Mis en scène par Chritina Vandekerckhove, « Ceci n’est pas un film » immortalise le concert du 5 mars 2005 accordé au Kopergietery de Gand par Sioen et son groupe. Un set pour lequel la formation avait reçu le concours d’un trio de musiciens à cordes et épisodiquement d’une choriste. Particulièrement en forme, Frédéric Sioen y propose 16 titres issus de ses albums « See you naked » et « Ease your mind » ; mais le Dvd inclut également un dessin animé, des interviews, des vidéos, des sessions studio et un détour – non dénué d’humour - par les coulisses. Parfois filmés en noir et blanc. Parfois fondus avec d’autres prestations ‘live’. A l’instar de « Too good to be true », accordé lors du dernier festival de Werchter. Un moment de pure magie ! Ou de « Sleeping beat », au cours duquel Toots Thielemans est venu donner un petit coup d’harmonica. D’abord lors de la dernière édition du Folkdranouter, et puis en studio. Mais le plus intéressant procède du style particulièrement ample développé par Sioen tout au long de sa prestation. Capable d’osciller de la pop au funk, en passant par le prog (NDR : tout naturellement celui du Vandergraaf Generator), le flamenco, le jazz et le classique, Sioen peut également compter sur une équipe d’excellents instrumentistes, même si la palme revient au violoniste John Baert qui est parvenu à remplacer - et ce n’était pas du tout cuit - le talentueux Renaud Ghilbert parti chez Absynthe Minded. Et le cd reproduit tout simplement le concert en audio.
La quête de la chanson pop parfaite : chaque semaine, des filles et des garçons aux idées larges tentent de relever le défi, et se cassent les dents sur le ‘couplet-pont-refrain’ qui tue, comme à l’époque… ; enfin bref, il y a longtemps. L’Arlésienne de l’artiste lambda qui croit qu’un type nul lui a piqué ses idées est devenue un classique. Certains musiciens comme Sean O’Hagan ou Stephen Merritt sont encore et toujours à la recherche du Saint Graal, Don Quichotte pop des Temps Modernes. Indice : on l’aurait aperçu au Canada, chez les orfèvres de P:ANO, qui viennent de sortir un beau disque, du nom d’une comédie musicale de Vincente Minnelli, eh oui. Alors, forcément, ça le fait : 24 mignonnettes pleines de cuivres, de piano, d’orchestrations hors pair, comme à l’époque des Beach Boys, de Bergen White et des Mama’s & the Papa’s, enfin bref, il y a longtemps. C’est beau, et il y a de quoi faire, puisque rien ici n’est à jeter. Si Gene Kelly n’était pas mort, il pourrait faire appel à ces jeunes gens pour composer un joyeux chant du cygne. En attendant que Sufjan Stevens s’attaque à l’Alaska, « Brigadoon » restera bien au chaud au sommet de la pile de nos disques à chérir.
De ce septième album du trio de Brooklyn, on retiendra surtout l’étrange variété : de la pop aérienne, du krautrock, de l’acid folk, du post-punk, du stoner et du psychédélisme. Voilà donc un groupe inventif et pas con, qui pioche dans le dico du rock sans regarder l’index. La grande nouveauté, c’est qu’Oneida s’essaie cette fois à de vraies mélodies – celles qui restent dans la tête et peuvent même s’écouter entre amis. L’intro, « The Eiger », charme ainsi le quidam par ses belles rouflaquettes estampillées sixties, avant que « Lavender » et ses boucles ne l’emmènent dans l’espace, pour un voyage interstellaire. Drogues, cerveau, musique : au jeu des trois erreurs, il n’y en a pas. Tout fonctionne à l’envers à l’endroit, c’est sans dessus dessous, sauf que maintenant sur certains titres l’écriture est concise. Et ouais, et même qu’il y a du banjo, du xylo et du Black Sabbath (« Did I Die ») ! « The Wedding » aurait pu donc, dans le meilleur des mondes, faire parler de lui, et même plaire à un nombre plus grand. Le marketing sauvage en a décidé autrement. Le mieux c’est de s’en taper, évidemment, et d’écouter ces mantras en pleine indifférence : pour cela, se farcir le tiercé de fin de disque (« Heavenly Choir », « Leaves », et « The Beginning Is Nigh »), en expirant bien fort. Ca dégage les bronches, comme du Vicks à sniffer sous la douche. Attention : rien ne dit qu’écouter Oneida est une menace pour la santé mentale. Il s’agit simplement d’une musique hors-concours, mais qui reste accessible à qui veut bien l’entendre.
Elle est seule, à la guitare. Electrique. Dans l’air, bourdonne l’envie d’envoyer tout péter, à la face d’un monde qui somnole en croyant qu’on va lui foutre la paix. Mais la fille, menue, nerveuse sous sa perruque, compte bien réveiller le zombie qui sommeille aux tréfonds de notre âme. L’esprit farouche, oblique, elle attend la batterie. Et tout à coup, la voilà qui s’active : lourde, martiale, quasi diabolique. « Hot to Death » : l’Anglaise ne croit pas si bien dire… Et ça pète, donc, avant de s’abîmer dans le silence, qui n’annonce rien de meilleur : « Cheer me oooooon ! », éructe-t-elle sur « Pompoms », Infante majorette aux faux airs sainte-Nitouche. C’est qu’elle s’amuse la fifille, à tripoter ses cordes et son kit de batterie (comme si le rock n’était pas une affaire de sales gosses…). Steve Albini, derrière ses lunettes et son desk, écoute les mains jointes : arrivera-t-elle à se calmer ou désire-t-elle une bonne fessée ? ‘Un soupir exhala de sa poitrine. Le brasier s’embrasa d’une flamme vive sur l’autel de l’amour et laboura le sein des infortunés martyrs’. C’est elle qui mène la danse, celle qui réveille les morts. ‘Je veux leur sang, leur sang !’, s’écrie-t-elle dans un excès de rage. Cette fille n’est pas bien dans sa tête, mais sa musique est bonne. Combien pour la rançon ?
James est né en 1941. A West Nashville, dans le Tennessee. Ses parents étaient musiciens. Le paternel jouait du piano et de l'harmonica. Sa mère était également pianiste et chantait. Le fiston hérite d’ailleurs des dons de vocaliste de sa maman et se met au gospel à l’âge de 20 ans, avant de se lancer dans l'opéra au cours des années 50. Ce qui ne l’empêche pas de s’intéresser à la basse puis à la guitare. Un attrait qui va le conduire à rejoindre King James and the Scepters, puis NTS Limited (au sein duquel milite alors un certain Billy Cox à la basse), et plus tard encore le Band of Gypsies de Jimi Hendrix. Il retrouve même Cox chez les New Imperials, dans les années 70. Ses débuts discographiques ne datent que de 1985 : un single produit par Charlie Daniels. Fin des 90’s il a commis deux albums gospel. Sous son patronyme. Toujours à Nashville. "Me, myself and the Lord" en 97 et "Stand up" en 99. Son premier opus de blues ne date que de 2002 : "No end to the blues". Un elpee mis en forme par Fred James et paru sur le label hollandais Black Magic Records. James reconnaît pour influences vocales majeures Sam Cooke, Lou Rawls et Johnny Taylor. Il a composé les 14 plages de « Back down South », un nouvel album de blues. Il chante, joue de la guitare, parfois de la basse et de l'harmonica. Il s’est chargé des prises de son et a assuré la production, au sein de son propre studio.
