A peine remis de sa victoire au concours ‘Musique à la française’, Veence Hanao s’est emparé de la scène pour mieux paraphraser ses mots exaltés. Nouveau chantre intello d’une culture urbaine consciente, Veence Hanao chante ses textes à qui veut les entendre. Et ils sont de plus en plus nombreux. Cet été, cet amateur de soul au cœur jazzy se laisse découvrir sur les planches des Francofolies de Spa, du Dour Festival et d’Eu’ritmix. Rencontre avec un artiste au verbe acéré et à la langue bien pendue.
L’histoire de ta carrière solo est inextricablement liée à celles de Festen et Autumn. Peux-tu nous présenter ces différents projets ?
Dès mes débuts, j’ai eu la chance de rencontrer Noza, un jeune producteur. Je suis vite revenu vers lui pour lui faire part de mes envies. A l’époque, il venait de commencer un projet en compagnie de Pixel et Barok. Ils jouaient ensemble au sein d’une formation complètement décalée, proche du néo-dadaïsme : Festen. Noza m’a aidé à enregistrer mes premiers morceaux et m’a invité à rejoindre Festen. On s’est rapidement retrouvé à la tête de deux démos finalisées : une pour Festen et l’autre pour mon projet solo. Entre temps, Barok a quitté Festen. Avec Noza, on a encore cherché à toucher à d’autres styles musicaux. On a donc lancé Autumn. On s’est détourné des sonorités électroniques pour se concentrer sur le jazz et la soul des années 60. Le hip-hop reste, bien évidemment, le ciment de ces différents projets.
Aujourd’hui, Festen n’est plus. La fin du groupe coïncide-t-elle avec une volonté de ne pas s’éparpiller, d’éviter d’embrouiller l’auditeur ?
Inévitablement, une confusion s’installait. Quand on jouait pour Festen, on présentait quelques morceaux de mon projet solo. Quand je montais sur scène, les gens disaient : ‘Ah, c’est Veence Hanao de Festen !’ Quand nous avons lancé Autumn, certains venaient télécharger les morceaux en pensant écouter Festen. Bref, c’était un peu l’anarchie. Cependant, les raisons de la séparation de Festen ne sont pas à chercher de ce côté… Nous avions des envies différentes à l’égard de Festen. Aujourd’hui, on en est arrivé à penser qu’il s’agissait davantage d’un projet conceptualisé qu’un groupe !
Ta musique évolue entre le hip-hop, le jazz, l’electro, le slam et la poésie. Comment la décrirais-tu ?
J’ai la chance de bosser en compagnie de Noza, un gars d’une grande culture, capable de produire des sons qui partent dans tous les sens. Au risque de frôler une certaine incohérence, je souhaite conserver ce côté touche-à-tout. Je veux faire des choses différentes et éviter de restreindre mon univers. Maintenant, pour décrire ma musique, on peut dire qu’il s’agit d’un croisement entre le rap et le slam avec des influences electro et jazz.
Sur scène, tu joues déjà de nouveaux morceaux. Te lasses-tu facilement de l’interprétation de tes propres morceaux ?
Oui, je me lasse facilement. J’ai besoin de mouvement. Plus j’en fais, plus je suis critique par rapport au passé. Cela me permet d’évoluer. De toute façon, je ne suis pas encore au stade où les fans viennent pour entendre un morceau particulier. Aujourd’hui, j’ouvre les concerts pour des têtes d’affiche. Dès lors, j’offre de la découverte au public.
Vas-tu commercialiser ton premier album éponyme ?
C’est davantage une carte de visite. Grâce à cet enregistrement, on a eu la chance de remporter le concours ‘Musique à la française’ et de participer aux Nuits Botanique. Mais, à mes yeux, ce premier essai discographique est bouclé depuis longtemps ! Aujourd’hui, j’ai une terrible faim créative. Dans quelques semaines, Nous allons bientôt commencer à travailler sur de nouveaux titres. Nous voulons maintenant trouver un distributeur, peut-être lancer les bases d’un nouveau label. A l’occasion de notre tournée d’été, on offrira toutes nos chansons en téléchargement gratuit ! Mais on n’éprouve aucun regret à l’égard de ce premier album : il nous a permis de gagner un concours, de toucher un public dans quelques magasins spécialisés, de jouer de chouettes dates, de participer à des festivals. En quelque sorte, il s’agissait de présentations. Maintenant, elles sont faites !
Quel regard portes-tu sur la scène hip-hop belge ?
D’une manière générale, la scène hip-hop est boycottée. Nous sommes victimes d’un certain blocage. Cependant, nous ne nous donnons pas les moyens de nos ambitions. Certains rappeurs font preuve de bonne volonté... Malheureusement, il ne suffit pas de prendre un micro dans une cave pour sortir du lot ! Nous sommes mal informés sur le système culturel… On manque d’outils. Le paradoxe en Belgique, c’est qu’au moment où la scène hip-hop se réveille et s’active, elle ne dispose même plus des moyens mis en œuvre par le passé. Pour un Starflam, par exemple… Mais je déteste entretenir le rôle de la victime. Aujourd’hui, la culture rock est installée. A une époque, le rock a dû se battre pour en arriver là. Désormais, il est aux portes de toutes les institutions culturelles du pays. Je ne vais pas dire que c’est normal. Mais dans un même temps, les rappeurs ne font rien pour améliorer la situation. Alors, chacun doit y mettre du sien. Ce n’est pas impossible ! Arrêtons de cultiver le mépris gratuit : les gens ne veulent pas de mal au hip-hop !
Quels albums conseillerais-tu à Monsieur et Madame Tout-le-Monde ?
Le « Madvillainy » de Madvillain, « Champion Sound » de Jaylib, « Opera Puccino » d’Oxmo Puccino, « The Disrupt » de Oh No et l’incontournable Ella Fitzgerald pour son « Lullabies of Birdland ».
