Parmi les nombreux groupes issus de Montréal, Wolf Parade est loin d’être le moins passionnant… Fondé en 2003 par Dan Boeckner (leader des Handsome Furs), le groupe s’est rapidement adjoint, en la personne de Steven Krug (qui lui mène les très bons Frog Eyes et Sunset Rubdown), les services d’une deuxième tête pensante.

Leur premier album sorti en 2005, « Apologie for the Queen Mary », avait reçu un accueil plus que favorable de la part de la critique. Produit par Isaac Brook (Modest Mouse), il consistait en un recueil de chansons pop un peu fêlées, influencées tant par les Pixies, que par Arcade Fire ou David Bowie.

Pour ce second essai, les Canadiens, maintenant signés sur le prestigieux label Sub Pop (où Isaac Brook est directeur artistique…), ont gardé l’urgence d’Arcade Fire –l’album a d’ailleurs été enregistré à Petite Eglise, la chapelle appartenant à Win Butler et sa femme– mais l’immédiateté mélodique à quant à elle disparue. Il en résulte des chansons moins faciles d’accès mais tout aussi passionnantes, toujours plus folles et plus sombres. La voix désespérée de Spencer Krug ainsi que l’utilisation de claviers obscurs y sont pour beaucoup. « At Mount Zoom » ne s’offre pas directement mais son écoute répétée vous permettront de découvrir de très belles chansons un peu dérangées comme « Language city » ou l’irrésistible montée de près de 11 minutes de « Kissing the Beehive » (l’unique chanson que Krug et Boeckner ont coécrite).

A ne manquer sous aucun prétexte le 5 décembre à l’Ancienne Belgique !!!

« Narrow Stairs » est déjà le 8ème album enregistré par la formation de Bellingham. Succédant aux très réussi « Plans » (2005) et surtout au superbe « Transatlanticism » (2003) –il faut dire difficilement égalable– il ne possède pas leur évidence mélodique. En effet difficile de croire que cette fois encore Death Cab for Cutie arrivera à placer 5 singles dans le Top 100 US comme en 2005 lors de la sortie de « Plans », leur premier album pour une major.

Tout au long de ce nouvel opus, DCFC revient opte pour des structures plus complexes et un son bien plus musclé. A croire que le groupe a décidé de composer un disque directement taillé pour la scène. Les guitares puissantes de « Bixby Canyon Bridge » et de « Pity and fear » ainsi que les 4 minutes d’intro en boucle de « I will posses you heart » devraient faire des ravages le 22 décembre à Bruxelles aux Halles de Schaerbeek.

Le reste de l’album contient les ingrédients habituels d’un bon album de DCFC : la voix mélancolique de Ben Gibbard (leader du projet electro-pop The Postal Service), les basses omniprésentes et la facilité mélodique du quatuor. Le tout proprement produit par leur guitariste Chris Walla tout juste revenu de son escapade solo.

Il en résulte donc un bon album de pop-rock indie mais certainement pas au –très haut– niveau des livraisons précédentes.

« In ear park » est un petit miracle issu de l’improbable. Un baiser volé. Arraché au quotidien. Né des heures perdues, des temps morts grappillés ça et là au cœur de l’affairement new-yorkais. Daniel Rossen (guitare et chant), tête pensante de Grizzly Bear, œuvre dans les interstices laissés entre la sortie de « Yellow House » et les tournées internationales. Fred Nicolaus (beats et samples) fugue de ses horaires de bureau pour de courtes escapades au studio. « In ear park » est l’histoire de quatre ans d’enregistrements hâtifs, d’école buissonnière, de virées nocturnes et de correspondances animées pour maintenir le fil entre les deux potes de fac ; petite flamme entretenue par la patience et la détermination, forgée par la maturité. Tendre l’oreille quelques secondes suffisent pour en caresser les formes généreuses.

