Agathe Ze Bouse, c’est la volonté d’allier l’humour et le jazz. Après avoir concocté deux albums complètement déjantés (« Vilain » et « L’album Bouse »), les huit membres du groupe ont décidé de poursuivre sur leur lancée en commettant l’inclassable « One, Two… » Si leur style s’avère original, il est surtout peu abordable ; et, il faut bien l’avouer, malgré une qualité musicale indéniable, qu’au fil de l’écoute, il devient franchement irritant ! Même en pratiquant l’humour au centième degré, difficile de rire ou de sourire en écoutant les paroles sans queue ni tête des 23 morceaux (!) de cet opus. Et pour cause, ils abordent des sujets aussi divers que déroutants. Des exemples ? L’évolution de l’Homme, l’histoire d’un bricoleur prénommé Robert et même… la sodomie... Le chant, quant à lui, s’apparente très souvent à celui des ménestrels d’antan, mais en plus criard ! Reste des mélodies jazzifiantes, faisant la part belle au saxophone et au piano, prenant de temps à autre des accents de musique du monde. Celles-ci sont jouées avec brio et, malgré quelques sonorités un peu ringardes, d’excellente facture. Mais ces atouts indéniables ne permettent pas de compenser le côté agaçant des vocaux et des textes. Comme dit le dicton, mieux vaut être seul que mal accompagné…. 

Le label indépendant RROOP a décidé de consacrer une compilation à la formation Amp. Une excellente initiative à mettre à leur actif. D’ailleurs ce label n’en est pas à son coup d’essai. Dans le passé, il s’est ainsi intéressé à Yellow 6. E de nouveaux projets sont pour l’instant à l’étude. Partagé en trois disques, ce superbe coffret recèle la bagatelle de 38 morceaux dont 10 figuraient sur « Passé présent », un vinyle datant de 1998 qui réunissait des singles de la formation, des versions alternatives de morceaux déjà parus, des inédits, des démos, des plages exclusivement gravées sur compilation, des flip sides et des raretés. Sans oublier une cover de Silver Apples et une autre de Spacemen 3. Les plages ne respectent pas l’ordre chronologique, mais les explications fournies par les notes de la pochette sont suffisamment précises pour s’y retrouver. On apprendra ainsi que Richard Amp a créé le projet en 1990. Il est le seul membre fondateur encore présent au sein du line up. La chanteuse Karine Charff y milite depuis 1994. Vingt-sept collaborateurs ont transité par le ou collaboré au groupe à des époques différentes. En quinze années d’existence, ce n’est donc pas trop surprenant. Parmi les plus notoires on retiendra les participations de Dave Pearce (Flying Sauce Attack), Matt Elliott (Third Eye Foundation) et Robert Hampton (Main).

Evoluant dans un style musical baptisé avant/rock/drone noise, le groupe tire et a tiré aussi bien parti de l’instrumentation conventionnelle (guitare surtout) qu’électronique. Suivant les périodes davantage vers l’une que vers l’autre. Et le résultat se révèle souvent fort intéressant. Son univers sonore kaléidoscopique lui a permis d’embrasser des styles aussi différents que le trip hop, l’ambient, l’electronica, l’électronique avantgardiste, la noisy et même la pop, des styles qui peuvent évoquer tantôt My Bloody Valentine, Terry Riley, Steve Reich, Loop, Galaxie 500, Slowdive, Portishead, Brian Eno et la liste n’est pas exhaustive. Tour à tour expérimentale ou mélodique, la musique d’Amp s’adresse d’abord à génération génétiquement modifiée. Et franchement, après avoir passé 3 heures et demie dans un labyrinthe traversé de feedback, de distorsion, de bourdonnements, de rêveries pastorales, de berceuses énigmatiques, de tempêtes aventureuses, de dissonances subtiles, de vocaux visionnaires, de pulsations et de tourbillons électriques, ce sont les circuits imprimés du cerveau qui sont modifiés. N’empêche ce box retrace de la plus belle des manières l’histoire d’un groupe devenu, au fil du temps, une véritable référence dans l’histoire de la musique pop/rock…

Œuvre distinguée, aérienne, « Fur and Gold » met directement en évidence la tessiture flamboyante de sa chanteuse, Natasha Khan. D’emblée, sa puissance vocale éthérée se confronte aux inflexions royales de Björk. Le rapprochement est inévitable. Réputée inclassable, l’Islandaise entrevoit donc les premiers pas de sa progéniture. Bien moins porté sur les expérimentations, Bat For Lashes prône le retour à la nature, les promenades en forêt et quelques virées champêtres. Aujourd’hui installée dans la riche cité de Brighton après des années de bourlingue à travers les Etats-Unis et l’Europe, Natasha Khan se pose, entourée de ses instruments. Ici, le folklore croise le classicisme avec une élégance rare. Du folk psychédélique aux grandes dérives pianistiques, c’est tout un pan de la musique voluptueuse qui est revisité. De Björk (« Horse and I », « Tahiti ») à Kate Bush (« The Wizard ») en passant par Shannon Wright (« Sad Eyes »), Natasha Khan se faufile dans l’histoire de la pop tel un caméléon. Au rang de ses invités, on reconnaît les visages de Ben Chritophers (sur « Sarah ») et de Josh Pearson, l’ex Lift To Experience, venu poser sa voix et sa guitare sur deux titres (« Trophy » et « Seal Jubilee »). Enfin, les politesses d’usage imposent un clin d’œil appuyé au gourou barbu de la transe hippie, le beau Devendra Banhart. Tout cela est donc bien poli mais fort joli.

