Liz Green aime prendre son temps. C’est donc seulement quatre longues années après avoir accompli ses premiers balbutiements discographiques que la jeune Mancunienne fait la grâce et l’honneur au public belge de sa présence. En novembre dernier, seule, en s’accompagnant d’une simple guitare, Liz chauffait le Cirque Royal deux soirs d’affilée pour les fans d’Agnès Obel à l’aide de ses macabres ritournelles. Ce jeudi 26 janvier, ce sont ses propres fans qui sont venus applaudir les pépites de son splendide « O, Devotion! », entre les piliers de l’intimiste Witloof Bar, au Botanique. Et, oh surprise, la jeune femme a emmené son backing band, pour le plus grand bonheur de l’assistance.
Rien d’annoncé officiellement sur le programme ou sur le site du Botanique, mais Liz Green est bel et bien précédée ce soir par une première partie. Et pas n’importe laquelle, puisqu’il s’agit d’une proche de cette dernière. Armée de son violoncelle, Hannah Miller, alias Hannah Moulette, membre active de The Moulettes, prend place sur son siège. Un peu réfractaire aux premières parties, c’est d’une oreille distraite que je laisse s’écouler l’entame de l’apéritif, vers 20h30. La Moulette s’égosille a capella. Joli brin de voix. Mais ce n’est que lorsqu’elle titille son instrument que la jeune femme capte toute mon attention. Le violoncelle marié aux cordes vocales de la chanteuse des Moulettes enchante instantanément, tout comme ses petites interventions entre chaque morceau. Ou encore sa tentative semi-réussie mais amusante de se remémorer les paroles d’une vieille compo à l’aide d’un vieux cahier de textes instable. Ou enfin celle de tenir la cadence de « Unlock The Doors » qui contient plus de mots qu’elle n’a de souffle. Hannah Moulette clôture cette sympathique introduction par un titre, soutenue par le saxophoniste de Liz Green qui, elle, débarquera un petit quart d’heure plus tard.
D’entrée de jeu, Liz démontre toute l’étendue de son talent et de son background musical en interprétant magistralement un morceau du bluesman Son House intitulé « Grinnin’ In Your Face ». A cappella. Du lourd ! La Mancunienne ne s’attarde pas spécialement sur sa première œuvre mais peu importe, la qualité de son jeu et de son chant font le travail pour elle. Au bout d’une vingtaine de minutes, où s’enchaînent extraits de « O, Devotion! », inédits et reprises dont un excellent « Dying Scrapshooter’s Blues » qui traîne sur la toile depuis quelques années, Liz accueille enfin ses camarades de route. Trois petits gars prennent place autour d’elle. Un contrebassiste tiré à 4 épingles, un tromboniste chapeauté et le saxophoniste déjanté aperçu une demi-heure plus tôt. Nouvelle dimension au travail de Green. « Midnight Blues » et « Displacement Song », deux morceaux-clés du chef-d’œuvre de la Britonne, s’échappent tour à tour des baffles. Le son est parfait, la salle est parfaite, l’ambiance est parfaite. Toutes les conditions réunies pour un show au poil qui continue par « Hey Joe », une compo écrite en hommage au camarade chimérique de Liz, mi-homme, mi-oiseau. Ce dernier fera d’ailleurs une petite apparition le temps de « Robin », un morceau durant lequel Liz Green personnifie la bestiole en enfilant un masque en tissu, en forme de tête d’oiseau. Chaque chanson est un véritable voyage à travers les méandres de l’esprit torturé de la demoiselle qui, malgré l’obscurité de ses textes, garde constamment le sourire aux lèvres. La demoiselle amuse systématiquement la galerie entre deux morceaux, que ce soit par quelques anecdotes bien senties ou son interaction avec son trio de trublions. Trio auquel s’ajoute Hannah Moulette au violoncelle pour le grand « Bei Mir Bist Du Schoen » final (reprise des Andrew Sisters), précédé de l’imparable « French Singer », interprété à la guitare, comme lors de sa genèse.
On s’attendait à un petit concert de 45 minutes et puis s’en va. Finalement, Liz, Hannah et les garçons ont offert au public belge 2h de haut vol et un spectacle irréprochable, à dimension humaine. Il ne reste plus qu’à croiser les doigts pour que la jeune femme n’attende pas 2016 pour offrir une petite sœur à son impeccable « O, Devotion! ».
(Organisation : Botanique)
Chanson française ? Pas mon truc ! Trop snob pour ça. Vieux principes à la con, rarement démentis. Néanmoins, quelques exceptions notables sont tellement évidentes, qu’il serait obscène de les citer. Mais aucun attrait, en général, pour ce qui vient de l’Hexagone ou qui s’exprime dans la langue de Voltaire. Tout au plus quelques trucs sympas, de temps à autre. Mais rien qui ne rivalise avec la vraie musique, celle qui parle aux tripes. Chanson française = variété avariée. Quoique…
Entendu par hasard cette Brigitte, un soir d’été 2011. Vaguement scotché, tentative vaine de feindre l’indifférence. Quelque chose de spécial. Suffisant pour titiller ma curiosité. Allez, je tente le coup. Surtout pour vérifier de plus près que tout ce foin n’est pas mérité. « Et vous, est-ce que tu m’aimes ? » interroge l’album.
Après avoir vu ton spectacle, je te répondrai, ma petite dame. C’est jeudi, c’est l’hiver, et je me déplace pour tes beaux yeux. Alors montre-moi ce que tu as dans le ventre, Brigitte !
Salle bondée. Public qui ressemble à un autre, et pourtant, je sens bien que ce n’est pas le même. L’intrus, c’est moi. Je m’assieds dans les gradins.
Deux boucs campent sur le devant de la scène. Deux boucs et misère ! Prêts à en découdre avec le public. Prêts à livrer une joute avec moi. Deux boucs. Dualité. A l’image de cette fameuse Brigitte dont je ne sais rien ou en tout cas pas grand-chose. Etre bicéphale à la voix dédoublée. Tantôt brune, tantôt blonde, souvent les deux. Justement, la voici, justement, les voilà.
Enveloppées d’atours mystérieux. Costumes de cérémonies. Capes de jais et visages masqués. Entourées de musiciens affublés comme dans ‘Orange Mécanique’. Ça souffle le show et l’effroi. Je suis sceptique, mais bon public. Je contemple d’un œil Kubrick.
« Embrasse moi et tais toi » chante(nt) elle(s) d’une même voix.
Puis tombent les masques. Et qu’apparaissent strass et paillettes. Robes d’argents aux reflets captivants. Tenues de soirées pour enfin commencer. La sensuelle Brigitte décide de s’installer.
