit une bande de doux dingues. Ils ne se prennent pas la tête et n’ont qu’un seul objectif se défouler entre potes. Pourtant, leur mélange de pop, de rock et de folk pourrait évoquer Arcade Fire, si Wim Butler avait la banane à longueur de journée. Le tracklisting de « Le Sylphide de Brighton » alterne morceaux plus rapides et plus lents ; mais qui finissent toutefois toujours par exploser, tôt ou tard.
Certes, on pourra peut-être leur reprocher le manque de créativité ou encore la structure prévisible des compos de leur elpee. Mais qu’importe ! Les onze titres de cet opus libèrent une intensité jouissive impressionnante. D’ailleurs, après avoir écouté cet elpee on est totalement requinqué. Un stimulant moral qui n’est pas négligeable.
Tout récemment, je vous avais présenté le dernier l'album de Steve Cohen et de Jim Liban, deux harmonicistes du Wisconsin. Jim est également le leader de son Blues Combo. Ce " Live at Romie's " a été immortalisé en 1996. Mais je me demande quand même si les sessions d'enregistrement se sont déroulées en public (concert ou club) ou en studio, car on n'entend jamais le moindre spectateur se manifester !
Jim est flanqué de trois musiciens : Steve Dougherty aux drums, Dave Kasik à la basse, et Joel Paterson à la guitare. Jim Liban avoue pour première source d'inspiration Little Walter. Et cela s'entend. Une bonne partie des titres relevait du répertoire de Mr Walter Jacobs. Et tout d'abord l'ouverture, "Tonight with a fool". Si cet album a été mis en boîte à Milwaukee, c'est bien à Chicago que nous nous retrouvons. Entrecoupé de moments de silence bien pesés, "This ain't it" de Jimmie Rogers est interprété avec un maximum de sobriété. L'harmo est clair, concis, modulé, vivant. Jim a facilement assimilé le style de Walter. A l'instar de l'instrumental "Chicken Shack". Et s'il n’est guère un chanteur inoubliable et enthousiasmant, il parvient à tirer des sons assez incroyables de son instrument. Il le démontre tout au long de "29 ways". "Emily" est un blues lent composé par Jim. Paterson a sorti sa slide pour se faire Muddy Waters. "Take out some insurance" est traité à la manière d'un shuffle. L'harmonica bavarde à la manière de Sonny Boy Williamson II. En finale la reprise du "Blues after hours" de Pee Wee Crayton se fait late night. Vu les capacités de l'artiste, cet opus aurait pu est crédité d'une mention ‘ excellent’, je ne lui attribuerai que le ‘bon’.
Lendemain de Saint-Valentin au goût de sang séché. L’ex-Virgin Prunes enveloppait de son aura la scène du Muziekodroom pour une prestation théâtrale de haute volée ; et c’est toute l’assemblée qui va se prosterner devant ce monstre sacré.
Jamais avare dans ses représentations, l’Irlandais dont les veines regorgent de mille tourments bouillonnants, livrait ce mercredi un nouveau chapitre consacré à la comédie de la vie.
Flirtant comme d’accoutumée avec les codes du cabaret et découvrant les pans de sa théâtralité, le spectacle donne lieu à une représentation quasi picturale d’un univers léché, sombre et habité.
Il y a d’une part l’homme, dont l’imposante stature force le respect. Tenue de scène sévère et subtilement provocante. Une présence unique en son genre.
Et puis la musique. Contraste saisissant entre force et subtilité, dans un combat éternellement livré.
Il y a cette humanité qui se devine dans le regard, cette passion qui transpire par tous les pores de la peau, cette vérité qui s’inscrit en lettres écarlates dans le reflet de ce qu’il reste d’hier et se devine dans l’aube des jours à venir.
Puis un monde où la beauté se décline en une palette infinie de nuances enchanteresses.
Et au sein de ce monde, Gavin Friday nous compte des histoires qui suintent l’embrun, la bière, et le vin.
Brassant les vents mauvais et les mers belliqueuses de l’âme humaine avec la vision d’un artiste ivre de vie, ses chansons colorent l’espace et tintent aux oreilles du temps.