En concert :
Le 13 juillet : Dour Festival
Le 22 juillet : Francofolies de Spa
Le 18 août : Festival Eu’ritmix
Après quinze années de quasi-silence, Capdevielle nous propose enfin un nouvel album. Un disque pour lequel il a reçu le concours de quelques collaborateurs (et amis !) dont Christophe Deschamps, Philipe Almonino (Wampas, Tarmac) et David Hallyday (aux drums pour 6 compos). Sans oublier un duo échangé en compagnie de Jennnifer pour « Mal de chien », le titre final. Un elpee pour lequel il a choisi pour nom « Hérétique 13 ». Et il s’en explique lors de l’interview qu’il a accordée à Musiczine. Sans quoi, à travers ses lyrics, et suivant sa (bonne habitude) Capdevielle aborde, le plus souvent sur un ton souvent ironique, des sujets aussi contemporains que la télévision, l'impérialisme américain, la religion ou encore le leurre de la démocratie, et même plus universels comme la dérision et l'importance de l'amour. Des coups de cœur ? « Miss démocratie », « Mona Lisa Jones » balayé d’une section de cordes (Indochine ?) ainsi que l’irrésistible et échevelé « Homo sapiens ». Deux petits bémols quand même : la présence d’un synthé (heureusement pas permanente) franchement dispensable et puis sur certaines compos d’inflexions empruntées par Jean-Patrick à Renaud, à moins que ce ne soit à Plastic Bertrand. Evidemment, si ça plane pour lui…
‘Hérétique’. Définition du Larousse : qui tient de l’hérétique. Qui professe, soutient une hérésie. ‘Hérésie’. Définition du Larousse : doctrine contraire à la foi catholique et condamnée par l’Eglise. Par extension : opinion en contradiction avec les opinions admises. On entre directement dans le vif du sujet. Pourquoi avoir choisi un tel titre pour son album ? Et surtout, Capdevielle se considère-t-il comme hérétique parce que sa doctrine est contraire à la foi catholique, donc condamnable par l’Eglise ou simplement parce que ses opinions sont en contradiction avec les opinions admises. La réponse est claire : « Les deux ! Je suis opposé aux dogmes, et en particulier ceux qu’entretiennent les religions monothéistes. La religion ne représente pour moi qu’une idéologie au même titre que le communisme, le nazisme ou le fascisme. Je ne parviens toujours pas à comprendre qu’on puisse encore aujourd’hui traîner un péché originel qu’un gardien de chèvre a bien voulu rappeler à notre souvenir, il y a plus de 2 000 ans… » Quel sens donne-t-il alors à l’existence ? « Je crois que l’esprit humain est vaniteux d’imaginer ce que serait le créateur. Le monde a-t-il été créé ou est-il le reste de quelque chose ? Ce qu’on appelle aujourd’hui univers. En fait, cette idée de création est le reflet de la prétention manifestée par la race humaine. Une prétention qui lui autorise tous les excès. De croire avoir tous les droits sur la terre. Comment expliquer l’existence de ces camps de concentration ? Et pas seulement ceux du passé, comme les plus célèbres demeurent ceux des nazis ? Parce qu’il en existe bien d’autres ailleurs encore aujourd’hui. Comment expliquer les mauvais traitements infligés aux animaux, et pas seulement pour se nourrir ? Or ils appartiennent tout autant que nous au patrimoine de la terre. Ce scandale est le fait de l’homme, le prédateur ultime… Je suis aussi un hérétique, parce qu’en temps que professionnel je refuse de souscrire aux diktats des multinationales ; et en particulier ceux qui régissent le monde de la musique… »
Jean-Patrick Capdevielle ne croit pas à la démocratie. Une opinion corroborée par sa chanson ‘Miss démocratie’. « Même si 100 000 personnes ont voté pour une personne, comment veux-tu que cette personne puisse faire la synthèse des idées de tous ces électeurs qui souvent ne comprennent rien au pouvoir. Et encore faudrait-il qu’elle le veuille. En fait, notre système actuel appartient davantage à la démagogie qu’à la démocratie. Il permet surtout à un certain niveau de pouvoir d’exercer son hégémonie sur le monde. Sur leur mode de vie. Et aux politiciens d’essayer de nous faire prendre des vessies pour des lanternes. Tous les hommes politiques sont fatalement des démagogues. Je ne crois pas à la démocratie représentative. C’est un gilet pare-balles. Je voudrais qu’elle soit plus en phase directe avec les individus. Je suis partisan de soumettre les grandes questions par voie de référendum. Que ce soit au niveau national ou européen. Une méthode qui se rapproche davantage du petit peuple. Un peu comme si on exposait ces problèmes sur la place publique. Et des techniciens appliqueront les décisions du peuple. Des experts en économie, en politique, en matière de santé. Des techniciens dont les opinions sont neutres. Des gens compétents susceptibles d’émettre des suggestions sensées. Est-ce une utopie ? Je l’ignore, mais c’est mon opinion sur le sujet. A quoi assiste-t-on aujourd’hui ? A une course effrénée vers la croissance économique au détriment de l’humain. Je m’insurge face à cette démocratie à l’américaine. Je crains qu’on aille droit dans le mur… »
Pour enregistrer « Hérétic », Capdevielle a reçu le concours de quelques collaborateurs notoires et tout d’abord, le guitariste des Wampas, Philippe Almosnino. « Au fil du temps nous nous sommes liés d’amitié. Philippe est également impliqué chez Tarmac. On a également reçu les encouragements d’Arnaud Samuel, violoniste chez cette formation et puis aussi et surtout de Louise Attaque. Sinon, David Halliday s’est également beaucoup impliqué lors des sessions d’enregistrement. Il joue ainsi des drums pour 6 titres. Et comme j’avais composé 32 chansons, je lui ai refilé 6 compos pour son prochain album. Je partage également les parties vocales avec Jennifer Jordan pour « Mal de chien ». Tous les gens avec lesquels je travaille ou j’ai travaillé deviennent des amis. Je privilégie toujours les rapports humains dans ma démarche. C’est pareil pour mon site internet. Tous ceux qui y travaillent font partie de la famille. Il en est de même pour les rapports avec nos fans… » ‘Mona Lisa Jones’ est une plus ancienne chanson. Elle date d’au moins 15 ans. Alors pourquoi l’avoir reprise pour cet elpee ? « En fait, c’est une chanson que j’aimais beaucoup, mais je n’étais toujours pas parvenu à l’intégrer sur un album à l’époque. Et puis comme tu sais, je n’ai plus rien enregistré du style par la suite… » Et il en en explique la raison : « A cette époque, mon fils a été victime d’un accident de la route. Il a failli y rester. Finalement, il s’en est sorti, mais est demeuré paraplégique. C’est alors qu’il y a eu comme quelque chose qui s’est cassé dans le processus d’écriture… Et puis, il y a quelques mois, une amie enceinte m’a demandé de venir lui rendre visite et de lui chanter quelque chose, parce qu’elle pensait que ce récital rendrait son enfant mélomane. Il s’est produit un déclic au fond de moi-même. Une autre naissance allait se produire. Et tout s’est débloqué. Je me suis remis à composer, travaillant 10 heures par jour. Et en un week-end, j’étais à la tête de toute une série de nouvelles chansons composées à la guitare, chose que je n’avais plus faite depuis belle lurette. Puis je me suis demandé ce que j’allais faire avec ce stock. J’ai finalement conclu qu’il fallait que je ressorte un album… » Mais Jean-Patrick écoute-t-il encore ses anciennes compos ? Ou alors y est-il allergique, dès qu’elles sont reproduites sur disque ? « Au début, je les écoute beaucoup. Au moins trois fois par jour. Mais au bout d’un certain temps j’éprouve une véritable révulsion à les réentendre. Non, je n’écoute pas mes anciennes chansons. Ou alors par accident. Par contre, elles ont fait l’objet de réarrangements pour la tournée en compagnie du groupe. Ce sont de nouvelles versions. Et finalement, les fans préfèrent de loin ces nouvelles adaptations. C’est inespéré… »
Capdevielle est compositeur, chanteur, acteur de cinéma et peintre. A-t-il une autre corde cachée à son arc ? « Pour l’instant, je m’occupe beaucoup du rédactionnel sur le site pour lequel je rédige un édito chaque semaine et j’entretiens un forum. Mais dans ma tête, j’ai encore un autre projet : écrire un roman. J’ai la structure dans ma tête. J’éprouve beaucoup de plaisir à écrire. Mes proches m’encouragent à m’y lancer. Mais ma manière de rédiger est assez proche de la langue parlée. Donc c’est uniquement dans ce style que je pourrai m’investir. Mais il faut que je puisse me laisser porter. Quand je sentirai que je pourrai m’y consacrer, ce sera OK… Ou alors, j’abandonnerai le projet avant de l’avoir commencé. Vivre la vie que je mène est déjà un privilège. J’ai accompli des études artistiques. J’étais un enfant gâté. Un fils unique. Mais je ne suis pas blasé. Je ne supporte pas de rester dans le flou et j’ai toujours peur de m’ennuyer. J’ai besoin de m’occuper l’esprit et de faire quelque chose, même quand je prends trois semaines de repos… C’est dans ma nature… » Dans l’univers du cinéma, Capdevielle a travaillé pour la société cinématographique de Paco Rabanne. Alors, Rabanne, modèle, maître, gourou ou excellent marqueteur ? La réponse fuse : « Excellent marqueteur ! Sais-tu que le QG de campagne électorale de Sarkozy était installé dans les anciens locaux de Rabanne à Paris. J’ai tourné pour sa boîte de production ‘L’énigme des sables’ en compagnie de Marie Christine Barrrault. C’était en 1988. A cette époque, il s’est chargé de la promo d’un de mes disques en Allemagne. On en a vendu 200 000. S’il devait se charger d’‘Hérétic’, on en vendrait 1 000 000 ! Sans quoi, j’ai un jour participé à une des ses assemblées générales. Il parlait déjà de lumière blanche et de fin du monde. Je devais éclater de rire, mais je me cachais pour ne rien montrer. Sa maison de couture a été rachetée par le groupe Puig. Mais après les déclarations sur la fin du monde, les administrateurs n’étaient pas très contents et lui ont demandé d’arrêter de raconter des bêtises, car elles influaient négativement sur les ventes… »
La soul retrouve toute son âme. Le temps d’un album magique, Nicole Willis et ses Soul Investigators injectent une dose de fraîcheur et de sensualité dans le bras fripé de l’uptown soul. A une époque où Motown livrait des tubes sur commande, tout en garantissant au monde un vivier d’artistes majeurs (The Supremes, The Four Tops, Marvin Gaye, The Temptations, etc.), le nouvel album de Nicole Willis n’aurait pas dépareillé avec l’ingéniosité ambiante. Allons-y sans détour : si « Keep Reachin’Up » était sorti en 1964, on le brandirait aujourd’hui tel un classique de chez classique. Un timbre de voix à défier les inflexions de Dionne Warwick, du groove tout en ‘rhythm and blues’, du funk râpeux comme la roche (l’éponyme « Keep Reachin’ Up »), la nouvelle livraison de Nicole Willis présente les atouts du disque incontournable. Pas la peine de s’éterniser sur un morceau particulier : les dix titres enregistrés sur « Keep Reachin’ Up » relèvent de l’excellence. Et après avoir constaté toutes les difficultés éprouvées sur scène par une Amy Winehouse défoncée et pas souvent concernée, on est en droit de s’interroger : quel artiste est aujourd’hui en mesure de faire de l’ombre aux performances scéniques de Nicole Willis ? La question est posée. Elle demeure sans réponse.
