Grand Corps Malade, Ben Mazué et Gaël Faye décident de miser sur l’éphémère afin de produire un objet musical né du désir de croiser leurs rimes et leurs émois. Chacun des trois frères de cœur a eu la superbe intuition de prendre le temps, pour mieux le laisser aux deux autres.
Courant avril, les trois artistes se sont retrouvés une semaine au studio La Fabrique où ils ont écrit 7 morceaux composés par Mosimann et Guillaume Poncelet.
« On a pris le temps », en ouverture de cet essai discographique baptisé « Ephémère », raconte avec mélancolie ce désir de maîtriser la course des horloges pour toujours souffler sur les braises de l’inspiration. On y comprend que pour ces trois garçons, le paradis ressemble à une feuille blanche. Cette promesse d’une pause, d’un répit, se révèle aussi pour chacun, un rendez-vous avec lui-même.
Dans le cadre idyllique et propice du studio d’enregistrement de La Fabrique à Saint-Rémy-de-Provence, le trio parie donc pour un allongement des secondes. Ce moment d’introspection collective imposée mais naturelle, ressemble alors à un inventaire, un état des lieux, un état des mieux et des moins bien, à mi-parcours d’une trajectoire artistique enfin balayée par les vents de la reconnaissance et du succès public.
Pour regarder et écouter le clip de « On a pris le temps » ici
« La symphonie du temps qui passe » n’est pas un album, ni un film, ni une comédie musicale, ni un recueil de poème, dirait Magritte.
Porté cœurs et âmes par Daria Nelson et Mathias Malzieu, ce projet projeté à 360 degrés est pourtant exactement tout cela.
Après avoir co-signé ‘Le dérèglement joyeux de la métrique amoureuse’ aux éditions l’Iconoclaste - un premier recueil de textes et collages - Daria Nelson et Mathias Malzieu ont magnifié leur histoire personnelle aussi merveilleuse que douloureuse pour donner naissance à cette multi symphonie.
Côté musique, il s’agit de chansons pop cinématographiques symphoniques matinées d’électronica. La reine du bal et surprise du chef reste l’interprétation vibrante de Daria Nelson, tant sur la bande qu’à l’écran. Chanteuse et photographe exposée à Arles ainsi qu’aux Etats-Unis et en Allemagne qui prépare déjà un elpee solo, cette artiste est LA découverte de cette symphonie du temps qui passe.
Danny Elfman (OIngo Boingo) et Olivier Daviaud (arrangeur pour Dionysos, Emily Loizeau et compositeur de musiques de film pour Joann Sfar dont « Gainsbourg, vie héroïque ») ont participé aux sessions d’enregistrement et côté image, on retrouve un autre génie magicien, Sébastien Salamand dit Le Turk, rejeton étoilé de Georges Méliès et Jean Cocteau.
Pour Mathias Malzieu, ce premier disque hors Dionysos en tant qu’auteur-compositeur (pour mieux y retourner plus tard) est un jalon aussi important qu’a pu être pour lui « La mécanique du cœur ».
Bienvenue à bord !
Le premier clip qui résume bien l'univers, « La symphonie du temps qui passe » (tous les titres ont été clippés), est à découvrir ici
A l’occasion de ses 20 ans de carrière, Vincent Delerm a sorti, ce 28 octobre, un livre-disque (comprenant 140 pages d’archives personnelles, photographies, manuscrits de chansons… et 2 long palyings comprenant 8 inédits) ainsi qu’un coffret collector “20 ans” (édition limitée) et un vinyle de l’album “Sans Paroles”.
“Comme une histoire” est un album qui raconte ces fragments du parcours, des premiers concerts sur le campus de la fac de Rouen jusqu’au tournage de ‘Je ne sais pas si c’est tout le monde’ et la tournée “Panorama”. Un peu comme un ‘album-film’ qui mêle huit chansons inédites (dont “Avec Jeanne” désormais disponible) à toutes les archives sonores mises de côté au fil des années.
“Sans Paroles” est un elpee instrumental, une version piano solo de vingt titres, joués comme s’il était seul chez lui, en partant des mélodies des chansons et en dérivant ensuite.
Le livre qui accompagne ces deux opus regroupe les archives visuelles, photographies de studio ou de tournée, manuscrits de chansons, lettres reçues…
Et puis dans la boîte, quelques surprises.
Sur Instagram, l’artiste Delerm célèbre un LP différent chaque semaine en dévoilant des vidéos, photos souvenirs, archives, manuscrits ainsi que des lives inédits : Ben Mazué, Vincent Dedienne ou encore Sandrine Kiberlain revisitent certains titres, accompagnés par Vincent.
Regarder “Avec Jeanne” extrait du Livre-disque 140 pages / double album “Comme une histoire / Sans paroles”
Le clip d’“Avec Jeanne”, est disponible là
C’est le premier album de Planterose, mais pas les premiers pas dans la musique pour ses équipiers.
Amoureux de pop culture, ce monde idéal où Flavien Berger partage un verre avec l’homme de Rio, Gainsbourg s’adonne à la Dream pop, et Laetitia Sadier conduit la Ford Mustang de Bullit.
Ce monde n’a pas de frontières, on peut y remonter le temps ou s’échapper vers le futur en épousant ses mélodies, éternelles. Mélodies des mots où résonnent en écho le bruit des ruptures, du temps qui court, du désir d’être là, encore.
Ecrire en français parce que les mots viennent comme ça et s’assemblent comme un jeu, Pong Game poétique, lunaire et mélancolique.