Le disque s’ouvre par le titre maître, un bon downhome blues qui démontre immédiatement que sa voix est taillée pour chanter le blues. Jéremy Nixon s’y réserve le piano. Cette voix illumine l’intégralité de cette œuvre, une voix très soul, soul/blues même digne des vocalistes de la Music City. Un orgue discret berce "Baby just be you". Superbe ballade soul, très mélodique, proche du chant gospel, "Don't let love walk out the door" excelle dans le style. Face à la douceur émouvante du piano, il hausse le timbre qui parvient, sans forcer, à atteindre une hauteur inouïe. Plus proche du Memphis Blues, "How to sing the blues" élève le tempo. L'orgue de Kenny Zander est doublé du piano tout au long de ce R&B boogie très alerte. R&B très prononcé, "Snake in the grass" inaugure une première sortie des cordes amplifiées de Mr Nixon. Le son est particulièrement perçant, sauvage mais contenu. Autre ballade soul attachante, "Numbers man" consacre une mélodie à la fois belle et fragile. Des cordes perçantes introduisent "I'm so in love with you", un titre légèrement funky qui bénéficie d’une bonne assise rythmique. Malheureusement, les claviers synthétiques font un peu tâche d’huile dans l’ensemble. James y dispense un solo au cours duquel chaque note comptée est empreinte d’une grande sensibilité. "Try love on for size" renoue avec le funk. James et Shannon Williford (NDR : issu de Baton Rouge, mais établi Nashville, il anime régulièrement des ateliers musicaux en compagnie de Nixon) co-signent "Close to you", une plage blues tonique. Shannon a emporté son harmonica. Il injecte un coup de fraîcheur au style primaire de James. Blues délicat nappé d’orgue et de piano, "Please never ever leave me again" met en exergue sa superbe voix. Et il accorde sans doute sa meilleure intervention sur les cordes lors de l’indolent "Baby just read my mind". A l’instar de Roscoe Shelton, Earl Gaines ou encore Charles Walker, James Nixon est une des valeurs sûres de Nashville…
A les entendre, on croirait que ces Helvètes s’ennuient ferme dans leur patelin, et qu’il faut bien jouer du metal pour passer le temps et chasser ses démons, à défaut d’autre chose (le bouquetin, c’est moins drôle). Après deux albums aux ambiances à la Neurosis/Isis/Todd, Knut enfonce le clou, jusqu’à taper dessus pendant des heures. En fin de compte, le metal et ce qui s’en suit, c’est de l’ordre du T.O.C. (bientôt à « Ca se discute » ?) : on martèle sans arrêt la même chose, comme si gueuler servait à quelque chose. Et je t’en fous plein la gueule, moi, de mes vocaux hirsutes, de mes riffs qui t’agressent, de mes drones qui t’abattent ! Chose étrange, seuls les titres 2-3-4 s’avèrent pourvus d’un semblant de cordes vocales. Après c’est de l’instru, parce que Didier Severin, le leader de Knut au patronyme d’attaché-case, avait peut-être mal à la gorge… Toujours est-il que ça ressemble à Neurosis, mais en moins inspiré. La Suisse, pays de la neutralité : un peu chiant tout de même, surtout quand on se croit méchant.
Ne tournons pas autour du pot. Les Hollandais, qui ont tout compris, l’ont adoptée depuis quelques années. Il est désormais du devoir de notre humble pays de réserver un accueil digne de ce nom à cette incomparable artiste. Dayna Kurtz est en deux mots une révélation. Avec un C.V. répertoriant déjà cinq albums et un DVD, il est difficile à croire que l’on n’ai que peu, voire jamais, entendu parler d’un tel talent. La dame, ayant saisi toute l’étendue de notre ignorance, nous offre une chance de nous rattraper après avoir écouté ce surprenant « Another Black Feather ». Porté par une voix androgyne imprégnée de whisky et de cigarettes, le recueil emporte l’auditeur dans un voyage introspectif à travers une Amérique redéfinie. Déchirée par des passions antagonistes, Dayna Kurtz dépeint une nation aux paysages chatoyants sur « Nola », ode à la beauté de la Nouvelle Orléans, et l’intime « Banks Of The Edisto », traçant délicatement les contours de la Caroline Du Sud. La New-yorkaise laisse ensuite éclater sa colère sur un frémissant « It’s The Day Of Atornement, 2001 » aux accents bohémiens, constat affligé et affligeant d’une société post-11 septembre, celle dans laquelle nous devons vivre aujourd’hui, corrompue par la religion, les guerres qu’elle entraîne et toute la connerie de ces hommes qui s’en frottent les mains. ‘They can all go to hell if there is such a thing !’ a-t-on envie de hurler en chœur avant de laisser le sulfureux « Showdown » calmer le jeu. Version jazzy d’un classique de Johnny Cash, « All Over Again », hommage qui n’a gardé de l’original que les paroles, confirme la virtuosité de l’artiste qui clôture son chef-d’œuvre sur « The Miracle », dont les arrangements feraient pâlir de jalousie un certain Ryan Adams. Entre blues, folk et jazz, « Another Black Feather » est à écouter les yeux fermés pour en apprécier toute la splendeur.
Drôle d’idée de sortir en l’espace de quelques semaines un même opus sous deux formes différentes. D’autant plus que les titres écartés ne sont ni des ‘live’, ni des remixes. La version épurée recèle 13 chansons. Double, elle en contient 22 (dont un bonus track du « Pink water » interprété intégralement en anglais). Alors si vous êtes fans d’Indo, vous savez ce qu’il vous reste à faire. Vous avez sans doute déjà eu l’occasion d’entendre ou d’écouter le single et le titre maître de cet opus, sur l’une ou l’autre station radiophonique (NDR : dans la négative, c’est que vous n’écoutez jamais la radio !). Une chanson qui annonce parfaitement la couleur de cette nouvelle œuvre. La dixième. Plus pêchue, électrique, rock, new wave ou même gothique. Pas pour rien que Brian Molko est venu donner de la voix sur « Pink water ». Une ballade mélancolique, dominée par l’instrumentation électronique, tellement proche de Depeche Mode. D’autres invités ont bien sûr participé aux sessions d’enregistrement ; et parmi eux des musiciens des Wampas (« Harry Poppers »), d’Aqme et d’Asyl (« Les portes du soir »). Concept album, il s’inspire de l’histoire de deux jeunes fans du groupe qui se sont donné la mort en sautant d’une falaise. Rien à voir donc avec Alice aux pays des merveilles de Lewis Carroll. Ce serait plutôt le destin tragique de deux adolescentes précipitées dans l’univers ‘sex drugs & rock’n roll’. Bref bien dans l’esprit d’Indochine. Si lors de l’album précédent, Nicola avait reçu le concours d’une pléiade de collaborateurs pour écrire les lyrics, sur « Alice & June », il signe l’essentiel des textes. Le groupe participant plus activement à la composition de la musique. Il ne faut cependant pas négliger pour autant le rôle de l’ingénieur du son Olivier de Sat, dont le travail est absolument remarquable. Les mauvaises langues vont certainement traiter la nouvelle orientation d’Indochine d’opportuniste ; tout simplement parce qu’elle a pris une couleur plus contemporaine. Davantage au goût du jour, si vous préférez. N’empêche, ce double elpee contient quelques petites perles. Le single, bien sûr, l’inévitable « Pink water », le très contrasté « Ladyboy » déchiré entre chœurs insouciants et lyrics sombres, le douloureux « Sweet dreams » (NDR : allusion à son frère défunt ?), et enfin et surtout la trilogie « Talulla »/« Morphine »/ « Starlight » qui clôt la deuxième plaque. Soit un poème de Valérie Rouzeau (NDR : elle a également écrit « Ladyboy »), une mini symphonie guidée par la voix et le piano qui bénéficie d’arrangements de cordes (surtout des violoncelles), de cors et de chœurs, et puis un final typiquement Indochine, sorte de synthèse ou de coup d’œil dans le rétroviseur, auquel Nicola est devenu coutumier.