Entre réminiscences du passé (« Caucasian Walk » des Virgin Prunes) et étreinte douloureuse (« Apologia »), relecture du classique du grand Jacques « Au suivant » (« Next ») et ode à l’existence (« I want to live »), jamais la mièvrerie ne trouve place dans un set mené sur un rythme enlevé, ponctué de touches d’humour et de grands moments de générosité.
En rappel, le « Five years » de Bowie rappelle l’admiration que voue Friday à l’homme au regard vairon.
Par après, la nuit pouvait bien se départir de son manteau sombre, tant la soirée avait été lumineuse.
(Organisation : Muziekodroom)
Goldheart Assembly est un autre groupe de pop/rock londonien. Fondé en 2007, il reconnaît pour influences majeures les Beatles et les Byrds. Gravé en 2010, « Wolves and Thieves » constitue leur premier elpee publié sur la structure Fierce Panda (Ash, Supergrass). Il recèle toute une série de compos accrocheuses, susceptibles de paraître en single (certaines ont d’ailleurs été gravées sous ce format!). Des plages ensoleillées, enrichies de superbes harmonies vocales ‘byrdsiennes’, rappelant parfois The Magic Numbers. A l’instar de l’énergique « King of Rome » ou de l’excellente ballade « So Long St Christopher ».
Pas un opus transcendant, mais rafraîchissant. Avant une future consécration ? La bande à James Dale est en effet occupée de travailler sur un second long playing, qui devrait sortir dans les prochains mois !
Pour leur 3ème passage dans notre pays, Azari & III avaient jeté leur dévolu sur l’Orangerie du Botanique. Le lieu idéal pour y présenter les bombes dancefloor de leur premier LP éponyme. A deux doigts du sold-Out, la salle bruxelloise a vibré comme elle l’a rarement fait. Parce qu’Azari & III en ‘live’, ça dégomme autrement que sur disque.
Les Canadiens d’Azari & III s’arrêtaient donc chez nous ce dimanche 12 février, après une visite au défunt Libertine Supersport et il y a quelques semaines à Louvain. Christian ‘Dinamo Azari’ Farley et Alphonse ‘Alixander III’ Lanza remettaient le couvert dans la capitale pour une nuit disco à souhait. Dans leurs valises, Karin Park, une première partie aussi large que mon index. La Suédoise au brin de voix à la Björk et Karin Dreijer dispense une electro-pop dark fortement influencée par The Knife. Sans pour autant marquer les esprits.
Ensuite, c’est au tour d’Azari & III de prendre possession des planches en se plaçant derrière leurs platines. L’illustration du disque occupe le fond de la scène. Et devant, ce sont Fritz Helder et Cedric Gasiada, les deux vocalistes, qui s’installent face aux micros. Le ton est donné par le magnifiquement kitsch pantalon-fuseau d’Helder et par les chorégraphies des deux hommes. Une déferlante de beats s’ensuit. Les morceaux de « Azari & III » passent sans accro la rampe du 'live'. Mieux encore, les deux DJs y magnifient leurs compositions sous cette mouture.
Sous l’Orangerie, le public est chaud comme on la braise. Dans l’assistance, on repère autant la fashion victim que le perdu qui se demande ce qu’il fait là. Mais la force du duo (quatuor ?) est de fédérer en deux temps trois mouvements. A gauche, à droite, devant, derrière, pas une seule paire de jambes demeure statique. La dernière fois que votre serviteur a eu la chance d’assister à un concert au Botanique où le public ne faisait qu’un, remonte déjà au passage de !!!, en novembre 2010. « Hungry For The Power », « Manic », « Reckless (With Your Love) », « Into The Night », tous les tubes de leur LP éponyme y passent.
Le seul morceau qui a fait tache dans leur setlist autrement impeccable est cet « Undecided », coupable d’avoir fait retomber la pression un court moment. Mais Azari & III auront très rapidement rectifié le tir en balançant un « Indigo » et autre « Tunnel Vision » plus qu’efficaces. Le show des quatre acolytes se referme une heure à peine après son lancement. Les Canadiens s’en vont sans se retourner après avoir acceuilli le bon tiers de l'assitance sur la scène pour une dernière danse. Pas grave, on a bien sué ce soir. Et si ce n’était pas Dimanche, dieu sait que la fête aurait bien pu continuer jusqu’aux petites heures sans que l’on ne s’en plaigne…
Organisation : Botanique
Ce 15 mars, The Megaphonic Thrift publiera son deuxième album. Il sera éponyme et fait suite à "Decay Decoy", sorti l'année dernière. Au sein du line up du groupe norvégien figurent des ex-membres de Casiokids ainsi que de The Low Frequency In Stereo. Un disque qui s’adresse d’abord aux aficionados de shoegaze et en particulier de My Bloody Valentine.