Des univers toujours en évolution s’ouvrant sur l’émotion d’un folk décharné soudainement débridé par un piano-cabaret (« In Ear Park ») ; touchés à vif, il n’y a plus qu’à cueillir la suite le plus simplement du monde. « No One Does It » emporte instantanément par sa mélodie martelée avec nonchalance, façon Beatles. Un instant de répit en forme de ballade introspective hantée (« Phantom Other ») et de clin d’œil baroque (« Teenagers »), avant que le coup de grâce ne soit asséné par « Around the Bay ». Troublant de justesse. La suite se poursuit à la hauteur des cimes. Des crescendos puissants, des chœurs psychédéliques, des envolées cinématiques, des ‘handclaps’ vintage. Et, sans faiblir, le doux psychédélisme de « Floating on the Lehigh » vient à point aérer l’album.

« In ear park » scelle cette juxtaposition d’ambiances évasives, mises bout à bout, mais toujours  subtilement soupesées. Fini l’éclatement passionnant mais instable du précédent « Cold Nose » (2005). Ici, le fil ne rompt jamais, tendu par un l’équilibre parfait entre la nonchalance des Fab Four, la mélancolie de Midlake, les vocalises habitées du « Shepherd’s dog » d’Iron and Wine et la densité façon Menomena, émiettée dans un parfait éclectisme. Sans aucun doute, un disque précieux pour l’imprévisible label Melodic comme pour les mélomanes à fleur de peau. Un opus profondément émouvant, légèrement décousu, habilement éclectique, lascif à souhait.

Buddy Guy figure certainement parmi les bluesmen les plus notoires. Un musicien plutôt extraverti qui au fil du temps, est devenu une valeur sûre de l’ancienne génération… même si ce n’est pas la première. Il est né en 1936. En Louisiane. Dans une plantation de coton. En 1957, il décide d’émigrer vers la cité urbaine de Chicago. Au début des 60’s, il enregistre régulièrement pour le label Chess. Il y accompagne les plus grands noms du blues. Fin de la décennie, il édite ses premières productions. Et en particulier "I left my blues in San francisco" et "A man and his blues". Il entame ensuite une longue collaboration en compagnie du chanteur/harmoniciste Junior Wells. En 1989, il ouvre son club à Chicago : le ‘Legend’. Depuis le début des années 90, il a aligné toute une série d’elpees pour le label Silvertone, des enregistrements au cours desquels il a souvent bénéficié de la collaboration de nombreux invités. Et c'est une nouvelle fois ce qui s'est produit.

Il amorce "Best damn fool" en écrasant ses pédales. Un blues largement amplifié. Il est soutenu par son line up de base : Tom Hambridge aux drums (NDR : il est également responsable de la production), Willie Weeks à la basse, Reese Wynans aux claviers et David Grissom à la rythmique. Au sein de cet univers funky, entretenu par une nuée de cuivres, le manche de Buddy laisse échapper des flots de notes. Un des plus jeunes couples du bues moderne fait son entrée en studio : Susan Tedeschi et son époux Derek Trucks. Mr Guy possède une excellente voix. Chaleureuse, taillée pour le blues. Il échange de bien jolies phrases avec la charmante Susan tout au long d’une plage assez atmosphérique et bien chargée. La slide de Trucks agonise. Elle crève l’écran. Du sang neuf au cœur de la scène contemporaine. "Lyin' like a dog" est un blues lent typique pour Guy. La guitare est cinglante. Elle vous transperce même. Et épouse la démarche de son "First time I met the blues". On ne peut qu’être admiratif face à cet échange questions/réponses, entre la voix et les cordes. Et les flots de notes semblent se renouveler jusqu’à l'infini! La voix de Buddy est remarquablement mise en valeur tout au long de "Show me the way", un shuffle généreux, très rythmé. Il réplique aux chœurs féminins de Bekka Bramlett et Wendy Molen. Rien ne peut désormais plus arrêter la machine à cordes. Eric Clapton est un de ses potes depuis plus de trente ans. Pas étonnant qu’il partage ici "Every time I sing the blues" avec le dieu blanc. Les deux chanteurs/gratteurs sont manifestement de connivence pour exécuter ce bon blues épicé par l'orgue de Wynans. Mais les effets sont un peu trop prévisibles et glissent rapidement vers une forme de jam non préparée. La participation de Robert Randolph à la slide est bien plus excitante sur "Out in the woods". Un blues lent très downhome, bercé par les sonorités métalliques de la guitare steel. En outre, l'accordéon de Nathan Williams rend cette ambiance très roots encore plus séduisante. La même équipe attaque le frétillant "That's my home" ; une compo qui navigue quelque part entre zydeco et rockin' blues. Le son des cordes semble relever d’un autre monde. Le titre maître constitue la plage la plus majestueuse de l’elpee. La voix de Buddy injecte beaucoup de sensibilité dans cette jolie mélodie. La slide de Dereck Trucks libère des tonalités pas possibles. Immaculées. Mais quel talent ! "Who's gonna fill those shoes" adresse un clin d'œil à la future génération. Mais était-ce bien nécessaire ? Il livre une nouvelle bataille de cordes à un petit gamin âgé de huit ans à peine : Quinn Sullivan! Le Buddy Guy Band termine l’elpee par "Smell the funk" et "I found hapiness", deux plages couvertes d’accents très Chicago westsdide. Pas un album génial, mais de bonne facture…