Michel Cloup, ton univers impitoyable… Après Diabologum, cette canaille de Toulousain avait fondé un nouveau clan, l’irascible Experience. Où le bonhomme se lâche et vitupère, contre cette société qui nous programme, nous ficelle et nous dévore tout crus, avant l’indigestion. Une expérience sans compromis, qui laisse des traces et même un mauvais goût, dans les oreilles et dans la bouche. Comme son pote Michniak à l’accent nonchalant, Michel Cloup régurgite son cerveau pour mieux clamer sa haine. De la bêtise, du confortable et de nos certitudes. Qu’il sorte un disque de reprises est étrange… Pour massacrer l’ennui ? Mais l’ennui est une chose saine, mes bons amis, et même l’une des marques de l’esprit sain, qui raisonne bien, amen, et tant que l’ennui existe, c’est qu’il reste des choses à faire, à côté. Comme jouer de la musique, et en écouter, et pourquoi pas s’amuser à jammer entre potes sur des reprises de Public Enemy (« Show ‘Em Watcha Got »), Shellac (« Prayer to God »), Q Ant Not U (« Collect the Diamonds »), Suprême NTM (« Qu’est-ce qu’on attend ? ») ou encore Bonnie « Prince » Billy (« Sombre », une belle adaptation, toute en tension EMO, du grandiose « I See a Darkness »)… En bonus, un DVD d’1h30 d’extraits de concerts, en France, en Espagne et ailleurs, de clips, d’images backstage, sur la route, en van, en avion, en métro russe, récoltée et montée par Widy le guitariste. Allez, un peu de karaoké à la sauce Experience n’a jamais fait de tort à personne.
Ben Gibbard est un bon mélodiste, on l’a sans doute assez répété : qui se souvient de son side-project The Postal Service n’osera dire le contraire, et versera même peut-être une larme, tellement c’est beau. Désormais signés sur une major, Ben Gibbard et ses potes avaient donc intérêt à sortir un disque plein de tubes, si possible ‘radio friendly’… « Plans », sans verser dans le FM putassier, réussit la gageure d’être à la fois plaisant, consensuel et subtil. Ce n’est pas une insulte d’être fan, en 2005-06, de Death Cab For Cutie, et c’est tant mieux pour l’amour propre. La voix toujours aussi câline, comme celle d’un ami cher, Ben Gibbard pianote et tricote joliment, des chansons du dimanche qui plairont aux sensibles. La mélancolie, ce sentiment propice à la belle musique pop : ça ne mange pas de pain, mais ça coule lentement comme du miel dans l’oreille. Un baiser ? « I Will Follow You into the Dark » (guitare-voix-miracle), ou bien, quand ça déprime entre quatre murs, « Your Heart Is an Empty Room ». A l’instar de Nada Surf ou de Styrofoam, Death Cab For Cutie s’avère la BO parfaite de vos prochaines Cuddle Party. On se câline, on se caresse, sans sexe ni arrière-pensée. Il paraît que ça existe. On n’arrête pas le progrès.
La comparaison a beau être facile, elle n’en est pas moins inévitable. Les frères Devlins sont incontestablement les enfants spirituels de leurs compatriotes irlandais : « Waves », c’est tout simplement du U2. Mais on serait presque tentés d’ajouter ‘en mieux’. Débutant sur un captivant « Everything Comes Around », le disque des Devlins transporte instantanément l’auditeur vers d’autres lieux, là où l’herbe est plus verte, où le soleil brille toute la journée, où les « vagues » viennent achever leur course sur le sable brûlant… En période morose, les excellents « Someday », aux arrangements à la Turin Brakes, « Coming Alive », transporté par son délicieux choeur féminin, et surtout l’entêtant single « Don’t let It Break Your Heart » ont bien des chances d’être plus effectif qu’un Xanax. Toutefois, les quelques petites zones ombrageuses que constituent « Feel It When You’re Gone » ou encore « Headstrong » ternissent légèrement le bleu du ciel Devlinien. Sans grandes conséquences, dira-t-on, la magie réopérant dès les plages suivantes. Même s’il est impossible de se faire sortir la bande à Bono de la tête pendant toute la durée du disque, quelques écoutes suffiront à convaincre les plus réticents. Avec tout ça, je prendrais bien des vacances, moi…
Petit label normand indépendant, tout nouveau, tout beau, Bent Records a eu une idée vraiment pas conne. A défaut de dénicher la perle rare et de débourser des milliers d’euros en promo pour celle-ci sans garantie de retour sur investissement, Bent a préféré s’introduire sur le marché en déballant immédiatement le meilleur de son catalogue. « Nuisance Sonore » et son assemblage éclectique et efficace fait donc office de curriculum vitae du label, listant 12 artistes et autant de titres vacillants entre pop-rock et metal-hardcore. Bien que certains morceaux soient moins comestibles que d’autres, « Nuisance sonore » offre un ensemble syncrétique plutôt cohérent. Démarrant à la sauce Placebo (« Moe Sad » de 39th and norton) pour se conclure dans un fracas de distos et de hurlements gutturaux (« Dimey » de Kwashiorkor), l’autoproclamée ‘compilation des musiques actuelles’ contient quelques splendeurs telles que le séduisant « Drops » des Lyonnais de May Fly, parfaite bande son pour de longues nuits d’hiver, ou l’aérien « Father’s Falling » de Immune. Comme tout débutant ne peut éviter les erreurs de parcours, on laissera filer le vulgaire « Splaffeusplaff » de La Mygale, clone de TTC, ainsi que l’inutile « Vaginhate » de Greenwald. On conseillera néanmoins au label de se débarrasser illico presto de ces deux formations, pour le bien de nos tympans. Malgré ses faiblesses, « Nuisance Sonore » ne se définit pas comme une énième compilation insignifiante mais tel un authentique concentré de découverte et une preuve tangible que la scène indé française a de l’avenir.
Le nouveau travail de Cibelle Cavalli est un bel objet double face. Le premier disque recèle quatre traces audio annonciatrices d’un deuxième album et l’autre le pendant visuel de ces compos sous un format dvd. S’ouvrant par « About A Girl », la magie opère et cette relecture électro bossa du classique de Kurt Cobain est empreinte d’une atmosphère mélancolique contagieuse. « Esplendor », une ballade acoustique truffée de subtiles interférences électro et portée par le beau timbre de voix de Cibelle constitue sûrement le meilleur morceau des quatre. Plus proche des paysages musicaux déjà exploités sur son premier album, « Gracefully » renoue avec les textures électroniques, les breakbeats et les atmosphères suspendues et froides. Réalisé en compagnie de son vieux compère Apollo Nove, « Noite de Carnaval » débute par une ligne de basse acide qui rappelle les débuts de la house avant de rencontrer une rythmique minimale et des accords de guitare concassés. Ici aussi, c’est une atmosphère proche du rêve fiévreux qui domine. Côté visuel, parmi les petites vignettes basiques de Cibelle et Elsa Dahmani à l’esprit bricolo, la plus jolie s’avère la colorée « Esplendor ». Un travail intrigant mais prometteur, qui pourrait constituer un bon point d’entrée dans l’étrange univers de la belle brésilienne.