Tracklisting :
Tune Your Mind
Raising Flags
Fire Walk With Everyone
Broken Glass
Yellow Fingers
Moonstruck
I Wanted You To Know
Kill, Breathe and Frown
The Guillotine
Over The Mountain, Down In A Teaspoon
Swan Song
En concert ce 16 mars au Divan Du Monde à Paris et le 8 du même mois au Botanique de Bruxelles.
http://www.myspace.com/megaphonicthrift
En choisissant un tel patronyme, il était évident que des tas d’a priori allait s’abattre sur cette formation. Pourtant, il ne s’agit que d’une référence du chanteur à son groupe favori : The Cure. N’empêche, le jugement originel ne pouvait influencer que le jugement dernier…
Fondé à Lyon, Porn est né en 1999. A l’époque le combo français rencontre un certain succès. Il assure les premières parties de Coal Chamber, Fear Factory ou encore Machine Head, au sein de l’Hexagone. La fine fleur du metal donc. Bref, jusqu’en 2009, année choisie pour rester en stand-by, le band jouissait d’une notoriété appréciable. Il faut dire qu’au début du millénaire, le nu métal est à son apogée. Chaque semaine de nouveaux combos éclosent outre-Quiévrain, pour le meilleur et surtout pour le pire. Aujourd’hui, à l’heure du comeback de Porn (pur produit de cette génération), la situation a fortement changé. Aujourd’hui, le nu metal ne fait plus guère recette. Un phénomène qui se produit couramment, chaque fois qu’un style musical est rongé jusqu’à la moelle. Il s’est même enfoncé dans une zone crépusculaire où les adeptes ne sont plus légion.
A la ‘grande époque’, Porn profitait d’une belle émulation du genre. Elle n’existe plus. En outre, le combo ne se différenciait guère des autres groupes. Dans ces conditions, difficile d’attendre quelque chose de révolutionnaire de la part de cette formation.
« From the void to the infinite » le confirme. Rien de très passionnant à se mettre dans l’oreille : des guitares électriques aux riffs distordus, des sonorités électro et des rythmes bien marqués. On n’a même droit à deux pâles adaptations de morceaux signés Nine Inch Nails et Marylin Manson. Pas de quoi réveilleur le cochon qui sommeille au plus profond de l’être humain…
Il y a quelques semaines, une formidable rumeur se propageait sur la toile : la reformation du mythique groupe d’El Paso, At the Drive-In. On ne pouvait demander mieux comme cadeau de Noël ! Dans la foulée, Jim Ward en a profité pour réunir ses trois Eps solos, sur un cd, alors qu’il militait chez Sparta.
Cet opus est une bonne occasion de (re)découvrir une facette du Texan, peu connue jusqu’alors. Il y dévoile ses racines. Jim Ward est ici accompagné presqu’exclusivement de sa gratte sèche. Sa voix est mise à nu. Seuls quelques invités assurent les chœurs sur certains morceaux.
Et en général, lors de cet exercice de style, l’artiste s’en sort plutôt bien. On épinglera ainsi « On My Way Back Home Again », « Coastlines » ou le plus country « The Newest One ». En général, car le tracklisting recèle aussi quelques plages sans grand intérêt voire totalement dispensables. Plusieurs pistes bénéficient aussi d’une seconde version, mais électrique. Sous ce format, la voix éraillée de Ward est davantage proche de celle adoptée chez At the Drive-In et Sparta, lorsque les compos montent en intensité.
Quoique inégale, cette compile devrait intéresser les fans de la première heure…
Vu la consonance de leur patronyme, je m’attendais à découvrir un groupe ou artiste anglophone. Surprise, le titre de l’album « La déroute » est lui, bien français…
Dès le premier morceau, immédiatement, un parallèle s’érige immédiatement dans mon esprit. Cette musique a curieusement la même odeur et la même couleur que quelques formations qui militent dans un registre identique ; notamment Les Têtes Raides, Debout Sur Le Zinc, La Rue Kétanou et quelques autres encore… On y croise même quelques fragrances émanant de Louise Attaque ou de Noir Désir là-dedans. Sans parler que bien loin, on décèle de petites traces, presque anecdotiques, de Brel ou de Brassens.