En dix années d’existence, Piano Magic a enregistré la bagatelle de sept albums studio (on passera donc sous silence les éventuelles compiles) ; « Part-Monster » constituant le septième. Un disque qui fête le retour de la collaboratrice ponctuelle/habituelle (biffez la mention inutile) et membre de Klima, Angèle David-Guillou, dont la voix me rappelle parfois celle d’Anneli Drecker. Le solennel « Soldier song » évolue ainsi dans un registre fort proche de Bel Canto, même si les samples, sont ici remplacés par de véritables cordes acoustiques. Elle ne chante pas sur tous les morceaux, mais son timbre troublant apporte, à chacune de ses interventions, une sensibilité davantage mélancolique. Et on imagine la dose d’émotion libérée sur cet opus, lorsqu’on sait que celle de Glen Johnson est à la fois fragile et torturée. Glen est également le leader de la formation et surtout le compositeur. Souvent autobiographiques, ses lyrics n’hésitent pas à vilipender le système social et politique en Grande-Bretagne. Et au vu de son vécu, il en a des choses à raconter. Au sein du line up de Piano Magic, on recense pour l’instant trois Français et deux Britanniques. Une formule à géométrie variable qui n’influe guère sur le style du groupe, résolument focalisé vers le début des eighties. L’ombre de Sad Lovers & Giants plane ainsi sur le très atmosphérique « The king cannot be found » ; mais surtout sur le fantastique « The last engineer », une plage sculptée dans les cordes de guitare chatoyantes, éthérées, effervescentes et envoûtantes. Celle de Luna hante les contagieux « Incurable (reprise) » ainsi que le pastoral et mystérieux titre maître, même si cette chanson qui clôt l’opus privilégie les tonalités acoustiques. De Durutti Columnn, tout au long de l’instrumental épique « Great escapes ». Et même de My Blooddy Valentine lorsque « Saints preserve us » nous immerge dans sa noisy nébuleuse. Une impression qui n’est pas surprenante, lorsqu’on sait que c’est Guy Fixsen (Laika, Pixies, Moonshake, Breeders, Stereolab, Lush, Slowdive, Chapterhouse, Moose et surtout la bande à Kevin Shields pour l’album incontournable « Loveless ») qui en assure la production. Dans un registre différent, embué de trompettes aériennes, « England’s always better (as you’re pulling away) » campe un requiem douloureux et intimiste que n’aurait pas désavoué Nick Cave. La voix de Simon Rivers, le chanteur de The Bitter Spring, invité pour la circonstance, se révélant aussi profonde et abrasive que celle du crooner australien.

Ce n’est pas tous les jours qu’un album des Chemical Brothers nous tombe entre les mains. Alors, on les ouvre bien grandes, comme celles qui nous regardent sur la pochette du récent « We Are The Night ». Des doigts, des étoiles, des montagnes, des pupilles : le grand tourbillon hallucinogène des frères chimiques nous emporte dans une chute vertigineuse. Au réveil, c’est déjà la fin. « The Pills Won’t Help You Now » nous chuchote le chanteur de Midlake. On note pour plus tard. Pour l’instant, on tente de remonter la pente, de comprendre comment Tom Rowlands et Ed Simons parviennent à rester au top malgré le poids des années. Douze ans après « Exit Planet Dust », les frangins nous gratifient d’un sixième album extatique, à écouter les yeux fermés. Comme toujours, les Chemical Brothers s’entourent de pourtours à la mode. En passant en revue la liste des invités, on en vient rapidement à la conclusion qu’en 2007, les Chemical maîtrisent aussi bien la hype que les nappes électroniques. Dès l’entrée en matière, on rencontre Willy Mason, une figure improbable dans ces contrées habitées d’androïdes camés. Les pilules ne nous aideront plus ? On va voir ce qu’on va voir ! Tiens, les Klaxons sont là, accompagnés du folkeux Devonte Hynes, alias Lightspeed Champion (l’ex-leader des fougueux Test Icicles) pour un « All Rights Reversed » d’anthologie. Pouet pouet, frétillons sur « The Salmon Dance », hymne barré, guidé par le flow imparable de Fatlip. On n’oubliera pas, non plus, de se déchirer les tibias sur « Do It Again », tube énorme, où l’on retrouve une partie de guitare jouée par... Little Barrie. Les Chemical Brothers reviennent donc avec un disque pour prendre des pilules entre amis. On n’avait pas noté quelque chose, nous ?