Groupe belge, Cornflames pratique un émorock proche de Jimmy Eat World ou des Get up Kids. Intitulé « 197666 », leur nouvel EP 5 titres est plutôt fichu. Une chose est sûre, il devrait plaire aux aficionados du genre, en Belgique. Faut dire que notre plat pays recèle peu de combos évoluant dans ce style trusté en général par des formations issues des States. Des Cornflames qui pourraient tout à fait en revendiquer l’origine. Et c’est un compliment… On les imagine bien en short baggy, un maxi de Pepsi en main, occupés à jouer « This is how it feels », leur morceau le plus catchy, au bal prom’ du collège de San Antonio. Bon, évidemment, il faut avouer un faible pour MTV, « Pimp my ride » et ce genre de chose. Dès lors…
Bienvenue chez les syncopés de The Briefs. Ici, on aime le punk-rock, la vitesse. On affiche une attitude : froc ‘moule-bite’, cravate, perfecto collant et tignasse peroxydée. ‘Vivre moche mais heureux’, telle est la devise. The Briefs n’est pas là pour parader. Personne ne viendrait se risquer à tel défilé. Non, les pensionnaires de Seattle s’activent à griffer des guitares en un temps record. Et de fait, les 11 titres bombardés sur nos tympans viennent à bout de toute énergie vitale en moins de 28 minutes et 40 secondes. Les Briefs ont mangé du Ramones, se sont fringués new wave et sont parvenus à convaincre une maison de disque de produire leur speed musical en grande quantité. En se penchant sur la discographie des vilains, l’auditeur averti (en vaut cinq) découvre une production stakhanoviste : quatre disques en quatre ans. Ces types sont nerveux. Mais sont-ils réellement dangereux? C’est en tout cas l’hypothèse défendue par la pochette de ce nouvel album : cavalcade sanglante de quatre sprinters de syllabes. The Briefs vit une passion sans concession. Mais au final, que reste-t-il ? Rien. L’expérience fut Briefs mais intense.
La subversion est-elle facteur essentiel d’évolution? La question partage visionnaires, prophètes et hauts dignitaires du rock. Pour leur part, les artisans de la musique moderne persistent à tisser les mailles d’une histoire dont la métamorphose n’exige aucune réponse. Les chantres du siècle nouveau s’activent, visitent les alvéoles des genres et en retirent le nectar le plus précieux. Architecture In Helsinki est de ceux-ci. Cameron Bird, cheville ouvrière de cet audacieux projet, propose une collection de titres qui s’agenouille dans les chapelles sans jamais s’attarder pour la prière. L’electronica, le rock, le baroque, le folk et le psychédélisme se côtoient, tournoyant ensemble autour de multiples instruments en bois. La sensation de légèreté foudroie l’auditeur : c’est exubérant, doux et sautillant comme une fin de soirée estivale. Ne rien faire, s’amuser, écouter ces sons loufoques affluer et converger vers un point commun, zénith de naïveté et de génie. De « Tiny Paintings » à « Wishbone » en passant par « Do The Whirlwind », Architecture In Helsinki ne laisse aucune place à l’amertume. Les huit membres de la chorale australienne (et non finlandaise) traversent des textes graves, moments délicats de l’existence (« In Case We Die », « The Cemetery »), sans accorder la moindre importance à la désespérance. Comme chez The Arcade Fire, les ‘funérailles’ sont prétextes aux plus belles réjouissances. Architecture In Helsinki livre ses confessions les plus intimes, le cœur empli de passion et de bonnes résolutions. Filles et garçons, à l’unisson, chantent et construisent un disque que ne renierait pas l’architecte Alvar Aalto. Assurément conquis par ces formes innovantes et organiques.
Eclectique est sans doute le terme le plus adéquat pour définir le style musical de Jenny, une charmante suédoise dont les rêves doivent être plus que probablement hantés par Goldfrapp et l’ex vocaliste de Moloko, Roisin Murphy. Avant d’entamer une carrière en solitaire, elle a sévi au sein de différents groupes, parmi lesquels on retiendra surtout le First Floor Power et The Knife, un duo electro-funky responsable d’un très bon album intitulé “Deep Cuts”. Quoique militant aujourd’hui sous son propre patronyme, Jenny est épaulée par sa soeur Clara. Qui a participé à l’enregistrement de ce premier elpee (NDR : un disque précédé par la sortie du single "A brief story") et l’accompagne également sur les planches. Difficile de rester insensible à l’électro-pop à la fois allègre et percutante des sœurs Wilson. Elles ont du talent, c’est une certitude. Et sont jolies. Ce qui ne gâche rien. En outre, la voix de Jenny est superbe. Un organe qu’elle met en exergue sur "Crazy summer", une des meilleures plages de l’elpee. Autre moment fort de cette plaque, "Let my shoes lead me forward" parvient à concentrer un faisceau particulièrement dense d'énergies positives. Jenny Wilson ou quand la pureté insolente rencontre la folie douce…
En signant ce groupe, le label InsideOut s'est éloigné quelque peu de son domaine de prédilection, à savoir les grosses pointures du rock progressif actuel. Mais sans fléchir sur ses exigences de qualité. En effet, John Crosby, visiblement seul maître aux commandes de Vast, propose un rock très inspiré, tonique et mélodique à la fois, très accessible et bonifiant au fil des écoutes. La parenté est évidente avec U2. C'est parfois hallucinant jusque dans la voix. Passé ce constat qui peut indisposer, on a vraiment droit à 14 plages sans faiblesses (y compris les deux bonus, de même qualité que l'ensemble). Vast est aussi à l'aise dans les plages en colère ('Turquoise') que dans les incursions pop apaisées ('Don't take your love away'), aussi efficace dans les riffs lancinants ('Be with me'), que dans les petites douceurs ('Lost', un sommet de l'album). Rythmiques et arrangements fuient la facilité. Les plages sont truffées de petites trouvailles sonores toujours savoureuses. Le tout est très bien chanté, avec théâtralité et conviction. La grande variété des sonorités et une production imparable parachèvent un CD qui, très vite, devrait devenir un invité permanent de votre lecteur. Vraiment conseillé!
On aurait pu croire qu’après le départ de Jimmy Lavalle (dû au succès de son side-project, The Album Leaf), Tristeza allait enfin pouvoir porter son nom avec ce qu’il faut d’atermoiement et de justesse. De fait, c’est quand même triste qu’un type comme Lavalle se fasse la malle et laisse ses potes en plan, même s’il est vrai qu’« In A Safe Place » est un sacré bon disque. La bonne nouvelle, c’est que celui de Tristeza n’est pas mal non plus, même s’il n’évite pas toujours les plans les plus foireux du post-rock - cette linéarité qui naît bizarrement du contraste et du déséquilibre. C’est donc ailleurs qu’il faut chercher la petite bête, et elle ressemble fort à un synthétiseur : omniprésent tout le long de l’album, il irrigue de ses nappes colorées le terrain craquelé des guitares électriques. De ces textures à mi-chemin entre Tortoise, Nathan Fake et Mono, on retiendra surtout l’immuable langueur : joli, mais certes prévisible… L’album s’intitule « A Colores », bref 'en couleurs' : il n’empêche que s’il est coloré, ce n’est pas en 24 bits. L’illusion persiste ainsi les quatre premiers titres, puis se dégonfle comme une vieille baudruche. Ennui ! Et tristesse, donc, qui ne dure jamais longtemps (ou pas assez).
