Après avoir séduit le public irlandais avec leur gentil punk-rock (« Wired to the moon », « Death of a DJ »), Michael Daniel O'Donnell, Rory Gallagher et John McIntyre, alias The Revs, changent de line-up et partent à la conquête de l’Europe. Premier single issu de leur nouvel album éponyme, « Time slippin’ » confirme le changement : d’une musique proche de Sum 41 ou Busted, ils jouent désormais dans la cour de Snow Patrol ou Saybia. Certains morceaux même (« Streets », notamment) rappellent franchement ceux de Franz Ferdinand. Et cette dernière comparaison n’est pas si surprenante : à la production de cet album, on retrouve Stefan Kvarnström et Jens Lindgård (ceux-là mêmes qui avaient déjà sévi sur le premier album de Franz Ferdinand). Pour l’enregistrement, le groupe a également fait appel à Danton Supple, qui a travaillé, entre autres, sur le dernier album de Coldplay, « X+Y ». Le résultat de ces collaborations est un disque assez classique. Avec des plages plus rock (« Take it all back », « You shine », « Every monkey ») ou des ballades pop (« Here’s where the conversation ends »), The Revs ne renouvelleront pas le style mais combleront certainement les fans du genre.
Sur "Songs the animals taught us", Kent Lambert, cerveau de Roommate, n’hésite pas à dresser un portrait cynique de l’Amérique à l’heure d’aujourd’hui. Sa musique, héritière de celle de Xiu Xiu, mais aussi de groupes tels que M83, n’est pas sans rappeler l’électro pop de Postal Service, en plus décousu, en plus éclectique. En faisant intervenir de multiples instruments (basse et batteries, bien sûr, mais aussi une scie, un xylophone ou encore un banjo), la mélodie se noie parfois dans un brouhaha agaçant. Heureusement, la voix de Kent réussit souvent à sauver les morceaux aux multiples subtilités. A travers cet album, Roommate questionne les angoisses et les contradictions de notre culture occidentale. Les thèmes de l'économie ou de la guerre, de statut social ou de jeune amour sont abordés sous forme de petites fables dont les protagonistes sont typiques d’un monde à l’ère de Bush : des profiteurs de la guerre ou des travailleurs middle-class qui s’inquiètent de l’économie (la reprise de Big Head Todd & Monsters, "Dinner with Evan", est à ce titre parfaitement cohérente sur cet album). Le meilleur exemple du dilemne ‘roommatien’ figure sur "Typhoon", en ces mots: ‘How much luxury would it take to kill me/and how much of your breath would it take to fill me/and how much love will save me ?’ Idem pour la fausse partie de Nintendo de "Status hounds": ‘We hate the richs/but we might get rich/maybe hate will make us rich’. Un disque intelligent et pertinent.
Depuis qu’il a enregistré son premier album en 2005, Maxïmo Park tourne inlassablement. Et, apparemment, son planning de concerts est à nouveau impressionnant. Fin de l’année dernière, le quintet a donc décidé d’immortaliser cet exercice de style qu’il semble apprécier tout particulièrement. Le 10 décembre 2005 dans leur ville natale de Newcastle et le 17 février 2006 à Brixton. Filmé en noir et blanc, ce dernier spectacle contient deux compos qui ne figurent pas sur leur album : « Fear of falling » et « I want you to leave ». Deux sets qui ont servi de base à l’élaboration de ce DVD. Le film reproduit parfaitement l’énergie dispensée par la formation sur les planches ; une énergie exacerbée par le vocaliste/showman Paul Smith. Ce support recèle également six morceaux issus de sessions accordées à la BBC, trois autres concédées à AOL et une interview de 20 bonnes minutes consentie par Paul et Duncan pour la radio locale de Brighton ; sans oublier les six vidéos promotionnelles tournées par le band. Seul petit bémol, la navigation du DVD est plutôt difficile à la détente et sur PC, certains programmes refusent carrément de lire le support. Le CD audio propose 9 plages encore issues de sessions accordées à la BBC dont une adaptation assez étonnante du « Shiver » de Natalie Imbruglia, une version acoustique de « Going missing » et un inédit, « Surrender ». Le tout est enrichi d’un booklet de 16 pages abondamment illustré. Et si vous souhaitez en savoir davantage sur Maxïmo Park, je vous invite à relire l’interview fort intéressante que Paul et Tom avaient accordée à Musiczine l’an dernier…
Leya nous vient d’Irlande du Nord. De Belfast, très exactement. Un quatuor dont la musique évolue entre britpop et britrock. Un fil conducteur : la voix de Ciaran Gribbin dont le timbre et les inflexions empruntent tour à tour à Matthew Bellamy, Danny McNamara, James Walsh ou encore Paul Draper. Dans ces conditions, difficile de ne pas imaginer que la musique de Leya évolue dans un univers rappelant tantôt Muse, Embrace, Starsailor voire Mansun. Et manifestement, elle devrait plaire à toutes celles et tout ceux qui ne jurent que par ce style si insulaire. Cependant, si c’est bien fichu, ça manque quand même d’originalité. Les arrangements symphoniques sont légion (NDR : somptueux ou emphatiques : biffer la mention inutile), l’instrumentation luxuriante, les changements de tempo fréquents, les mélodies mélancoliques. Et le tout est bien sûr dominé par les vocaux de Ciaran. Une compo parvient quand même à s’extraire de l’ensemble : « Again ». Tramée sur un piano sonore, elle monte progressivement en intensité avant de voler en éclats dans une orgie de sonorités cosmiques. Un peu à la manière de Radiohead. Pour le reste, on peut fermer la parenthèse…
Hyperclean ou la jeunesse décadente dans toute sa gloire. Irrévérencieux à souhait, le quintette instaure le revival rock sixties/seventies à la française. C’est con mais fallait y penser. Héritiers de Jacques Dutronc ou de Serge Gainsbourg, ces nouveaux trublions au nom trompeur livrent un premier disque complètement décalé, à prendre au cinquième degré. Dans l’univers déjanté d’Hyperclean, l’outrage est une forme d’art pratiquée avec véhémence. Les demoiselles y sont tendrement malmenées et le nudisme y est la norme. Même les animaux en prennent pour leur grade, acteurs involontaires des turpitudes de la bande. Entre rythmiques yé-yé et mélodies libidineuses, « Hyperclean » referme treize perles de poésie provocatrice. Si la Boum de Sophie Marceau avait eu ce disque pour fond sonore, nul doute qu’elle se serait soldée par une orgie.
Lors de la vente de la maison de ses parents décédés voici 3 ans, John Carter Cash a fait une découverte inattendue. Il est tombé sur des bandes sur lesquelles ne figurait comme annotation que ‘Johnny Cash – Personal files’. En fait, le fiston venait de dénicher des tas d’enregistrements concoctés par feu son père dans son studio maison. Ces compos inédites constituent un trésor inestimable, puisque non seulement il ne s’agit pas de fonds de tiroirs ou de demos (NDR : probablement des projets d’albums non aboutis) ; mais en outre, elles sont tellement nombreuses, qu’elles devraient faire l’objet de toute une série de futurs opus posthumes. Et ce « Personal file » en est la première concrétisation. Enregistrés entre 1973 et 1982, celles qui constituent ce double cd réunissent reprises (Louvin Bothers, John Prine, Carter Family, Johnny Horton, Lefty Frizzell), traditionnels irlandais, chansons gospel, poèmes, et inédits pour la plupart précédés de préambules explicatifs. 49 titres en tout. Le premier privilégie les anecdotes sinistres, alors que le second trahit ses convictions spirituelles. Des berceuses qu’il interprète de son baryton rocailleux, fragile, chaleureux, profond, sudiste, en s’accompagnant simplement d’une guitare sèche. The Man In Black n’est peut-être plus de ce monde, mais son œuvre n’a jamais été aussi vivante…
Déjà remis à l’honneur par les Espagnols de Vampisoul, le catalogue du légendaire label Fania a été racheté par V2. Fania a révolutionné la musique latine en la mariant à la musique pop et jazz. Parmi la première salve de rééditions, on trouve une dizaine d’albums parus dans les années 60 (Eddie Palmieri, Joe Bataan, etc.) Le sextet de Joe Cuba (alias Sonny Calderon) est considéré comme un des précurseurs du boogaloo, ce genre musical particulier qui a marié la musique cubaine au doo-wop et à la soul. Un mariage qui a pu avoir lieu grâce au mélange des populations dans le New York des années 60. Datant de 1966, cet opus est un bel exemple de l’énergie contagieuse du genre : de la musique festive jouée avec une ferveur incroyable. Un chapelet de morceaux (dont le tube « Bang ! Bang ! ») qui repose sur une même recette : des chœurs gueulards, des rythmes rapides joués avec des instruments typiques de la musique cubaine (percussions, piano, etc.) et une énergie furieusement rock’n’roll. On ralentit rarement le rythme (« Mujer Divina ») mais la richesse mélodique est toujours présente, comme sur le magique « Que Son Uno », plus calme mais d’une classe folle.
