Il y a quelques mois déjà que le nom de Death Vessel circule dans les circonférences mélomanes les plus alertes. ‘L’album est magnifique paraît-il ! Le chanteur, c’est un gars, un Américain, il s’appelle Joel Thibodeau. Il a joué en première partie de la dernière tournée de Low. Et c’est tellement bien que le prochain album sera signé chez Sub Pop. Ouais, le label de CSS, de Mudhoney et de The Shins. Dingue, non ? Certains disent même que ce groupe va retourner les récentes habitudes du renouveau folk !’ En glissant l’album de Death Vessel dans le lecteur, le premier réflexe de tout auditeur sera de vérifier qu’un échange malheureux de boîtier ne s’est produit au magasin… Car, oui, ce type chante comme une fille ! Ici, on ne parle pas d’androgynie à la Anthony. Non, vraiment, Joel Thibodeau a une femme au fond de la gorge, une tessiture de gonzesse sans commune mesure (sur ce coup-là, même Christophe Willem est battu à plate couture).

Après avoir digéré cette surdose de féminité enchantée, on se laisse entraîner à travers les dix paysages dessinant « Stay Close », premier album poétique et lyrique, mélodique et gentiment nostalgique. Les chansons sont courtes, efficaces, hésitant toujours entre les détours boisés du folk et le confort de la country nationale. Et, paradoxalement, on se retrouve confronté à un tout bon disque de pop, orchestré de banjo, de mandoline et de maracas. Pour peu, on oublierait presque de signaler que Laura et Meg Baird d’Espers viennent chanter dessus. Mais bien malin, celui –ou celle– qui parviendra à discerner les voix de ces deux-là !

Grand Island est l’histoire d’une boîte de Pandore qui explose à la figure de Candide. Des banjos contorsionnés font l’école buissonnière, et l’émotion folk se métamorphose sans complexes en indomptable punk-rock. D’emblée, les racines norvégiennes tombent en poussière devant ce rythme hybride à l’allure plus américaine que scandinave. Dans un tour de main surprenant, les frères Gustavsen et Brodersen vont et viennent entre un héritage folk appalachien et des emprunts aussi lunatiques qu’excentriques.

Sur « Love is a dog from hell » planent les sonorités 70’s, tirées par des orgues hammond surexcités et la voix d’un Tom Waits pressé; « Fountain » surprend par son rock garage 90’s acheminé par des cuivres à la solennité guerrière. « Set your house on fire » substitue aussi naturellement de tremblantes vocalises rappelant le Devendra Banhart de « Oh me o my » en roulements de batterie aux influences métal. « Good enough » continue de puiser dans l’incongru en explosant dans un punk effréné après avoir aligné coup sur coup les banjos bien country, les chœurs gospel, et l’émo-rock écorché de Dinosaur Jr. Zéro complexe, comme sur le dernier morceau où une voix tremblante à la Eels est instantanément transfigurée par des guitares zélées, sur lesquelles flottent les backing-vocals d’une invraisemblable Enya sous exta. Chaque morceau semble ainsi parcourir l’encyclopédie de la musique, juxtaposant sans transition évidente des intermèdes issus des répertoires les plus inattendus. En ressortent 11 titres de girouette à la fois fiévreuse et nonchalante; et c’est précisément dans cette urgence bordélique façon Go team que les Norvégiens se rendent les plus sympathiques. « Say no to sin » est sans conteste un album curieux et imprévisible. Il reste que ces changements d’humeur peuvent faire surgir l’impression d’une succession d’interludes qui n’en finit pas d’être transitoire. On sera capable d’en perdre la tête, s’y abandonnant volontiers pour ces morceaux festifs où l’autodérision déclenche un franc sourire, moins volontiers lorsqu’ils tombent dans un cliché power pop -comme c’est le cas du single « Us annexed »-, acheminant un riff captivant et prometteur en refrain-tube déjà (trop) familier. Mais au-delà du pointilleux, Grand Island séduit par son énergie délicieusement addictive, irrésistible pour qui apprécie l’improbable folk endiablé.