Cinq garçons doués, des noms sur mesure pour se tailler une place dans les encyclopédies du rock : Julian Casablancas (chant), Nick Valensi (guitare), Fab Moretti (batterie), Nikolai Fraiture (basse) et Albert Hammond Jr. Mais est-il encore nécessaire de les présenter ? Depuis les attentats du 11 septembre, les médias évoquent davantage les Strokes que Ben Laden. L’embrasement médiatique provoqué par l’initial « Is This It » est vite retombé sur les petites converses du quintet new-yorkais. Au lendemain des tremblements sonores engendrés par « Someday », « Last Nite », « Take it or Leave it », la vie des Strokes avait changé. C’était difficile à expliquer, « Hard to Explain » qu’ils chantaient. Sans l’aide de personne, ces enfants de la Grosse Pomme relançaient le rock : une mode désuète, un genre plongé dans la pénombre des projecteurs braqués sur une musique désincarnée. Les Strokes, un look, des mélodies, une attitude. Deux ans plus tard, « Room on Fire » est attendu au tournant, forcément. La critique est sévère. Ce deuxième album valait pourtant son lot de magie. Aujourd’hui, les Strokes reviennent et confessent leurs « Premières Impressions de la Terre » par le prisme d’une subtile métaphore. « First Impressions of Earth » retrace, en effet, les premières sensations du succès traversé par les Strokes. A cet égard, les paroles de Casablancas demeurent sans équivoque. ‘Tout le monde me regarde mais ce n’est pas évident de rester debout, sous ses lumières, dans l’attente d’un peu d’action’ (« Juice Box »), ‘Je les déteste tous, je me hais de les détester, alors je bois un peu plus, et je les aime tous, alors je bois encore, et je les déteste encore plus qu’au début’ (« On The Other Side »), les exemples sont légion. Caché derrière sa première personne du singulier, Julian répertorie ses mésaventures, les revers d’un triomphe international qui, dans un groupe, peut avoir des retombées mortelles. Musicalement, le troisième disque des Strokes ravive une flamme éteinte depuis « Room on Fire ». Les mélodies éclatent ici et là, fulgurance sonore et bravade de riffs sans concession. Mais attention, au risque de replonger dans les tréfonds de la critique, des jugements hâtifs qui avaient rangé le deuxième album des New-yorkais dans le bac recalé, « First Impressions of Earth » ne s’apprivoise pas sur une longueur. Après plusieurs écoutes, seulement, ce disque devient le meilleur ami du mélomane. Tout est bon à prendre. Même l’intro de « Juice Box » piquée au « Brand New Cadillac » des Clash (NDR : ou aux B-52’s, ce n’est pas encore très clair) en devient attachante. La grande force des Strokes est de retour : la mélancolie rageuse de Casablancas et sa nonchalance énergique viennent épouser les contours de riffs primitifs, tellement plaisants, flamboyants. Les guitares, justement. Plus en avant, elles appuient les courbes vocales de Julian qui, bien souvent, abandonnent son traditionnel filtre de distorsion. Une gratte gravée des initiales de Nick Valensi vient d’être lancée sur le marché. Cette apparente arrogance commerciale se légitime amplement dès l’entame du solo de « Vision of Division » où Nick tricote les cordes de sa guitare, à l’instar d’un improbable Dick Dale. Plus surprenant, Fab s’efface un instant de l’univers idyllique esquissé par les Strokes au profit d’une boîte à rythmes. Tel un crooner, Julian prêche ainsi son imperméabilité à la célébrité sur « Ask Me Anything » : ‘Je n’ai rien à donner, aucune raison de vivre, mais je me bats pour survivre, je n’ai rien à cacher’. Alors, « Is this It » ? La question que tous les observateurs sont en droit de se poser. Est-ce le plus grand album de rock de tous les temps ? Certainement pas. Les Strokes sont déjà confortablement assis dans l’histoire et une simple impulsion leur suffit pour lâcher un album redoutable. « First Impressions of Earth » est le disque de la semaine, du mois. L’année, elle, attendra.
Originaire d'Eugene dans l'Oregon, Bill Rhoades est un pilier de la scène blues du Nord Ouest américain. Il en est même considéré comme le ‘parrain’. A l’instar d’une multitude de ses contemporains, il s’est intéressé au blues au cours des années 60, à l'écoute de groupes issus du British Blues Boom. Il fonde sa première formation début des 70’s : les Rhythm Kings. Très actif, il monte son radioshow : "Blues Power", sur KLCC. A la même époque, il met sur pied l'Oregon Blues Society. Il fonde alors son Bill Rhoades Blues Band, un combo dont le patronyme se muera finalement en Party Kings. Concitoyen, le jeune Robert Cray va même régulièrement enrichir le line up sur les planches. Au cours des 80’s, il s’établit à Portland. Et dès son arrivée, il est invité à présenter un nouveau radioshow. Sur KBOO : "Blue Monday", une émission qu’il anime toujours aujourd'hui. Dans la foulée, il crée la Cascade Blues Society. Depuis quinze ans, les Party Kings cumulent les distinctions sur la scène blues locale. Une scène très active, il faut le souligner. Au sein des Party Kings figure Michael Osborn. Un excellent guitariste qui avait fondé le Charles Ford Band en 1970. En compagnie des frères Ford, bien sûr. En 1981, Michaël atterrit au sein du John Lee Hooker Band et en devient même le leader musical. Il y restera 13 années. Il a commis plusieurs elpees sur le label Blues Rock It dont "Cold hearted girl" en 88 (NDR : chez Crosscut), "A case for the blues" en 93, "A background in the blues" en 96 et son tout dernier, "Touch tone" en 2005. La section rythmique est constituée du bassiste Tommy Szell et du batteur Johnny Moore. Au cours des dernières années, Bill Rhoades ne s’est pas croisé les bras. En 1998, il a enregistré un album en compagnie d’Alan Hager : "Runnin' & ramblin". Un opus au cours duquel le duo se consacre exclusivement aux grattes acoustiques. Et en 2002, "Don't lose your Kool", flanqué des Party Kings.