Les 8 chansons de ce premier disque restent dans la tête, Florence (chant), Thierry (guitare), Nicolas (basse), Éric (batterie) ont réussi à mélanger leurs influences d’hier et amours d’aujourd’hui pour offrir une musique actuelle et intemporelle, prête à conquérir ce monde parfait.
« En paix » est en écoute ici
Le groupe allemand de rock alternatif Milky Chance s'est associé à la légende luso-américaine de la dance-pop, RAC (RAC, c’est l'alter ego d'André Anjos, un producteur de Portland qui compte plus de 200 remixes à son actif ; il a notamment réalisé des remixes pour Kings of Leon, Lana del Rey, Phoenix, New Order et Linkin Park), pour sortir un remix puissant de son dernier tube "Synchronize". L'ambiance mélancolique de la version première a été conservée et les percussions ont été remaniées à la manière d'un RAC classique, à l’aide de caisses claires percutantes et de fills imprévisibles.
Les deux artistes sont de vrais fans de leur travail respectif et étaient plus qu'heureux de se ‘synchroniser’. Ceux qui veulent voir Milky Chance en action devront se rendre dans la grande salle de l'Ancienne Belgique à Bruxelles le 17 octobre 2022.
Le clip de ce remix est à découvrir là
Le binôme parisien DEMAGO s’est fait connaitre en 2008, grâce à la sortie de son elpee « Hôpital », dont plusieurs titres (« Hey doc », « Respirez » …) sont diffusés sur les ondes. Un deuxième opus, « BatTement », voit le jour en 2019, et marque le retour d’un groupe qui a multiplié les expériences et les collaborations.
Entretemps, la formation a répondu à l’invitation de Radio France pour mettre en place une série de concerts-événements accompagnés par l’orchestre philharmonique de Radio France à la salle Pleyel pour réinterpréter l’œuvre de Moussorgski en version rock. 3 concerts seront diffusés sur France Musique et un documentaire retraçant la rencontre choc du rock et du classique sera programmé sur France 2.
Aujourd’hui, DEMAGO revient sur le devant de la scène en publiant « Camarade X », un nouvel opus coup de poing. Porté par l’interprétation hypersensible et écorchée de Maün, le rock façon DEMAGO se conjugue au présent et au passé, grâce à un son qui vient puiser son influence dans les années 90 (Nirvana, System of a Down), électrisé par les guitares de Bleach, à coups de riffs mélodiques et ravageurs.
Les textes en français dissèquent la société au scalpel, refusant toute concession au chevet d’un réel malade et indigeste. De la société de surveillance au transhumanisme, de la difficulté à vivre sa vie à l’omnipotence de l’argent roi, DEMAGO s’illustre par une écriture au laser, un témoignage unique sur l’émergence d’un monde fragmenté.
Mixé au Vamacara Studio par H.K Krauss (DAGOBA, Les tambours du Bronx ou encore Black Bomb A), le son de « Camarade X » s’avère brutal et corrosif.
Accompagné par Albator, le corsaire sauvage à la batterie, et Hacen, le grand frère érudit à la basse, le groupe prend sur scène une dimension sauvage et intrigante.
Demago ? Décalé, différent, assurément.
Le clip de « Jim » est à découvrir ici
Temps Calme est un trio lillois qui pratique une musique, fruit d’un cocktail entre éléctro, pop, psychédélisme, jazz et krautrock. Fondé en 2018, il implique Olivier Desmulliez (Ed Wood Jr., l’Objet...), Samuel Allain aux claviers (Black Bones) et Nicolas Degrande à la batterie (Roken Is Dodelijk, Louis Aguilar).
Après avoir gravé un premier Ep au printemps 2019, la formation a publié son premier elpee, « Circuit », en 2020.
Son second opus, « Vox III » est paru ce 17 octobre 2022. Temps Calme y propose des morceaux liant reverb’ de guitare à la chaleur des synthés analogiques, entraînés par une batterie appuyant un chant mélodique et entêtant, développant des atmosphères psychédéliques, mélancoliques ou rétro futuristes.
Le clip « Off The Mark » (à découvrir ici) a été réalisé par le vidéaste et photographe Armin Zoghi. Il est né de l'envie d'Olivier, de Samuel et Nicolas de jouer au tennis de table avec des masques d'animaux.
Cette vision décalée en tête, le réalisateur a proposé une histoire en lien avec les sentiments que le morceau lui procurait, dont le destin à la fois comique et dramatique laisse au spectateur seul la libre interprétation narrative…
Après avoir publié son album « Watch This Liquid Pour Itself », en janvier 2020, Kaya a quitté New York pour l’Europe afin de créer et montrer ses diverses réalisations artistiques interdisciplinaires. Elle a notamment réalisé une installation qui amplifie la musique faite sous l'eau, et une sculpture interactive basée sur la thérapie jungienne du jeu de sable, pour les enfants. Entre ses expositions d'art et ses performances dans les musées, Kaya a enregistré son album elle-même pendant les confinements, dans des studios prêtés par des amis.
Les enquêtes d'Okay Kaya sur l'esprit et le corps, véritable sujet du disque, s’accompagnent de rythmes de danse séduisants, de synthés imprévisibles, de délicates guitares douces et de murmures R&B, un beau chaos où tout s’emboite de façon très naturelle.