Fâchée sur ses kilos qui l’ennuient parfois, Brigitte semble malgré tout, bien faire le poids.
‘Si j’avais le cœur comme de la pierre, j’embraserais tous les garçons de la terre’. Elle semble drôle et émouvante, elle a des atouts pour me plaire.
In English pleaze, Lady Brigitte singz sometimes like a cow, but I must admit, qu’elle en fait pas trop.
Les notes de guitares se renversent sous le charme de la belle. She’s singing very well. Puis Brigitte prends du poil de la bête. C’est la vengeance du loup.
Brigitte se déshabille. Se met à nu face au public. Ses musiciens s’éclipsent. La laissant se dévoiler avec pudeur et émotion. La voix étranglée lors d’un final subtilement amer, Brigitte s’en prend à cette nature qui lui refuse d’être mère.
Quand Brigitte pleure, se sont des larmes à double tranchant.
Ma gorge se noue et je découvre une Brigitte sensible et fragile. Ou bien est-ce là une manœuvre fort habile ? Le nœud se desserre et on passe au plat de résistance, après un petit crochet par un beau dimanche.
C’est l’heure du hit et l’ambiance monte de quelques crans. Clap ! Clap ! Dans les mains. Tout le monde s’amuse bien.
Gangster, voyou, dans sa Benz Benz Benz, Brigitte te veut à genoux.
Brigitte aime le soir, qu’on lui raconte des histoires. Des histoires de gangsters. Noires, comme une nuit polar.
Brigitte aime se faire femme aussi. Terriblement désirable. Version lumineuse, brillante et bandante d’un « I want your sex » débordant de sensualité. Brigitte sait jouer de ses charmes. Sans complexe face au business.
Candide et espiègle, elle s’abandonne au cœur d’un éclairage pourpre.
Quand Brigitte s’en va, c’est l’espace d’un instant, le temps de troquer sa tenue argentée pour une parure dorée qui illumine le cirque à ses pieds.
Pécheresse sans remords, Brigitte aime le Rock & Roll.
Plus sauvage que jamais, le regard enfiévré, son corps ondulant sous les caresses du succès.
Brigitte s’en va. Brigitte s’en vient. Brigitte s’éclipse et nous revient.
A cappella, sans d’autre filet que ses deux voix, elle subjugue l’auditoire en maîtresse du soir.
Humour au bord d’un verre, un dernier verre, juste un dernier ver.
Avant de prendre congé de nous, Brigitte envoie un dernier uppercut. “Eye of the Tiger”, en guise de chute.
Brigitte s’efface, la foule plébiscite. Brigitte a conquis tout le monde et je l’en félicite.
Ma réaction est mitigée vis-à-vis de l’aspect ‘grande messe pour foule en liesse’ et je suis passablement irrité par l’aspect ultra professionnel de ce show extrêmement bien huilé. Finalement, j’avais presqu’oublié que je m’étais bien amusé. Je l’avais dit : pas ma tasse de thé. Mais au final, j’en aurais presque redemandé !
(Organisation : Botanique)
En juillet 2007, Garbage publiait une compile intitulée « Absolute Garbage ». Cependant, leur dernier album studio remonte déjà à sept longues années. Un disque pas vraiment brillant, il faut le rappeler. Le groupe a fondé son propre label, Stunvolume et son cinquième opus est prévu pour le printemps 2012. En outre, on les annonce déjà au festival de Werchter.
Après une décennie de quasi-silence (NDR : la formation irlandaise s’était séparée en 2003 !), les Cranberries publieront leur nouvel album ce 28 février 2012. Intitulé « Roses », l’opus a bénéficié du concours de leur ami de longue date et collaborateur Stephen Street (The Smiths, Blur), à la mise en forme.
Track Listing:
Conduct
Tomorrow
Fire & Soul
Raining In My Heart
Losing My Mind
Schizophrenic Playboys
Waiting In Walthamstow
Show Me The Way
Astral Projections
So Good
Roses
Début décembre 2011, The Black Keys publiait “El Camino”, un superbe album que votre serviteur a tout bonnement placé en tête de son Top 20 de l’année. Un opus bourré de références ‘glam’ puisées chez T. Rex. La nouvelle tournée passait par le Zénith de Lille, ce mardi 24 janvier, au sein d’un hémicycle qui affichait presque sold out. Alors le spectre de Bolan allait-il planer tout au long de leur concert ?
Il revenait à Portugal. The Man d’assurer le supporting act. Etablis à Portland, quatre d’entre eux sont originaires de l’Alaska. Ils sont cinq sur les planches, dont un musicien de tournée, préposé à la seconde gratte. Tiens curieux, la formation reconnaît pour influences majeures T.Rex et David Bowie circa « Ziggy Stardust ». Le glam, quoi ! Pourtant, l’expression sonore dispensée par le groupe, ce soir, en ‘live’, s’inscrit davantage dans la lignée de Two Door Cinema Club et The Temper Trap, même si le falsetto de John Baldwin Gourley, lead vocalist, me fait plutôt penser à Jimy Somerville…
Pendant le checksound, la sono diffuse des chansons de Smokey Robinson et de Spinners. Du r&b old school ! Un énorme kit de batterie est installé au milieu du podium. L’extérieur des toms a été repeint aux couleurs de l’arc-en-ciel. A l’arrière, trois ou quatre grappes de luminaires concaves ressemblent à de petits arbres futuristes. Ils dispenseront circonstanciellement une intense lumière blanche. Et en toile de fond, on aperçoit des écrans rectangulaires. Ils projetteront des images de circulation routière, filmées aux States, lors de l’interprétation de morceaux issus du denier elpee. Le groupe monte sur les planches. Patrick Carney se plante derrière ses drums et Dan Auerbach, le chanteur/guitariste s’installe à droite de la scène. Deux musiciens de tournée les accompagnent : un bassiste et un claviériste/guitariste. Ils se postent en retrait, mais sur une petite estrade surélevée.
Le set s’ouvre par deux titres issus de « Brother », « Howlin’ for you » et « Next girl » Le groove a déjà de quoi enivrer. « Gold on the ceiling » embraie ; un extrait d’« El Camino » qui soulève déjà l’enthousiasme de la foule. Après « Run right back », dont la tension sous-jacente est très palpable, Patrick et Dan entament leur prestation en duo. Les compos y sont manifestement plus blues. Les cordes de guitares distordues. Que ce soit « Thickfreakness », « Girls on my mind », le lancinant « I’ll be your man » ou encore « Your touch », des plages issues de leurs quatre premiers elpees. Et la frappe de Patrick est meurtrière. Quand il pilonne ses fûts, il serre littéralement les dents. On se demande d’ailleurs comment son matos ne finit pas par se disloquer.