L'album s’ouvre par des interventions très tranchées de l'harmonica. Bill possède une bonne voix. Il plaque des phrases aussitôt entrecoupées par des incursions percutantes de son instrument. Michael n'est pas en reste et sa première sortie est déjà déterminante. Les Party Kings virent au West Coast blues pour affronter la reprise du "She walks right in" de Charles Brown. Préposés à la section rythmique, les deux vétérans possèdent suffisamment de métier pour assurer le swing indispensable et nécessaire destiné à propulser Osborn dans un solo brillant et irrésistible. Une situation propice à communiquer un souffle réparateur à Bill qui explose dans le jump harp. En composant "I'm trying", Bill pensait certainement au fameux riff de Bo Diddley. Ce tempo nerveux inspire le leader, responsable d’une nouvelle évasion à l'harmonica. Et son jeu est à la fois brillant et musclé ! A cet instant, on se rend compte que la source d'inspiration majeure de notre homme émane du Chicago blues des fifties. Le disque recèle quelques excellentes covers. Et tout d’abord le "Now she's gone" de J.B Hutto. Dans un registre plus proche de Jimmy Rogers. Tout au long de cette compo, Bill semble être devenu un adepte très attentionné du style de Little Walter. Un excellent blues basique auquel participe Vince Carlysle (NDR : il a milité chez les Switchmasters de Jimmy Lloyd Rea), invité pour la circonstance. Dans l’univers des souffleurs, Bill apprécie tout particulièrement les deux Sonny Boy Williamson. Tout au long de "Temperature 110", non seulement il reste fidèle au jeu de Rice Miller, mais il s’acquitte de sa tâche avec une aisance déconcertante. Une prestation qu’il va reproduire, dans l’esprit de John Lee Williamson, lors de son "Early in the morning". Le "She moves me" de Muddy Waters a subi un traitement plus classique. Autre concitoyen, ami et producteur de cet album, Terry Robb s’y réserve la slide. Mr Rhoades signe également ici quelques compos. A l’instar de "Hurt again", un fragment qui macère dans le swamp blues de Baton Rouge. Nous ne sommes alors plus tellement loin des Slim Harpo, Lightnin' Slim ou encore Lazy Lester! L’attaque d’Osborn y est très personnelle, très rythmique, toute en sensibilité, presque indélébile… Boogie léger, "Voodoo lovin" est imprimé sur un tempo contagieux. Idéal pour lancer les solistes sur orbite. Michael d'abord. Bill ensuite. La section rythmique libère énormément de groove pour soutenir l'effort solitaire opéré par Osborn sur "Cindy Ann". Un solo habilement ficelé, en progression continue. Du bien bel ouvrage ! La version du "Kidney stew" d'Eddie Vinson épouse un profil très West Coast. Bref instrumental, "Sixes and sevens" est partagé en duo avec la shruti box de Dave Lange. Enfin, l’adaptation du notoire "Don't you lie to me" de Tampa Red est un véritable tour de force. Et on voudrait tellement que cette machine ne s'arrête jamais…
« Ten Stories down » constitue enfin le très attendu successeur du mémorable 'Variations on a dream'. Il démarre en trombe par une plage accrocheuse, énergique, contrastée et très lancinante évoquant Porcupine Tree. Un peu troublant vu les déclarations de Bruce Soord visant à démentir toute filiation à cet autre PT. Même si on peut difficilement nier que les deux groupes appartiennent à une même mouvance, la suite de l'album nous rappelle que le voleur d'ananas a depuis toujours sa propre marque de fabrique. La belle voix de Bruce y contribue. Elle retrouve ici plus de naturel, même si elle se complaît encore souvent dans un registre plaintif, vaporeux, et apparaît parfois trafiquée ('My own Oblivion'). Autre touche personnelle : les très fins arpèges de guitare sèche, toujours bien présents. Le groupe convie également quelques sonorités classiques et garde toujours son piano électrique sous le bras. Sans parler d'influences, les repères s'avèrent fort variés : Pineapple Thief peut être aussi oblique que Radiohead et aussi pop que Coldplay, tout en évoquant un peu Muse dans ses (rares) moments les plus énervés. Sans oublier de décocher un bref clin d'œil à Beck ('From where you're standing'). Et on n'est parfois pas très loin de ce que propose depuis peu un groupe comme Anathema. L'album ne recèle aucune plage atypique à la beauté simple et frémissante, comme l'était par exemple 'We subside' sur le précédent. Il est globalement plus construit, plus 'produit' et standardisé. Mais sur la plupart des titres on retrouve avec bonheur ce pop-prog fait de perles et de dentelles, volontiers mélancolique, toujours très séduisant dès la première écoute et aux longues résonances, auquel le groupe nous a habitués. Il mérite vraiment une carrière honorable. Si vous êtes assez rapide à l'achat, vous recevrez l'édition double CD, soit en prime huit plages plus expérimentales mais souvent intéressantes.
Il y a quelques mois que cette jolie plante bourgeonne paisiblement à l’ombre de toute exposition intempestive. Elle est là : son feuillage éclipsé par des kilomètres de champs de néo-soul vide de toute sève. Or, celle qui coule dans la tige de Plant Life est miraculeuse, pétrie d’influences sophistiquées, sexy et hypnotiques. Fruit d’une collaboration juteuse entre Jack Splash (au chant), Panda One (production) et Rashida The Beautiful (Dj), Plant Life sème extravagance et fantaisie dans un répertoire R’n’B urbain, confiné dans l’exiguïté d’un verger de la cité des anges, à Los Angeles, aux USA. Le projet est déstabilisant d’originalité, à faire frémir les grands frères d’Outkast. Car, la paire Mr Dré et Big Boi mis à part, personne, au 21ème siècle, n’est en mesure de rivaliser avec ces graines de stars, étoiles montantes d’une Soul moderne. Cette fois, il faut se battre ! Le « retour de Jack Splash » doit marquer l’avènement d’une nouvelle génération sensuelle et bondissante. Une musique black qui plaquerait enfin les blanches productions et rendraient ses lettres de noblesse à Funkadelic, Sly, sa famille Stone et ses potes défoncés. Les agriculteurs du hip-hop doivent agir, préparer l’engrais, fertiliser les terres et stériliser les mauvaises herbes. Il est temps. Plant Life va bientôt sortir de son bac et, enfin, rejoindre le jardin d’Eden, véritable paradis des hits splendides. L’arrosoir de Jack Splash est rempli de tubes : « Precious Heart », « Luv Me », « Underwaterluvboogie ». Ne reste plus qu’à irriguer les contours assainis de la Soul Music. Et, patiemment, attendre les récoltes annoncées.
Fondé par les frères Bill et John Clifton en 1989, le Mofo Party Band est établi en Californie. Dans la Central Valley, du côté de Modesto et de Fresno. Bill se réserve la guitare : une Telecaster ! John, le chant et l'harmonica. Le line up implique également Jake ‘Cobra’ Finney à la basse et Brian Bishel à la batterie. Leur carte de visite mentionne quelques collaborations auprès d’artistes notoires ; et en particulier Luther Tucker, James Harman et Johnny Dyer. Avant de commettre « The Sound of », il avait déjà concocté quelques albums : "Ten dynamite hits" en 1995, "Call the doctor" en 99 et "Voodoo dolls and jungle drums" en 2001. Sans oublier "Black Market Live", enregistré à Fresno en 2002 ; mais ce disque est devenu une pièce de collection.