À son retour à New York, Kaya était ravie de convier ses amis à participer à l’album. Elle les a invités aux Gaia Studios à Greenpoint, Brooklyn, pour chanter ou jouer d'un instrument. La plupart des chansons de l'album impliquent des performances d'artistes invités variés, dont Nick Hakim, Deem Spencer, Taja Cheek de L'Rain, Adam Green, Farao, Zannie, Aerial East, Michael Wolever, Franziska Aigner, Toniann Fernandez, Moist Paula, LEYA, Stix, Starchild, The New Romantic, Ydegirl, Iris Taborsky-Tasa et Eli Keszler.
Tout comme son processus d'enregistrement qui a commencé dans l'isolement et s'est terminé entourée d’amis, « SAP » commence par l'intérieur et l’introspection, et mène à l'extérieur, à la romance, aux amants qui servent de miroirs amusants, reflétant Kaya à elle-même sous différents angles.
Okay Kaya partage aujourd’hui la vidéo de de « Jolene From Her Own Perspective », nouveau single de son prochain elpee « SAP », qui paraîtra le 4 novembre chez Jagjaguwar.
Sur ce morceau, Kaya Wilkins imagine la némésis de Dolly Parton répondant à sa célèbre chanson, « Jolene ».
Le clip d’animation est à découvrir ici
Allez aussi jeter un œil sur son site, via la page ‘Artistes’, la homepage est vraiment originale.
Le guitariste et chanteur nantais Tilmann dévoile le clip d’animation de « Desert Moon », troisième extrait de l’Ep Chrysalis.
Les paroles de « Desert Moon » ayant été imaginées à vélo, le long des paysages d'Ardèche, le parti pris du clip est de représenter un univers à la croisée des chemins entre le texte de la parolière-cycliste et ses ressentis propres au moment où les paroles naissent, les cheveux dans le vent et l'ivresse au cœur.
Pour ce troisième clip, Tilmann a choisi de travailler en compagnie de Hendy Mary, animateur 2D grâce à qui l'idée d'origine a pris forme, s'est mue en une création graphique, prenant comme référence visuelle l'album « Les équinoxes » de Cyril Pedrosa, artiste très apprécié du compositeur.
Une fois de plus, Tilmann nous plonge au sein d’un univers folk généreux et touchant. Ses mélodies s'inspirent des grands espaces aquatiques et convoquent en même temps le souvenir des veillées autour du feu.
Pour découvrir le clip de « Desert Moon », c’est là
Bien que française, Jeanne Added chante aussi bien en anglais qu’en français. Cette auteure-compositrice-interprète sort un premier Ep en 2011, son premier album, « Be Sensational », en 2015, et un second elpee, « Radiate », qu’elle interprète dans la langue de Shakespeare. Mais en juillet 2020 elle publie un Ep de 8 titres, intitulé « Air », sous forme de court-métrage, sur Youtube. Il interprète ces compos dans la langue de Molière, pour la première fois.
C'est grâce à son deuxième opus « Radiate », et surtout le titre « Mutate » que tout s'accélère lorsqu'elle est récompensée par deux Victoires de la Musique dans les catégories album rock et artiste féminine de l'année face à Christine and the Queens et Vanessa Paradis.
Il n’y a aucun artifice superflu chez cette fan inconditionnelle de Prince. Tout est savamment équilibré dans son univers électro pop onirique. Accompagnée par Renaud Letang (connu pour son travail auprès d’Alain Souchon, Renaud, etc.), elle revient pour un projet intimiste baptisé « By Your Side », au sein duquel sa poésie se distille à travers 12 pistes et s'exprime en français et en anglais.
Pour voir et écouter le clip d’« Au revoir », c’est ici
Après avoir publié le spatial et acclamé « Vie future », retour sur terre et même sur ses terres pour Agnès Gayraud aka La Féline, à travers un nouvel album baptisé du nom d’une ville moyenne de province où elle a grandi, Tarbes.
De la chanson nourrie à de multiples influences oscillant du rock à la trap. Des rendez-vous et des promesses (« Place de Verdun »), des mises en garde (« Va pas sur les quais de l’Adour »), des espoirs (« Dancing »), la musique si importante déjà (« Je dansais allongée »), étendant encore le vaste territoire de ‘La panthère des Pyrénées’, affirmant son statut d’artiste qui compte dans un monde trop balisé, La Féline nous entraîne sur des chemins qui n’appartiennent qu’à elle.
Dans le clip de « Je dansais allongée », réalisé de nouveau par Sylvère Bourjaillat, La Féline se livre à cette danse, à la fois cérébrale et hyper physique, où les repères spatiaux et temporels vacillent.
A découvrir ici
Avec plus de 10 millions d’albums vendus à travers le monde, il est bon de se souvenir combien Dani Klein et sa bande ont compté et qu’elle a été, dans son genre, une pionnière à se distinguer sur la scène internationale.
A l’initiative d’une maison de disques qui a lancé une collection d’albums piano/voix demandant à des artistes de réinterpréter leurs plus grands succès sur ce thème, Vaya Con Dios s’est également prêté au jeu.
Vaya Con Dios a marqué les années 85-90, grâce des tubes comme « Just a friend of mine », « Nah neh nah », « Puerto Rico » ou encore « What’s a woman » dont vous pouvez écouter ici une version, justement en mode piano/voix ici
June Road, c'est tout d'abord l'histoire d'une rencontre au Royal Albert Hall de Londres entre deux musiciens que rien ne prédestine. Elle, Maia Frankowski est belge et violoniste à l'Orchestre du Théâtre Royal de la Monnaie. Lui, Harry Pane est anglais, compositeur, et rencontre un certain succès sur la scène folk britannique.