Curieux nom que celui de ce groupe composé de trois jeunes Canadiennes originaires de Colombie-Britannique. Frazey Ford, Trish Klein et Samatha Parton l’ont choisi d’après la chanson « Be good Tanya » de la Texane Obo Martin, une chanson qu’une certaine Jolie Holland leur avait fait découvrir lors d’un camp de planteurs d’arbres. Il n’est donc pas surprenant que leur musique colle au décor. Mandolines, harmonicas, guitares et harmonies vocales alimentent « Chinatown », deuxième album du trio (qu’elles ont produit elles-mêmes). Oscillant entre country, blues ou encore gospel, les demoiselles y parlent des dangers de la vie urbaine et des problèmes de drogue, de voyage et d’amour perdu, de Jésus et de la mort. « It’s not happening », « Junkie Song » ou la triste ballade « Dogsong 2 » où Samatha Parton déplore la mort de son chien sont autant d'invitations à la mélancolie. En outre, quelques reprises viennent se glisser entre les morceaux originaux : « Waiting around to die » de Townes Van Zandt, par exemple. Mais ce sont surtout des chants traditionnels que le trio fait revivre ici: une xième version, plus légère, de « House of the rising sun », « Reuben » ou le sympathique « In my time of dying ». De plus, tout au long de l’instrumental « Horses », les trois artistes prouvent qu’elles sont également bonnes musiciennes. Enfin, une piste bonus vient clore le tout : « Diamond in my crown », où Frazey Ford est rejointe par sa mère pour un a capella tout en harmonie. Mignon.
Ancien membre des atypiques Bone Thugs-N-Harmony, Bizzy Bone continue une carrière solo loin de ses anciens compères et du succès commercial. Ce deuxième album ne risque pas de le replacer sous le feu des projecteurs mais a au moins le mérite d’être sincère. Responsable d’une musique moins mélodique que celle dispensée par son ancienne formation, il reste cependant fidèle à son flow aigu et rapide qu’il pose sur des beats très californiens : claviers acides, beats puissants, mélodies tapageuses. L’ancienne gloire du trip hop Tricky co-mixe quelques uns de ces titres qui respirent la violence urbaine et le désespoir, le tout noyé dans une imagerie religieuse déjà fortement présente dans la précédente formation de Bizzy Bone. Un disque pas toujours très digeste, mais qui contient quelques bons morceaux. On citera « Bald Head Horse Man » et « Shake that Stick » (taillés pour les dancefloors), le tendu « He Told Me », les plus pop « Represent da One » et « Less Fame ». Ensoleillé et délétère à la fois, un paradoxe auquel les représentants hip hop de la côte ouest nous ont habitués.
Aurait-on cloné Peaches ? ‘Sex, drugs & electro’ semble être le nouvel adage d’une certaine génération. CSS (pour « Cansei de Ser Sexy », qui, traduit du portugais, veut dire ‘fatigués d’être sexy’, rien que ça…), réunit cinq jeunes femmes et, accessoirement, un gars, qui n’ont pas la langue dans leur poche. Originaire de Sao Paulo et première formation sud-américaine a être signée sur le label Sub Pop, CSS martèle des beats acides et tout simplement ravageurs. Qu’ils s’en prennent à Paris Hilton (« Meeting Paris Hilton » dans lequel la jeune pouffe s’en prend plein la tronche) ou qu’ils rendent hommage à Death From Above 1979 (le single « Let’s Make Love And Listen to Death From Above »), les compos infectieuses des six Brésiliens s’immiscent vicieusement dans le système nerveux de l’auditeur. Leurs effets dévastateurs ne se font ressentir qu’au moment où l’on s’y attend le moins. Afin de passer une bonne nuit de sommeil, il est d’ailleurs fortement déconseillé d’approcher ses tympans de titres tels que « Alala », « Music Is My Hot, Hot Sex » ou encore « Art bitch » après dîner. Aucun remède n’est actuellement disponible. Si, par curiosité ou par mégarde, vous vous faites tout de même prendre au piège, il n’y a aucune alternative. Vous devrez succomber aux rythmes obsédants de « Cansei de Ser Sexy » et de son electro-rock subversif. A bon entendeur…
The Weepies, c’est avant tout l’histoire d’un coup de foudre entre deux songwriters. La scène se passe au Club Passim, à Boston, où Steve Tannen vient présenter son premier album "Big Señorita". Dans le public, une fan : Deb Talan. Cette dernière a sorti un disque, "Something burning", que Steve écoute en boucle depuis quelques mois. Le concert s’achève et les deux musiciens passent le reste de la nuit à jouer ensemble, intimidés et charmés. De là naîtra un premier essai "Happiness" (2003). "Say I am You" est le second opus du groupe. Dès l’ouverture ("Take it from me"), le duo promet une pop légère sans être naïve, discrète mais terriblement efficace. Guitare en bandoulière, le couple se partage le chant : tantôt elle, tantôt lui. Et puis, ensemble, leur voix s’épousent pour le meilleur. Les morceaux s’enchaînent et, sans rien révolutionner, vont pourtant à l’essentiel ("World spins madly on" ou "Suicide blonde", qui évoque l’écriture sombre d’Elliott Smith). De comptines douces-amères ("Nobody knows me at all", "Not your year") en vérité désarmantes ("Love doesn’t last too long"), les Weepies restent optimistes dans le désespoir. Sur la pochette de "Say I am You", deux petits oiseaux. Deux hirondelles, peut-être, qui ont fait un printemps.
Alias West, Leslie Weinstein est né en 1945 à Forest Hills, dans l’état de New York. Il y fonde son premier groupe : les Vagrants. Une aventure de courte durée, car dès 1969 il forme Mountain en compagnie du bassiste/producteur Felix Papalardi et du batteur Corky Laing Leslie. Une aventure que le trio américain allait couronner de succès. En pratiquant tout simplement du blues rock. La formation accorde un de ses premiers concerts lors du festival de Woodstock. Rayon discographie, le combo aligne "Mountain climbing" en 1970, "Nantucket sleighride" et "Flowers of evil" l'année suivante, ainsi que "Live Mountain" en 72. Ce sera le chant du cygne, puisque l’ensemble splitte la même année. West et Laing décident alors de reprendre la route en impliquant un Anglais dans le nouveau projet : le très notoire bassiste Jack Bruce ! West, Bruce & Laing immortaliseront 3 albums. En 74, Mountain se reforme brièvement et concocte un elpee : "Avalanche". Depuis, l’histoire de Leslie West est devenue beaucoup plus anecdotique. Ce qui n’a pas empêché son LW Band de graver une multitude d’albums. Et de croire encore aujourd’hui à son étoile. Ainsi il a commis "As Phat as it gets" en 2001, "Blues to die for" en 2003 ainsi que "Guitarded" et "Got blooze" en 2004.
Pour concocter "Blue Me" West a reçu le concours du drummer Aynsley Dunbar (NDR : un vétéran anglais !), de Tim Fahey à la basse, de Kevin Curry à la guitare rythmique, d’Art Groom à l’orgue Hammond et de Brian Mitchell au piano (NDR : ce dernier a côtoyé une multitude de musiciens notoires ; et en particulier BB King, Dr John, Bob Dylan et Allen Tousssaint). Le bon vieux Leslie attaque le "Blues before sunrise" de Leroy Carr. Il emprunte le célèbre riff de slide imaginé par Elmore James. La section rythmique est écrasante. Le piano épouse le rythme. Le résultat n’est pas très subtil, mais très efficace. Et puis ça déménage ! Il embraie ensuite par le "I woke up this morning" de Graham Barnes, en reproduisant toute une série d’accords appréciés par tous les fans de Ten Years After. Pas pour rien qu'Alvin Lee les avait réservés pour son album "SSSSh!". En 1969. Et manifestement, cette plage est la meilleure de l’opus. La machine est bien huilée. Dévastatrice, elle broie tout sur son passage. Et "Four day creep" en est la pus belle démonstration. A l’instar de ses derniers opus, Leslie mange un peu à tous les râteliers. Sans trop de discernement. Parfois ses décisions sont judicieuses. Parfois douteuses. Ses covers du "Hit the road Jack" de Percy Mayfield (NDR : un tube pourtant glorifié en son temps par Ray Charles) et du "Green river" de Creedence Clearwater Revival, au cours duquel il ressemble à un Omar Dykes survitaminé, sont tout à fait dispensables. A contrario, le sommet de l'album est atteint par sa version du "Standing around crying" de Muddy Waters, un slow blues qui libère un maximum d'intensité dramatique. West sait comment conduire son blues. Sa voix est surpuissante. Ses cordes ne demandent qu'à hurler, mais il parvient toujours à les garder sous contrôle. Une performance impressionnante dans le domaine du répertoire lent. A cet instant, on sent qu’il est dans son jus. Que ses quarante années passées sur les grandes scènes internationales, les petits clubs et autres roundhouses, bars ou tripots ont forgé chez cet homme, une expérience hors du commun. Son adaptation du "Sinner's prayer" de Lowell Fulsom évolue en catégorie ‘super lourds’. Pour la circonstance, il a reçu le soutien du notoire Todd Wolfe. Je le préfère cependant dans un autre registre. Et en particulier lorsqu’il aborde le répertoire de Freddie King. D’ailleurs on sent très fort que lors de l’adaptation du vigoureux "Tore down", il prend son pied. Le géant de Forest Hills ne fait pas dans la dentelle. Dans son style de rocker éléphanteque, il n'a pas peur de relever le gant du hard rock. A l’instar du "One thing on my mind" de Samyy Hagar et Montrose! Il s'amuse tellement qu’il n’est pas difficile d’imaginer le West aligner encore une bonne dizaine d'albums du genre dans les années à venir!