De surprise en surprise, je découvre que ces 5 jeunes gens sont bruxellois et qu’ils en sont déjà à leur quatrième opus. Et on ne me dit rien ??? Parce que là, on est en plein dans ce que j’apprécie dans la chanson française, des textes qui ne parlent pas pour ne rien dire (vous suivez ?), des thèmes mi-amusants, mi-caustiques, mi-réalistes, mi-dramatiques. Oui, je sais, cela fait beaucoup de demis…
Quoi qu’il en soit, Mathieu Catala (textes et percussions), François Delvoye (textes/guitares), Cédric Van Caillie (chanteur/guitariste), Rodolphe Maquet (basses) et Martin Lauwers (violon, claviers) nous ont concocté douze chansons vraiment intéressantes, comiques, dramatiques, bla bla bla… Pas de discours inutiles !
Bien drivés par Kris Dane (Ghinzu) à la direction artistique, les cinq musicos (six avec le concours occasionnel de Sébastien Derock aux cuivres mais curieusement absent ici) ont également bénéficié des services de Rudy Coclet (Arno, Sharko, Mud Flow) à la réalisation de leur nouvel elpee.
Et on peut parler de réussite, sans aucun doute. La chanson française ressort grandie après être passée à la moulinette Balimurphy. Le qualificatif de chanson intelligente ne déparerait pas, tant il apparaît que le travail effectué par le quintet est pointu, tant dans l’écriture des paroles que dans l’art de concocter la mélodie et de choisir l’instrumentation qui colleront parfaitement à la peau du texte pondu. Un travail d’artiste !
La fraîcheur transpire par tous les pores des douze titres réunis sur ce beau disque. Les violons, les cuivres et l’accordéon font bon ménage avec les guitares électriques qui habitent ces mélodies folk-rock très inspirées.
Une bien belle réussite que ce quatrième album et une découverte pour votre chroniqueur de service.
Je pense ne pas me tromper en imaginant que le groupe doit encore donner une dimension supplémentaire à ses compositions, en ‘live’. Un moment privilégié qui devrait valoir la peine d’être vécu.
Soyez curieux !
Derrière le pseudonyme Birds of Passage, se cache Alicia Merz. Une jeune artiste qui avait déjà participé au projet de Leonardo Rosado, il y a quelques années. Vu le climat glacé au sein duquel baigne cet opus, on parierait bien que la jeune dame nous vient d’Islande. Sa voix douce évoque Jonsi, version féminine, et sa musique la température qui règne à la limite du cercle polaire arctique. En outre, le titre de l’elpee, « Winter Lady », est suffisamment évocateur. Et pourtant, Alicia Merz nous vient de l’autre côté de la mappemonde, là où règne un climat tout aussi contrasté, mais plus clément : la Nouvelle-Zélande.
La musique dispensée tout au long de « Winter Lady » est parfaitement adapté aux conditions hivernales que nous vivons actuellement. Le froid y est piquant, et seuls les chuchotements émis par la voix de Merz tentent de nous réchauffer. Mélancolique, voire carrément cafardeuse, l’atmosphère qui y règne annonce la fin d’un cycle.
L’album s’ouvre par l’excellent « Highwaymen in Midnight Masks ». Un titre beau et minimaliste à la fois. Malheureusement la suite est moins intéressante ; et au fil du disque, on est envahi par un sentiment de lassitude. Quoique saupoudrés d’accents ‘drone’, ce dark folk sombre dans la monotonie, avant de nous plonger dans une forme de léthargie, au sein de laquelle, il devient presqu’impossible de s’extirper.
Dommage car la demoiselle ne manque pas de talent. De compositrice, c’est une certitude. La superbe plage qui entame l’elpee est une parfaite illustration. Et puis elle a une très jolie voix. En fait, elle a tellement poussé le minimalisme à l’extrême, qu’elle en a dépouillé la substance sonore de son intensité. En rectifiant le tir, Alicia Merz devrait pouvoir faire la différence. C’est tout le mal qu’on lui souhaite !