Le coup de foudre passé, c'est ensuite la fusion de leurs deux univers musicaux qui donnera naissance, à Bruxelles, au projet June Road. Un projet indie folk qui se concrétise en quelques mois et prend la forme d'un premier Ep intitulé "Landscapes".
Entre invitation à l'évasion et appel des grands espaces, l'univers de June Road arpente des chemins balisés par des artistes comme Ben Howard, Fleet Foxes, Sarah Jarosz ou Fleetwood Mac.
Le premier single, « Seize the Day », petite pépite folk americana, dévoile des lignes d’horizon et offre déjà un beau panorama sur leurs multiples sensibilités. Un single que le duo a décidé de réaliser en live session, tout comme les titres « Glow » et « Little Bird »…
La vidéo de la live session de « Seize the Day » est à voir et écouter là
Black Mirrors sortira son nouvel elpee, "Tomorrow will be without us", ce 4 novmebre. En attendant, il nous propose un premier titre, "Hateful Hate, I'll Kill You", sous forme de clip vidéo.
Le release-concert est prévu (et déjà annoncé) le 18 novembre au Botanique à Bruxelles. Signé chez Napalm Records, le groupe est responsable d’une musique qui puise son inspiration chez Idles, Queens Of The Stone Age, Rival Sons, Nirvana et The Distillers.
Black Mirrors présente un disque substantiel et musicalement varié sur lequel la chanteuse Marcella Di Troia nous confronte avec un message écologique.
L'album a été enregistré sous la houlette du célèbre producteur Alain Johannes (QOTSA, Arctic Monkeys, Mark Lanegan).
L’énergie qui libérée par le clip de « Hateful Hate I’ll Kill You » (à voir et écouter ici ) est très proche de ce à quoi on peut s’attendre en assistant à un concert de Black Mirrors…
Truelove $ Day est emprunté à une photo que l’une des amies d’enfance de Michaël Wookey a prise quand ils avaient 16 ans. La photo est restée encadrée sur un mur dans ses appartements successifs de Londres puis Paris pendant plus de 22 ans. Sur la photo n&b trône une porte, mystérieuse, probablement à l’arrière d’une boutique, où est graphée cette formule énigmatique. Après plusieurs albums Michael s’est senti suffisamment libre pour faire appel à ce moment de sa vie où il a eu 16 ans.
« Hollywood Hex », son précédent elpee paru en mars 2018 a été très bien reçu par les médias nationaux et par ses fans. Michael et son groupe de scène ont notamment été invités à se produire en live pour deux chansons sur l’antenne de la première radio du pays France Inter dans l’émission le Nouveau Rendez-Vous, mais aussi en interview dans l’émission Grand Soir de RTL. L’artiste s’est produit sur plusieurs scènes française et a réalisé une belle tournée Italienne de plus d’une vingtaine de dates au mois de décembre 2018. Dès le début de l’année 2019, Michael s’est remis à l’écriture de nouveaux titres. Entre plusieurs dates de concerts où il a accompagné son amie Pauline Dupuy et son projet Contrebrassens, et plusieurs séjours à l’étranger (son Angleterre natale, l’Islande de ses amis, l’Israël de son amoureuse…), Michael Wookey a réussi à composer 11 nouveaux titres à la fois puissants et personnels, aux tonalités intimistes tout en restant suffisamment orchestrés pour que l’auditeur puisse facilement se laisser happer par la beauté des mélodies.
Dans la continuité mélodique de « Submarine Dreams » et « Hollywood Hex », à la fois touchant et terriblement humain, « Truelove $ day » est une nouvelle confirmation du talent de Michael Wookey et de son potentiel à toucher un jour le grand public grâce à ses chansons universelles.
« Can I Keep You » est en écoute ici
Ki ! est l’alias de l'auteur-compositeur et multi-instrumentiste Christian Ki Dall. Hormis sa production solo, il est à la fois guitariste (avec Sterling Roswell de Spacemen 3, The Telescopes, Death Valley Sleepers et bien d'autres), et producteur (pour le guitariste de Sting, Rufus Miller, Dør nr. 13, et le groupe soul D/troit, entre autres).
Ki ! est né en Corée du Sud, dans un orphelinat du district de Haeundae à Busan. Il a été adopté et a grandi au Danemark. « The Boy From Haeundae Beach » constitue son premier album qui sortira en double LP le 18 novembre prochain.
L’opus de 20 titres a pris forme au fur et à mesure que les morceaux ont été écrits et enregistrés, piste par piste, sur une période de deux ans. On y retrouve des hommages à certains de ses artistes préférés tels que Fela Kuti, Sharon Jones, George Harrison, J Dilla, Link Wray, etc.
Les 20 titres, très éclectiques, de l'album pourraient s’assimiler à une mixtape ou encore à un carnet de voyage. Il s'agit de la version audio de notes griffonnées au dos de photographies vieillies, de dessins au crayon et de fleurs pressées rassemblées dans un carnet de notes abîmé. Après avoir déjà révélé quatre titres de l'album, Ki ! partage deux nouveaux singles qui démontrent encore une fois l'éclectisme de son opus.
Dans un premier temps « Karma Flow », un morceau de soul funk old-school qui voit le rappeur Al Agami poser avec son flow très 90's. Le deuxième single, Wrays of the Sun, est un hommage au guitariste Link Wray incorporant des vocaux façon doo-wop qui communiquent au titre une sonorité rockabilly.