La pochette est noire. « On the heights of despair » (rien que ça) promet déjà un disque des plus réjouissants… Un coup d’œil aux titres (« Between boredom and fear », « Return to chaos », « Pretty far from ok »), et la tendance se confirme: Love Wollberg ne risque pas de nous faire rire. Bien que fort sombres, ses mélodies ne sont pas mauvaises, bien au contraire. A ce titre, il s’inscrit parfaitement dans la tradition des grands songwriters. Mais sa voix… Tout au long de ces onze chansons aux paroles suicidaires, elle se lamente, tremble, pleure presque. Qu’il est triste, ce Suédois ! Qu’il est malheureux ! Et que c’est agaçant ! Et quand il chante « Rendez-vous with nobody », on n’est plus étonné. Une chose est sûre : comparé à Wollberg, Elliott Smith était un fameux pitre !
« Liège ». C'est le titre d'un des morceaux de Para One, sur son album « Epiphanie ». Pas étonnant dès lors qu'en ouverture des Ardentes, on retrouve les joyeux drilles de TTC, fans de la Cité Ardente et de son atmosphère toxique. Nous sommes aux bords de la Meuse, coincés entre un énorme hangar technoïde et les arbres d'un parc (l'Astrid) qui nous rappelle le Cactus. Une longue allée dédiée aux plaisirs de la gastronomie festivalière s'étale entre ces deux lieux de concerts et, surtout, de DJ-sets. On se croirait presque à l'heure du midi, lorsqu'on attend dans la file du buffet. Mais non : il est 20h00, et Liège s'éveille. La foule hétéroclite se balade gentiment en consommant des bières.
Quand TTC débarque sur scène pour y mettre le souk, l'ambiance n'est donc pas très ardente : après le quart d'heure de digestion réglementaire, le sang finit quand même par monter à la tête, et l'on crie 'Bouge ton gros cul, pute, fais-le rebondir !', en souriant bêtement. Les tubes s'enchaînent, l'ambiance est à son comble pendant « Catalogue » et les inévitables « Girlfriend » et « Dans le Club », traînés en longueur pour faire durer le plaisir. Surtout celui des trois rappeurs, qui ne se lassent décidément pas de l'accueil du public belge, toujours fort amical. Les TTC sont des stars à Tox City, et pour remercier leurs (jeunes) fans (en pull-over Etnies) de montrer tant leur amour du beat 'ben fé', ils offrent un nouveau titre, « Paris, Paris », changé en… « Liège, Liège » pour l'occasion, et un bon vieil a capella de « Leguman », le tube qui les a fait connaître. Aucune compo, par contre, de « Ceci n'est pas un disque », mais pas mal de freestyle de CuiziCuiz, le 'pimp' façon Gloubiboulga, alias Cuizinier, « laisse-lui donc te dire ASS », etc., qui s'émancipe avantageusement depuis la sortie de ses deux « street tape », « Pour les filles, vol. 1 & 2 ». Au menu de l'intermède, « Saute sur ma musique », « J'aime bouger ça » (un bootleg démentiel d'« I Like 2 Move It »), « Va t'asseoir », et bien d'autres fantaisies machistes et tape-à-l'œil. Mais on est là pour rire.
Rien de surprenant à ce que les deux Allemands de Modeselektor succèdent à nos b-boys mi-thugs mi-nerds, puisqu'ils sont à l'origine de « Dancingbox », cette tuerie électro 'featuring'… TTC (et que Thom Yorke himself adore). C'est un tube, que les deux pensionnaires de Bpitch Control n'oublieront pas de faire péter, avec Teki Latex traînant dans les parages.
Une bonne mise en jambes avant l'ouragan Sven Väth, qui n'a rien perdu de sa verve BPM : on se croirait presque à la Love Parade de Berlin il y a dix ans, le million de personnes et le soleil en moins (il fait noir, et il bruine).
Après, tout est question d'énergie et d'endurance face aux invectives EBM de Blackstrobe. On dirait de plus en plus du Front 242 remixé par Fischerspooner. Parti l'Ivan Smagghe, ne reste plus qu'Arnaud Rebotini, sa mine patibulaire de Des Esseintes indus, deux trois hits underground, tout au plus.
Heureusement, dans le hall 'Minimal', il y a Reinhard Voigt, de l'écurie Kompakt. L'espace est un peu exigu et la chaleur quasi insoutenable, mais le beat moite et pesant de l'Allemand (un de plus) fait du bien aux neurones, cramoisis par la rythmique soutenue qui les tenaille depuis déjà 5 heures.
Tenir, il faut tenir jusqu'à Oxia, le pote à The Hacker (l'excellent « Domino », sur Kompakt justement). Il faut tenir… ten… Oufti, il est déjà 6h00 ! Il faut rentrer chez soi et reconstruire sa flore intestinale. La vie de clubber ? Demandez donc à votre pharmacien.
Les Français de Sleep Talker ont une démarche intéressante et assez originale. Conçue comme un ‘Work On Progress’, la formation présente sur son premier album éponyme une suite de 13 morceaux, dont 10 sont instrumentaux. Le quatuor propose à ses fans et tous ceux qui apprécient leur musique d’enregistrer eux-mêmes des chants sur les plages instrumentales et de leur faire parvenir la démo afin de pouvoir peut-être avoir la chance d’être publiée ! L’idée, sympa au départ, se complique à l’écoute du disque. En effet, la force des compositions de Sleep Talker réside en la rareté des vocalises qui auraient pu les desservir sur la longueur. En témoignent, d’ailleurs, les titres chantés « Disposable Bra », « Last Resort Before Jealousy » et « Picador, My Love », plutôt intrusifs. On préférera donc se plonger dans l’indie-rock 100% instrumentale de « Sink Or Swim », « Goldfish Memento » ou encore «Watching Monica », morceaux qui ne jureraient pas en en fond sonore de l’un ou l’autre film indépendant made in US.
Cette formation est née en 1998. Dans la bourgade de Maimee, du côté des faubourgs de Toledo, dans l'Ohio. Elle a été fondée par deux gars du coin : le chanteur/guitariste/harmoniciste Johnny Wirick (alias Walker) et le drummer Ben Smith (alias Swank). Ils sévissaient déjà au sein d’un blues band : Henry and June. La formation allait ensuite transformer son paronyme en Soledad Brothers. Faut-dire que l'album fétiche de Walker n’est autre que le "Live at Soledad" de John Lee Hooker! Ce groupe de dark blues punk a été rapidement intégré à la scène de Detroit, en compagnie des White Stripes et de Greenhorns. Le duo est entre-temps rejoint par un second guitariste : Oliver Henry qui double également au saxophone. Ils commettent un premier elpee éponyme en 2000. Et embraient en 2002 par "Steal your soul and dare your spirit to move", un "Live" en 2003 et "Voice of treason" en 2004. Lié au mouvement des Black Panthers, dont ils affichent fièrement le logo, le combo est engagé politiquement. John Sinclair (NDR : il fut jadis le manager du MC5, groupe révolutionnaire de Detroit dont le "Kick out the jams" est toujours considéré comme un classique de l’histoire du rock’n roll !) en devient rapidement un fan. Un soutien qui signifie beaucoup pour les Soledad.