Lien iTunes : http://clk.tradedoubler.com/click?p=24379&a=1303609&url=http%3A%2F%2Fphobos.apple.com%2FWebObjects%2FMZStore.woa%2Fwa%2FviewAlbum%3Fi%3D285080730%26id%3D285080720%26s%3D143446%26partnerId%3D2003

Pour le dixième ouvrage de Joan Of Arc, le prolifique Tim Kinsella retrouve son frangin Mike (Owen, American Football), son cousin Nate et leurs camarades habituels. « Boo! Human » révèle un Tim Kinsella plus aigre-doux que de coutume. L’écriture tranchante de ce compositeur/interprète est dissimulée derrière de délicates et insoupçonnables mélodies. Une structure qui n’est pas sans rappeler celle de « So Much Staying Alive And Lovelessness » (2003), l’une des œuvres majeures de la formation originaire de Chicago. Cette fébrilité, l’homme la manifeste sous le masque d’impassibilité que sont « Everywhere I Go Everyone: I Know Laughs and Says/I Told You So », « If There Was A Time #1 & #2», « Just Pack Or Unpack » et « So-And-So », où Kinsella balance sans la moindre révérence une belle vacherie à son ex (‘Your child to me will just be some so-and-so’). Occasionnellement, ce dernier, pourtant souvent en retenue, ne parvient pas à endiguer son animosité et son phrasé peut sembler de temps à autres excessif comme sur l’allégorie foireuse de « 9/11 2 ».

« Boo! Human » ne surprendra probablement pas la plupart des fans de Joan Of Arc, habitués à plus d’expérimentations de la part de la formation mais pourrait, dans une même mesure, éveiller un nouvel intérêt du côté des novices.

BB King est une des dernières légendes vivantes du blues. Né à Memphis, il vient de fêter ses 83 ans ; mais il a toujours bon pied bon œil. Dans son style, il constitue une valeur sûre. Pas pour rien qu’il relève d’un label major. En l’occurrence Geffen. Cette écurie avait déjà édité cette année, un ‘live’ intitulé "BB King Live". En février. Et une collection de 3 compact discs : "Playlist Plus". En avril.

Pour enregistrer « One kind favor », il a pu bénéficier des infrastructures très performantes des studios Village Recorder, à Los Angeles. En outre, la production a été confiée à T Bone Burnett. L’elpee est découpé en douze reprises. Faut dire que l'artiste ne compose plus guère. Il a reçu, en outre, la participation de musiciens talentueux, dont quelques grosses pointures. Et notamment Dr John aux claviers et Johnny Lee Schell à la deuxième guitare, un personnage qui a notamment bossé auprès de Taj Mahal, Bonnie Raitt et du Phantom Blues Band.