Le double album « The Boy From Haeundae Beach » sortira le 18 novembre 2022.
Le clip d’animation « Nắng ấm » est disponible là
Le nouvel album de Frankie Cosmos, « Inner World Peace », est sorti le 21 octobre 2022. Un single en a été extrait, "One Year Stand", et il est disponible sous forme de clip ici
L’elpee a été est coproduit par Frankie Cosmos, Nate Mendelsohn et Katie Von Schleicher, enregistré au Figure 8 Recording à New York dans le quartier de Brooklyn, mixé par Mendelsohn et Von Schleicher et mastérisé par Josh Bonati dans son studio Bonati Mastering. La pochette a été réalisée par Lauren Martin, membre du groupe.
Dans la douce et tendre vidéo officielle de « One Year Stand », réalisée par Eliza Lu Doyle, et mettant en vedette Greta Kline et Alex Bailey de Frankie Cosmos, Greta fait une danse interprétative en utilisant le thème lyrique de la chanson, à savoir accepter un nouvel amour tout en reconnaissant son passé.
Le titre maître du long playing, « One Year Stand », est une petite boule de neige qui rappelle les doux moments de Yo La Tengo sur « And Then Nothing Turned Itself Inside-Out » ...
« While The Moon », le premier album de la chanteuse belge Naima Joris, sortira le 4 novembre.
Naima a créé son propre langage musical. Une langue qui se situe hors du temps, qui peut même le faire s'arrêter et toucher profondément l'auditeur. Cette vision se retrouve sur un premier Ep éponyme (2021) et un second de reprises consacré à Daniel Johnston, paru au printemps dernier.
Sur « While The Moon », elle approfondit ses qualités de musicienne et de compositrice. Le premier extrait, « What If » en est la preuve. Une mélodie puissante et sensuelle à la contrebasse forme la base sur laquelle des accords de piano et des cordes éparses apportent de la dynamique et de la texture, tandis que la voix délicate mais inflexible de Naima reçoit tout l'espace dont elle a besoin pour briller. C'est une chanson aventureuse mais contagieuse qui place la barre très haut pour ce qui va suivre.
« While the moon » est en écoute ici
Ferdi est un artiste originaire du nord de la France. Après avoir obtenu son prix de conservatoire à Douai, le jeune producteur et saxophoniste intègre celui de Bruxelles, section Jazz, où il passera 5 années.
Sa carrière sur la scène urbaine commence en compagnie du rappeur belge Peet, et très vite, il collabore avec d’autres artistes tels que le pianiste Sofiane Pamart, le roi de la funk Dabeull ou encore Ichon, mais également son ami Béesau.
Cette rencontre marquera d’ailleurs une étape importante dans le développement du projet de Ferdi qui, après avoir sorti deux featurings sur le dernier album du trompettiste, décide de se lancer et de sortir un premier projet solo qui verra le jour le 21 octobre prochain...
“Vue sur R” est le premier single de Ferdi. Un des premiers morceaux que le musicien a composés, en 2019. À sa sortie du conservatoire, sans vraiment beaucoup de perspectives professionnelles, il crée des prods dans un local sordide, sale et sans fenêtre à Yser.
De là, “Vue sur R” naît et se veut solaire en contrepied à cette période sombre. Un titre qui sonne comme la parfaite BO de cette fin d’été !
Sur ce titre, Ferdi dévoile une première palette de sa musique, entre groove, urbain et jazz. De quoi mettre l’eau à la bouche en attendant la sortie de son premier Ep en octobre !
Le clip de “Vue sur R” est à découvrir là
kissdoomfate, duo dark pop franco-américain, explore, depuis 2018, les profondeurs de la pop pour en distiller un son sauvage et sensuel.
Le duo fait contraster naturellement rythmes traps acérés et ritournelles pop les plus catchy. Pour les situer dans l’océan dark pop, on peut prêter l’oreille aux échos de Massive Attack, Grimes, ou encore Gesaffelstein.
Accompagné depuis un an et demi par le dispositif Equipe Espoir du Chabada et édité par Trepan Records, kissdoomfate a clôturé 2021 en beauté lors de deux événements clés : la sortie de « Chagrin « et un concert étincelant sur la scène du Chabada.
Son dernier single, « Ablaze » sort le 30 Septembre 2022 et marque une tournure pour le projet... Mathilda continue l’aventure en solo avec un nouveau projet électro-pop baptisé MaqSirena.
Ablaze est comme un pot de glace après une rupture : c'est simple, savoureux et sentimental.
La guitare électrique ouvre la plage par une boucle lo-fi, soutenue par une session rythmique trap ‘vibey’, le tout embelli par une performance vocale intime. La session live, filmée par l'allié de longue date, Nicolas Contant, s’est déroulée sur la scène du bar Le Garage à Angers, QG du duo depuis ses débuts. Fidèle au style kissdoomfate, le clip vous invite à rêver sur la vie, l’amour, et le chagrin. Ça tombe bien : « Ablaze » constitue la dernière sortie de kissdoomfate. Et il est disponible sous forme de clip, ici
Qu’annonce la suite ? Un nouveau départ pour la chanteuse, Mathilda, en solo sur scène pour le projet électro-pop MaqSirena.
Le nouvel elpee de Primevère est paru ce 21 octobre. Sobrement baptisé « II », il a déjà fait l’objet de deux singles. Le second, intitulé « Neurasthénique », vient de sortir.