Leur nouvel opus a été enregistré en France, du côté de Bordeaux. Un quatrième musicien a participé à la confection du disque : un certain Dechman. Un Français. Ce multi-instrumentiste y joue de l'orgue, des synthés, du sitar, de la basse, du banjo et toute une variété d’autres instruments ; de manière à ajouter davantage d’épaisseur au son des Brothers. Dès l’ouverture, les Soledad Brothers dispensent une folle énergie. En respectant l’esprit des libertés prises par les formations punk de la fin des années 70. La rythmique est implacable. Dans un style que pouvait emprunter l'énigmatique Wilko Johnson, le premier guitariste de Doctor Feelgood. Et en remontant dans le temps, je ne peux m’empêcher de penser aux premiers ensembles de R&B anglais du début des 60s : les Stones bien sûr ; mais aussi les Yardbirds, les Pretty Things ou encore Downliners Sect. Les Soledad pratiquent un R&B âpre, musclé, primaire. Le vocaliste pose sa voix sur une expression sonore à la musicalité approximative. Mais le groupe est très soudé ; et puis sa musique bien plus convaincante qu'elle n'y paraît à première écoute. A l’instar de "Truth of consequences" et "Dowtown paranoia blues" : de la pure dynamite. Nos oreilles sont à peine acclimatées que le décor change. Plage très lente, "Crying out loud" véhicule une tension cotonneuse presque insoutenable. Blafard, le timbre vocal se complait dans un style immortalisé par les bands anglais d'autrefois. La tonalité lugubre d’un harmonica hante le décor. Le tonitruant "Crooked Crown" marque un retour au climat trash. Le guitariste a sorti sa slide primaire et poisseuse. Les jaillissements de l’harmo attisent l’incendie. Les cordes ne quittent guère l'avant-scène. Les sonorités ne font pas dans la dentelle, comme si elles avaient été enregistrées dans un bon vieux garage. "Sweet & easy" observe une quiétude toute relative. Les sonorités acoustiques infiltrent les guitares indomptables, bien amplifiées. Ce rock blues est dispensé sans concession, même si on recèle en filigrane une volonté pop manifeste chez les Brothers. L'intro de "Dark horses" est divin. Les flots de guitare me remémorent l’ouverture majestueuse des Doors en quête de la fin. Cette ballade en apparence inoffensive évolue dans un climat oppressant. Une fresque sonore magnifique qui ne laissera personne indifférent… Bref interlude instrumental, "White jazz" véhicule une violence sous-jacente avant de céder le relais à "Good feeling", un rock implacable dont la rythmique est digne des Stones. Une compo qui laisse cependant libre cours à de nouveaux délires free ; et en particulier ceux produits par le saxo de Henry!! Les Soledad ont bien intégré leur instrumentation diversifiée. Leur frénésie devient psychédélique pour "Let me down", un délice lysergique, une aventure intense au cours de laquelle l'orgue s'évade vers les sphères cosmiques du Pink Floyd originel (NDR : quarante ans déjà!). Et ce périple peut même bifurquer vers l’époque "Their Satanic Majesties Request" des Stones. Lorsque Brian Jones était toujours de ce monde. "Mean ol' Toledo" en est la plus belle démonstration. "Loup Garou" entretient ce voyage acide ; mais de ce fragment émane une profonde douceur, entretenue par la présence d’un sitar bien en place. Après une dizaine de minutes de silence, les Soledad reviennent concéder un dernier fragment : un boogie instrumental, parfaitement marqué du sceau de Detroit. Et une nouvelle fois, le spectre de John Lee Hooker plane tout au long de cette plage. Véritable puzzle, cet opus est une ode au délire. Je vous conseillerai donc de le consommer sans modération mais en gardant l'esprit bien ouvert…
Nous connaissons très mal Portland. Certes, nous vivons une relation intense, presque amoureuse, depuis plus d’une décennie en compagnie des Dandy Warhols. Et, suite à la découverte des riffs cinglants de 31Knots, nous sautons quotidiennement sur nos murs, tête la première. Ensuite ? Ensuite, il y a Quasi, un duo amateur de folles échappées psychédéliques. « When The Going Gets Dark », septième album de la paire composée de Sam Coomes (chant, guitare, claviers) et Janet Weiss (batterie), célèbre le mariage d’un clavier déjanté et d’une batterie martiale. Au cours de cette histoire, la guitare tient le rôle de l’amante parfaite. Mariés et divorcés, les deux ex-tourtereaux n’en sont pas moins restés volatiles. De son côté, Sam Coomes aime à déstructurer ses chansons décomplexées. Et, pour sa part, Janet Weiss (derrière la batterie de « Dig Me Out », le grand classique de Sleater-Kinney) n’a rien à envier à ses collègues masculins. Taper sur les fûts, c’est son truc. Restés en couple malgré la disparition des alliances, Sam et Janet font toujours bon ménage. Meilleures preuves de l’adéquation de leur union : « I Don’t Know You Anymore », « Peace and Love » et « Death Culture Blues ». Ces titres invitent tant d’univers contradictoires qu’il convient de les explorer encore et encore. Pour chercher et trouver les liens subtils rapprochant Quasi de Pavement, Elliot Smith, Sebadoh, Sonic Youth et des Meat Puppets. « When The Going Gets Dark » constitue une excellente porte d’entrée vers la discographie du groupe. Ne reste plus qu’à franchir le pas...
Vers le milieu des années ’90, Bif Naked sortait son premier opus éponyme, un disque qui remporta un large succès aux Etats-Unis. Il sera suivi quelques années plus tard de « I Bificus », un album qui fera un carton plein dans son Canada natal, notamment grâce à « Spaceman », single diffusé en boucle sur MTV. Depuis la jeune femme brasse de l’air et, à en croire la pochette de son nouveau disque, a décidé de miser sur son physique plutôt que ses talents vocaux. Sentiment exacerbé par la bio qui nous la présente comme ‘l’une des 10 femmes les plus sexy selon TV Week’ ou encore ‘la femme tatouée la plus sexy, selon la chaîne musicale Much Music’. Que de futilités... La musique passe donc au second plan et on serait tenté de dire que c’est un mal pour un bien. En effet, entre des « Abandonment » et « That’s Life » sonnant comme le plus mauvais des Roxette et une resucée karaoké de « Nothing Else Matters » de Metallica, Bif Naked nous sert du rock FM réchauffé, coincé quelque part dans les années ’90. Même lorsqu’elle se lance dans un rock plus heavy (« I Want », « The Question Song »), la jeune femme a énormément de mal à convaincre. Reste toujours la pochette truffée de photos de miss Bif Naked en tenues légères. C’est toujours mieux que rien…
Après l’engouement suscité par ses prestations ‘live’, le plus british des groupes belges était attendu au tournant. Il ne lui en fallait pas beaucoup plus pour faire taire les mauvaises langues. Sans être totalement original, au vu de ses (trop ?) nombreuses influences, Montevideo s’impose tout de même comme l’une des formations les plus innovantes de notre pays. En 11 titres, le quatuor distille une énergie fracassante qui fait du bien aux oreilles. Entre les machines à danser « Nu Song », « Groovy Station » ou « Sunshine » et les rouleaux compresseurs rock « H.E.A.T. » ou, surtout, « Boys From Brazil », Montevideo n’a plus grand-chose à envier à son parrain. Pourvu que ça dure…
Benjamin Chase Harper est né en Californie. A Claremont. En 1969. Au fil du temps, ce chanteur guitariste a acquis une notoriété en développant un style très personnel et original, où se mêlent blues, folk, gospel, funk, rock et reggae. Il est parvenu à s'inspirer intelligemment de monstres sacrés tels que Robert Johnson, Jimi Hendrix et Bob Marley, pour n'en citer que trois. Très jeune, ce prodige s’exerce à la guitare acoustique dans l'atelier musical de ses parents. Il dispose alors notamment d’une Weissenborn (NDR : du nom du luthier allemand qui la créa). Il commet son premier album en 1992. En compagnie de Tom Freund : "Pleasure and pain". Un opus qui recèle pas mal de blues dont les classiques "Dust my broom" et "Sweet home Chicago". Lors d'un concert, il impressionne Taj Mahal qui l’invite à tourner quelque temps en sa compagnie. L'année suivante, il fonde les Innocent Criminals. Sous ce line up, paraît un premier elpee en 94, "Welcome to the cruel world", puis "Fight for your mind" en 95, "The will to live" en 97 et "Burn to shine" en 99, une oeuvre entièrement composée par Harper. Il embraie ensuite par un album enregistré en public : "Live from Mars". En 2001. Puis encore par "Diamonds in the inside" en 2003, "There will be a light" en 2004, pour lequel il reçoit le concours des Five Blind Boys of Alabama, un ensemble gospel qui participera encore à la confection d’un autre long playing immortalisé en public : "Live at the Apollo". A Harlem. En 2005.
Double CD, "Both sides of the gun" rencontre en une bonne heure de musique, les deux facettes du personnage : Ben le doux et Ben le dur. Ce qui explique la présence de deux disques différents. Le premier elpee expose la face tendre et délicate de l’artiste. Il s’ouvre par le brillant "Morning yearning". Le ton est à la musique de chambre. A cause de la présence d’un ensemble de cordes, nonobstant le chant de Ben. Ballade précieuse, contagieuse, "Waiting for you" communique sans ambiguïté un message d'amour. Dès que la mélodie pénètre dans votre oreille, elle ne la quitte plus. Posé dans le même écrin, "Picture in a frame" illumine l’œuvre de sa beauté immaculée. Pour la circonstance, les Innocent Criminals sont au grand complet (Michael Ward à la guitare, Jason Yates aux claviers, Juan D. Nelson à la basse, Francis Charles à la batterie et Leon Mobley aux percussions), communiquant à la texture sonore une dimension plus compacte et électrique. La voix de Harper est incontestablement le plus bel instrument de l'ensemble. Expressive, unique en son genre, elle est davantage mise en évidence lorsque l'environnement est dépouillé à l'extrême. A l’instar de "Never leave lonely alone", limité à Ben et la basse de Matt Cory ; ou encore "More than sorry", une compo saturée d’émotion, nonobstant la présence Danny Kalb à la guitare. Ben revient flanqué de son ensemble de cordes pour évoquer l’histoire d’un amour difficile : "Reason to mourn". Il chante divinement cette plage. Son vague à l'âme lui permet d’inoculer une sensation de désespoir à sa guitare amplifiée. Le premier disque s'achève sans jamais perdre de son intérêt.
Dit ‘dur’ ( ?!?!?), le second disque s’ouvre dans un registre totalement différent. On a même parfois l’impression de remonter le temps. Pour y revivre l'époque du "Sgt Pepper" des Beatles. Et « Better way » en est le plus parfait exemple. Un parfum d’Asie méridionale flotte dans l’atmosphère. Les sonorités riches, élégantes, complexes, entretenues par sitar et tablas, nous plongent dans une certaine sérénité. Tout au long de ce morceau, la voix de Harper est réverbérée à l'infini. Elle finit même par se déchaîner pour hurler sa quête du droit chemin. Le tamboura de David Lindley (Kaleidoscope) alimente la fête des percussions. Greg Kurstin s’assied derrière son orgue Hammond B3 pour seconder un Ben soudain passé au funk. Il semble hanté par le diable, lorsqu’il chante le titre maître. La tension est omniprésente. Le ton monte. Les fourmillements commencent à envahir nos doigts de pieds. Harper pousse le volume de son ampli. Les cordes s’alourdissent et épousent un riff plus ‘rollingstonien’ que nature pour célébrer "Engraved invitation". Responsable de toute l’instrumentation et de toutes les parties vocales, l’artiste est à la fête. On s'attend même à voir débouler Mick Jagger au micro! Et nous ne sommes pas au bout de nos surprises. Notamment lorsqu’il se risque à l’exercice du disco riche et épais sur "Black rain", à la manière d'un Stevie Wonder des bons jours. Ballade roots, ma foi fort classique à première écoute, "Gather 'round the stone" s’ouvre sous la forme d’une parenthèse. Mais peu à peu, le climat se trouble. La voix semble véhiculer une forme de malédiction. Et la guitare de déferler en emportant tout sur son passage! Harper se mue en rocker lorsqu'il est rejoint par un second gratteur : Jason Mozersky. "Please don't talk about murder while I'm eating" libère une fameuse dose d’agressivité. Les vibrations électriques persistent et signent tout au long de "Get it like you like it". Le riff est dur et épais. Les cordes électriques de Michael Ward et de Mark Ford des Black Crowes crèvent l'écran! Ben saisit sa guitare slide pour nous rassurer. Il n’a pas oublié son blues. Et le démontre à travers "The way you found me". Face à la sobriété de l’accompagnement tout en swing, son bottleneck dévoile une facette sauvage de son jeu. Avant de nous quitter, Harper rappelle Mozersky. L’occasion rêvée de mêler les deux facettes : riff pur et dur, très sudiste, dans sa réalisation et allégresse acoustique, limpidité du toucher en contre-pied. Un superbe album pour cet artiste majeur!