Bien que réputé pour son style jump blues, Rusty est un guitariste talentueux issu de la West Coast. Etabli à Oakland, il est remarqué dès son plus jeune âge et accompagne des gloires du blues comme Snooky Pryor ou Jimmy Rogers. En 1990, il bosse pour Mark Hummel et ses Blues Survivors. Plus tard on le retrouve dans le backing band de Kim Wilson ou encore en tournée avec Little Charlie and the Nightcats. Rusty enregistre deux albums personnels sur le label Black Top : "Sittin' & waitin'" en 1996 et "Confessin'" en 1999. Et un pour Alligator en 2000 : "The chill". Il signe enfin "Zinfideily Vol 1" pour le label indépendant Bad Daddy, en 2005, un elpee qui s'éloigne déjà du blues. L'homme compte en effet plus d'une corde à son arc. Il est également chanteur, compositeur, producteur et parvient encore à nous surprendre. Mais il est vrai qu'il n'a encore que 37 ans. Ce nouvel opus propose un cocktail de reggae et de soul, un cocktail auquel il apporte une touche blues. Le reggae est une musique faite pour danser et vibrer. Elle ne laisse pas souvent d'espace à la liberté et à l'improvisation instrumentale ; et c’est justement ce qu’apporte Mr Zinn. Une passion qu'il partage, paraît-il, avec Marc ‘Tee’ Thijs.

Dès "She comes from nothing", nous pénétrons dans le monde du reggae. Toute la sensibilité de cet artiste transpire de cette compo. Sa guitare se libère en toute simplicité ; mais le résultat est impressionnant tellement il demeure dépouillé. "The world is in rewind" s'enfonce encore davantage dans la pureté du reggae. La section rythmique s’y révèle remarquable. En l’occurrence Randy Bermudes à la basse et surtout Adam Goodhue et Santa Davis aux percussions. Une condition indispensable lors de l'exécution de cette musique exotique. Pour chanter, Rusty bénéficie du concours des chœurs féminins d'Angila Witherspoon et Jessica Burnor. Imprimée sur un tempo très lent, "Just take your time" est une superbe ballade soul. Rusty ne jouit pas d’une voix puissante mais il chante très juste et l'exercice est ici irrésistible tant il vit cette chanson. Il y injecte toute sa sensibilité. Ce cocktail de reggae et de soul est remarquable. Une musique qui s'écoute au cœur d’une atmosphère très relaxante, une atmosphère propice aux messages d’espoir, d'amour et de paix. "Everytime I see a rainbow" en est une belle illustration. Une chanson folk envoûtante! La guitare très inventive mais également incisive s’affiche face à la basse de Fully Fullwood et la guitare rythmique de Tony Chin, deux anciens membres de la formation de reggae Soul Syndicate, sur le très significatif "Reggae my blues away". Une seule reprise, mais c’est une surprise : "Can't take my eyes off of you", un classique de la musique disco. Signé Frankie Vally, il est ici revisité à la sauce reggae, et rehaussé par la présence de Bob Welsh aux claviers. Etrange et bien ficelé! « Reggaeblue » n’est pas un disque de blues ; néanmoins il est intéressant de bout en bout. Aussi bien pour "My God", caractérisé par le mariage entre guitares électrique (Rusty) et acoustique (Tony Chin) que "The day after", au cours duquel il échange ses vocaux avec sa copine Angila.

Et de 6 pour Jack, rajoutant ainsi un trait à ses lignes blanches. Après des vacances passées en compagnie de ses potes des Raconteurs et les voyages associés, le revoilà debout, à côté de sa moitié, main dans la main, pour reprendre le drapeau ‘love rock couple’. Le plus joyeusement possible, semble-t-il. Ni scène de ménage, ni querelle, le couple commet ici un son pur-rock énergique. Peut-être est-ce là une thérapie de couple : taper toute son énergie dans les cordes afin d’éviter la vaisselle cassée. Ce serait peut-être un peu trop simple de résumer « Icky Thump » par une description aussi légère ; mais force est de constater qu’après 7 ans et 6 albums, leur création doit quand même bien provenir d’une inspiration réciproque profonde. Toujours à l’affût du bon son, Jack a collé des cornemuses et des trompettes. Peut-être reçues, en cadeau d’anniversaire de mariage.