Destiné aux amoureuses et amoureux de pop moderne, un peu ‘oblique’, psyché, répétitive et surtout très addictive, le clip a été réalisé par Sylvain Mano et Romain (avec l'aide de sa sœurette Pauline, coucou ROPOPOROSE !). Il a été tourné dans la petite commune d'Areines dans le Loir-et-Chair, entre églises mystiques, étendues isolées et roches millénaires.
Le clip est à découvrir là
Après avoir assuré la production pour Disiz, Ichon et opéré un feat. sur le nouveau projet de Kobo, Béesau est de retour. Son nouvel album « Coco Charnelle Part II » est paru ce 22 octobre 2022.
Il confirme sa faculté à fédérer des artistes de la nouvelle génération franco-belge : Peet, Jewel Usain, des promesses comme Ferdi et Ylya, mais aussi Blue Lab Beats, les rois de l'afro jazz UK.
La collaboration avec Peet est née d’une rencontre entre les deux artistes et l'envie du rappeur d'apparaître sur un album Blue Note, label sur lequel Béesau est signé, mais surtout label américain reconnu comme étant la référence jazz dans le monde.
Un échange qui donne naissance à « Souvenirs écrasés », un morceau profond, sérieux et dont le style sort de toutes les cases imposées par l'industrie musicale. Un choix assumé des artistes qui veulent se sentir libres musicalement.
Ici, la musique navigue à la frontière entre « Sketches of Spain » de Miles David et le catalogue de Radiohead.
Une belle surprise sur laquelle on découvre un autre visage de Peet et Béesau toujours aussi doué à sortir les artistes de leur zone de confort...
Le clip de « Souvenirs écrasés » ft. Peet est disponible ici
Après la sortie de son nouvel album, "Lost In Confusion", et de son 1er single éponyme magnifiquement illustré (le 10 juin 2022), Amy Lee & The Loco Project Band nous propose son second single, "Messiah", doublé d’un clip vidéo.
Amy Lee c’est l’histoire d’une chanteuse folk et de son groupe The Loco Project Band.
Au cœur des années 80, alors que le groupe est en tournée, l’avion qui doit les conduire sur leur prochaine scène s’écrase laissant comme seul vestige le journal d’Amy Lee.
40 ans plus tard, quatre musiciens et un illustrateur mettent la main sur ce journal et décident de réincarner The Loco Project Band en faisant revivre les chansons d’Amy Lee.
Le projet commence en 2017 avec l’écriture, la composition et l’enregistrement de titres mettant en scène le personnage d’Amy Lee.
De ces histoires naît un album éponyme aux forts accents folk, qui voit le jour en mai 2018 et trouve un écho outre-Atlantique.
Un Ep plus tard (« The Summer Session »), les Nantais entrent en studio début 2020 pour enregistrer un second album, « Lost In Confusion ». Bien loin du son folk du premier LP, le groupe signe un disque très rock et très énergique et grave un premier single, « Chemical Love », en octobre 2020, accompagné d’un clip entièrement dessiné à la main. S’ensuit quelques mois plus tard, un nouveau single, « Crossroads ».
Côté réalisation, l’opus a été enregistré et mixé au Garage Hermétique (Libertines, Dominique A...) et masterisé par Graeme Durham à The Exchange (U2, B52’s, Beady Eye, Kasabian...)
La musique d’Amy Lee & The Loco Project Band oscille habilement entre rock noisy, folk et ambiances post-rock, brouillent les pistes, cassent les genres et ne se refusent rien. Surtout pas les mélodies pops diluées dans les guitares réverbérées !
« Messiah » à voir et écouter là
Oslo Tropique pense sa musique tel un défouloir. On y retrouve tous les éléments du rock qui ont pour effet de vous ensorceler le corps. Sans même vous en rendre compte, vous commencez à secouer la tête et taper du pied.
Les frappes puissantes, l’agressivité de la basse Rickenbacker, le gras du Marshall et le noise de l’ampli Vox développent un rock musclé et abrasif aux frontières du garage et du stoner dans lesquels s’immiscent des textes, en français, poétiques et engagés. Ils prennent le pari que la sueur d’un pogo permet d’éveiller conscience et réflexion.
Le groupe a été créé en 2019, à l’issue de la rencontre de membres de la scène rock toulousaine, d’un membre des arts de la rue, les sauvages ‘Commando Percus’, et de Benjamin Entringer, guitariste des ex-Ulster Page.
Oslo Tropique est un oxymore climatique et on souhaite qu’il le reste. Après tout, nous ne sommes pas si pressés de siroter des mojitos à Oslo.
Après un premier Ep éponyme de 4 titres sorti en mai 2021, en pleine crise sanitaire, Oslo Tropique présente cette année son premier album « Entre Les Mains Des Robots ». 10 titres secs et nerveux.
Il s’inscrit dans la continuité du premier Ep dont certains titres proviennent d’ailleurs des mêmes sessions d’enregistrement.
On retrouvera deux titres du premier Ep « Un pavé dans l’écran » et « L’amour et ses fantômes » ainsi que le single « Barbara » sorti le 11 novembre 2021, un hommage rétrofuturiste aux poilus.
Cet album est une projection futuriste et une allusion à la technologie qui ne cesse d’envahir notre quotidien. Le numérique a quelque chose de terriblement attirant pour sa capacité à nous faciliter la vie, à raccourcir le temps et à la fois d’effrayant lorsqu’il s’invite dans notre quotidien et parfois, en contrôle les moindres gestes dont le QR code du pass sanitaire pourrait en être l’actuel symbole.