BB King ouvre l’opus par le "See that my grave is kept clean" de Blind Lemon Jefferson. Un blues notoire datant de l'avant-guerre. Sa lecture est très funky, percussive. Les drums de Jim Keltner et les percus de Jay Bellerose sont bien mis en avant. La ligne de basse dessinée par Nathan East est minimaliste. L'orgue de Dr John s’insinue parfaitement dans l’ensemble. La voix du vieil artiste s'inscrit judicieusement dans l’ensemble. "I get so weary" campe un pur BB King big band sound. Son chant est puissant et passionné. L'impressionnante section de cuivres est orchestrée par Darell Leonard. Elle force le passage pour ne laisser l'ouverture qu'à Lucille qui avance avec grâce et agilité. Dès l’intro de "Get these blues off me", on baigne au sein d’une ambiance enfumée. Celle des cabarets en fin de soirée. Quelques notes magiques précèdent son vocal très vivace. La complicité entre son timbre et les ivoires du Dr John est un ravissement. BB possède désormais moins de technique. Il ne dispense que les notes nécessaires dont chacune s'avère indispensable ; mais elles débordent de feeling. King se rapproche de Chicago pour aborder le "How many more years" de Howlin' Wolf ; mais l'orchestration cuivrée trahit un son Memphis blues chargé de swing. Lucille virevolte au beau milieu des autres instruments qui manifestent une cohésion parfaite. Le "Waiting for your call" de T-Bone Walker nous replonge dans cette ambiance feutrée des bars de nuit. Empreinte d’émotion, la voix se détache de l'ensemble. BB a toujours été un fervent admirateur du guitariste Lonnie Johnson, un des plus grands innovateurs en matière de blues et de jazz moderne. Il reprend ici trois de ses titres : "My love is down", le notoire "Backwater blues", un blues lent de plus de 7', au cours duquel il manifeste beaucoup de réserve et de passion, et enfin, "Tomorrow night", une plage relax et mélodieuse qui achève cet opus. King a également le bon goût de reprendre deux titres signés par les Mississippi Sheiks, un groupe populaire au cours des années trente : "The world gone wrong" et "Sitting on top of the world", leur principal succès. L’elpee recèle encore le "Blues before sunrise" de John Lee Hooker et un swing frétillant intitulé "Midnight blues". Un des meilleurs morceaux de la plaque. Très homogène cet elpee constitue manifestement une des meilleures œuvres contemporaines de BB King. Sa voix est irréprochable et Lucille nous salue à chacune de ses sorties. Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que la production a été confiée à T Bone Burnett.

Paru en 1970, ce disque fait aujourd’hui l’objet d’une réédition remasterisée. Il est, en outre, enrichi de six bonus tracks, dont 4 ne sont que des titres de l’album proposés sous une mouture légèrement différente, et une version ‘extended’ du hit « Question ». Une compo qui après « Night in white satin », deviendra un des plus gros tubes décrochés par la formation. Une chanson qui avait paradoxalement été composée en une nuit. Et éditée une semaine plus tard, en single. Elle atteindra d’ailleurs le n°2 dans les charts britanniques. Et pourtant, c’est l’elpee qui va décrocher la timbale, outre-Atlantique, en dépassant le million d’exemplaires vendus ! Les cinq musiciens du combo de Birmingham se partagent équitablement l’écriture des morceaux. Qui hormis ce fabuleux « Question », ont très mal vieilli. Il y a bien les épiques « Tortoise and the hare », « Dawning is the day » et « The balance », le slow langoureux “Melancholy man”, une plage dégoulinant de… mélancolie ; sans oublier le très pop et contagieux, “It’s up to you”. Mais comme le cd est vendu à mid price, vous ne devriez même pas vous poser de ‘Question’… En concert ce 28 octobre au Monacoplein d’Ostende.