Après avoir commis cinq albums en quatorze années d’existence, Grandaddy a donc décidé de splitter. Ou plus exactement Jason Lytle a mis un terme à l’existence du groupe. Ce qui peut aisément se comprendre, quand on sait que pour enregistrer ce « Just like the Fambly Cat », il a pratiquement tout fait seul. Dans son studio maison. Un collaborateur de marque quand même : l’ingénieur du son Dave Trumfio ! A contrario des trois premiers elpees qui traitaient de sa relation amour/haine avec la technologie moderne ou de ses observations rurales /urbaines de la vie, cet ultime essai est beaucoup plus personnel. A la limite autobiographique. Dès les premier instants du disque, une voix d’enfant demande : ‘Qu’est-il arrivé à la Fambly Cat ?’ Traduisez : ‘Qu’est-il arrivé à Grandaddy ?’ Et la suite est partagée entre chansons empreintes de nostalgie, de réflexion existentielle et de résignation même. Des chansons qui réalisent la parfaite synthèse entre « Under the Western freeway », « The sophtware slump » et « The Broken Down Comforter Collection » (NDR : ne me demandez pas pourquoi je n’inclus pas « Complex Party Come Along Theories », il est devenu une pièce de collection). On a droit en fin d’opus à deux titres en forme d’épilogue. Tout d’abord le psychédélique « Disconnecty » et puis le space rock déchirant « This is how it always starts ». Mais après avoir tourné définitivement une page de sa vie, il nous adresse un dernier au revoir déchirant (NDR : n’auriez-vous pas un mouchoir ?), en remettant une couche lors du morceau caché « Shangri La », compo au lyrisme meurtri qu’il chante accompagné d’une voix féminine scandant ‘I’ll never return’. Tout au long de cet album l’électronique et le basique font à nouveau bon ménage. La chanson peut être contagieuse (« Elevate myself »), féroce et torturée (« Jeez louise »), visionnaire et mélancolique (« Summer… it’s gone »), lancinante et brumeuse (« The animal world »), punkysante et sauvage (« 50% »), mystérieuse (l’instrumental « Skateboarding saves me twice ») ou encore capricieuse et sardonique (« Campbershell dreams ») : le sens mélodique est toujours intact. En outre, le falsetto délicieux de Jason fédère ce mélange de styles, de formes et de modes. Le livre de Grandaddy vient de se refermer ; mais Lytle a déjà derrière sa tête de nouveaux projets. Seul l’avenir nous apprendra s’il a pris la bonne décision…
Electric President des Etats-Unis d’Amérique vient juste de signer sur le label allemand Morr Music. Et, de fait, on s’émerveille de ces petits détails sonores qui font la grande fierté du label berlinois : moments d’electronica mêlés de pop bidouillée. Ben Cooper et son acolyte, Alex Kane, deux jeunes gars de Jacksonville, composent ici une musique bercée sous le soleil de Floride. Electric President régénère le carcan éculé par son label sans pour autant s’éloigner des musiques de Morr. Entre Styrofoam et The Postal Service, on s’amusera désormais à évoquer les contributions musicales d’Electric President. Deux gars qui, l’air de rien, signent un disque sans faute. « S/T » guide l’auditeur sur un lit de gimmicks électroniques d’une sensibilité extrême. Les guitares viennent également appuyer le côté bricolé de ces chants désenchantés. Pas très loin de Grandaddy dans la filiation musicale, Electric President s’approche de nos oreilles sur la pointe des pieds. Discret, le groupe mène une propagande silencieuse. Les élections approchent. Le scrutin sera Electric.
On se souvient d’un temps (que les moins de 20 ans...) où Kimya Dawson s’affublait d’un costume de lapin géant tout en donnant la mesure au jeune Adam Green. Ce dernier, déguisé en Robin des bois, accompagnait Kimya au sein des regrettés Moldy Peaches. Mais Adam Green devait en avoir assez de cette scénette anti-folk, marre de prendre aux riches pour donner aux pauvres. Préférant prendre aux riches pour devenir riche, Adam Green abandonna Kimya et Robin s’évada dans les bois pour la carrière solo qu’on lui connaît. Trop sensible, intègre et effacée, Kimya préféra s’engager dans la continuité de ses premiers essais discographiques. Perpétuant la tradition anti-folk délaissée par Adam Green, la voici aux commandes d’un cinquième album solo : « Remember That I Love You ». Après avoir sorti de nombreux disques lo-fi autoproduit, elle récidive par l’entremise de douze titres lorgnant sur les cordes d’un folk urbain. Ce nouvel album de Kimya Dawson ne change guère la donne. L’univers est identique, inamovible. Mais ce disque sent le soleil, les relents des pots d’échappement new-yorkais. Si la notion même d’anti-folk se cherche toujours une définition, il s’agit certainement du pendant le plus citadin de la musique folk. Et, à ce titre, Kimya demeure une des figures de proue de ce mouvement musical. « Remember That I Love You » n’est pas le meilleur enregistrement de Kimya. Mais l’intitulé même de ce disque constitue une confession poignante. On s’en souviendra...
Alias Mac Rebennack, Dr John est aujourd'hui âgé de 65 ans. Ses premières apparitions remontent à la fin des années 50, lorsqu’il évolue comme guitariste et pianiste dans sa bonne ville de New Orleans. Il joue du R&B qu’il a mâtiné de rock, contaminé par la folie du Mardi Gras, tout en injectant une touche personnelle de musique ‘voodoo’. A l’époque, il participe à des enregistrements pour Professor Longhair, Frankie Ford et Joe Tex. En manipulant une arme à feu, il est victime d’un accident qui lui abîme une main. Il décide alors de se concentrer uniquement au piano! En 1968, sa notoriété est acquise. Il vient alors d’enregistrer son premier album "Gris Gris", un disque qui mêle habilement R&B pur et dur, funk coloré, vaudou et psychédélisme. Dans la foulée il commet quelques excellents albums : "The sun, moon & herbs" en 71, en compagnie de Mick Jagger et Eric Clapton, "Gumbo" en 72 et "In the right place" en 73. Aujourd’hui notre bon Docteur est responsable d’une impressionnante discographie.
Son nouvel opus, "Mercenary", est consacré à l'œuvre de Johnny Mercer, un artiste populaire américain qui écrivit pas moins de 1.500 chansons pour lui et bien d'autres. Mercer était né en 1909 à Savannah, en Georgie. Il est décédé en 1976, à Los Angeles. Il écrivait, chantait (notamment dans l'orchestre de Benny Goodman) et assurait la production. Il fut également un des fondateurs du label Reprise. En 1942 ! Il est également un de ceux qui firent la promotion et la gloire de Nat King Cole.
En ouverture, "Blues in the night" est superbe. Cette plage embrasse un schéma purement roots, avant de céder le relais au funky R&B. Un style naturel qui transpire de cette cité magique de la Nouvelle Orléans. Tout y est : la voix nasillarde de Mac, son piano syncopé et les cris de quelques cuivres qui paraphrasent le chant. Herbert Hardinty s’y autorise déjà une escapade sur son saxophone ténor. "You must have been a beautiful baby" marque un retour au format quartet de base. Un petit bijou que John fait sien dans son essence louisianaise, en se limitant aux claviers, la guitare rythmique de John Fohl et la section rythmique (NDR : composée de David Barard à la basse et Herman Ernest III aux dums). De son timbre de fausset, sensiblement las, Dr John drive "Personality", une ballade indolente balayée par la trompette tout aussi somnolente de Charles Miller. Autre ballade, "Hit the road to Dreamland" pourrait servir de bande sonore à une comédie de Broadway ou celle d’un film tourné à Hollywood. La voix naturelle de notre praticien fait sienne cette chanson composée il y a longtemps. John adapte "I'm an old cow hand", un instrumental qu’il interprète avec tout le respect de son éducation néo-orléanaise. L'atmosphère devient cabaret, comme pour souligner les déhanchements voluptueux d'une stripteaseuse d'un bar glauque du carré français. Hardinty susurre dans son saxophone pour dévoiler ce "Dream". John murmure du bout des lèvres, avec une grande douceur, un savoureux "Lazy Bones", une compo que Mercer composa en compagnie de Hoagy Carmichael. Songwriter très prolifique dans le domaine du jazz léger, il était également un vieil et indéfectible ami de Louis Armstrong. Manifestement, Dr John parvient à transposer dans son registre, tout en maintenant le climat musical de sa cité, des chansons d'un autre temps. Et on se surprend même à reprendre, avec ses musiciens, les chœurs de "That old black magic". D’une grande profondeur dans la voix, il chante "Come rain or come shine". Le piano soutient le motif rythmique de ce blues, tandis que les cordes de Fohl, déformées par l'écho, vont et viennent à l'avant-plan. Délicieux! "Moor river" est probablement une des meilleures chansons de cet opus. Un morceau que Mercer cosigna avec Henry Mancini. Le timbre de voix de notre Night Tripper sied parfaitement à cette plage. Autre instrumental qui aurait également pu servir de B.O. pour musique de film, "Tangerine" clôture la part consacrée à l'écriture de Mercer. Dr John se met lui-même dans la peau d’un mercenaire pour concéder son "I ain't no Johnny Mercer". Il respecte cependant parfaitement le fil conducteur de l’opus. Il tape nerveusement et rythmiquement sur son piano tandis qu'il souligne son chant de courtes phrases à l'orgue Hammond. Pour nous saluer, il délivre une tranche épaisse de son R&B gumbo, festif, et largement cuivré, en interprétant "Save the bones for Henry Jones" que Mercer chantait en duo avec Nat King Cole. Notre bon vieux docteur vient de commettre un tout bon album !