Découvrez à présent, et en avant-première, le clip du 2nd single d'Oslo Tropique : "Nuits Verticales" ici
Un accord de piano lève le voile sur une mélodie épurée, Sïan Able erre dans une rue bruxelloise éclairée à la lueur des réverbères.
Sa voix contrastée accompagne la mélodie qui s'intensifie au fil des refrains, c'est frissonnant et envoûtant.
« The Ones Who Don't Sleep » est une ode aux artistes et à l’insomnie.
Inhérentes au processus créatif, les insomnies sont aussi sombres que lumineuses, révélatrices que destructrices.
Pour certains, le sommeil est une évidence, pour d’autres, c’est la quête d’une vie.
Dans ce nouveau single hors de l'espace et du temps, on découvre une Sïan plus transparente, plus sombre, dont le regard se perd dans les abysses de l'irrésolu.
Le morceau est livré avec un clip truffé de références cinématographiques et picturales, qui se révèlent à l'œil au fur et à mesure des visionnages.
En invitant le fantôme de Nina Simone à se saisir de ce titre onirique et mélancolique, Sïan Able plante définitivement le décor de son album à venir.
Laissez-vous bercer par ‘The Ones Who Don't Sleep’ ici
Le nouvel album de Gliz, "Mass", sortira ce 18 novembre 2022. Il est précédé par un single intitulé "Totem".
Gliz, c’est un power-trio jurassien (Ivrey, Besançon), formé en 2014, qui avait fait forte impression lors de la publication de son 1er elpee, "Cydalima" en 2019.
Un projet aussi original qu'improbable tant dans le fond (un univers musical riche de la diversité des expériences des musiciens) que dans la forme (l'union d’un banjo vintage électrifié qui donne le rythme, d’un tuba qui assure la ligne de basse, d’une batterie incisive et d’une voix lancinante) qui n’avait laissé personne indifférent.
Aujourd’hui, le groupe est de retour avec un 2nd album sobrement intitulé "Mass" (et un nouveau batteur depuis le mois de juillet : Julien Huet).
Si ce nouvel opus nous fait incontestablement replonger dans le rock hybride et atypique qui le caractérise tant, celui-ci s’est enrichi de chaudes nappes de Farfisa.
Les morceaux quant à eux se sont gorgés de chœurs et l’écriture s’est lâchée.
Gliz livre ainsi un album plus coloré, plus en relief mais toujours aussi poétique.
Mass, étrange divinité païenne et hirsute qui orne la pochette, traverse les titres de l’album escaladant notre chaos moderne pour nous ramener vers le sauvage.
Découvrez le clip du 1er single "Totem" ici
Depuis 2019, date à laquelle est paru son premier opus, « Happy to be here », de nombreux évènements ont marqué la vie de Barrie Lindsay. La New-Yorkaise d’adoption a ainsi été touchée par la maladie d’un de ses proches mais également, et plus heureusement, par l’amour, suite à sa rencontre avec Gabby Smith. Ecrit durant le confinement, « Barbara » est marqué par ces émotions contradictoires.
Mixé par Joseph Lorge (Phoebe Bridgers, Perfume Genius) et masterisé par Patricia Sullivan (Mac Miller, Blake Mills), ce deuxième elpee, construit de A à Z par Barrie Lindsay, nous plonge au sein d’un univers musical coloré et richement instrumenté (une mandoline, une clarinette, une flûte, un violoncelle, une trompette, et la harpe). Résolument pop et accessible, « Barbara » propose des morceaux tantôt guidés par des synthés, comme sur « Frankie » ou « Concrete », tandis que d’autres se révèlent plus folk, à l’instar de « Jenny », dédié à sa nouvelle compagne ou de « Dig », porté par de superbes chœurs. Les onze morceaux de ce nouvel LP baignent au sein d’un climat atmosphérique, caractéristique de la dream-pop qui s’inscrit merveilleusement bien en cette période d’été indien. En publiant « Barbara », Barrie relève haut la main le défi du deuxième album.
Il devient de plus en plus évident que Redcar est devenu un artiste-phare de cette décennie. A l’instar d’une Björk ou d’un David Bowie. N’ayons pas peur des mots !
C’est un artiste qui bouscule les codes et va loin dans la recherche authentique artistique et de lui-même.
Être bousculé ne laisse personne indifférent. On l’encense ou on le déteste.
Il faut toujours un temps d’adaptation à certains pour qu’une révolution artistique, sociale, soit plus ou moins comprise, digérée, acceptée ou du moins tolérée. C’est ainsi que l’on reconnaît ceux qui changent la face d’un monde.
C’est un des rares artistes francophones à révolutionner au-delà des frontières, recueillant un écho important, outre-Atlantique.
Un artiste qui chante de manière forte, juste et subtile, même en live. Ce qui n’est pas à la portée de tous.
Ce que certains spectateurs considèrent comme un excès constitue une affirmation par le mouvement. Son corps est musique, tendu vers son objectif. Un combattant de lumière.
Il a déclaré sur TikTok : ‘Redcar, comme toute ma poésie et ma philosophie, est une poésie et une philosophie qui m'aident à réussir.’
Fascinant Redcar !