Au sein de la discographie des Moody Blues, on peut manifestement avancer que ce « To our children’s children’s children » mérite de figurer parmi les albums culte. Il vient de bénéficier d’une réédition remasterisée. Enrichi par cinq bonus tracks (dont deux morceaux alternatifs et un ‘extended’) et puis de deux immortalisés ‘live’ le 17 décembre 1969, dans le cadre du show de David Symonds pour la BBC, cet opus ne souffre d’aucune faiblesse. Il évoque un voyage introspectif à travers l’espace. Et constitue le concept album par excellence. Une œuvre qui navigue en pleine prog. Parfois teintée de psychédélisme. Le son est luxuriant. La mélodie envoûtante. Les harmonies vocales limpides, éthérées. Le mélange entre cordes de guitare acoustiques et électriques en osmose. Les arrangements époustouflants. Le mellotron est devenu une des pièces centrales de l’instrumentation. Et ma foi, le résultat est plutôt concluant. Surtout dans le domaine des orchestrations. Ne pas oublier que nous sommes en 1969 ! Rien que l’ouverture, « Higher and higher », vous en met plein la vue. Et le reste reflète une beauté diaphane susceptible de vous transporter dans une quatrième dimension. Premier elpee enregistré pour leur propre label Threshold, “To our children’s children’s children” est un incontournable qui devrait trôner dans toute compactothèque qui se respecte. A moins que vous ne disposiez déjà du vinyle. Mais comme c’est en mid price…

En concert ce 28 octobre 2008 au Monacoplein d’Ostende.

Un peu plus d’un an auparavant, Ra Ra Riot publiait un EP éponyme et diffusait quelques démos sur le net dont une reprise du « Hounds Of Love » de Kate Bush. Un épisode rapidement répercuté au sein des nombreux refuges de la planète blog. Une petite hype pointait son nez. Mais en pleine genèse de son succès, la formation originaire de New York a dû essuyer l’un des pires événements de sa carrière naissante. Un matin de juin 2007, le corps inanimé de John Pike, le batteur, est retrouvé sur l’une des baies de la Grosse Pomme. Un coup dur pour les autres membres du groupe qui, après un deuil de quelques semaines, annoncent leur décision de poursuivre l’aventure. Il a cependant fallu attendre de longs mois avant de voir émerger « The Rhumb Line », un premier essai qui permet au quintet de sortir la tête des eaux troubles et de reprendre les affaires là où ils avaient été contraints de les abandonner.

Ce regrettable incident a probablement joué un rôle dans la douce mélancolie libérée par « The Rhumb Line ». Une mélancolie provenant essentiellement des vocalises affectées de Wesley Miles qui pose un voile nostalgique au-dessus l’œuvre, même sur les morceaux les plus rapides. Ce qui n’empêche en rien des extraits tels que « Too Too Too Fast », « Each Year », « Dying Is Fine » ou « Ghost Under Rocks » de constituer de merveilleuses petites perles d’indie pop entêtante. Sans être tout à fait exceptionnel, « The Rhumb Line » est un ouvrage plutôt honnête dans l’ensemble. Il offre une palette assez large de mélodies accrocheuses et convaincantes mais porte néanmoins en son sein quelques passages souffrant d’un léger manque de relief (« Suspended In Gaffa », « Winter ‘05 », « Oh, La »). Ce petit point négatif ne devrait pas empêcher Ra Ra Riot de retrouver la place qui lui est réservée dans l’impitoyable monde de la hype indie.

Ce 29 septembre paraîtront donc deux albums de Mercury Rev. Le premier, « Snowflake Midnight », sous une forme matérielle, et le second, « The Strange Attractor », uniquement téléchargeable via leur site. Ce qui demandait évidemment quelques explications. Mais la surprise procède du style musical proposé par le groupe sur ces deux œuvres. Une conclusion née de l’écoute de leur ‘advanced cd’. En fait, la formation a décidé de se frotter à la musique électronique. Une démarche comparable à celle de Radiohead pour « Kid A » et « Amnesiac », même si manifestement la perspective est différente. Un tremplin idéal pour entamer un entretien en compagnie du guitariste Grasshopper et du drummer/claviériste Jeff Mercel.