Retour des deux musicos complémentaires pour le reste du set, qui redémarre par des compos issues du dernier long playing, dont un « Sister » au cours duquel Dan chante d’un falsetto, ma foi plaintif. Dan change régulièrement de gratte, sans doute pour les faire réaccorder, et étonnant, les roadies sont vêtus de costards bcbg. Sur « Chop and change », morceau de garage ténébreux, il joue de la six cordes tout en secouant un maraca. Mais c’est surtout le claviériste qui vient hydrater l’expression sonore de ses interventions à l’orgue Hammond. « 10 cent pistol » est un moment important du show. Un morceau caractérisé par de nombreuses ruptures blues, mais surtout marqué par un long break que le combo se réserve au beau milieu de la compo. De quoi pousser l’intensité à son paroxysme et enflammer littéralement l’auditoire, pourtant déjà bien chaud, puisque le ‘crowdsurfing’ a déjà débuté depuis belle lurette… Petite pause de tendresse, puisque sur le single « Tighten up », Dan se met à siffloter. Mais le tracklisting s’achève alors par « I got mine », piste qui ouvre « El camino », le seul track vraiment glam du concert. Le public est en ébullition, il danse, gesticule, lève les bras, crie, hurle, applaudit et réclame son rappel.
Le funkysant « Everlasting light », au cours duquel une énorme boule à facettes inonde la salle de millions de particules scintillantes, ainsi que les plus blues/rock « She’s long gone » et “I got mine”, morceau dont le riff de guitare est curieusement réminiscent du « Heartbreaker » de Led Zeppelin, alimentent cet ‘encore’ de belle manière. N’empêche, le public a quand même eu la chance de savourer 22 titres en 75 minutes de spectacle. En prenant congé de la foule, le patronyme The Black Keys apparaît en lettres phosphorescentes en haut et derrière la scène.
De glam, hormis pour un titre, on n’en a guère détecté. Finalement, si des fantômes planaient ce soir au Zénith, c’était peut être ceux de légendes du blues/rock comme The Cream, Taste (NDR : au sein duquel militait feu Rory Gallagher) et le Led Zeppelin. D’autant plus que la voix de Dan est capable d’osciller entre le falsetto et le graveleux, des principes bien établis chez les chanteurs de blues. Tiens, lorsque les lumières se sont rallumées, comme par hasard, la sono s’est mise à diffuser une ancienne compo du Led Zep. Comme quoi !
(Organisation A Gauche De La Lune)
« Old Ideas », le nouvel opus de Leonard Cohen paraîtra ce 27 janvier 2012. Huit longues années que le poète, romancier et auteur/compositeur/interprète canadien n’avait plus enregistré d’album studio. Il s’agissait d’ailleurs de « Dear Heather », publié en 2004.
Pour écouter “Darkness” issu d’ “Old Ideas”: http://soundcloud.com/leonardcohen/leonard-cohen-darkness
C’est ce 5 mars que paraîtra le 17ème opus de Bruce Springsteen. Intitulé “Wrecking Ball”, il a bénéficié du concours de Ron Aniello et de Jon Landau à la mise en forme. Le boss a également annoncé une nouvelle tournée aux USA et en Europe en 2012. Son E-Street Band l’accompagnera lors de ces périples…
Tracklisting
1. We Take Care of Our Own
2. Easy Money
3. Shackled and Drawn
4. Jack of All Trades
5. Death to My Hometown
6. This Depression
7. Wrecking Ball
8. You’ve Got It
9. Rocky Ground
10. Land of Hope and Dreams
11. We Are Alive
Mieux connu sous le pseudo de Professor Green, Stephen Paul Manderson, est un rappeur anglais dont le premier opus, « Alive Till I’m Dead », s’est vendu à plus de 500 000 exemplaires. Agé aujourd’hui de 28 ans, il est de retour avec un nouvel elpee, dont la sortie est prévue pour le 27 janvier 2012. Le titre ? « At Your Inconvenience ». Son premier single, « Read All About It », interprété en compagnie d’Emeli Sandé, est resté deux semaines classé numéro 1 dans les charts anglais.
Tracklisting
1. At your inconvenience
2. D.P.M.O
3. Read all about it (feat. Emeli Sandé)
4. Trouble (feat. Luciana)
5. Spinning Out (feat. Fink)
6. Remedy (feat. Ruth Anne)
7. How many moons
8. Avalon (feat. Sierra Kusterbeck)
9. Astronaut
10. Doll
11. Never be a right Time
12. Today I cried
13. Nightmares (feat. Kobe Honeycutt and Royce Da 5’9)
14. Forever falling (feat. Haydon)
15. Into the ground
http://www.professorgreen.co.uk/
Choir of Young Believers est une formation danoise, dont le second elpee, « Rhine Cold » paraîtra ce 23 mars prochain. Le style ? Un mélange de folk, de Krautrock et d’Americana, souligné par un lead singer charismatique au timbre particulièrement puissant
http://ghostly.com/releases/rhine-gold
Déjà dix années que The Kills roule sa bosse. Pour célébrer cet anniversaire, le duo a décidé de publier un single, intitulé “The Last Goodbye”, issu de son dernier album « Blood Pressures ». En outre, une toute nouvelle vidéo, réalisée par Samantha Morton, est visible sur la toile : http://www.youtube.com/watch?v=SOpF6kr5Yb0&feature=youtu.be
Pas de panique au village indie, The Notwist revient fouler les planches de l’Orangerie sans la moindre actualité. Si l’on songe qu’il a fallu attendre six ans entre la sortie de « Neon Golden » (2002) et « The Devil, you + me » (2008), cela nous laisse le temps de respirer avant de voir paraître un nouvel opus. Sans subir de pression des gros labels, The Notwist appartient à cette catégorie de groupes indépendants qui écoutent le temps, expérimentent le son, affinent lentement leurs fibres artistiques, s’érigent dans la durée et s’ouvrent à des projets multiples et parallèles. Ainsi, après avoir accompli une tournée en compagnie de l’orchestre Andromeda Mega Orchestra de Berlin, concocté une BO de film (« Storm », 2009) et un album avec les rappeurs américains de Themselves (« Own Your Ghost », 2011), le quatuor bavarois reprend les chemins de la scène pour revisiter principalement le répertoire de ses deux derniers opus.
Plus de deux ans après leur passage à l’Ancienne Belgique, le ton change. Finies les mélodies electronica ultra-soignées, les grands orchestres de cuivres et de vents... L’attitude adoptée devient plus désinvolte, plus percutante, plus brute mais également plus libre. Chaque morceau est revisité et laisse moins d’espace à l’électronique, plus de coffre aux guitares.