La pochette du dernier album de The Czars est explicite. La larme à l’œil, le regard figé de l’ange déchu se déporte sur la droite, laissant une large place à l’ultime intitulé discographique du groupe de Denver : « Sorry I Made You Cry ». Après plus de dix ans d’existence, la bande de John Grant jette l’éponge. Dans l’indifférence la plus totale, The Czars s’arrête au bord du chemin pour chanter une dernière fois. Alors, il glorifie tous ces groupes et artistes qui les ont influencés tout au long des années. Les chants traditionnels, les classiques country chantés par Loretta Lynn (« I Fall To Pieces ») ou Tim Buckley. Même à l’agonie, The Czars chante ses héros. La démarche est belle, sincère. Mais, au final, qui se souviendra de ce timbre ténébreux, de ces petites tristesses de crooner invétéré ? Pas grand monde. La vie est injuste. « Sorry I Made You Cry ». Mais il est trop tard pour pleurer...
Derrière le projet australien Clue To Kalo se cache Mark Mitchell, travailleur de l’ombre d’une pop-song artisanale brodée sur des lichettes de boucles électroniques. Un peu à la manière d’un Marc Bianchi au sein de Her Space Holiday, Mitchell met en musique ses songes et ses envies. Seul derrière les claviers, une guitare en bandoulière, il esquisse un univers délicat où les notes se répètent et les sons se ressassent. Jamais assommant, « One Way, It’s Every Way » impose sa quiétude au gré de 10 chansons joliment troussées. De « Ignore The Forest Floor » à « The Just » en passant par « Nine Thousand Nautical Miles », tous les titres de cet album s’écoulent paisiblement. Pourtant, l’élément déclencheur manque à l’appel. Le déclic mélodique ne se produit pas et la lassitude menace chaque seconde de ce disque sans jamais parvenir à pervertir complètement l’enregistrement. Au risque de nous ennuyer, nous passerons notre chemin en méditant : « One Way, It’s Every Way »...
On ne pèse pas grand-chose dans ce bas monde, à voir le peuple qui vous submerge de tous côtés, sous un soleil de plomb, sur une plaine perdue près de Leuven, à regarder Brian Molko chanter ses simagrées. Il en faut du courage pour braver la fatigue, la déshydratation, les décibels, la file d'attente pour boire une douche, et 1h30 de Muse. Oui, se taper quatre jours de Rock Werchter s'avère un sacré challenge. Météo : 30 degrés en moyenne. Et 80000 personnes par jour, assises, couchées, debout, partout. Ajoutez à cela la somme d'argent exorbitante à dépenser pour y participer, et 'l'événement rock de l'année' ressemble de plus en plus à un élevage en batterie de poules pondeuses. Heureusement, il n'y a pas eu de morts à Werchter, et ce grâce à la générosité des organisateurs qui ont bien voulu mettre cinq (…) robinets d'eau à disposition de leur très cher public. 'Eat your money and die !' : voilà qui ferait un bon T-shirt de festival, en taille « Girly », XS, S, M, L, XL et XXL. Espérons que Live Nation y pense pour l'année prochaine, et d'ici là…
… Bon vent à toi, le vent ! Nous te remercions pour tes brefs allers et venues. Tu as sans doute sauvé des vies de la combustion instantanée. Le soleil ? Tout le monde croyait qu'il allait un jour s'en aller, nous foutre la paix pour de bon, mais non : à peine quelques mètres carrés d'ombre de 12h00 à 16h00, près des toilettes et face à la Main Stage, bref dans des endroits où se tenir debout tient quasiment de l'impossible. Merci le soleil ! Et c'est là qu'on ne pige pas Mister E., alias Eels, qui porte une combi de plombier, un bonnet et une grosse barbe, alors qu'il fait (au moins !) 40 degrés. Entouré d'un bassiste burineur, d'un batteur à l'air hagard et d'un faux garde du corps à la moustache velue, Mark Everett enchaîne vieux tubes (« My Beloved Monster », « Mother Mary »), covers (Tom Waits, Screaming Jay Hawkins et Sinatra) et boogies frelatés sans avoir l'air de souffrir de la température. Etrange 'rock show' (la cover de Peaches) d'un type qui se fout du business, face à des gens qui cuisent comme des cocottes-minute.
… Bon vent à toi, funk soul brother ! Kanye West s'en plaignait : où est le hip hop à Werchter ? Nulle part, ou presque (The Streets ? Damian Marley ? Atmosphere ? Sean Paul ? Matisyahu ?), et l'on ne parle pas de la black music en général… La bonne nouvelle en ce dimanche de feu (le soleil, pas l'affiche), c'est qu'il y a Bettye Lavette et Leela James qui se succèdent sous la Pyramide. Ce qui est une deuxième bonne nouvelle en ces heures de zénith (Pyramide = ombre). Deux chouettes prestations, pleine de bonne humeur et de groove, qui nous feraient presque oublier l'annulation en dernière minute de Kelis… Si Bettye Lavette n'est plus toute jeune (la cinquantaine bien frappée), elle a le 'soul power' et dans la voix une tendresse éternelle que l'âge ne saurait faire mentir. Quand elle chante 'He made a woman out of me', on frémit malgré sa ménopause, d'autant que l'écrin musical au sein duquel elle se love rappelle les belles heures de Motown et de Stax. Un concert tout en volupté, à l'heure de la digestion et de la crème solaire. Leela James, elle, pourrait être sa fille, et forcément son funk soul transpire davantage sous les aisselles : sur le mode Aretha Franklin (alors Bettye serait Billie), la jeune Américaine balance la sauce avec l'élan de celle qui a tout à gagner, puisqu'en Europe peu de gens pour l'instant la connaisse. Et d'inviter tout le monde sur scène pendant le festif « Rain », dans l'espoir qu'une petite nuée réponde elle aussi à l'appel et nous épargne l'insolation forcée. 'I'll be back next year, you're amazing !', criera-t-elle à la fin de son show, impressionnée par l'accueil du public. L'ambiance, comme au concert de Vitalic, aura certes pris le dessus sur la musique elle-même (du soul funk sans grande surprise), mais c'est déjà ça de gagné à voir les tronches des gens couchés dehors, sous le soleil exactement.
… Bon vent à toi, l'électro de salon ! Sauf que là on est à Werchter, et il n'y a toujours pas d'air conditionné ni de frigo à l'horizon, mais un type au crâné rasé (Bugge Wesseltoft), un Français bien connu (Laurent Garnier) et un saxophoniste en chemise (Philippe Nadaud). Connu d'abord pour ses tubes (« Crispy Bacon », comme tout le monde après quatre jours de festival) et ses mixes techno, Laurent Garnier tente depuis « Unreasonable Behaviour » de prouver qu'il n'est pas qu'un as du BPM. D'où le trip néo-jazz, les morceaux sans gros kick qui ne démarrent jamais, et l'ennui qui s'installe si l'on attend le climax. Pour remuer des jambes, fallait donc repasser… A part pendant le final : un « The Man With the Red Face » libérateur, quoique encore mou du genou.
… Bon vent à toi, la « Sunday Night Fever » ! A croire que les gens avaient besoin de se lâcher, une fois la soirée entamée, pour évacuer ce sentiment de torpeur dont la seule cause est un astre jaune, énorme, et qui nous donne la vie en même temps qu'il la plombe. A croire que les Scissor Sisters étaient là au bon endroit au bon moment, et qu'ils écoutent encore les Bee Gees (comme John Frusciante !) et Elton John. A cinq, ils ont donné le meilleur concert de ce festival. D'excellents musiciens. Au chant un duo mirifique (Ana Matronic/Jake Shears) et des tubes qui fédèrent l'homme et la femme qui sont en chacun de nous. « Take Your Mama » en ouverture donne le ton : un truc de ouf, une ambiance géniale, le plaisir sans œillères. Sur « Laura » c'est encore mieux, et on ne parle pas de « Comfortably Numb ». 'You're the best crowd we've ever seen !', dira même la plantureuse Matronic, pas peu fière de l'extase collective dont elle est la maîtresse. Mieux encore : même les nouveaux titres, d'un album (« Ta-Dah ! ») dont la sortie est prévue pour septembre, s'avèrent déjà des hymnes. A l'applaudimètre les New-yorkais ont fait péter tous les records de ces quatre jours (en même temps c'était pas difficile), comme quoi le disco, celui de Bobby O et d'Orlando, respire encore. Quelle fête !