Et justement, pourquoi s’être plongé dans la musique électronique. Grasshopper argumente : « C’est un peu les circonstances qui nous ont poussé à s’y intéresser. Et puis c’est dans l’air du temps. En fait, on avait déjà exploré ce style auparavant. En utilisant des synthétiseurs moog. On a donc cherché à créer. On a expérimenté l’électronique sous son aspect le pus large possible. Grâce aux programmes informatiques, on peut construire des sonorités à la manière d’un designer. On peut inventer des sons. Et c’est un domaine qui nous a toujours intéressés. C’est en quelque sorte notre révolution électronique et je ne peux en dire plus. » Pourtant, aujourd’hui, il devient de plus en plus difficiles de concevoir de nouvelle sonorités dans ce type musical ; parce que c’est plutôt la technologie qui crée les nouvelles tonalités qu’une réelle recherche. Il faut donc croire qu’ils ont utilisé des logiciels de pointe : « On a essayé des tas de choses neuves. Beaucoup de softwares de la nouvelle génération. Et en particulier des générateurs de notes aléatoires. Tu introduis les paramètres dans l’ordinateur et le programme va concevoir la mélodie. Il vous appartient ensuite de l’interpréter. En quelque sorte, il est exact que nous avons laissé la technologie dicter notre démarche. Mais on a toujours pris le soin d’en garder le contrôle… » Etonnante réponse, puisqu’après avoir écouté ‘Snowflake Midnight’, j’ai eu la nette impression qu’ils s’étaient imprégnés des eighties. De l’indus et de l’ambient, notamment. Puisant apparemment leurs sources chez Tangerine Dream, Depeche mode circa ‘Violator’, Ryuichi Sakamoto, Boards of Canada et surtout John Foxx. C’est toujours Jeff qui tient le crachoir : « On ne peut pas ignorer les influences. Nous écoutons de la musique comme tout le monde. Ce n’est pas parce qu’on vit dans un endroit isolé du monde, qu’on est hermétiques aux influences externes ; surtout quand ce qu’on écoute est pertinent. Notre isolement nous permet simplement d’avoir une manière très personnelle de travailler. Mais si certains de nos morceaux concèdent des influences, il n’était pas dans nos intentions de jouer comme tel ou tel groupe. Comme Tangerine Dream, par exemple. Nous considérons ces sources comme un cadre de référence et notre imagination joue le rôle de filtre. » Mais comment comptent-ils reproduire ce type de musique en ‘live’. Avec de vrais instruments ? Jeff poursuit : « Il y aura aussi des guitares, de la basse et bien sûr des synthés. Ce sera une combinaison des deux. En y ajoutant, bien sûr des effets visuels… »

Mais pourquoi sortir deux albums le même jour ? Jeff s’explique : « Nous disposions d’énormément de compos. On a beaucoup bossé pour disposer d’un large répertoire. Mais au moment de faire des choix, on s’est rendu compte qu’il serait dommage d’écarter une telle somme de travail. Surtout aussi valable. Aussi, on a donc imaginé cette formule pour satisfaire le plus possible le public. En fait, ce n’est pas la première fois que nous avons recours à cette formule. Mais précédemment, nous nous limitions à un ou deux morceaux. Donc il suffira de vous rendre sur notre site le jour de la sortie de l’album et vous pourrez télécharger ‘The Strange Attractor’. » La pochette de ce dernier est illustrée par un chat qui se reflète dans un miroir et celle de ‘Snowflake Midnight’ par un lapin noir. Des animaux qui éveillent inévitablement une sensation de tendresse, de quiétude…. Jeff précise : « En fait, le lapin est très sombre. Tout le monde imagine être en présence d’un animal doux, mignon, etc. Mais ce n’est pas le cas ici. Pas qu’il soit sinistre, mais il est plutôt mystérieux. Et cet aspect me plaît bien. Quand au chat, il est reflété dans le miroir, à l’infini… » Grasshopper ajoute : « Le chat et le lapin sont des créatures assez étranges. Pourtant ils font partie du décor. De notre entourage. Ce qui ne les empêche pas de manifester des attitudes singulières. Pour nous, ils symbolisent le passage vers un autre monde. Notre musique objective ou subjectivise ce voyage. Ce sont des symboles inconscients… » Mais ce chat reflété dans le miroir, qui reflète ce chat dans le miroir, etc., n’est-ce pas la vision de l’infini ? Grashopper confesse : « Je ne sais pas, mais je pense que oui. On essaie de saisir le dernier, mais on n’y arrive jamais. Quand on imagine parvenir au but, ce n’est qu’une illusion. » Jeff ajoute : « Il y a ici une allusion. Une chanson dans la chanson va se répéter. Mais pas de la manière attendue, car il y aura toujours une fraction qui sera différente… » Une symbolique du miroir qu’on retrouve dans le film de Jean Cocteau, ‘Orphée’. Grassphopper clarifie : « Plutôt chez le poète de la beat generation, William S. Burroughs… »