Cette production, ces morceaux déjà diffusés tous azimuts, ne feront pas oublier le début de la carrière de White Stripes. Ce début où l’association frappait juste et fort. Ce début où la surprise et la qualité s’associaient. Dire qu’« Icky Thumb » n’est pas un bon album serait mentir. Ce serait même bouder son plaisir. Il est juste dommage que ce soit celui de Jack & Meg. Un album de plus qui n’apporte rien de nouveau au groupe depuis « Elephant », paru en 2003. Décidément, quand vont-ils faire évoluer un peu plus radicalement leur univers ? Un peu trop conformistes les White ?

Je te tiens, tu me tiens par la barbichette… C’est un peu à l’image de ce jeu faussement enfantin et délibérément cruel que l’on peut associer « Paper Sky ». Derrière la pochette à l’aquarelle et aux marqueurs caractérisés par des tons délavés, se cachent monstres, cruautés, pertes et fracas. Non content d’afficher sa légendaire barbe, l’ami Weaver se permet de commettre un cinquième album aussi gris que les précédents. Clairvoyants et pertinents, les arrangements consolent la tristesse générale par de fabuleux traits d’enthousiasme. Les cordes des violons et pianos s’amusent à croiser celles du banjo. Les effets discrets sortant des machines électroniques s’associent aux lignes des accords pour relever le tout. Les créatures ubuesques qui rôdent entre les lignes de textes semblent se délecter du malaise qu’elles procurent. Laissant comprendre qu’ils ne sont que le reflet de nos vies. Tel un miroir sans teint, on observe sa propre image en se sachant à son tour observé. Pourtant Ben n’est pas glauque, ni malsain. Il observe ses congénères et interprète leur comportement avec son ressenti et sa sensibilité exacerbée. Un album déconseillé aux dépressifs, mais qui laisse un parfum de réflexion tout aussi sournois que réfléchi.

Depuis quelques années, l’essor musical de la Flandre s’est catapulté à des années lumières de nos petites prétentions nationales. Sans le savoir, la Belgique enfantait un label pointu, innovant, captivant, adulé des critiques internationales : (K-RAA-K)3. Ce tourbillon artistique déployait ainsi une nouvelle approche musicale, un sens de l’éveil permanent, mettant nos sens et nos sensibilités à l’épreuve. Pour l’heure, le label lâche un disque sublime : « Shallow Water Blackout », deuxième album de Tuk, pseudonyme croustillant derrière lequel se cache le remuant Guillaume Graux, graphiste, vidéaste et bidouilleur allègre. S’il est ici question d’electronica, l’expérimentation dépasse de loin la fiction. Grand protagoniste de cette échappée spatiale, le laptop détient les clefs des circuits vitaux d’une musique qui doit autant aux impulsions organiques que mécaniques de son géniteur. Les microsamples se suivent et se retranchent derrière une multitude d’effets : bombardement de clicks et de cuts syncopés, beats granuleux à souhait. Pas loin des échappées de Fennesz, cet album de Tuk dispose de toutes les cartes en main pour devenir la pierre angulaire d’une électronique cérébrale teintée de noir, de jaune et de rouge. Une expérience à ne manquer sous aucun prétexte.

‘Pour apprendre quelque chose aux gens, il faut mélanger ce qu'ils connaissent avec ce qu'ils ignorent’ dixit Alfred Hitchcock. Paul Dickow aux voix, instruments, fûts et programmation, semble suivre fidèlement cette ligne de conduite. A la fois funk par sa guitare, electro par les beats et les claviers, acoustique par des claquements de mains et dub dans sa douceur. Le style electronica ambiant de « Future Rock » semble remonter en se collant aux parois, le bord d’un tuyau où s’échappe des effets reverb’ à l’infini. Aligné dans la collection de Kranky (Deerhunter, Autistic Daughters, Jessica Bailiff, …), « Future Rock » prend des allures de laboratoire où le rock se fait discret pour ne suivre qu’un chemin unique en harmonie avec la voix robotisée de l’auteur. Tel un sudoku version expert, les éléments prennent place là ou nulle part ailleurs ils n’auraient pu se trouver. Si la structure est aérienne, on repose de temps à autre les pieds sur terre afin de profiter d’un rebond jouissif qui mènera encore plus haut. Une excellente plaque, pleine de surprises, propice à l’envoûtement, bénéficiant d’un nom de scène et d’album tout à fait adéquats. Résumé parfait de mixtions longues de 57 minutes.