Après un premier accord, le départ est donné. La basse acoustique cède rapidement le relais à la guitare allumée de Bill Clifton. Le ton est très rockabilly. La musique évolue dans un univers sonore assez proche des Nightcats de Little Charlie Baty. La voix de John est un tantinet fragile ; mais il manifeste énormément de punch à l'harmonica! Bien nerveuse, la machine attaque "One fine chick". David "Big D" Fields y injecte ses congas. Bill est parfait dans ce style. Son solo est très personnel, même si les références à Dave Gonzales ou à Jimmie Vaughan – mais lors de ses débuts chez les Fabulous Thunderbirds à Austin - ne sont pas dénuées de sens. Le MPB déborde d’énergie. L’approche du son est très primaire. Le dynamisme omniprésent. Emouvant, "Travelling" emprunte un schéma musical immortalisé par Howlin' Wolf. Il nous entraîne sur les routes californiennes. Peut-être bien cette Highway 99 qui traverse l'Etat de l'Ouest. Bill plaque ses accords. John souffle rageusement et généreusement dans son instrument. Sa voix n’est guère puissante, mais il la rend la plus vivante possible. "Horrible mess" baigne au sein d’un climat proche du géant noir de Chicago. John est passé à l'harmonica chromatique. Il en extrait un son très californien naguère popularisé par George Smith. Bill démontre toute sa dextérité sur les cordes en mêlant accents latinos du Mexique (NDR : la frontière est à deux pas !) et sonorités californiennes, tout au long de l’instrumental "El Paso Boogaloo". Le jeu de guitare dispensé lors de "You're a liar" est manifestement inspiré par le Westside de Chicago, et tout particulièrement par celui de Mr Magic Sam Maghett. Imprimé sur un tempo très élevé, "Blues and trouble" nous guide plein sud. Vers le delta. La rage hante toujours l'attaque des cordes, le chant et l'harmo du frère. "Country girl" émarge au rockabilly blues funk. John ne laisse échapper que peu de notes. Mais elles sont rythmiques et un rien réverbérées. John s'anime et souffle dans les aigus. Le monde des swamps de Slim Harpo n’est plus très loin. John hausse la voix pour présenter "One more time", un slow blues de très bonne facture. Le style est sensiblement plus proche de Chicago, mais l’attitude demeure très personnelle. Bill s'efforce de combler tous les espaces libres. L'intensité est ici volontairement dramatique ; et lorsqu’il prend son billet de sortie, c’est pour faire glisser son bottleneck le long des cordes, dans l’esprit du Southside si cher à Muddy Waters. "Sunday driver" nous replonge dans une atmosphère latino. Le tempo est alerte. Les cordes acoustiques et électriques se mêlent pour mieux galoper entre country & western et tex-mex. Particulièrement tonique, cet opus a été enregistré aux studios Wolf Sound de Fresno. Mais nous réserve quand même une plage ‘live’. La dernière : "The sound". Un fragment qui restitue l'ambiance d'un concert accordé en public à Hitsville West. Soit près de dix minutes de fête, de folie même. Le quatuor y est absolument déchaîné, chauffé à blanc. Plongé dans un véritable chaudron incandescent, il finit même par exploser. Et le public est aux anges. Ce Mofo Party Band doit faire un malheur sur les planches. Tout simplement en fricotant des sonorités modernes à l’aide de recettes vieilles d'un demi-siècle!
Après avoir commis un single ("So fantastic") et un EP ("Once we were diamond"), Diamond Nights nous propose son premier album. Un disque qui touche un peu à tous les styles fondamentalement rock : depuis le hard au heavy metal, en passant par l’indie et le glam. Les mauvaises langues avanceront que leur musique n’est guère différente de ce qui nous est déjà proposé sur la scène contemporaine ; mais je ne partage pas ce point de vue. En effet, si la structure est bien basique et concède pour influences majeures The Darkness et Black Sabbath, la formation américaine (NDR au sein de laquelle on notera la présence de Rob Laakso, membre des Swirlies) parvient à créer son propre style. Et même à faire preuve de créativité en poussant les limites de l’audace jusqu’à l’impertinence. Pas de titre faible sur cet opus, mais quatre morceaux qui valent leurs carats de diamant : « Destination diamonds », « Drip Drip », « Red Hex » et Saturday Fantastic. Quatre fragments partageant un point commun : des guitares qui déchirent !!!
Il est désormais inutile de présenter les hallucinants Taraf de Haïdouks, des musiciens originaires de Clejani, en Roumanie. Ce dvd/cd nous relate un concert enregistré en 2002 à l’Union Chapel de Londres. On peut donc y voir le groupe en pleine action, se lançant dans leur impro ultra rapide ou dans leurs comptines hantées qui ne jureraient pas dans un film de Tim Burton. On peut y revoir aussi le patriarche Nicolae Neacsu (décédé depuis) qui tire des sonorités torturées de son violon au moyen d’un poil de crinière de cheval, mais aussi poser le regard sur le flûtiste et son air de possédé du village. Entrecoupée de témoignages de nombreux admirateurs (dont Johnny Depp) cette prestation est reprise dans son intégralité sur le cd audio qui accompagne le dvd. Suit un reportage sur le Taraf en Roumanie à l’occasion d’un set au cours duquel ils collaborent avec d’autres musiciens tziganes. On peut encore observer les musiciens dans leur village natal, au sein de leur famille et enfants ainsi que quelques anciennes images de l’ensemble au moment de sa formation. Des conditions de vie peu faciles, qui en disent long sur le chemin parcouru par la troupe. Après un témoignage amusant du collectif en tournée à travers le monde, ce sont ses membres qui s’expriment au cours d’interviews. Mais la musique restant l’essentiel, sachez que la découverte de ces musiciens d’exception est impérative pour tout amateur du genre. Une musique qui défie les catégories et touche par sa liberté totale et son audace.
Les rencontres dans les bars, c’est toute une histoire. A l’ombre d’un pub londonien, Barry Dobbin et le guitariste Luke Smith s’élaborent des plans d’ivrognes, des chimères de comptoirs avant de s’essouffler sur le dance floor jusqu’aux petites heures. De ces périples alcooliques, les deux amis en ont gardé l’espoir et le rêve de s’enregistrer un disque. Planqués comme deux reclus dans l’appartement de Smith, voilà donc qu’ils décident de donner substance à leurs aspirations dansantes. Ensuite, c’est une autre histoire, hors des bars. Barry, au chant, et Luke, derrière sa six cordes, rejoignent trois autres troubadours. Baptisé Clor, le quintet cherche à créer une musique rétro futuriste, rêche, primitive, aussi bien capable de s’exprimer sur le dance floor que dans les clubs de rock. Conséquence logique de ces annales : un premier album éponyme. Au total, 11 titres se bousculent au portillon d’un héritage revendiqué (ou très mal dissimulé ?). Les Sparks et Pavement, en tête, les compositions rallient une scène où guitares et synthétiseurs tentent mutuellement de s’arracher le cœur. La bataille est sans merci et quelques tubes sortent discrètement de la castagne : « Good Stuff », « Outlines », « Love+Pain ». La volonté et la hargne ne sont pas les moindres attributs de Clor. Malheureusement pour eux, d’irréductibles lads se sont déjà lancés à l’assaut du créneau. Maxïmo Park, Art Brut, voire le projet Brakes, alimentent en effet la folie éphémère d’un genre déjanté. Chez Clor, la graine de folie doit encore…éclore : dans l’attente de jours meilleurs.