Claire n’est pas de Namur quoi qu’en dise son nom de famille. Déception de ce côté-ci de la frontière…
Cette jeune artiste de 28 printemps (elle les aura le 17 février prochain) est bel et bien française. Issue de la région bordelaise, elle passe une dizaine d’années aux States, entre 5 et 15 ans avant de réintégrer ses pénates.
C’est sans doute cette période ‘américaine’ qui influence ses goûts musicaux oscillant entre folk et country.
Les prémices de sa carrière remontent à 2006, lorsque serveuse dans un bar, elle est remarquée, suite à la publication sur MySpace, de son premier effort solitaire intitulé « Ah les hommes ». Aussitôt repérée, elle est lancée dans le grand bain aux côtés des Bensé, Renand Luce ou autre Grande Sophie.
Après un premier ouvrage éponyme publié en 2009, sa carrière tarde un peu à s’envoler. Le déclencheur sera un mini Ep de quatre titres intitulé « Bang Bang », sur lequel figure « Hurt », une plage popularisée par Johnny Cash ; puis, quelques mois plus tard, une reprise en live sur France Inter d’un morceau des Creedence Clearwater Revival, « Proud Mary ».
La confirmation de ses préférences ‘américaines’ sera encore plus flagrante sur son second elpee « Vagabonde », paru il y a quelques mois déjà.
Beaucoup plus orienté folksong avec des relents country, Claire retrouve aisément ses repères made in USA grâce à une production assurée par Jean Massicote du côté de Montréal. La tonalité de ce second cd est assez différente de son premier disque. La douceur et la légèreté de ses premières chansons sont remplacées par une gravité des textes et un côté plus bluesy.
Peut-on pour autant parler d’américanisation de la chanson française ? Certains se plaisent à l’affirmer. A notre humble avis, nous dirons tout simplement que Claire ‘vagabonde’, qu’elle explore de nouvelles directions musicales. Ce qui peut être considéré comme une richesse plutôt que comme un frein à la grande ‘chanson française’.
Bien entourée, notamment à l’écriture où elle reçoit le soutien appréciable de Da Silva sur 6 titres, la belle Denamur (en un mot !) nous propose un univers original à explorer, envoûtant et émouvant où se bousculent les étapes de la vie, les désillusions, les combats de chaque instant.
Je ne sais plus qui a dit un jour que ‘L’ennui naquit un jour de l’uniformité’, mais cet adage convient parfaitement à Claire Denamur qui, tout en gardant une certaine ligne de conduite quant aux sujets développés dans ses chansons, nous emmène vagabonder sur des sentiers musicaux différents…
Sans doute n’a-t-elle pas choisi le chemin de la facilité, car avant de se démarquer, il vaut sans doute mieux parfois confirmer sur la longueur. Claire n’en a cure et le mérite de la diversité lui en revient entièrement. On n’applaudira jamais assez la prise de risque de certains artistes !!! Bravo Claire.
Vraiment dommage que tu ne sois pas… de Namur…
Alors que Tunng a publié une compile enregistrée lors de ses sessions accordées à la BBC (album chroniqué sur Musiczine), c’est le moment également choisi par l’ancien co-leader du groupe anglais, Sam Genders, de nous proposer son album solo. Son titre ? « Black light ». Et son projet, il l’a baptisé Diagrams.
« Black Light » permet à Sam Genders d’ajouter une nouvelle plume à son chapeau. Dans un style qu’il avait pourtant déjà exploré au sein de son ex-groupe. Sa pop est sucrée. Ses mélodies accrocheuses et subtiles. Et puis sa voix particulièrement suave.
Le principal changement procède de l’instrumentation. Les synthés sont omniprésents. L’instrumentation folk a cédé énormément de terrain à l’électronique. Et finalement l’expression sonore dispensée par Diagrams évoque davantage Sufjan Stevens que le Tunng de l’époque « Comment Of The Inner Chorus ». Difficile de mettre en exergue une plage tant l’ensemble de l’elpee est entraînant. Une exception qui confirme la règle ? La piste finale ; à mon goût dispensable.
Sam Genders vient une nouvelle fois de prouver qu’il est devenu un des songwriters les plus créatifs de sa génération.
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