La machine est huilée. Il ne reste plus qu’à la faire carburer à plein tube. Et là, pas question de chance, ni de don des cieux. Il faut assurer. Dès le vendredi, les campings se remplissent avec frénésie et chaque festivalier dresse sa Quechua en un minimum de temps (c’est d’ailleurs conçu pour ça… le plus dur, c’est de la replier) afin de gagner le site de l’abbaye au plus vite. Après quelques concerts de mise en bouche d’une qualité irréprochable, le sommet est déjà atteint par Sidestepper et sa drum’n bass latino, qui mélange la salsa, les rythmes afro-colombiens et l’électronique sans le moindre temps mou. Juste après ce set, en guise de clôture d’une première journée prometteuse, le Shantel & Bukovina Club Orkestar réalise le pari de faire encore mieux, en obligeant nos jambes à s’exciter sur ses beats balkans et sa disco russe. Un concert enflammé, sautillant, fiévreux… Bref, fatiguant. Il est où, déjà, ce camping ?

Samedi, on a chaud et on est… fatigué. Certes, on aurait pu dormir la nuit. Mais où ? Dans le camping ? C’est cela, oui… Bonne nouvelle pour les organisateurs et les associations présentes sur place : la journée est sold out. On s’en doutait : ça grouille de monde. D’ailleurs, entre parenthèse, il faudrait parfois qu’on fasse des ‘sold out’ avec un peu moins de monde. Mais ce n’est qu’un avis. La musique ? Ah oui, la musique… Une fois n’est pas coutume, on se prélasse tranquillement côté gazon quand les musiciens d’Afro Yambi Jazz émettent leurs premiers accords. Et là, tout de suite, on comprend pourquoi on a choisi de venir à Esperanzah. Pour l’ambiance (j’ai déjà dit ça, non ?), mais aussi pour l’armada de bons musiciens qui s’y délectent. C’est doux, sophistiqué, enjoué… C’est excellent. Les gars d’Atomic Leaf, pareils à eux-mêmes, ne font que confirmer notre sentiment : ces libertaires aux revendications ska-punk-guinguette ont du tempérament à revendre. Et du coup, nous aussi. Bien sûr, plus tard, vers 22h, c’est Salif Keita que tout le monde attend. Et il ne décevra personne. Tantôt bouleversant, tantôt éclairant, cet infatigable prêcheur de la fraternité et de l’amour livre une prestation exemplaire, devant un public qui n’oublie pas que la musique peut à la fois être faite de… fête et de réflexion. Lors du dernier morceau, le Prince de l’Empire Mandingue invite les corps enivrés à le rejoindre sur scène, histoire de clôturer ce rassemblent humain dans la joie la plus sincère. Waow ! Ce coup-ci, on n’a pas envie de rentrer au camping. Et si on s’embrassait tous ?

Après une nuit aussi courte que très courte (est-ce que ça ferme parfois les yeux, un joueur de djembé ?), la dernière journée se profile déjà sur un horizon toujours aussi bleuté. Inutile d’y aller par quatre chemins : direction la ‘cour’ pour applaudir ces inimitables chauffeurs de salle que sont les gars de Peas Project. Fou, décalé, déglingué, arrogant et frais : le show est évidemment efficace et, comme d’habitude, on en ressort les orteils écrabouillés. Et comme il fait de plus en plus chaud, il ne reste plus qu’à aller se ravitailler. Une bière ? Non, allez, soyons fous, c’est le dernier jour : va pour un enchaînement et… une sieste. Au réveil, c’est l’angoisse. La musique de fond était agréable, mais impossible de se souvenir qui la délivrait. Et je vais raconter quoi, moi, dans mon compte-rendu ? ‘Ben que la musique était géniale’, me suggère-t-on. Pas mal. En plus, c’est sûrement vrai, puisque jusque là, tout était parfait. La Troba Kung-Fu et leur mélange inédit de dub, de reggae, de tango, de salsa et de… plein de bonnes choses libèrent tous les sens des festivaliers. Désormais, c’est clair, il ne peut plus rien nous arriver de mal. Vers 22h, Groundation nous emporte carrément dans un autre monde, là où il semble faire encore plus chaud et où personne ne peut déranger la quiétude du lieu. Du reggae. Du putain de bon reggae, même. Des rythmes authentiques, apaisants et enivrants se jettent dans notre cerveau comme des merveilles à la mer. Une apothéose grandiose. Un final exaltant qui, curieusement, ne nous fait même pas regretter de devoir repartir sans avoir vu Manu Chao. De toute façon, Manu Chao, ce sera sûrement nul. Et il pleuvra, c’est évident. Bon, les gars, on rentre ? Une dernière bière équitable ? Allez, d’accord… Mais après, on va dormir, hein… Jusqu’à l’année prochaine, d’ailleurs.