… Bon vent à vous !
A la fin, il y avait Depeche Mode. Un peu empâtés. Un Gahan en petite forme, un Gore un peu mièvre (« Home » et ses violons synthétiques), et puis le mystère Fletcher (joue-t-il vraiment ou fait-il semblant ?). Quant au son, lui aussi manquait de corps et de puissance : un déficit qui plombera des titres comme « I Feel You », « Question of Time » et « Walking in My Shoes », pour le coup d'une mollesse affligeante. On sauvera du lot le refrain de « Personal Jesus » scandé par des milliers de personnes, un vieux truc rare en live (« Photograph ») et le grandiose « Never Let Me Down Again » en clôture. Sinon c'était soirée karaoké, sauf que personne chantait. Pas glop. The End.
C'est à guichets fermés et sous un soleil des plus éclatants que se déroule le dernier jour du Festival Couleur Café. 25.000 festivaliers se sont donc donnés rendez-vous ce dimanche afin de profiter d'une affiche exceptionnelle et de l'ambiance unique d'un événement qui l'est tout autant.
Début des festivités à 16H15. Saule et ses pleureurs envahissent un chapiteau Fiesta enthousiaste. Baptiste Lalieu enchaîne tranquillement les tubes de son premier album en réservant une surprise de taille aux festivaliers présents. Alors qu'il entame une reprise plutôt rock'n'roll de « Banana Split », l'interprète originelle débarque sur la scène pour pousser la chansonnette en compagnie du groupe. Lio, acclamée par le public, interprétera également un second titre, « Le baiser ». Terminant son set bien plus tôt que prévu, le groupe reviendra lors d'un petit rappel au cours duquel il interprétera « L'opéra », à la demande générale du public.
Malgré la chaleur étouffante, le chapiteau 'Titan' est pris d'assaut par la foule venue acclamer des Louise Attaque au sommet de leur forme. Les plus courageux, à l'étroit au centre, entonnent en sautillant les « Savoir » et autres « Je t'emmène au vent », servis avec énergie par le combo français, tandis que les Saïan Supa Crew font vibrer le chapiteau 'Univers'.
L'événement de la journée sera sans conteste la présence de Tracy Chapman. Devant un 'Titan' encore plus bondé que lors du set de Louise Attaque, la jeune femme enchaîne pour un public déjà conquis ses plus grands classiques dont « Baby Can I Hold You », « I'm Ready » ou le très attendu « Talkin' Bout A Revolution » ainsi que quelques morceaux de son dernier album en date, « Where You Live ».
Les choix de la journée ont été assez pénibles puisqu'au même moment sous le 'Fiesta' se déroule le concert des Hurlements d'Léo suivi de très près de Vive La Fête. Le terrain du festival se transforme d'ailleurs, à cette occasion, en dancefloor géant. On retiendra essentiellement la prestation d'Els et de ses comparses de Vive La Fête qui, grâce à leur electro-pop addictive, ont réussi à convertir le chapiteau 'Univers' en une véritable discothèque, injectant aux festivaliers dégoulinants de sueur une bonne dose de BPM.
Enfin, le festival refermera ses portes au son des rythmes tribaux de Afrikali et des funky vibes du grand George Clinton et de son P-Funk Allstars qui serviront, comme d'habitude, une (très) longue intro avant de laisser la place sur l'avant-scène au père du tubesque « Give Up The Funk ».
C'est donc une édition exceptionnelle du festival qui se clôture, laissant derrière elle des festivaliers plus que comblés. Vivement l'an prochain, en croisant les doigts pour que le temps radieux soit toujours de la partie!
Le festival Couleur Café rempile pour une deuxième journée aussi chaude que la première. Après avoir goûté aux saveurs internationales de la 'rue du bien manger' et une petite visite des activités extramusicales (l'expo, le village ONG, le marché, etc.), les festivaliers sont fins prêts pour une longue journée de musique aux accents majoritairement hispaniques.
A 17h, le gantois Gabriel Rios prend possession du chapiteau Titan afin de faire vibrer le public de ses compositions alliant subtilement pop et salsa qu'il chante tantôt en anglais, tantôt en espagnol. Le jeune homme semble avoir pris bien de l'assurance sur les planches. En effet, deux ans plus tôt, lors du Couleur Café, ce timide personnage s'était caché derrière sa guitare. Aujourd'hui il s'est transformé en showman n'hésitant pas à occuper tout l'espace qui lui est conféré et balançant des morceaux tels que « Catastrofe », « Unrock » ou encore son tube « Broad Daylight ».
Ensuite, direction chapiteau 'Univers' afin de danser sous les rythmes dub et reggae de Dub Incorporation. Au milieu de la foule tout le monde sautille. Certains connaissent déjà par cœur certaines des compositions des Français qui s'étaient produits à guichets fermés, quelques mois plus tôt, à la Rotonde du Botanique. Sympa sans être impressionnant, le set de la formation multiculturelle est parvenu à entretenir une ambiance bon enfant représentative de l'esprit du festival.
Off The Record, quatuor qui se produisait dans le superbe nouveau décor de l'electro-world, a laissé pantois plus d'un festivalier. S'appuyant uniquement sur leur talent vocal, les membres de cette formation délivrent un impressionnant concert de beatboxes humains, sans s'essouffler une seule seconde.
Surnommée la muse de Manu Chao, Amparanoia devait faire face au plus gros défi du festival : jouer en même temps que le match Brésil/France ! Et au vu du monde rassemblé sous la tente 'Univers', elle a accompli un assez bon boulot. De par son mélange de rock, ska et salsa, la Madrilène est parvenue à capter l'attention tandis que, juste à quelques centimètres de l'Univers et devant l'écran géant s'agglutinait une ahurissante marée humaine. A en croire les couleurs dominantes de ce rassemblement, une large majorité des festivaliers ont dû être bien déçus !
Après un joli feu d'artifice, les supporters brésiliens auront eu le choix de se consoler entre les sons rocksteady de Lee 'Scratch' Perry ou les rythmes salsa (encore !) de Sergent Garcia. Le set du premier cité fut quelque peu mou. Le second, qui refermait cette seconde journée, fut par contre un peu plus intéressant. De quoi bien conclure cette journée, un peu plus calme que la première.
On ne pèse pas grand-chose dans ce bas monde, à voir le peuple qui vous submerge de tous côtés, sous un soleil de plomb, sur une plaine perdue près de Leuven, à regarder Brian Molko chanter ses simagrées. Il en faut du courage pour braver la fatigue, la déshydratation, les décibels, la file d'attente pour boire une douche, et 1h30 de Muse. Oui, se taper quatre jours de Rock Werchter s'avère un sacré challenge. Météo : 30 degrés en moyenne. Et 80000 personnes par jour, assises, couchées, debout, partout. Ajoutez à cela la somme d'argent exorbitante à dépenser pour y participer, et 'l'événement rock de l'année' ressemble de plus en plus à un élevage en batterie de poules pondeuses. Heureusement, il n'y a pas eu de morts à Werchter, et ce grâce à la générosité des organisateurs qui ont bien voulu mettre cinq (…) robinets d'eau à disposition de leur très cher public. 'Eat your money and die !' : voilà qui ferait un bon T-shirt de festival, en taille « Girly », XS, S, M, L, XL et XXL. Espérons que Live Nation y pense pour l'année prochaine, et d'ici là…
… Bon vent à toi, en français dans le texte ! Le groupe lounge-world-pop Arsenal cartonne en Flandre, moins en Wallonie et à Bruxelles. Une autre aberration. Il y a pourtant ce titre fort efficace, « Personne ne Bouge », featuring Balo (ex-Starflam). La preuve que ces histoires de communautarisme n'ont pas (ne devraient pas avoir ?) leur place en musique. Hendrik Willemyns et John Roan s'abreuvent ainsi à toutes les sources musicales, en plein fantasme babylonien. Le chant est en portugais, anglais, chinois, français : 'Van Afrika tot in Amerika, ja wij zijn zoveel mooier als we samen zijn'. Dit comme ça, sur de jolis airs chaloupés (« Longee », « Mr. Doorman », « The Coming »,…), on ne peut s'empêcher de sourire. De plaisir, méwéééé.
… Bon vent à toi, Bernanos ! Si le titre d'un de ses romans (« Sous le soleil de Satan ») pourrait quasi coller à l'ensemble de ce festival, il a sorti un jour cette belle phrase, que les Arctic Monkeys symbolisent en affichant une belle morgue : 'Quand la jeunesse se refroidit, le reste du monde claque des dents'. Et il n'est pas prêt d'enfiler son chandail, à voir ces quatre jeunots chanter le rock'n'roll comme si demain n'avait pas d'importance (et on ne citera pas les Who). Ils ont vingt ans à peine, la classe et les chansons : les Arctic Monkeys méritent d'être les stars d'un énième revival rock, tant leur musique transpire d'une énergie vitale. Le public, d'ailleurs, ne s'y trompe pas, réservant à ses nouveaux héros les vivats de rigueur. Joué pied au plancher, avec une insouciance pleine d'émotion, le rock de ces gamins vaut bien qu'on gueule dessus en sautillant gaiement. Des tubes aux mélodies cagnardes, voilà ce qui manquait au 'rock' de 'Rock Werchter' : en balançant les furibards « The View From the Afternoon », « When The Sun Goes Down » et « Cigarette Smoker Fiona », les Arctic Monkeys réveillent en nous le rockeur de seize ans. Wassup !!!