Une désinvolture que l’on déchiffre sans mal sur le visage des quatre artistes allemands – greffés, pour l’occasion, de deux musiciens supplémentaires– lorsque qu’ils investissent la scène. Paradoxalement. Las, usés, mal rasés et comme à peine sortis du lit, ils traînent péniblement la savate pour rejoindre leurs instruments. Image peu habituelle offerte par le groupe.
Malgré un set moins travaillé, moins calculé, les six musiciens nous prouvent encore qu’ils comptent, incontestablement, parmi les artistes les plus expérimentaux et créatifs de la scène indietronica contemporaine. Une insidieuse imprécision, la perfectibilité que seule suscite la liberté vertigineuse d’innover, ajouteraient plutôt un charme supplémentaire à cet ensemble atypique.
Dès l’ouverture, The Notwist nous offre un inédit, laissant supposer que le quatuor de base œuvre, selon son propre rythme, à un nouvel album. Une intro construite d’électro hypnotique qui se fond dans la violence des guitares. Quant au reste de la prestation, elle présente principalement et en quasi-alternance des titres issus de « Neon Golden » et « The Devil, You + Me ». Morceaux joués avec plus de liberté artistique, plus de puissance aussi. Ici, les horlogers de l’intemporel, généralement doués d’une précision mécanique, déconstruisent leur œuvre et se réorientent vers de nouvelles architectures. La voix mélodieuse de Markus Archer s’écorche de douces mélopées et les textures sonores se croisent et s’entrechoquent d’electronica ainsi que de guitares puissantes. Une multitude de sons riches et de genres s’enlacent, se débattent et finissent par plonger dans un magma nu-free jazz totalement débridé sur « This Room » et « Neon Golden ». « Gravity » et ses guitares totalement libérées mettent enfin un terme à une séquence noisy apocalyptique sur les feux doux de « Trashing Days ».
Un univers sonore instable, oscillant entre fiel et miel, qui s’achève par trois rappels dont les délicieux « Chemicals » et « Consequence ».
Un arrêt sur image s’impose également sur l’excellente première partie de Christopher Beck alias Joasihno. Flanqué d’un batteur, le jeune Munichois était venu défendre son premier long playing, « We Say : ‘Oh Well’ ». Fort d’une expérience acquise en Afrique, le chanteur multi-instrumentiste aime pratiquer la langue française et tisse rapidement une ambiance chaleureuse avec le public de l’Orangerie. Expérience de voyage qu’il utilise régulièrement pour teinter ses compos electronica de rythmes africains.
Paradoxalement, Christopher Beck est un vrai passionné de musique islandaise et marche sur les pas de musiciens comme múm, Sigur Rós ou Seabear. Le mélange atypique est surprenant. Il intègre aisément et en toute simplicité, tous les contrastes : l'Islande et l'Afrique, Munich, le classique et le pop, le givre et le feu, la couleur et le gris. Subtile intuition de l’universel : les univers distincts se complètent et ne s’opposent pas, ils se chevauchent, s’imbriquent étroitement, se jettent l’un dans l’autre. L’artiste redessine les limites du flou et ignore les frontières.
Ses mélodies sont complexes et pourtant simples, impressionnantes et exigües… mais toujours chargées d’une émotion intense, vive. Une structure musicale proche de Lali Puna et Hjaltalin qu’il sait illuminer de mélodies africaines.
Un duo énergisant, électrifiant la salle de sons en boucle, d’instruments étranges et d’une guitare au centre des débats.
Joasihno, un univers particulier qu’on ne manquera pas de visiter dans un futur proche.
(Organisation Botanique)
Pas de panique au village indie, The Notwist revient fouler les planches de l’Orangerie sans la moindre actualité. Si l’on songe qu’il a fallu attendre six ans entre la sortie de « Neon Golden » (2002) et « The Devil, you + me » (2008), cela nous laisse le temps de respirer avant de voir paraître un nouvel opus. Sans subir de pression des gros labels, The Notwist appartient à cette catégorie de groupes indépendants qui écoutent le temps, expérimentent le son, affinent lentement leurs fibres artistiques, s’érigent dans la durée et s’ouvrent à des projets multiples et parallèles. Ainsi, après avoir accompli une tournée en compagnie de l’orchestre Andromeda Mega Orchestra de Berlin, concocté une BO de film (« Storm », 2009) et un album avec les rappeurs américains de Themselves (« Own Your Ghost », 2011), le quatuor bavarois reprend les chemins de la scène pour revisiter principalement le répertoire de ses deux derniers opus.
Plus de deux ans après leur passage à l’Ancienne Belgique, le ton change. Finies les mélodies electronica ultra-soignées, les grands orchestres de cuivres et de vents... L’attitude adoptée devient plus désinvolte, plus percutante, plus brute mais également plus libre. Chaque morceau est revisité et laisse moins d’espace à l’électronique, plus de coffre aux guitares.
Une désinvolture que l’on déchiffre sans mal sur le visage des quatre artistes allemands – greffés, pour l’occasion, de deux musiciens supplémentaires– lorsque qu’ils investissent la scène. Paradoxalement. Las, usés, mal rasés et comme à peine sortis du lit, ils traînent péniblement la savate pour rejoindre leurs instruments. Image peu habituelle offerte par le groupe.
Malgré un set moins travaillé, moins calculé, les six musiciens nous prouvent encore qu’ils comptent, incontestablement, parmi les artistes les plus expérimentaux et créatifs de la scène indietronica contemporaine. Une insidieuse imprécision, la perfectibilité que seule suscite la liberté vertigineuse d’innover, ajouteraient plutôt un charme supplémentaire à cet ensemble atypique.
Dès l’ouverture, The Notwist nous offre un inédit, laissant supposer que le quatuor de base œuvre, selon son propre rythme, à un nouvel album. Une intro construite d’électro hypnotique qui se fond dans la violence des guitares. Quant au reste de la prestation, elle présente principalement et en quasi-alternance des titres issus de « Neon Golden » et « The Devil, You + Me ». Morceaux joués avec plus de liberté artistique, plus de puissance aussi. Ici, les horlogers de l’intemporel, généralement doués d’une précision mécanique, déconstruisent leur œuvre et se réorientent vers de nouvelles architectures. La voix mélodieuse de Markus Archer s’écorche de douces mélopées et les textures sonores se croisent et s’entrechoquent d’electronica ainsi que de guitares puissantes. Une multitude de sons riches et de genres s’enlacent, se débattent et finissent par plonger dans un magma nu-free jazz totalement débridé sur « This Room » et « Neon Golden ». « Gravity » et ses guitares totalement libérées mettent enfin un terme à une séquence noisy apocalyptique sur les feux doux de « Trashing Days ».