Délaissant quelque peu les plateaux télé des chaînes populaires flamandes et la vie à la ferme, les deux enfants terribles de l’electro-rock gantoise nous reviennent pour un sixième album après avoir écumé les scènes branchées du monde entier. “Vive la fête”: la solution est dans l’énoncé. Els Pynoo et Dany Mommens ne font pas dans la dentelle et visent avant tout à s’amuser et à faire danser leur monde. Amateurs d’electroacoustique, oubliez directement cet album: l’ancien bassiste de Deus et la plus belle paire de jambes de la scène belge balancent des beats gras aux forts accents eighties ponctués de riffs rock faciles mais efficaces. Els chante toujours en français et continue à écorner avec plaisir, et un délicieux accent du Nord, grammaire et syntaxe, nous gratifiant de quelques perles de non-sens dont elle a le secret. Danny, lui, ose la grande nouveauté de l’album et pousse la chansonnette en allemand sur “Quatsch”, sorte de Das Ich de la grande époque. On notera également que l’album se veut plus organique en augmentant la part laissée à la guitare, sans délaisser l’electro-dance pour autant. Sinon, il faut bien constater que, depuis “République Populaire”, les chouchous de Karl Lagerfeld n’ont plus rien inventé. Ce n’est pas la double reprise du “Love me, please love me” de Polnareff, pourtant réussie, qui me contredira. Reste un album à écouter à fond les manettes en fin de barbecue pour son côté déjanté et à aller les voir au plus vite en concert pour profiter de l’énergie basique mais communicative dispensée par le groupe sur scène.
Ce hard blues rocker canadien est aujourd’hui âgé de 53 ans. Hendrix, Clapton, Beck ou encore Page lui ont tracé la voie. Ses premiers lauriers, il les a recueillis en Angleterre. Et en particulier lors de la sortie de son premier elpee. Un opus éponyme, paru en 1976, chez Polydor. Depuis, de nombreux albums ont jalonné une carrière que l’on peut déjà considérer aujourd’hui comme couronnée de succès. En 1993, il est signé par le label américain Blues Bureau, une écurie réputée pour son rock blues dur et largement amplifié. Son dernier opus, "P.T Power Trio 2", remonte à l'année dernière. Sous-titré, "Live in Europe", cette nouvelle plaque a été immortalisée en public, aux Pays-Bas, lors de sa tournée accomplie en 2006. Pat est épaulé par sa section rythmique, en l’occurrence le bassiste Franck McDaniel et le drummer Eric Frates. Sans oublier un second guitariste qui répond au nom de Kirk McKim.
Les premières plages évoluent dans un hard rock pur et dur. Des compos qui figurent à son répertoire depuis ses débuts : "Life in London", "Heat in the street", "Crash and burn" et "Snortin' whiskey", respectivement extraits de "Puttin' it straight" (1977), "Go for what you know" (1979) ainsi que de "Crash and burn" (1980), pour les deux dernières plages. Il passe enfin au blues, en attaquant le célèbre slow blues de Jimi Hendrixx, "Red house". Puis en embrayant par le "If I had possession over judgement day" de Robert Johnson, une version personnelle traduite en boogie rock dévastateur. C’est dans ce registre que Travers se révèle le plus convaincant. Il libère autant d’énergie que Michael Katon de Detroit, quoique moins de sauvagerie ! Un traitement qu’il inflige au flamboyant "PT Nutz aka Linus and Lucy". Instrumentale, la cover du "Oh pretty woman" d'Albert King est surprenante. Je dois même avouer que l’adaptation est totalement différente de l'originale ! La machine est bien huilée et écrase tout sur son passage. Pat chante férocement "Boom boom". Il passe à la moulinette ce titre-fétiche qu'il reprend depuis ses débuts. Le concert s’achève, mais bien entendu le public réclame un rappel. Pat revient d'abord seul, flanqué de sa guitare, pour interpréter "PT's solo time" (manifestation d’autosatisfaction ?) Les trois acolytes réapparaissent pour dispenser un "Born under a bad sign" cinglant. Ne manquez pas Pat Travers lors du prochain Live Music Harelbeke Festival, il s’y produira le 22 septembre...
Premier véritable supergroupe, The Traveling Wilburys est né de la rencontre (notamment) entre Roy Orbison, Bob Dylan, George Harrison, Tom Petty et Jeff Lynne. Une aventure qui ne durera que trois ans et à laquelle Orbison ne participera qu’à l’enregistrement du premier elpee, puisqu’il décèdera en 1988. En fait, il n’existe que deux albums officiels des Wilburys. Intitulés paradoxalement « Traveling Wilburys Vol. 1 » et « Traveling Wilburys Vol. 3 », ils sont parus en octobre 1988 et octobre 1990. Sortis respectivement en 1989 et 1990, les volumes 2 (il est uniquement composé de démos et de versions longues du tome 1) et 4 (des chutes de bandes du tome 3) ne sont que des ‘bootlegs’ (des pirates si vous préférez !) L’intérêt de ce box procède tout d’abord de la réunion des deux elpees officiels (vol 1 et 3), enrichis d’inédits (deux sur le premier et autant sur le second), et puis de la présence d’un Dvd, immortalisant des sessions d’enregistrement du premier elpee, et de vidéos.