Après avoir composé la bande sonore du film de Hannu Salanen, " Downhill city " en 2000 et tenté une expérimentation dans le domaine de l’électro en 2001 (« Rally of love »), la formation finlandaise a décidé d’en revenir à une forme musicale pop/rock plus conventionnelle. Le plus souvent garage. N’hésitant pas à lorgner dans le jardin sonore des Strokes (l’échevelé « Not so good at school »). Ou empruntant carrément les riffs sales, hymniques, malsains des Stones circa « Sticky fingers » (« Rat king »). Encore que certaines compos bénéficient d’arrangements aussi somptueux que chez Mercury Rev. Et je pense tout particulièrement à « Mr. Twister » qui aurait pu figurer sur le dernier opus de la bande à Jonathan Donahue, « The secret migration » ou encore à « Sister May » ; bien que sur cette dernière, la moitié du temps, 22 Pistepirkko prend un malin plaisir à y pasticher « Lady marmalade » (NDR : signée B. Crewe et K. Nolan cette célèbre compo a été immortalisée par Patti Labelle, en 1997). L’opus épingle également l’une ou l’autre chanson plus acoustique (ou semi-acoustique). A l’instar de « X-(wo)man », plus Kinks que nature. Ou encore « Hello sunshine », mais sous une forme heavy décapante, excitante. Dans l’esprit du Led Zeppelin, lorsqu’il avait commis son troisième elpee. La formation n’en oublie cependant pas son admiration pour le Velvet Underground (« Space riding ») et tente même une incursion dans la house mancunienne (Stone Roses) sur « Soul free ». D’excellente facture, cet opus a reçu le concours de Kalle Gustafsson, le bassiste/violoniste de Soundtrack Of Our Lives, à la production, et puis de l’ingénieur du son de Neil Young, John Hanton, qui s’est déplacé personnellement en Finlande pour mettre la touche finale au mixing…
Il faut se faire une raison. Les acteurs profitant de leur statut pour tenter d’envahir l’industrie du disque se font de plus en plus nombreux. Et dieu sait qu’on a déjà vu ce que cette situation pouvait donner. De Steven Seagal à Billy Bob Thorton en passant par Minnie Driver, Keanu Reeves ou Kevin Bacon, tous ont été boudés par le public. Et, malheureusement pour lui, Jared Leto n’échappe pas à la règle. Pour réussir sur les deux tableaux, il y a trois conditions : être une jeunette ou presque, avoir des formes et chanter des inepties. En bref, s’appeler Hilary Duff, Jennifer Lopez ou Lindsay Lohan… Dans la catégorie ‘acteurs devenus chanteurs’, il y a ceux qui ont bien compris cette règle et ont donc rangé leurs micros. Puis il y a ceux, comme Jared, qui persistent et continuent à brasser l’air. Après une première tentative d’infidélité à Hollywood en 2002, année de sortie de l’album éponyme de son groupe, le Fight Clubber accompagné de son frangin, se risque à un nouvel essai. Un brin supérieur à son prédécesseur, ce disque n’a cependant toujours pas le potentiel requis pour marquer les esprits et se promène sur des sentiers déjà battus par Taproot, Disturbed et consorts. Le single « Attack » résume à lui seul l’entièreté du recueil : une colère juvénile, mi-chantée, mi-hurlée. Facile et dérisoire, « A Beautiful Lie » retranscrit quasiment le même schéma que « 30 Seconds To Mars » et lasse à peine après avoir démarré. Jared, t’as plus qu’une solution : demander conseil à J-Lo…
Dignes héritiers d’un univers plaqué sur les cordes de Dylan, de Cohen ou du Velvet, Tiger Saw explore une délicate plage indie au bord de laquelle il est de bon ton de chantonner, siffler ou simplement psalmodier des airs faussement heureux. « Sing ! », troisième disque du collectif de Los Angeles, agrémente ainsi une veine de musique folk, allongée sur une confortable paillasse de cordes acoustiques. Au chant, Jason Anderson se voit régulièrement soutenu par les voix de ses muses, Nikole Beck et Juliet Nelson, à l’instar d’un Léonard Cohen. Les vagues de ce disque ne se briseront certainement pas sur nos côtes. Pas d’ouragan Tiger Saw en vue sur nos contrées. Mais peu importe, l’océan de quiétude dégagé par la musique du groupe donne envie de s’abandonner aux activités les plus intimistes. Ne le cachons pas, ce disque s’adresse avant tout aux radins de la chanson délicate, avare notoire des belles mélodies qui, seuls dans leur chambrée, s’enferment, montant le volume pour se noyer égoïstement dans ces eaux claires. L’appel du large, des grandes étendues, autant de représentations transportées par des compositions affranchies de toute règle. « Sing ! », « For Adrian » et « The Sea » resteront certainement les plus beaux souvenirs de cette traversée bucolique. Et puis, ces impressions s’effaceront. Pour un jour, peut-être, remonter à la surface.
Ce trio amstellodamois talentueux est parvenu à tracer un chemin musical très personnel en mêlant habilement tout un éventail de paramètres, parmi lesquels on retrouve le blues traditionnel, le desert rock, le boogie poussiéreux et la roots music. Ce qui ne l’empêche pas de concéder l’une ou l’autre ballade dépouillée, d’avoir recours aux artifices psychédéliques ou de mettre son expression sonore à la sauce contemporaine. Les trois musiciens se partagent une foultitude d'instruments. Mischa den Haring se réserve le chant, la guitare électrique et acoustique, le piano électrique ainsi que la mandoline. Martin de Ruiter le vocaux, les drums, les percus et le piano. Enfin, Donné la Fontaine, la basse, le banjo et l’ukulélé. A ce jour la formation comptait deux albums à son actif : "Coo-coo" en 2001 et "Strange things happen" en 2004. Partiellement enregistré à Tucson, en Arizona, cet opus qui a les avait véritablement révélés. La pochette de « Cherry Stone park » est de couleur rouge sombre. A l’intérieur du booklet, le trio pose, la mine sévère. Et pour cause, ils sont vêtus comme des croque-morts. Martin porte des fleurs déjà fanées. Cette photo accentue le côté ténébreux de leur univers.
"Yo-yo-yo" baigne au sein d’une atmosphère terrifiante et suffocante : celle des bayous lointains de la Louisiane. Une entrée en matière étrange pour le trio batave. La guitare de Mischa se repaît voracement des échos réverbérés face à la section rythmique plus solide et solidaire que jamais. Le vent souffle. Il provoque des remous à la surface des marais. Pour "8-ball in the side pocket", T-99 reste bien ancré dans le Sud profond des USA, non loin des digues déstructurées du Mississippi. Mais la démarche est minimaliste. Evert Kaatee secoue la cloche pour ponctuer les percussions de Martin. Mischa chante en s’accompagnant rythmiquement d’une sèche. L'environnement demeure lugubre, même en ouverture de "Cold rolled steel". La batterie évolue à l'avant-plan. La voix de Martin rejoint celle de Mischa avant que ne surgissent les cordes amplifiées, gourmandes, menaçantes. Le timbre distant d'Evert est passé au scanner. Martin chante la ballade folk "Hayfever". Donné double sa basse acoustique d'un bienveillant ukulélé. Interlude instrumental, "Regalo para donna" amorce un tango très rigoureux et classique, qui aurait pu servir de toile de fond à un film de Tarantino, avant de changer radicalement de tempo. Beaucoup plus vif, il vire rapidement à une sorte de surf music frivole et éclatante. "Twine" ne déride toujours pas le climat. Presque funéraire il se mue subitement en rouleau compresseur manœuvré par Mischa. Au loin, la voix distante de Martin contemple. "Tonkin" nous embarque dans un de ces vieux trains fantômes du Far West ; un convoi traqué par une horde d'indiens menaçants. A cheval. Au galop. Le combat est inéluctable! Mischa revient au micro susurrer "When the wagon comes", dans un silence glacial. Sans esquisser le moindre sourire, Martin et Donné soufflent dans un mouth trombone. Il sont même soutenus par le tuba de Harm Bredero, un banjo, un ukulélé et la guitare lumineuse de Mr Den Haring. Le rythme se déforme, puis devient syncopé pour aborder "Shake it!", un blues/rock que la plupart des autres artistes se contenteraient de dispenser le plus classiquement du monde. Sans y ajouter la moindre once d’originalité. Cependant, T-99 a le bon goût de tout décomposer, de tout déchiqueter, avant de tout reconstruire. Habilement ! La guitare s’y autorise même une sortie audacieuse, franche et enthousiasmante. "When I'm gone" s’ébroue comme une petite complainte country & western bien inoffensive avant de bénéficier d’un solide coup d'accélérateur, et de redémarrer sur les chapeaux de roues. Le train ralentit. Il arrive en gare. Les percussions envahissent les quais. Un chant incantatoire s’élève. Martin le surplombe pour driver cette complainte contagieuse. "White wedding" consacre ce mariage dans un monde de croque-morts. Un sacrement qui lie la guitare acoustique du producteur Teddy Morgan et les cordes enfin sereines de Mischa, dans un univers sonore au sein duquel riment pureté, beauté et sérénité. Vraiment un opus qui brille par son originalité et sa créativité !
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