Ce qui permet de passer à un autre chapitre : les compositions de Mercury Rev. Et tout d’abord les lyrics. Un domaine au sein duquel, on retrouve de plus en plus de métaphores relatives à la nature. Mais est-ce uniquement pour donner une face plus poétique aux compos ou simplement parce que la nature est devenue leur nouveau credo ? Il faut savoir que Sean et Jonathan (Donahue, le chanteur) vivent aujourd’hui dans les montagnes de Castkill, au nord de New-York. On suppose donc que cet environnement doit influer sur l’imagerie des chansons. Grassphopper admet : « Oui, le fait de vivre là-bas insinue l’environnement dans les paroles. Mais j’ai tendance à y devenir de plus en plus claustrophobe. Cependant, si dans nos chansons, vous décryptez le thème de la nature, il y a également celui de la technologie. En fait, nous essayons de les lier intimement. » Des chansons qu’on pourrait décrire comme des contes de fées surréalistes destinés à célébrer l’irrationnel. Une réflexion qui déclenche de grands éclats de rires. Jeff confirme : « Tu as tout dit ! » Tout comme Grasshopper : « Pas grand-chose à ajouter ! » Jeff confie : « Lorsque nous sommes allés en Espagne, l’année dernière, nous avons visité le musée consacré à Salvatore Dali. Et nous avons été impressionnés… » Finalement, hormis William S. Burroughs, les auteurs n’influencent les textes de Mercury Rev, que très indirectement. Grasshopper commente : « La beat generation est une référence incontestable. On utilise ainsi l’inconscient. Ce qui est aussi une manière surréaliste de travailler. Plus les événements deviennent chaotiques, plus l’esprit tente de s’y engager, y est sensibilisé… » Ce qui explique sans doute pourquoi Mercury Rev vit aujourd’hui dans sa propre petite bulle… Grasshopper réagit : « Mercury Rev n’existe pas du tout… » (rires) Jeff en remet une couche : « Est-ce que quelque chose existe ? Tu sais ce que font deux bulles quand elles se rencontrent ? Soit elles éclatent, soit elles fusionnent. » Grasshopper embraie : « Oui, il existe une petite bulle au sein de laquelle nous créons. Mais on a bien souvent fait aussi éclater cette bulle. Une bulle peut ainsi devenir dix bulles… » Sans doute une allusion à une de leurs déclarations qui n’était pas passée inaperçue. Et pour cause, ils avaient avoué que les accidents heureux rendaient les événements plus humains et favorisaient la découverte… Jeff s’explique : « Si vous connaissez d’avance ce qui va se passer en studio avant d’y entrer, vous allez vous y ennuyer mortellement. Vous avez parfois besoin de frictions, de vous engueuler. D’échecs aussi. Cela appartient au processus de création. Peut-être que si le résultat n’est pas concluant, il faudra retenir l’expérience acquise, qui elle aura un impact positif. Et puis on a rencontre régulièrement des incidents en studio, car la technologie n’est pas toujours à la hauteur de nos attentes. » L’origine de la création et le Big Bang sont apparemment des sujets qui fascinent les musiciens de Mercury Rev. En fait, c’est ce qu’on croit comprendre lorsqu’on voit les projections visuelles utilisées pendant les concerts. Est-ce la raison pour laquelle, ils pensent qu’il est possible d’organiser le chaos ? Grasshopper réagit : « Ce n’est pas nous qui organisons le chaos, dans la mesure où le chaos est déjà organisé. Le chaos se situe à un autre niveau. Ce que vous pensez être un système chaotique respecte un ordre. Epouse des structures ». Jeff embraie : « Et pour voir cette structure chaotique émerger, il faudrait avoir un grand angle de vision qui dépasse l’échelle humaine. »   