Un univers sonore instable, oscillant entre fiel et miel, qui s’achève par trois rappels dont les délicieux « Chemicals » et « Consequence ».
Un arrêt sur image s’impose également sur l’excellente première partie de Christopher Beck alias Joasihno. Flanqué d’un batteur, le jeune Munichois était venu défendre son premier long playing, « We Say : ‘Oh Well’ ». Fort d’une expérience acquise en Afrique, le chanteur multi-instrumentiste aime pratiquer la langue française et tisse rapidement une ambiance chaleureuse avec le public de l’Orangerie. Expérience de voyage qu’il utilise régulièrement pour teinter ses compos electronica de rythmes africains.
Paradoxalement, Christopher Beck est un vrai passionné de musique islandaise et marche sur les pas de musiciens comme múm, Sigur Rós ou Seabear. Le mélange atypique est surprenant. Il intègre aisément et en toute simplicité, tous les contrastes : l'Islande et l'Afrique, Munich, le classique et le pop, le givre et le feu, la couleur et le gris. Subtile intuition de l’universel : les univers distincts se complètent et ne s’opposent pas, ils se chevauchent, s’imbriquent étroitement, se jettent l’un dans l’autre. L’artiste redessine les limites du flou et ignore les frontières.
Ses mélodies sont complexes et pourtant simples, impressionnantes et exigües… mais toujours chargées d’une émotion intense, vive. Une structure musicale proche de Lali Puna et Hjaltalin qu’il sait illuminer de mélodies africaines.
Un duo énergisant, électrifiant la salle de sons en boucle, d’instruments étranges et d’une guitare au centre des débats.
Joasihno, un univers particulier qu’on ne manquera pas de visiter dans un futur proche.
(Organisation Botanique)
Fin 2011, The Walkabouts publiait un excellent album intitulé « The dustland ». Pour la circonstance, Chris Eckman et Carla Torgerson avaient d’ailleurs accordé une longue interview à Musiczine. Dans la foulée, la formation américaine est donc repartie en tournée. Un périple qui transitait par le Handelsbeurs de Gand, ce samedi 21 janvier. Il ne fallait donc surtout pas manquer cet événement…
Il revenait à Terry Lee Hale d’assurer le supporting act. Un pote à Chris Eckman. Pas étonnant, puisqu’il est également originaire de Seattle. Il se produit seul en s’accompagnant à la guitare à douze cordes. Une acoustique électrifiée. Il est plutôt habile sur son manche, possède un baryton, dont le timbre peut rappeler tantôt Neil Diamond ou Johnny Cash, et se sert parfois d’un harmonica posé sur un rack. Il ne manque pas d’humour et dispense quelques bons mots entre ses compos. Mais quoique bien interprété, son répertoire manque quand même de relief…
Place ensuite aux Walkabouts. Ce soir, le line up est limité au sextuor. Soit le bassiste Michael Wells (un sosie de Charles Michel), Glenn Slater aux claviers et synthés, Terri Moeller aux drums (NDR : au fond de la scène, peu visible, mais diablement efficace) et l’ex-Willard Grant Conspiracy Paul Austin, à la guitare. Sans oublier, bien sûr, les pièces centrales, Chris et Carla, très complices tout au long du show, aux vocaux et aux grattes (NDR : Carla, surtout en seconde partie de show). Première constatation, par rapport à l’album, la voix de Carla est beaucoup plus présente. On a même parfois l’impression qu’elle dirige les débats. Elle possède une très belle voix, sorte d’hybride entre Sharleen Spiteri (Texas) et Grace Slick (Jefferson Airplane), mais sans jamais en faire trop. Elle est vêtue d’une robe noire moulante, traversée d’une bande blanche verticale. Sa chevelure noire est pigmentée de quelques mèches blondes. Le son est excellent. Les musicos irréprochables. Même quand le bassiste pète une corde sur « Thin on the air », obligeant le combo à reprendre le même morceau, dès le début. La setlist privilégie les compos issues de « Travels in the dustland », mais l’adaptation ‘live’ est bien plus percutante. A cause de cette section rythmique terriblement pulsante. En outre, le reste du répertoire s’intègre parfaitement à l’ensemble. Au fil du concert, la prestation s’électrifie davantage. Et le concours de Paul Austin aux six cordes n’y est pas pour rien. Il est peu démonstratif voire même un peu distant, mais ses interventions sont très judicieuses et particulièrement élégantes. Les climats sonores sont riches et évoquent tour à tour les grands espaces australiens (Triffids, Nick Cave & The Bad Seeds) ou issus de la West Coast (le Paisley Underground de Steve Wynn, le country rock éthéré de David Crosby et ses acolytes, si bien mis en valeur sur l’indispensable « If I Could Only Remember My Name »). Respectueux et attentif, le public est ravi et le manifeste bruyamment. Humble et chaleureux, le groupe lui accorde alors deux rappels, dont le premier permet à Carla de présenter les musiciens, et un second au cours duquel elle décrète ajouter un morceau au répertoire.
Franchement, il y a un bon bout de temps que je n’avais plus assisté à un concert d’une telle qualité et d’une telle intensité. Mais je ne lui attribuerai qu’un 9/10. Motif, le synthé qui supplée les parties orchestrales de l’album. Car si le groupe avait eu la bonne idée d’engager un quatuor à cordes, on prenait une claque magistrale…
(Organisation : Handelsbeurs)
Setlist:
1. Every river will burn
2. The dustlands
3. Rebecca wild
4. They are not like us
5. Follow me an angel
6. Thin of the air
7. Lazarus heart
8. Long drive in a slow machine
9. The light will stay on
10. Soul thief
11. Acetylene
12. My diviner
13. Prayer for you
14. Jack Candy
15. The stopping-off place
Rappel 1 :
1. Horizon fade
2. Grand theft auto
Rappel 2:
1. Wild sky revelry
2. Death At Low Water
(Voir aussi notre section photos : ici )
Depuis la publication de leur deuxième opus, « Blue Wonder Powder Milk », Alex Callier et Raymond Geerts n’hésitent pas à s’entourer de musiciens issus du monde dit ‘classique’. Mais le groupe a toujours rêvé de bosser et de monter sur les planches en compagnie d’un grand orchestre au complet.
S’appuyant sur une équipe de 42 musiciens, Hooverphonic, a donc décidé de donner une seconde jeunesse à ses chansons.