Arrache tes vêtements, monte sur scène et bouge ton derrière, it’s the beat ! « It’s the Beat » n’est rien d’autre qu’un putain d’hymne electro à faire gémir d’extase les fiers et irréductibles ringards dont la platine vinyle est aujourd’hui encore et toujours squattée par Technotronic et consorts. De la même manière que son single porte-drapeau, « Attack Decay Sustain Release » est une véritable tuerie, une machine à sueur. « Sleep Deprivation », plage d’ouverture orgasmique vaut à elle seule son pesant d’or. Né des cendres de Simian, Simian Mobile Disco présente sur son premier essai pas moins de 10 énormes bombes (ou plutôt 9, s’il l’on omet l’affreux intrus, « Love ») aux influences très 90s (le funky « I Got This Down », « Hustler » et ses exquises envolées acid ou encore le nouveau single quasi euro-dance « I Believe »). Incidemment, le premier essai du duo est sorti le même jour que celui de Justice. Deux must, double régal. ‘Parce qu’ils sont nos amis, nous ne nous sentirons plus jamais seuls’ !
Compositeur, auteur et interprète, Axelle Renoir a été nominée aux Victoires de la Musique, en 1996, dans la catégorie révélation féminine pour la confection de son premier album intitulé « Magnum et matinées dansantes ». Elle a failli devenir chef d’orchestre, héritage de sa formation au conservatoire, avant de se réorienter vers la composition. Elle a également écrit des musiques pour le cinéma et la télévision (« Les jolis choses », « Gangsters » et « 36 Quai des Orfèvres ». Alors, pas difficile de franchir le pas vers « Ushuaïa », l’émission phare de TF1 depuis 1987, lorsqu’on est engagée écologiquement. D’ailleurs la fabrication de l’album a respecté les principes de cette philosophie en utilisant des matières recyclables et des encres non polluantes. Pour enregistrer cet elpee, Axelle a reçu le concours de la chanteuse soul, Emily T ainsi que celle d’Emma. En outre, Sylvie Bonnet, romancière et parolière (amie aussi !), lui a écrit quelques chansons. Musicalement, les compos oscillent entre symphonie classique (ces violons !), électro pop, ambient, world et trip hop. Lorsque ces différents genres ne tentent pas d’entrer en osmose. Personnellement, seul le titre d’ouverture « Opening » (ben tiens !), un instrumental majestueux, aussi intense que remarquable, mérite une mention d’excellence. Le reste fait plutôt tapisserie et finit par susciter le profond ennui…
Ce n’est plus un scoop, The Police a donc décidé de se reformer pour effectuer une nouvelle tournée. Bien évidemment, A&M en a profité pour sortir une double compilation de 28 titres réunissant tous les plus gros succès du trio (voir le tracklist ci-dessous). Pas la peine de vous refaire l’historique de la formation -même s’il ne faut pas oublier que la naissance de cette formation remonte déjà à 1977- vous la trouverez facilement sur le net. Bien plus intéressant à savoir, The Police ou plus précisément son reggae blanc a constitué et constitue toujours une référence de choix pour bon nombre de formations pop et rock. La dernière en date ? The Jai Alai Savant. Maintenant, oui ce recueil de tubes est avant tout un superbe cadeau d’anniversaire destiné à offrir à vos (grands)-parents. A moins que vous ne soyez animateur de soirées de communion, de mariage voire de noces en tous genres…
Disque 1 :
"Fallout"
"Can't Stand Losing You"
"Next to You"
"Roxanne"
"Truth Hits Everybody"
"Hole in My Life"
"So Lonely"
"Message in a Bottle"
"Reggatta De Blanc"
"Bring on the Night"
"Walking on the Moon"
"Don't Stand So Close to Me"
"Driven to Tears"
"Canary in a Coalmine"
Disque 2 :
"De Do Do Do, De Da Da Da"
"Voices Inside My Head"
"Invisible Sun"
"Every Little Thing She Does Is Magic"
"Spirits in the Material World"
"Demolition Man"
"Every Breath You Take"
"Synchronicity I"
"Wrapped Around Your Finger"
"Walking in Your Footsteps"
"Synchronicity II"
"King of Pain"
"Murder by Numbers"
"Tea in the Sahara"
Originaire de Leeds, ce quintet enthousiaste a eu la chance, pour sa première sortie en dehors du Royaume-Uni, de jouer aux côtés des adulés Kaiser Chiefs. Un tremplin dont le groupe profite aujourd’hui comme il se doit, en sortant un premier album qui ne s’aventure jamais bien loin du sentier balisé par les ‘chiefs’ et autres survoltés anglo-saxons. Les rythmes sont aussi énergiques que limpides. Les guitares sont joviales. Les refrains s’enchaînent et traversent le disque à la vitesse de l’éclair, pressés de s’imprimer dans nos oreilles. Si on n’y prête pas attention, le repas est avalé en quelques bouchées et laisse très peu d’impressions derrière lui. On gratte donc un peu le fond, histoire de ne pas passer pour un pigeon. Et là, miracle : on se dit qu’on a bien fait de jouer les détectives. L’apparent manque de saveur ne se confirme finalement qu’à moitié, tant on apprécie, ici et là, quelques tonitruants accords ou clameurs faussement répétitives. A fond dans l’air du temps. Mais bien foutu.
Après deux ans de silence radio, Tim Holland aka Sole nous revient sous le pseudo Mansbestfriend pour enregistrer un premier album. Instrumental et sorti chez Anticon (cofondé par... Tim Holland), « Poly.sci.187 » respecte la philosophie du label et brouille les pistes, navigant entre hiphop, electronica et sonorités indus.
Tim Holland nous livre un album aux ambiances épaisses, une œuvre qui doit s'écouter dans son intégralité. Pas question de sortir un ou deux titres du lot, on parle ici d'ambiances, de textures et d'expérimentations qui ne font effet que sur la longueur. Les mélodies sont rares ou cachées derrière un brouillard de distorsion mais leur absence permet aux rythmes, aux textures et aux collages de jouer leur effet hypnotique malgré des morceaux très concis et un recours quasi systématique au fade-out. Bande-son d'un dimanche embrumé à Portland, où sévit Sole, Poly.sci.187 nous entraîne dans ses expérimentations plus qu'il ne pousse à l'écoute attentive. Les quelques voix insérées dans l'ensemble sont d'ailleurs inaudibles et semblent sortir d'un radioréveil mal programmé. S'y côtoient un enfant libanais dénonçant l'invasion israélienne, la philosophe anarchiste Emma Goldman ou des extraits d'une pièce de Brecht. Une oreille vigilante se délectera cependant du travail sur la palette de sons employée et de la multiplication discrète des niveaux d'écoute.
Mansbestfriend ne nous livre certainement pas un disque facile - plus d'un repousseront rapidement cet état anxiogène distillé insidieusement et les ruptures rythmiques parfois brutales - mais les audacieux se délecteront de ce rêve (cauchemar?) éveillé.