Dans la musique de Mercury Rev, il y a quelque chose de symphonique. Une majesté, un sentiment de grandeur, susceptible de provoquer une élévation de l’âme. Jeff répond : « Je ne nie pas les influences symphoniques. Car nous écoutons des tas de styles musicaux. Depuis le rock’n roll à la musique de chambre. Dans celle que nous jouons actuellement, nous ne pouvons pas exclure ces références. Pas que nous soyons férus en la matière. Mais nous écoutons tous de la musique classique. En fait, on essaie de repérer dans ce genre musical ce qu’on pourrait utiliser pour notre création. » Ce qui devrait dès lors permettre au groupe de jouer en compagnie d’un orchestre symphonique ? Jeff réagit : « Nous avons tenté l’expérience à plusieurs reprises en Belgique. En fait l’idée est excellente, mais au lieu de la développer à l’aide d’un orchestre symphonique, je préfèrerai la limiter à la musique de chambre. Toujours dans le but de combiner les éléments naturels et l’électronique. Juxtaposer les deux. La plupart du temps, dans ce type d’expérience, les groupes sont soutenus par une armée de violonistes. Mais nous on préfère être prudents. Ne pas être trop présomptueux. Car il faut que le résultat de cette combinaison soit réussi » La formation a d’ailleurs travaillé sur un projet de musique de chambre imaginé par James Joyce. Trente-six musiciens y ont participé. Mais qu’est-il devenu ? Grasshopper répond : « Ca date de longtemps. Au moins cinq ans. Mais c’est vrai qu’il doit bientôt sortir » Jeff embraie : « Le retard est consécutif à des problèmes de droits d’auteur » Et Grasshopper d’avouer : « Je ne me souviens plus des artistes qui avaient collaboré au projet. C’est loin ! Mais on aime bien James Joyce… »

Les Flaming Lips et Mercury Rev bossent en compagnie du même producteur, Dave Fridmann. Mais partagent-ils la même vision de la musique ? Jeff répond : « D’une certaine manière. Nous avons une approche aventureuse de la musique comme eux. Mais leur style est personnel. Ils ont leurs propres règles. Ils ont le besoin de créer des choses excitantes. Parfois risquées. Ce n’est pas que notre musique ressemble à la leur, mais c’est surtout notre philosophie qui est semblable. » Mais ont-il encore des contacts avec Wayne ? Grasshopper répond « Occasionnellement. » Jeff précise : « On se croise plutôt. Et on s’envoie de temps autre des petits messages. » Grassphopper confirme : « Ce n’est pas que nous le voyons. C’est lui qui nous voit… » Dans le même ordre d’idées, ont-ils encore des contacts avec l’ancienne flûtiste Suzanne Thorpe et l’ex-chanteur David Barker. Grashopper répond : « Suzanne Thorpe a émigré sur la côte Ouest des Etats-Unis. Son travail est encore plus expérimental que le nôtre. Elle joue de la musique vraiment avant-gardiste. Pour l’instant elle bosse en compagnie de Pauline Oliveros. David Barker s’est établi à Chicago. Il est toujours impliqué dans le monde de la musique, mais plus comme musicien. Il est producteur et ingénieur du son. »

Merci à Vincent Devos

En concert le 24 novembre à L’Ancienne Belgique de Bruxelles.