Le 9 mars 2012 sortira « Hooverphonic with Orchestra », une œuvre qui proposera tous leurs hits, les singles du dernier album ainsi que deux titres inédits enregistrés par le groupe et les 42 musiciens de l’Orchestre symphonique !
Sur scène, la rencontre s’opérera dans salle Reine Élisabeth d’Anvers pour 6 concerts.
http://www.hooverphonic.com/be-en/news/hooverphonic-orchestra-album-release
Tracklisting « Hooverphonic with Orchestra »
1. Happiness
2. One Two Three
3. The Night Before
4. Heartbroken
5. The Last Thing
6. 2Wicky
7. Anger Never Dies
8. Unfinished Sympathy
9. Expedition Impossible
10. George’s Café
11. Jackie Kane
12. Mad About You
13. Sometimes
14. Vinegar & Salt
15. Eden
16. Renaissance Affair
17. Danger Zone
The Little Willies, le projet qui réunit Norah Jones (chant-piano), Jim Campilongo (guitare), Dan Rieser (batterie), Lee Alexander (basse) et Richard Julian (guitare/chant) est de retour pour un deuxième album intitulé « For The Good Times ».
Tracklisting
1. I Worship You (Ralph Stanley)
2. Remember Me (Scott Wiseman)
3. Diesel Smoke, Dangerous Curves (Cal Martin)
4. Lovesick Blues (Cliff Friend/Irving Mills)
5. Tommy Rockwood (Jim Campilongo)
6. Fist City (Loretta Lynn)
7. Permanently Lonely (Willie Nelson)
8. Foul Owl On The Prowl (Quincy Jones/Alan Bergman/Marilyn Bergman)
9. Wide Open Road (Johnny Cash)
10. For The Good Times (Kris Kristofferson)
11. If You've Got The Money I've Got The Time (Lefty Frizzell/Jim Beck)
12. Jolene (Dolly Parton)
Produit par Richard Swift, le nouvel album de Damien Jurado, « Maraqopa », paraîtra ce 20 février 2012. Un premier extrait, « Nothing is the News », est à téléchargeable sur Soundcloud : http://soundcloud.com/dojagsc/nothing-is-the-news-by-damien
Tracklisting:
1. Nothing is the News
2. Life Away from the Garden
3. Maraqopa
4. This Time Next Year
5. Reel to Reel
6. Working Titles
7. Everyone a Star
8. So On, Nevada
9. Museum of Flight
10. Mountains Still Asleep
Les fans de Depeche Mode devraient apprécier : Vince Clarke et Martin L. Gore annoncent les détails d’une toute nouvelle collaboration baptisée VCMG, fruit d'un an de travail entre les deux musiciens fondateurs de Depeche Mode !
Après avoir bossé pendant 30 ans sur leurs différents projets respectifs, Clark (Erasure / Yazoo / Depeche Mode) et Gore (Depeche Mode) se retrouvent pour la première fois depuis 1981, sous le patronyme de VCMG. Un premier album intitulé « SSSS » devrait paraître ce 12 mars et il sera précédé par toute une série d’EPs.
Un premier titre est déjà en écoute ici : http://soundcloud.com/muterecords/vcmg-spock-1
On le présente comme la nouvelle révélation et il nous vient d’Irlande et d’Ecosse : Django Django. Intitulé « Waveforms », son premier album paraîtra ce 30 janvier 2012. C’est également le titre du single à la mélodie entraînante qui fait l’objet d’un clip visible sur la toile.
« Waveforms », un single qui resculpte la pop en une matière gluante, joyeuse, mercurienne et obsédante (Les Inrocks)
Tracklisting
Introduction
Hail Bop
Default
Firewater
Waveforms
Zumm Zumm
Hand of Man
Love's Dart
Wor
Storm
Life's Beach
Skies Over Cairo
Silver Rays
Adrian Smith, le guitariste d’Iron Maiden, et le leader de SikTh, Mikee Goodman se sont réunis pour élaborer un projet commun sympathiquement baptisé Primal Rock Rebellion. Une surprenante rencontre mais plus que probablement ténébreuse, dont le résultat « Awoken broken », est attendu pour ce 27 février…
Le titre “I See Lights” est disponible sur leur site.
http://www.primalrockrebellion.com
http://soundcloud.com/primalrockrebellion/i-see-lights
Le célèbre label Epitaph a annoncé la signature des Américains (ND/ issus de Los Angeles, très exactement) de The Ghost Inside. Leur hardcore mélodique ravageur est annoncé au Groezrock Fest de Meerhout, ce 28 avril 2012
Présenté par sa maison de disque comme plus acide que Caribou, plus viril que Pantha Du Prince, plus moite que DFA, plus rond que Fuck Buttons, le duo new-yorkais Blondes pourra-t-il établir une passerelle crédible entre indie et dancefloor ?
Leur 1er album devrait le démontrer !
Tracklisting
1. Lover
2. Hater
3. Business
4. Pleasure
5. Wine
6. Water
7. Gold
8. Amber
Bonus Remixes (Digital)
Lover (A JD Twitch Optimo Mix)
Lover (Dungeon Acid Remix)
Hater (SFV Acid's Encino Oaks Remix
Business (John Roberts Remix)
Pleasure (Andy Stott Remix)
Wine (Teengirl Fantasy Remix)
Water (Bicep Remix)
Gold (Traxx Remix)
Gold (Laurel Halo Chains Remix)
Amber (Variation in Cm by Rene Hell)
Réunissant Laurent Bardainne (Poni Hoax), David Aknin (Jamaica, Bitchee Bitchee Ya Ya Ya), Maxime Delpierre (Viva & The Diva, Paris) et Frédéric Soulard (Maestro), Limousine est responsable d’une musique instrumentale, mêlant pop et jazz. Son second elpee, intitulé tout simplement « II », paraîtra ce 16 janvier 2012.