Ils aiment le ska, le dub, le punk et le reggae et répondent au nom de Jai Alai Savant (prononcez hi-a-lie sa-vant). Ils ont beaucoup écouté The Police, The Clash, Bob Marley, Peter Tosh, King Tubby, The Specials, Madness et Porno for Pyros. Un trio issu de Philadelphie mais établi aujourd’hui à Chicago. « Flight of the bass delegate » constitue le premier album de cette formation drivée par le chanteur/compositeur/guitariste Ralph Darden alias DJ Major Taylor. Lors de son passage en Belgique, ce dernier nous avait accordé une longue interview. Je vous invite d’ailleurs, si vous ne l’avez pas encore fait, à y (re)plonger. Elle est suffisamment éloquente pour vous faire une idée de l’énorme potentiel affiché par ces musiciens. D’ailleurs, si vous vous rendez au festival de Dour, ne les manquez sous aucun prétexte. Et l’album alors ? Les deux premières phrases de cette chronique sont suffisamment explicites. Suffit d’y ajouter que le timbre vocal de Ralph est proche de celui de Perry Farrell et vous disposez de toutes les infos indispensables et nécessaires…
Dès le premier titre, une nostalgie fascinante, digne de Damien Rice, nous envahit. Une sensation accentuée par le timbre de Yann, chanteur de ce trio français. La musique proposée par Dirge émarge donc au pop/rock. Si le deuxième morceau est tout aussi prometteur, la suite du cd se révèle parfois un peu trop plate et répétitive. En outre, on ne peut pas dire que les parties de batterie brillent par leur originalité. Malgré ces bémols, « Rebecca » évolue parfois aux confins de l’univers de musical de Mud Flow, tout en affichant des caractéristiques extrêmement séduisantes et même émouvantes. On espère simplement que Dirge n’en restera pas à ce stade, et donnera naissance, dans le futur, à de nombreux et somptueux morceaux, dans le style des deux premières plages de l’opus…
Conor Oberst, le cerveau de Bright Eyes, est un monstre sacré, une sorte de légende vivante. Et franchement, on songe à prendre le pari : dans quelques années, les autorités américaines songeront à remplacer la Statue de la Liberté (symbole rendu caduque par l’érosion de l’échelle des valeurs) par un buste de Conor Oberst (nouveau résident new-yorkais, par ailleurs). Sans relâche, depuis ses quatorze ans, l’enfant d’Omaha, dans le Nebraska, étudie les bases de la country folk américaine pour mieux la sublimer. Autant dire que le garçon sortait des disques avant même d’entrevoir ses premières poussées d’acné. « Cassadaga », sixième album de l’éphèbe, marque une nouvelle étape dans la carrière de Bright Eyes. Enfin signé sur une major, Oberst délaisse ses introspections dépouillées pour privilégier la densité et quelques levées instrumentales ancrées dans la plus pure tradition du ‘classic rock’.
Qu’il chante l’amour ou des faits sociaux teintés d’implications politiques, Conor Oberst emprunte toujours cette même voix : chevrotante et gavée d’une foule d’émotions (à faire pleurer les plus réjouis). Et si les premières écoutes sont susceptibles de condamner ce disque à la rubrique des albums écrasés par la banalité, il serait dommage de s’arrêter en (si bon) chemin et de ne pas approfondir les idées avancées par Conor Oberst et ses compagnons d’aventure (au rang des invités, on reconnaît notamment Gillian Welsh ou M. Ward). Car le fil des écoutes se révèle vite des plus précieux. « Cassadaga » est un disque à apprivoiser. Comme la belle pochette de cet album, les subtilités harmoniques se décodent ici avec patience.
L’Amérique a enfanté bon nombre d’artistes (con)sacrés en son cœur : Bob Dylan, Bruce Springsteen ou Woodie Guthrie. Avec des titres comme « Four winds » et « Soul singer in a session band », Bright Eyes rejoint (sans mal) ce lignage patriotique. Préparons-nous déjà à suivre la discographie du bonhomme. Les perspectives sont vastes et toujours réjouissantes.
Le nouvel opus de Bat For Lashes est sorti. En attendant, voici le clip de la chanson "What's A Girl To Do" issue de l’album « Fur and Gold » : http://www.hosting-media.com/fr/player/video/player.html?465945565c5e1e0e0c425944585d1a465809085d1f525645535f43010c415855446e425850191e535759455d415f5502405a59575f1f535c4739&label=capitol&id=205
streams :
title: What's a Girl To Do (Music Video) (QT/H.264 Video)
author: Bat For Lashes
copyright: Parlophone
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title: What's a Girl To Do (Music Video) (Windows & Real Video)
author: Bat For Lashes
copyright: Parlophone
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Les deux premiers titres de « Ton Océan » évoquent un certain Saule. Même timbre, mêmes mélodies légères, mêmes jeux de mots et même humour. Pas étonnant donc que le Montois vienne partager « L’Amour fou » en compagnie de Guillaume Ledent, un sympathique duo pour un des morceaux les plus réussis de l’opus. De l’amour, il y en a beaucoup sur ce cd, comme quand l’artiste parle avec tendresse de la joie d’être parents (« Ma Noceuse » et « 25 à 35 ans »). Mais l’acidité (« Tout va bien », « Pipeau ») et la dérision (« Mac Gyver ») sont aussi au rendez-vous. Si les mélodies oscillent entre airs orientaux, musique des îles, gimmicks rock et rythmes reggae, c’est lorsqu’elles sont les plus dépouillées qu’elles sont les plus charmantes. En effet, la voix douce de Guillaume Ledent, soutenue uniquement du piano (« Paradis ») ou de la guitare sèche (« Roses d’avant ») est l’atout séduction de l’œuvre. Une œuvre qui lorgne manifestement vers des artistes comme M ou Pierre Rapsat. Plutôt plaisant…
Couleur Café, chapitre XVIII ou 18 ans pour un festival assez unique en son genre. Comparé à son petit frère devenu grand Werchter, qui vise un public jeune sur un site pitoyable, se transforme en marécage à la moindre drache et dont le prix d’entrée est devenu exorbitant, Couleur Café (qui pourrait soit dit en passant se redonner un nom un peu moins gnangnan) est un festival devenu adulte. L'heure des bilans? Peut être mais la recette continue de prendre. Il n'y a que très rarement des têtes d'affiche, on ressort des vieux groupes comme UB40 du placard à balais, un petit coup de hip hop, on mélange le tout et on obtient l'activité à inscrire chaque année dans son agenda pour tout Bruxellois réticent à l’idée d’avaler des kilomètres pour se rendre à un festival. Devant faire face à une météo capricieuse, Couleur Café a dû aussi composer à un autre coup du sort samedi soir : l'incendie impressionnant d'un entrepôt qui a conduit les autorités à évacuer 20 000 personnes du site vers 19h. Heureusement, il a rouvert quelques heures plus tard alors que les médias (RTL-TVI en tête) avaient quasi exclu toute possibilité de reprise ce soir là.
Mais venons-en à la programmation: dès vendredi, on a pu voir Live from Buena Vista, autrement dit une version light du Buena Vista Social Club, privé des regrettés Ibrahim Ferrer et Ruben Gonzalez, mais quand même du beau monde, comme Omara Portuondo et Julio Alberto Fernández au chant et 'Rubalcaba' Gonzales et Daniel Ramos Alayo, membres des 'Afro Cuban All Stars', en bonne forme. Bien que les musiciens ont visiblement du plaisir à jouer, la ‘salsa’ ne prend plus tant les regrettés papys faisaient du sacré bon boulot.
La présence de UB40 nous a ramenés 20 ans en arrière. L’indémodable "Food for thought" a entamé le concert de ce groupe phare du reggae blanc britannique. Pour le reste, on aura droit à tous les hits au goût de réchauffé (« Kingston Town », « Red red wine »). Sur scène, on remarque les visages sans âge des deux frangins Campbell, un peu fatigués. Ceux-là devraient rendre les armes fissa sous peine de terminer dans un bal de bourgmestre l’année prochaine…
Un peu plus tard, sur la scène Univers, on jette un coup d’œil sur Kelis et sa coupe de cheveux en avance de cent ans (rasée d’un coté, pas de l’autre). La New-yorkaise se la joue extra-terrestre mais balance ses tubes imparables (« Milk Shake ») à un public chauffé à blanc.
Minuit, et c’est l’heure du Gotan Project sur la scène Titan. Costard blanc impeccable pour Philippe Cohen-Solal et Christoph Muller, entourés de ravissantes violonistes, le concert démarre par « Diferente », tiré du nouvel album qui fait son effet quand le morceau s’emballe sur une boucle rythmique imparable. Des accents kraftwerkiens traitent la voix sur « La Viguela ». Mais le groupe communique peu avec son public, et malgré un dispositif vidéo plutôt impressionnant, l’intérêt s’estompe rapidement. En cause ? Certainement l’heure tardive de passage et le côté plus expérimental du dernier album comparé à la « Revancha del Tango ».