… Bon vent à toi, et 'na na na na naa' ! C'est même le titre de la première chanson qu'ont joué sur la Main Stage les joyeux Kaiser Chiefs, fiers descendants d'un rock briton à la Madness/Blur/Dexys Midnight Runners. Cinq mecs à la gâchette mélodique facile, qui troussent des hits à la pelle comme certains vont à la mine. Pas de quoi crier au génie, mais crier quand même, à tue-tête (et au choix) : 'And my girlfriend loooooves meeee !!!' (« Everyday I Love You Less and Less »), 'Oh my God I can't believe it I've never been this far away from home !!!' (« Oh My God »), 'In my liiiiife !!!' (bras en l'air, « Caroline, Yes »), etc. C'est amusant, comme un tour de carrousel à la Foire du Midi. Kaiser Chiefs : le groupe parfait pour vos festivals rock, vos mariages et vos anniversaires.
… Bon vent à toi, le rock seventies ! The Who, Robert Plant, The Raconteurs : Rock Werchter avait des airs de TW Classic cette année, tant certains refrains entendus ça et là sentaient la naphtaline et le vieux Deep Purple. Si Jack White n'était pas de ce monde, sans doute qu'on ne perdrait pas notre temps à deviser sur l'avenir du rock'n'roll et de la guitare à deux manches. On ne devrait pas non plus se taper une heure de juke-box à la Mark Ysaye : les covers de Led Zeppelin (« Broken Toy Soldier »), de Nancy Sinatra (« Bang Bang »), des Beatles (« Hands », « Together »), de Ron Davies (« It Ain't Easy »), de Shocking Blue (« Send Me A Postcard ») et de Danko Jones (« Samuel Sin »), et se promener à Werchter comme si c'était Woodstock. Bref il y a perpète, à une époque où Bob Dylan était le summum de la rébellion et de la révolution sonore. Eh ouais, c'était bien avant le hip hop, la techno, le shoegazing, l'ambient, que sais-je ? En résumé pour Jack White et ses trois faire-valoir (deux Greenhornes, et Brendan Benson) 'c'était mieux avant', et là on n'est pas trop d'accord. The Raconteurs ? The Conservateurs, ouais !
… Bon vent à toi, l'équipe d'Angleterre ! Si on ne vient pas à Werchter pour regarder la coupe du monde, on aime être au courant des derniers résultats. 'Do you know the score of England-Portugal ?', ironise Alex Kapranos à l'entame de « Walk Away »… Si les Franz Ferdinand étaient une équipe de foot, ils seraient sans aucun doute champions du monde : quel groupe aujourd'hui peut se targuer d'avoir autant de force mélodique, d'élégance dans son jeu et de dextérité devant le but adverse ? Quoi qu'ils balancent comme refrains, c'est à chaque fois en pleine lucarne : 'Tuuuuuube !!!', et tout le monde lève les mains en plein délire collectif, c'est la fête, la grande messe pop-rock. Enfin un groupe de qualité qui squatte les charts FM sans tackler et donner des coups de boule. Si les titres du deuxième album peinent quand même à nous faire oublier les hymnes à la « Take Me Out » et « Matinee », difficile de bouder notre plaisir : ces types en chemise rouge assurent le show sur scène, l'air d'assumer pleinement leur statut de rock stars millionnaires. Classe.
… Bon vent à toi, le disco frigidaire ! Les cheveux flottant sous l'impulsion d'un gros ventilateur, Alison Goldfrapp entame ses vocalises sur « Utopia », le premier titre qui fit connaître son groupe en l'an 2000. Depuis lors, la blonde se la joue « Material Girl », disco pouet pouet et bottes en caoutchouc : si « Train », « Strict Machine » et « Ooh la la » s'avèrent de sacrés tubes taillés pour le dancefloor, la sueur qui s'en dégage se révèle quant à elle un peu froide. Pas la peine donc de chercher l'émotion dans ces ritournelles 'morodoriennes' : il suffit de danser, l'esprit ailleurs et le sourire figé.
… Bon vent à toi, la kosmische muzik ! Et si l'on comprenait enfin l'influence prépondérante du krautrock (etc) sur le rock contemporain ? Ecouter Sigur Ros, c'est comme entendre du Amon Düül au milieu du Pôle Nord, avec des baleines qui chantent dans une langue inconnue de la race humaine. Un voile immense dissimule le groupe, qui entame son trip naturaliste par « Glosoli », un machin bien pompier qui fend le ciel de zébrures électriques. Si « Takk », le dernier album des Islandais, pêche par excès de guitares lourdingues, il reste ce zeste de tendresse qui fait qu'on aime Sigur Ros, un peu, voire beaucoup, mais plus vraiment passionnément. Dévote l'ambiance, voire soporifique, c'est selon, et c'est bien là le problème… D'autant que sur la Main Stage, dEUS a décidé de faire péter le son, et donc le rock'n'roll : « Turnpike » vs. « Hoppipolla », « Via » vs. « Popplagid », etc. La bataille fait rage dans nos tympans, qui ne savent où donner du marteau et de la trompe. A la fin le voile redescend, et Sigur Ros gémit en prenant ses guitares pour des violoncelles. Tom Barman, lui, profite de la tribune qu'on lui offre (une tête d'affiche) pour exhorter le public à 'colorer sa ville', bref à combattre le racisme et la xénophobie lors des prochaines élections communales. Pour rappel, un Anversois sur deux vote Vlaams Belang (Vlaamse Blok). Le rock peut-il inverser la tendance ? Réponse le 1er octobre à Anvers, Gand et Bruxelles, en compagnie de dEUS, Arno, Axelle Red, Adamo, Daan, Starflam et co. (etc.), parce que 'la Belgique mérite mieux que l'extrême droite' (www.0110.be). Message bien reçu !
C'est sous un ciel très ensoleillé que démarre la 17e édition du Couleur Café sur le site de Tours & Taxis. Considéré par beaucoup comme le meilleur cru du festival, l'affiche de cette année a tenu toutes ses promesses.
Ouverture des festivités en compagnie de Marockin' Brass, savant mélange entre Big Band et musique traditionnelle marocaine. Le public, encore rare, semble toutefois préférer se promener dans les allées du souk ou même visionner le match de foot retransmis sur écran géant, à quelques pas du chapiteau Fiesta, où se déroule ce concert.
Aux environs de 19h, une plus large audience, essentiellement composée d'enfants et de parents, se rassemble sous le chapiteau Univers afin d'assister au show tonitruant de Diam's, qui reçoit un accueil des plus chaleureux. De quoi lui prouver que le public belge est loin d'être à l'image de celui qui la bouda, deux ans plus tôt, à Dour. Après une courte intro, la rappeuse, constamment en interaction avec l'assistance, fait vibrer celle-ci de ses tubes « La Boulette », « Dj », « Marine » ou encore « Suzie ». Rendant fréquemment hommage à ses idoles à l'aide de samples et autres bidouillages, Diam's referme son set au son du tube « Around The World » de Daft Punk, laissant derrière elle des familles conquises.
Un peu plus tard sur la même scène démarre le concert du Malien Toumani Diabaté. Vêtus d'habits traditionnels, l'homme et son groupe débarquent sur les planches du chapiteau afin de servir une musique des plus ensoleillées. Mais leur plus gros défi aura certainement été de retenir le public car, un peu plus d'une demie heure plus tard, se déroulait l'événement du jour…
En effet, bien avant que le show ne démarre, c'est déjà l'effervescence sous le chapiteau Titan. Les 3/4 de la population présente à Tour & Taxis semble s'être concentrée afin d'assister au show du grand James Brown. L'orchestre de l'homme est à peine monté sur scène que, déjà, quelques personnes de mauvaise foi commencent à bousculer les spectateurs, afin de se frayer un chemin à travers la foule – encore plus serrée que dans une boîte à sardines - pour être le plus près possible du podium. Après une longue introduction de l'orchestre, des choristes et du reste de la troupe, le roi de la soul est enfin monté sur les planches pour accorder un set plutôt moyen, démontrant qu'il commençait allègrement à faire son âge. Le souffle court, James Brown laissa principalement son groupe se charger du plus gros du travail. Bref, une prestation correcte, mais sans plus.
Pendant ce temps, le chapiteau Fiesta méritait parfaitement son nom. Les Mexicains de Los De Abajo, presque sans efforts, ont réussi à rameuter tous les festivaliers qui traînaient dans le coin afin de les faire transpirer au son de leur ska énergique. Le groupe a certainement offert une des meilleures prestations de la journée.
Un petit quart d'heure après la fin du concert de Los De Abajo, direction tente Univers, où Cali entre en scène. L'homme enchaîne les titres de ses albums « L'amour parfait » et « Menteur » devant un parterre extatique. On regrettera cependant le manque d'interaction avec ce dernier, hormis quelques remerciements entre les chansons et un joli stage-diving en clôture, pendant la version extra longue du titre « Elle m'a dit ».
La journée s'achève sur le ska-reggae de Burning Spear responsable d'un spectacle dépassant toutes les espérances de ses fans. En effet, l'homme devait achever son concert à 1h30 du matin ; et il était prêt à le prolonger jusqu'au bout de la nuit. A défaut, il offrira à son public plus d'une heure de show supplémentaire, régalant les derniers festivaliers alors sur place.
Une journée chargée donc. Et le festival ne fait que commencer !
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