http://www.myspace.com/limousineband
Véritable idole pour les uns, interprète irritant pour les autres, on ne peut enlever à Mano Solo sa constante intégrité ainsi que son évident talent ! Pour rappel, victime du SIDA, il est décédé en 2010, à l’âge de 46 ans. Ce ‘live’ immortalisé à l’Olympia permet de rendre un dernier hommage au très attachant fils du caricaturiste Cabu. Depuis son premier album solo sorti en 1993, « La Marmaille Nue », Mano Solo s’était peu à peu –et avec succès– construit un univers de ‘gavroche’ passionné, lyrique et poétique. Le concert à l’Olympia s’est déroulé en 2009 et réunit des morceaux issus de ses différents albums –mais surtout de son dernier intitulé « Rentrer au Port »– dont les déchirants « Des Années Entières » et « Une Image ». Bien que l’artiste français semble souvent ‘surjouer’ en injectant dans son interprétation un sentimentalisme exacerbé, son interprétation poignante et ses textes d’écorché vif gomment rapidement ces considérations…
Les fans ne peuvent passer à côté de ce ‘live’ d’adieu. Depuis le Père-Lachaise, où il repose, Mano Solo peut être satisfait de ce dernier testament sonore, reflétant un condensé de son écriture si particulière et tellement humaine… Notons que les bénéfices de la vente de ce disque seront reversés à l’association Fazasoma (http://www.fazasoma.org )
S’offrir le luxe d’un ‘live’ à la BBC est, pour un tout groupe anglais digne de ce nom, un rite nécessaire et un passage obligé afin de bénéficier d’un minimum de crédibilité. Après avoir publié quatre albums, le temps était venu pour Tunng de compiler leurs différentes prestations accordées sur cette antenne lors des émissions de Rob da Bank, Lauren Lavern et Marc Riley, depuis leurs débuts accomplis en 2005.
Leur charmant folk naviguant entre ‘sunshine’ pop-folk et légères expérimentations électroniques le méritait en tout cas ! Ce ‘live’ est un parfait ‘best-of’ et réunit bien entendu leurs plus célèbres singles comme le tendre et imparable « Bullets » ou le magnifique « Jenny Again ». Le son est parfait (on est à la BBC tout de même !) et certains titres possèdent même un supplément d’âme par rapport à leur version originale, à l’instar de « Take » ou « Hustle ». Une improvisation ‘live’ réalisée en compagnie des Touaregs de Tinawiren sur « Tamatant Tilay » ainsi que des reprises de « Pioneers » de Bloc Party et de « Naked in the Rain » de Blue Pearl, complètent l’ensemble…
« This is Tunng… Live from the BBC » offre un bel aperçu des évidentes qualités du groupe britannique avant la sortie annoncée de leur nouvel album, prévue d’ici quelques mois.
Dans l’art de créer des compilations inutiles, Béatrice Ardisson est passée maîtresse. L’ex-femme de l’animateur du même nom nous avait bien déniché quelques perles aux premières heures de sa saga « La Musique de Paris Dernière ». Aujourd’hui, la Parisienne se contente de fournir un travail que même le plus gauche des mélomanes peut effectuer de chez lui, s’il a du temps à perdre, à l’aide d’une simple connexion internet. Après Claude François, Indochine, David Bowie et Bob Dylan, les Beatles sont les cinquièmes artistes à faire l’objet d’une compile estampillée « Mania ».
« BeatlesMania » réunit 36 morceaux répartis sur 2 disques. Le premier, intitulé « Yesterday », est consacré à des reprises classiques et intemporelles des morceaux de Lennon et co, interprétées par des Nina Simone, Ella Fitzgerald, Al Green, Fiona Apple ou Caetano Veloso. Les 16 titres de cette première partie sont enchaînés de manière tout à fait conventionnelle et sans grande logique.
Le second disque, « Tomorrow Never Knows », propose 20 artistes contemporains s’essayant au même exercice. Certainement considérées par Béatrice Ardisson comme originales et/ou décalées, les reprises immortalisées sur ce second volet le sont assez rarement. Bien au contraire, certains des choix de la compileuse impulsive sont souvent banals (MayDay, Eckman, Poom, Girl from The Castle) et même parfois affligeants de nullité (Tamara Kaboutchek, Marshmallow, Minuscule Hey, Rubblebucket Orchestra). Allez, on lui accorde quelques points positifs quand même (Lampshade, Kid Francescoli, The Konki Duet, The Performers et CIRC), mais il en aurait fallu bien plus pour faire de « BeatlesMania » une compilation valant un quelconque détour.
Non seulement Meg partage un duo en compagnie de sa sœur au sein des Baird Sisters (NDR : ben tiens !), mais elle milite également chez Espers, une formation folk-psyché responsable de deux album aujourd’hui. Et parallèlement, elle mène une carrière en solitaire. Elle a donc décidé de reprendre son petit bonhomme de chemin en solo, en publiant « Seasons On Earth », elpee qui succède à « Dear Compassion », paru en 2007.
Et comme la formule acoustique récolte un certain succès, pourquoi donc se remettre en question. La Philadelphienne n’est d’ailleurs pas du genre à relever de nouveaux défis. Elle n’a peut-être pas tout à fait tort, finalement, car même chez Espers ce style avait bien marché.
Tout au long de « Seasons on Earth », Meg Baird prouve sa maîtrise du genre. Toute la panoplie des instruments folk est représentée. De la guitare sèche à la slide. Subtils, toujours légèrement en retrait, parfaits, les arrangements sont destinés à mettre en exergue la voix de l’artiste.
Mais cette perfection est également à la fois le point fort et le point faible de cet opus. Car la demoiselle ne prend aucun risque. A tel point que « Seasons on Earth » devient, au fil de l’écoute, sacrément emmerdant. Une exception qui confirme la règle ? « Stream ». Probablement le meilleur morceau de la plaque. Mais franchement je suis resté sur ma faim. D’autant plus que la voix de l’Américaine est sans doute bien timbrée, mais n’affiche aucune personnalité. On est ici bien loin d’Alela Diane voire de Joana Newson.
« Seasons On Earth » est un album sympathique, sans prise de risque. Ou pour être plus cru : chiant et sans intérêt !
La pochette est à l’image de ce projet original. Bertram Wooster revisite des poèmes anglo-saxons (Byron, Keats, Lear, Carroll, Frost, Yeats) à la sauce folk à l’aide d’instruments comme le ukulélé, le mini piano, le tambourin et l’accordéon. Le groupe s’articule autour d’Olivier le Blouch, qui définit ce premier opus comme une accumulation de coïncidences.
Belle harmonie pour une suite de hasards ! Si on parvient à passer au-dessus de son accent anglais, l’auteur nous propose un premier album cohérent et agréable à écouter, malgré ce qui peut parfois apparaître comme un manque de relief. On pense parfois à Charlotte Gainsbourg et son album « IRM », tant la voix est douce voire fluette. Les parties plus instrumentales évoquent quant à elles Yann Tiersen.
Il faut plusieurs écoutes pour adhérer à cet univers particulier. Le disque s’ouvre sur une ballade. Puis « The Owl and the Pussycat » est plus sautillant, et marque vite les esprits.
« Into my own », limité uniquement au piano et à la voix, est fort joli même si les ivoires prennent souvent le dessus et empêchent la bonne compréhension du texte.
« The Walrus and the Carpenter » débute un peu mollement par une intervention à la flûte ; puis au bout de 2 minutes, on vire dans un son plus rock : surprenant et enjoué.