Le lendemain, Rachid Taha ouvre le bal ou plutôt du thé à la menthe dansant, compte tenu de l’heure plus que sage de son passage ( ?!?!?). Tirant profit des nonante minutes qui lui sont accordées, le chanteur envoie la sauce tout au long de son arab’n’roll pas piqué des hannetons. Entre deux chansons, il harangue la foule, semble quelquefois prendre son public de haut et transforme son concert en tribune politique pour défendre la cause des immigrés qui se noient pour entrer aux portes de l’Europe ou pour dédier ses chansons ‘aux pédés, aux lesbiennes, aux Roumains et aux Bulgares’. Voilà qui change des messages politiquement corrects et infantilisants égrenés pendant toute la soirée par les chauffeurs de public de Coul’Caf.
Le reste de la soirée on le connaît. Il y a l’incendie, puis la réouverture des portes à 21h. Ayant été informé d’une annulation quasi-certaine du concert, j’ai quitté les lieux et n’ai pas pu assister au concert de Ziggy Marley, ni à celui de Daan, qui ont reçu des échos positifs dans la presse national belge.
Le lendemain, un trou béant sur un toit et un périmètre de sécurité installé sont les seuls témoins de l’incendie de la veille.
Evènement de la journée, le show de Johnny Clegg. Malheureusement un peu tombé dans l’oubli, le Sud-africain ne déçoit pas. Sa musique évolue toujours entre folk, pop et danse traditionnelle sud-africaine. Il prend aussi à témoin le public, réfugié sous le chapiteau pour fuir la pluie torrentielle, pour dénoncer la situation dramatique dans son pays : tant sur le plan de la criminalité et du sida, malgré une réussite économique toute relative.
Un peu plus tard, dans la salle de presse de l’espace VIP, j’entends une confrère téléphoner son article : ‘Après le feu, la pluie…’ Un peu cliché mais vrai. Je me démène comme un beau diable afin de renégocier mon photopass afin que celui-ci me donne accès en front-stage lors des derniers concerts de cette édition 2007.
J’obtiens l’autorisation de photographier Horace Andy et ses magnifiques tresses blanches. Apparu sur la scène reggae au début des années 70, son falsetto suave est une des plus belles voix de la Jamaïque. Massive Attack lui dresse un piédestal dans les années 90 en lui permettant de participer à de nombreux morceaux de son premier album et surtout chef-d’œuvre, « Blue Lines » ; notamment « One Love », une compo reprise dans la setlist, ainsi que « Skylarking ». L’artiste se montre généreux à l’égard des photographes qui ont la permission de photographier l’intégralité du concert.
Un peu plus loin, les Belges de Joshua retiennent mon attention. Très énergique, sa prestation mêle électro et hip-hop.
Sur la Petite Rue du Bien Manger (Pas Brûlé s’il vous plaît) j’avale un couscous cher et peu savoureux.
Les conversations attrapées au hasard sous-entendent que nombreux sont ceux qui attendent la venue de The Roots sur la scène Univers. Pour un groupe de rap, la présence de tant d’instruments (tuba, guitare, basse, batterie, percussions) impressionne. Leur musique, d’ailleurs qualifiée de hip-hop orchestral, révise les préjugés liés à ce style en alliant mélodie, rock et soul.
La soirée s’achève sur le reggae dancehall de Sean Paul et un set très réussi de DJ Mehdi.
La voie est ouverte à une nouvelle génération de musiciens et moi à vrai dire, je me sens un peu largué en affichant mes 37 ans…
« Satellites », le deuxième album de Hollywwod P$$$ Stars paraîtra le 28 août prochain. Il a été enregistré sous la houlette de Christine Verschorren aux studios Caraïbes célèbres pour la chaleur de ses bandes analogiques. 16 titres mixés à Seattle par le sorcier culte de l’indie américaine, John Goodmanson (Hot Hot Heat, Blond eRedhead, Von bonides, Death Cab For Cutie). La foramation entamera sa tournée de concerts par le Pukkelpop et on la retrouvera dans le cadre des nuits du Soir.
Liste des morceaux de l'album "Satellites" :
1) Andy
2) Islands
3) The fugitive
4) Crimes
5) Ben's dead
6) Young girls
7) Diamond
8) Walking cash machine
9) Perfect storm
10) I want you
11) Calling ghosts
12) There's a god
Pour plus d’infos : http://www.hollywoodpornstars.be/nt.html
Après avoir écoulé 500 000 exemplaires de son fougueux « A Certain Trigger », la formation britannique avait devant elle une porte béante sur la gloire. Pourtant, l’objectif était ailleurs. ‘Préciser notre identité’, avoue le leader Paul Smith qui, pour rappel, avait été repéré en 2001 par ses futurs compagnons dans un bar karaoké (où il reprenait le « Superstition » de Stevie Wonder). Enfants des Beatles, neveux des Libertines et admirateurs de Franz Ferdinand, nos quatre gars de Newcastle frappent tout simplement un grand coup, en se livrant corps et âme dans cette armada tonitruante de chansons vigoureuses et éclatantes de limpidité. Le single « Our Velocity » ne ment donc pas : on y trouve la force et la grâce que l’album distille tout au long de ses 12 travaux. Un choc à la fois sauvage, fragile et engagé.
Enregistré à Mexico en 2006, ce Dvd a été immortalisé par David Barnard, un personnage qui a déjà travaillé pour Gorillaz et Björk. Pas d’impro ni de solo, mais simplement un tracklist partagé entre nouveaux titres et compos incontournables dont une interprétation fastueuse du célèbre « Go West », en finale. Un enchaînement de tubes qui pourrait être considéré comme un hymne aux couleurs gay. On retrouve ce mélange de froideur et de chaleur qui caractérise le son et l’image du groupe, sur disque comme sur scène. Une structure cubique lumineuse mobile sert à la fois de piste de danse, d’écran de projection et meuble également la scène. Ce qui explique le titre de ce Dvd. Une flamboyance visuelle kitsch au cours de laquelle les tenues militaires brandissent le ‘rainblow flag’ et les cowboys rivalisent de clinquant.
Mais qui d’autre que notre ami Benjamin, grand fan de la première heure, était le plus susceptible de donner son avis sur la sortie de ce Dvd ? Je vous le demande ? Il se voulait ainsi plus qu’optimiste après avoir parcouru de bout en bout cette mise en boîte du dernier ‘live’ des PSB. Voici donc ce qu’il en pense…
Après avoir enregistré « Performance, Discovery, Nightlife » et « Release Tour », « Cubism » démontre une nouvelle fois la maîtrise scénique manifestée par Neil Tennant et Chris Lowe. En effet, ce film qui relate leur dernière tournée allie parfaitement image et son. Le visuel scénique, complet mais sans excès, atteste une fois de plus que les Pet Shop Boys restent prophètes dans leur art. Basé essentiellement sur les chansons de leur dernier album, en l’occurrence le très abouti « Psychological », « Cubism » se veut une démonstration de savoir-faire de nos deux compères. Leur prestation prend ainsi une noble dimension artistique. N’hésitant pas à rester dans l’ombre, c’est en effet dans la puissance de leur musique et dans la magnificence du vocal que le duo cherche la reconnaissance du public. Après avoir récemment travaillé en compagnie de Robbie Williams et de Madonna, les Pet Shop Boys prouvent une nouvelle fois, par ce Dvd, qu’ils sont incontournables en matière d’électro-pop’.
On l’a bien compris à travers le commentaire de notre ami Benjamin, les fans ne seront pas déçus…
Tout commence en 2001 à la London’s Westminster University. A cette époque, les deux comparses Mathieu Gendreau et Pieter Van Dessel, ne sont que compagnons de classe. Etudiants en Production Audio, leurs goûts communs pour la pop électronique vont les rapprocher un peu plus encore. La naissance de Plastic Operator prend forme. Malgré tout, les études finies, chacun vaquera à ses occupations professionnelles : ingénieur du son à Londres pour Mathieu, et sound-designer pour le cinéma et le théâtre à Anvers pour Pieter. Le couple ne s’est jamais vraiment séparé artistiquement, et c’est en 2004 que le fruit de leurs efforts apparait sous forme d’une démo 3 titres. Démo remarquée dans le milieu et agréablement accueillie par les blogs musicaux. Les félicitations pleuvent et les e-mails d’encouragement du monde entier débordent de leurs boites mails. Il n’en fallait pas plus pour les motiver et commettre un excellent elpee 11 titres : « Different Places ». Revendiquant des influences qui oscillent de Jean Michel Jarre à Vangelis en passant par Boards of Canada et Daft Punk, ce groupe est responsable d’un mélange vintage/pop electro, base d’un pilier bien stable, voué à progresser vers le haut. Les sons rétro des machines sont alimentés en énergie par des effets rythmiques contemporains. Evoquant tantôt à Ms John Soda, tantôt Telex, soutenu sans être écrasant, rythmique sans être redondant l’ensemble de l’album communique bonne humeur, énergie et envie de bouger. Un album electro/pop frais, idéal en prévision de la canicule prévue pour cet été…
Peu d'entre vous le savent, mais Martin Pugh était le guitariste de Steamhammer, un groupe anglais issu du british blues boom des sixties. Ce band avait commis un excellent titre en 1969, "Junior's wailing", une chanson qui sera reprise plus tard par Status Quo. Il s'est établi sur la côte ouest en Californie il y a un bon bout de temps et collabore avec Steamin' Stan Ruffo, depuis une dizaine d’années. Ce chanteur/harmoniciste local anime, en outre, un radio show particulièrement populaire : ‘Blues on Tap’. Le duo a concocté ce disque en y collant modestement le sticker ‘Modern blues with reverence for tradition!’
Pour chauffer le public, Martin Pugh s'embarque dans son "MP's Hide Out", une compo largement inspirée par le fameux "Hide away" de Freddie King. Stan lui donne la réplique sur son harmonica Lee Oskar. Les deux amis se plongent ensuite dans le style cher à Slim Harpo, à travers un funk léger intitulé "Just my luck". Une compo caractérisée par quelques bruitages désopilants et abrasée par la voix nasillarde de Stan. Les deux solistes sont très talentueux. Ruffo est également saxophoniste et sa manière de souffler dans l'harmonica en est une parfaite démonstration. Plage instrumentale, "No pork tonight" se révèle aussi atmosphérique que mélodique. Et le rôle des claviers aériens n’y est pas étranger. Stan interprète d’une voix grave "Ruffo's ride", un morceau humoristique. Blues de bonne facture, "Breakfast on Beale" nous ramène du côté de Memphis. Bien en place et d’une grande pureté, le cordes de Martin se dressent face à l'harmonica chromatique de Stan, pendant que l'orgue Hammond donne une coloration locale. Ruffo chante le récréatif "Pot Belly pig". Nous sommes à mi-chemin entre la Louisiane et le Tennessee. Un fragment au cours duquel les six cordes limpides de Pugh se détachent. L’ambiance est de plus en plus porcine. Et dans le cochon tout est bon. "Pork ribs" (un instrumental) s’avère même excellent ! Stan est passé au saxophone et il en profite pour transpercer l'écran sonore. Le titre final est également instrumental. Une longue plage qui porte bien son nom : "Torn pages". Martin Pugh feuillette les pages écornées de son album personnel. Des guitares réverbérées ouvrent la compo dans un style rappelant les dernières années d’existence de Steamhammer, lorsque le combo avait viré du blues rock au hard rock progressif. On distingue même, lors du passage d'un collage à l'autre, le thème de "Junior's wailing". Sans prétention, cet opus reproduit simplement les aspirations de deux instrumentistes qui aiment avoir le champ libre pour développer leurs propres idées…
Pour ce troisième album, le petit génie du hip hop anglais (22 ans à peine) accouche de son œuvre la plus pop et dansante à ce jour, toutes proportions gardées. Vous n’y trouverez certes pas de duo en compagnie de Céline Dion mais l’atmosphère générale de « Maths+English » est très éloignée de l’aridité électronique présentée sur le précédent « Showtime ». Dizzee Rascal s’amuse ici à sampler les Arctic Monkeys, produit un duo imparable (et futur tube) en compagnie de Lilly Allen et parvient à faire sonner frais le break ultra pillé du « Think » de Lyn Collins (sur « Pussyole »). Parmi les autres réussites, on citera « Da Feelin’ », sautillant hommage à la drum and bass produit par Shy FX, un des meilleurs dans le genre. Sur l’introspectif « Excuse Me Please », Dylan Mills (le vrai nom de Dizzee) tombe le masque et cesse de rouler des mécaniques. Par contre et dans le rayon éprouvant/inutile, on rangera « Suck My Dick », triste pantalonnade qui parodie les Sex Pistols. A oublier aussi, l’apocalyptique « Sirens » et son déluge de guitares heavy metal. Dans la pure tradition des artistes hip hop qui ont des choses à vendre, Dizzee essaye de nous fourguer, sur « Bubbles », la paire de baskets qu’il a ‘designée’ pour la marque Nike : ‘Nike Air bubbles on my feet looking fresh’… Hormis ces quelques remarques, c’est un disque totalement audacieux et peut-être le dernier sursaut de l’artiste avant qu’il ne se mette à vendre son merchandising à longueur d’album. Sans oublier le flow tout terrain du gaillard.
Les Rounders sont issus d'Oklahoma City. Un quintet réunissant Brian Whitten au chant, Ryan Taylor et Michael Stone aux guitares, Stu Williamson aux percus ainsi que Dave Spindle à la basse. La formation du groupe remonte à l’an 2000. A cette époque, elle avait décidé de tourner le dos au Texas blues démonstratif pour puiser ses influences dans celui du Delta et de Chicago. Leur tout premier album, "Little bitty can of worms", est paru en 2003. Le suivant, "Now-a-day songs", en 2004. Ryan Taylor en est incontestablement le leader, puisqu’il a écrit les treize plages originales de "Wish I had you".