« When we two parted » s’accompagne d’un air de piano que l’on retient. Mais à nouveau, on passe à côté de la poésie des textes en raison de l’accent. Mais aussi parce que les instruments couvrent la voix. « To time » est plus jazzy jazzy, plus mélancolique.
« The Duck and the Kangaroo » s’inscrit dans une lignée plus pop et se clôture par une petite dose de dérision caractérisée par des cris à la Donald Duck. Les deux derniers titres clôturent le tout en douceur.
Un petit album qui se défend donc bien et trouvera aisément sa place dans votre compactothèque, lors d’une soirée tranquille.
Pas la peine de revenir sur la personnalité et la carrière controversée de Booba divisant clairement bien au-delà des fans de hip-hop. Ses morceaux frôlent en effet constamment le mauvais goût. A cause de cette tendance à recourir constamment à l’auto-tune (« Scarface »), aux beats d’une lourdeur pachydermique et à caricature inutilement vulgaire (« Bakel City Gang »). Mais, au sommet de son art, Ellie Yaffa est capable de dévoiler de beaux moments sensibles et poétiques, comme sur le titre « Paradis », compo qui figurait sur son précédent opus. Son humour dévastateur hautement second degré (espérons-le en tout cas !) est même parfois susceptible d’être boosté par une avalanche de punchlines mythiques.
Un an après avoir publié le très inégal « Lunatic », le rappeur des Hauts-de-Seine nous propose « Autopsie 4 », son dernier mixtape. Et, plus que jamais, le rappeur testostéroné flirte avec le n’importe quoi et l’auto-parodie. Le problème est que, cette fois, les moments de grâce sont totalement absents et les textes très moyennement drôles. L’album touche même carrément le fond lors du ridicule « Cruella », interprété en compagnie de la médiocre Shay, dont les textes sont plutôt navrants. Et la liste des invités n’est pas, non plus, à rehausser le niveau : entre Linsen, Gato, Grödash ou Mala, rien n’est à épargner. Mal inspiré et mal entouré, « Autopsie » porte très bien son titre !
A bout de souffle, la ‘caillera’ de Miami ? Ce mixtape probablement produit pour renflouer les caisses, le laisse clairement le penser…
Basé sur un projet imaginé par Iain Forsyth et Jane Pollard, « File under Sacred Music » est un spectacle qui s’inspire d’une cassette vidéo (NDR : de mauvaise facture) réalisée en 2003, immortalisant un concert mythique des Cramps accordé dans un hôpital psychiatrique de la Napa Valley, en 1978. La mise en scène se déroule à l’Institute of Contemporary Arts de Londres. Ce ne sont pas les Cramps qui jouent leur rôle, mais des musiciens soigneusement sélectionnés. Dont le chanteur des Parkinson’s, qui incarne alors celui de Lux Interior. Quant au public, il réunit des malades en traitement psychiatrique. De quoi largement susciter la controverse.
Maintenant, je cherche vainement un quelconque rapport entre ce spectacle et cette compile, qui réunit 22 titres des Cramps. Soit leurs singles et leurs flips sides réalisés entre 1978 et 1981. « The way I walk », « Surfin bird », « Human fly », « Garbageman », « TV set », etc. Ils y sont presque tous. Pour rappel, Lux Interior est décédé le 4 février 2009, à l’âge de 62 ans.
Icône du psychobilly, fruit du mélange de rockabilly, de garage-punk et de psychédélisme, cette formation mérite assurément son statut de légende. Tout particulièrement pour ses prestations ‘live’ incendiaires, mais aussi pour l’authenticité de sa vision du rock ‘n roll…
J’avais beaucoup apprécié le premier Ep de cette formation américaine, paru en 2008. Eponyme, il était découpé en six titres de psychédélisme noisy, féroce, sonique, stratosphérique qui aurait pu naître d’une fusion entre Les Savy Fav, Comets On Fire et des Warlocks sous hardcore. Le hardcore, à cause des vocaux presque constamment hurlés, vociférés, beuglés, par Johnny Bell, également bassiste (NDR : excellent, par ailleurs) du combo. Mais cette voix continuellement braillée qui desservait leur expression sonore, c’est le principal reproche que j’avais adressé à leur musique,
“Two-way mirror” constitue leur second opus. Et le constat est identique pour les parties vocales. Pas sur tous les titres, mais une bonne moitié. Un changement marquant quand même, la présence d’une nouvelle organiste, Cora Fox, dont les interventions ‘semi vintage’, ‘semi-spectrales’ sporadiques mais judicieuses, apportent une nouvelle dimension à l’expression sonore. Au sein de laquelle on relèvera aussi des traces de surf, de folk lo-fi (« Sun-bleached ») et de drone. On a même droit à des lignes de guitare semi-bluesy dans un univers carnavalesque teinté de jazz et de punk sur « By the Sawkill » et du ‘doo wop’ sur « Fortune teller », le morceau le plus pop de l’elpee. Encore que parfois, ici les harmonies vocales, me font parfois penser à Supergrass. Mais le titre le plus intéressant est manifestement la plage finale, « Dog days », une compo de six minutes plongées dans une brume psyché prog/rock de la meilleure veine. Dommage que toute la plaque ne soit pas de cette trempe. Maintenant, il est probable que le quatuor de Long Beach (NDR : c’est en Californie) en est encore au stade de l’expérimentation la plus débridée…
Depuis Girls in Hawaï, pas mal de groupes belges étaient parvenus à nous surprendre ; mais très peu avaient atteint les mêmes cimes mélodiques. Et bien c’est chose faite en compagnie de Dan San, tout au long de « Domino », leur premier album ! Responsable d’un très bel Ep, « Pillow », paru en 2010, le groupe liégeois est de retour après 6 mois de dur labeur passés en studio et ce, pour un résultat à la hauteur des espérances. Les harmonies vocales sont impeccables. Et les arrangements tout particulièrement soignés. Faut dire que la participation d’un pianiste et d’un violoniste n’y est pas étrangère. Il y a même des cuivres qui viennent se mêler à l’expression sonore. Et avec panache ! Les mélodies sont superbes (« Questions Marks », « Sleeper » ou « Tomorrow ») ; et puis, à l’écoute de leur musique, on a parfois cette impression de parcourir les grands espaces américains. Bref, la jeune formation belge ne pourra échapper aux comparaisons ; évoquant tour à tour les Fleet Foxes (« The Shade »), Simon & Garfunkel (« Sleeper ») voir même R.E.M. (« Tomorrow »). Mais avouons qu’il y a bien pire comme figures tutélaires…
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