"God knows I'm trying" nous transporte immédiatement dans l’univers du Delta du Mississippi (les sonorités !) ; mais un univers contemporain et très personnel. Une plage qui fait déjà mouche. Le titre maître constitue manifestement un des sommets de l'opus. La voix de Brian colle parfaitement à ce répertoire. Bien imprégnées de blues, les guitares tissent un décor très dense et riche. Les cordes adoptent surtout un profil rythmique mais la puissance de feu est peu banale. L'album ne suscite jamais l’ennui et manifeste une grande homogénéité. Les Rounders se sont forgé un style de base qu'ils développent suivant leur inspiration. Parfois, leur musique aborde un profil plus doux et mélodique et prend des accents qui flattent l’oreille. A l’instar de "You know better than that". Les guitares évoquent alors le southern blues rock des Allman Brothers. Signé par les gratteurs, "Through no fault of my own" est un autre sommet de l'elpee. Puissant, menaçant, ses changements de rythme sont marquants. La voix épouse bien le climat entretenu par l’instrumentation ; une instrumentation enrichie par l'harmonica éclaté de Dustin Arbuckle (la moitié du duo Moreland & Arbuckle), invité pour la circonstance. Une véritable claque ! "When it's bad" est également un autre grand moment de l’œuvre. Les guitares s’y révèlent littéralement oppressantes. "Let me talk at you" est taillé dans le même moule, encore que ce fragment se révèle plus rock dans l'assise rythmique, laissant le champ à des guitares déjantées. Les Rounders abordent avec le même bonheur des plages plus country. Et je pense tout particulièrement à "Oh my dear mind", une compo imprimée sur le rythme du chemin de fer. Ou encore "Oh why". Musclé, "When it's bad" déchire. Les guitares sont incisives et envoûtantes. Une plage dont la trame repose sur un drumming tout à fait élémentaire. Le talentueux harmoniciste Dustin Arbuckle revient prêter main forte au formidable "Wait for me". Une compo très participative au cours de laquelle les guitares se libèrent. Et elles profitent de l’aubaine. Blues imparable, "It wasn't my baby" adopte un format classique. D’excellente facture, cet elpee s’achève par un "Goodbye George" qui a emprunté les accents du Delta…
Tabernacle ! Revlà Montag ! Il lui a fallu un an, de janvier 2006 à janvier 2007, pour construire, coller, fragmenter, épaissir, tailler, refragmenter ‘at home’ sa troisième pièce. Au pays de la feuille d’érable, Montag est un poète musical, proposant des univers posés sur du velours, colmatant de sa douceur les brèches ouvertes de la morosité. Comme pour aller plus loin encore, il décide après ses deux premiers albums muets, de l’agrémenter de sa voix. En parfaite harmonie avec l’ambiance proposée, cette dernière résonne à la perfection dans l’univers pop joyeuse de l’artiste. Reverb’ et effets distos pourraient faire peur, tant l’utilisation parfois excessive de ces outils au chant, a tendance à se dénaturer sans goût. Mais pas d’excès ici, tout coule fluidement malgré les machines associées au micro. Pour un premier essai chantant, c’est une réussite. En parfait bilingue, deux morceaux sont interprétés dans la langue de Voltaire (« Alice » et « Plus Grand Que »). Les collaborations sur chaque plage, sont des atouts non négligeables pour l’ensemble de l’album. Et c’est soucieux de la qualité, de la diversité et du partage, que Montag aka Antoine Bédart a une idée saugrenue et altruiste : proposer via son site une boucle de 15 secondes, inspirant artistes, inconnus ou fans à leur envoyer, à leur tour, une boucle personnelle de même longueur pour les remixer ensemble. Et ça marche ! Plus de 70 sons en une semaine en provenance de 15 pays différents viennent remplir son panier musical, le projet de cyber-collaboration musicale intitulé « We Have Sound » est une réussite qui va au-delà des espérances. Tous les envois ont été utilisés et tous les sons sont intégrés au morceau « Going Place ». Nom qui sert aussi de titre à l’album. Générosité, partage, calme et volupté sont les maîtres mots qui résument à la perfection, les émotions gravées sur cet opus. Album à acquérir absolument si ces mots ne vous effraient pas !!
‘La lumière revient déjà et le film est terminé, je réveille mon voisin il dort comme un nouveau né’ nous chantait Eddy Mitchell. On pourrait en substance dire pareil pour Projection Parallèle: long et soporifique. Présenté sur le thème du cinéma, le concept graphique est certainement la seule réussite de cette plaque bruxelloise (graphisme réalisé par Narco Traffic). Belle pochette donc, photos intérieures très réussies, l’emballage attire. C’est l’intérieur, le fond pour lequel la démarche visuelle n’a plus d’influence; c’est le conduit auditif qui souffre de la qualité. Non pas que l’album soit mal mixé ou que la qualité du son laisse à désirer. C’est carrément l’ensemble du beat et des paroles qui est indigeste. Des textes plats sur du Rn&B bateau, c’est du beau. Ca ressemble à de la mauvaise musique de peep-show, que vous pourriez entendre aussi à travers les vitres ouvertes d’une voiture hypra tunnée et subwoofée avec ‘goût’. C’est Same Same qui produit au sein de sa fraternelle asbl les 14 morceaux + bonus clip dvd (que je n’ai pas eu le courage de regarder). On décèle une envie d’intimité, de témoigner de leurs soucis, leurs questions, leurs croyances. On ne peut pas jeter la pierre aux artistes, on sent qu’ils y croient, et qu’ils sont sincères. L’apparition de leur clip sur MCM, leur passage sur Fun radio, et la tribu d’ados qui les suivent à chaque concert ont de quoi les motiver à continuer –hélas- sur ce chemin. Il y a donc un public –de d’jeunes semblerait-il- pour les écouter et leur témoigner tout leur support. Faudra pas m’en demander autant !
A ce jour, Michael a enregistré 6 albums : trois comme chanteur/guitariste chez Dream City Film Club, trois en solitaire. Dont le dernier en date « Ghost in the motorway » est paru chez Glitterhouse. Rien que la chanson maître de l’album vous donne une petite idée du climat qui règne tout au long de l’opus. Elle relate l’histoire d’une victime d’un accident de la route. Histoire fatale, vous vous en doutez. Et la suite se passe de commentaires. Même le titre de l’elpee. Un disque qui ne respire pas la joie de vivre, même si Michael manie avec beaucoup d’habileté l’humour noir. Il passe ainsi en revue, à travers ses compos, des sentiments de culpabilité, de revanche ou de pardon traçant une ligne imaginaire entre le profane et le sacré, entre l’enfer et le ciel, entre la vie et la mort. Il ne faut pas oublier que Michael est irlandais et que malgré son exil aux States, les questions relatives à la religion continuent à torturer son âme. C’est sans doute ce qui fait la beauté et la profondeur de ses chansons qu’il interprète d’une voix rauque, vulnérable et tellement fragile. Musicalement, Sheehy se nourrit essentiellement de blues, de gospel (les chœurs !), de folk et de country tout au long de cet opus pour lequel il a reçu le concours de quelques invités ; et notamment son frère et guitariste Patrick McCarthy, la violoniste Fiona Brice, l’ex bassiste de DCFC Andrew Park ainsi qu’Ed Harcourt. A conseiller vivement à ceux ou celles qui ne jurent que par David Eugene Edwards, Stuart A. Staples, Nick Cave, Tom Waits voire même Johnny Cash.
Pour concocter son premier opus, Jeremy Warmsley a compilé des chansons issues de ses cinq premiers opus. Une œuvre qu’il a divisée en deux parties, un peu comme sur un vinyle. La première réunit des compos essentiellement acoustiques alors que la seconde s’aventure davantage dans l’électronique. Ou si vous préférez, il y a un peu d’électronique dans la première partie et un peu d’acoustique dans la seconde. Il émarge donc au folktronica. Et lorsqu’on écoute ses chansons, des tas d’artistes ou de groupes nous traversent l’esprit : les Beatles, Bright Eyes, James, The Divine Comedy, Magnetic Fields, Ben Folds Five, Sufjan Stevens, Antony & the Johnsons, They Might Be Giants, Mull Historical Society, Aphex Twin, Ryan Adams, Nick Drake et surtout Rufus Wainwright. Agé de 22 ans ce Franco-britannique tire ainsi parti de tout ce qui lui tombe dans l’oreille pour composer une pop contagieuse, mélodique, tantôt orchestrale, tantôt minimaliste, tantôt ambient. Une musique assez surprenante mais toujours chatoyante qu’il pimente de son timbre vocal falsetto, à la croisée des chemins de Tim Booth et évidemment de Rufus. Fermement établi dans l’âge digital, ce troubadour des temps modernes constitue une des toutes bonnes surprises de ce premier semestre. Il lui restera donc à convaincre en enregistrant un véritable album constitué de nouvelles chansons. Mais vu le talent affiché sur « The art of fiction », le succès est au bout du chemin… Et ce n’est pas une fiction !
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