« Redcar les adorables étoiles, le début des anges », sortira le 11 novembre et peut déjà être précommandé là
‘Ma victoire existentielle passe par l'esthétique. La couleur et l'agencement des formes, les fleurs disposées avec mesure, le trajet de la lumière sur les muscles bandés, le travail de la matière…’
« La chanson du chevalier », single issu du futur opus, se déroule dans un port, la nuit. Invité d’honneur de la vente Modernités, qui s’est déroulée le 25 octobre 2022, accueilli par Sotheby’s, Redcar partage son émotion avec la sculpture grandeur nature d’Auguste Rodin, ‘L'Age d’airain’, dans un clip onirique, à découvrir ici
‘Je me considère comme camarade du jeune homme
Pas plus vivant que lui ni plus savant que lui, non, et toujours élève du mouvement, comme lui, je me considère comme camarade ivre, ravi de ne plus être si seul.
Dans son corps sculpté du néant, immobile quand blessé, stupide d’être si amoureux
‘Le point de départ est la vie de ce corps, que je reçois, en tant que performer, moi-même marteau pour l’airain puis résonance, jusqu’aux confins de la pièce’ - Redcar
‘Il ne s’avance pas avec moi quand je bouge
Je suis obligé de le laisser résonner derrière moi
Cloche d’airain des premières églises, premiers suppliciés des églises
Vengeur de tous les petits brûlés du Pont-Aven, fils de la mer mangé par lui en son temps, offert à l’éternité de l’eau et premier fils des éternités’ - Redcar
Côté musical, ce titre est sans doute moins accessible que ses deux précédents singles, « Rien dire » et « Je te vois enfin », mais manifeste une certaine emprise hypnotique.
Son univers est tellement riche. Ses images, sa musique, ses visions, ses vêtements, sa poésie, ses mouvements…
Merci Redcar de nous emmener dans ta belle voiture, au-delà de la perception.
Si vous suivez Musiczine, vous savez que votre serviteur a un faible pour Flora Fishbach. Cette artiste basée dans les Ardennes françaises pratique une pop un peu dark inspirée par les sons et les atmosphères des années 80 et traversée par des références comme Rita Mitsouko, Niagara, Patti Smith, Daniel Balavoine ou Mylène Farmer. Fishbach navigue au sein d’un mouvement musical 'rétro-futuriste' impliquant également La Femme, Clara Luciani, Juliette Armanet et Requin Chagrin. Parallèlement à sa carrière de chanteuse, Flora est également comédienne. Elle était ainsi sublime dans le rôle d'Anaïs tout au long de la série culte ‘Vernon Subutex’.
À la suite du succès du ‘blind test’ paru en juin dernier, où nous lui en avions proposé un à la guitare acoustique, nous avons décidé de remettre le couvert, à nouveau en collaboration avec l'émission de radio WAVES. Pour la circonstance, Flora devra reconnaître des morceaux joués dans leur version originale ; et le style musical sera focalisé sur la new-wave dans le sens large du terme.
La rencontre s’est déroulée au Théâtre National, à Bruxelles, en octobre dernier, avant le concert que Fishbach a accordé à la même affiche que Mansfield TYA dans le cadre du Festival des Libertés. Flora était en pleine forme car c'était le début de sa tournée d'automne, en compagnie de son nouveau groupe live...
Musiczine : Flora, merci pour cette entrevue !
Fishbach : Avec plaisir. Tu vas encore me poser des colles, comme la dernière fois (rires) ?
Cette fois, ce sera plus facile vu qu'on va passer les morceaux dans leur version originale, et pas dans une mouture interprétée à la guitare...
Tu connais mon appréhension pour les ‘blind tests’. Quand on reconnaît les morceaux, c'est chouette, mais quand on sèche, c'est une torture...
Allons-y...
Morceau n°1 :
“Los Niños Del Parque”, par Liaisons Dangereuses !
Bravo !
Ah ! Au moins, en voilà une facile ! C’est un de mes premiers coups de cœur dans ce style musical, avec D.A.F. J'ai découvert cette chanson très tôt et elle a été une révélation. Il y a plusieurs langues parlées, on croirait entendre des bruits de chiens qui couinent, c'est très étonnant. Je l'ai un peu trop écoutée donc je n'aime plus la passer telle quelle en dj-set ou alors il faut que je la mixe avec autre chose en faisant des boucles. Il faut que je la 'défonce' un peu parce que, en version complète, je m'en suis un peu lassée. Cependant, quand j'ajoute du 'delay' ou que je la rends un peu 'bruitiste', ça le fait encore...
Morceau n° 2 :
Toto Coelo ? Nina Hagen ?
Tu vas reconnaître...
Mais oui : “Singing In The Shower” ! Les Rita Mitsouko !
Et...
Et les Sparks ! Yes ! Au début, ça ressemblait à “Weird”, de Toto Coelo. Les Sparks, c'est génial. Ils ont un énorme succès en France. Et en Belgique aussi ! Dans les pays francophones, en général. Ils ont réalisé une superbe musique pour le film “Annette”.
Morceau n° 3 :
Ah, je connais ça mais je ne trouve pas... Je crois que j'ai attrapé Alzeihmer... (rires)
D'ailleurs, tu connais le prénom d'Alzeihmer ?
Non...
C'est comme ça que ça commence !
Ha Ha Ha... (rires) !
C'est un morceau de John... ?
John Maus ! Mais oui !
“Hey Moon”
C'est sur un album qui est noir et bleu, avec une lune...
Avec un phare. (NDR : titre de l'album : “We Must Become The Pitiless Censors of Ourselves”)
C'est ça !
Il y a un morceau plus nerveux sur cet album, qui est fabuleux, c'est “Quantum Leap”.
Mais oui, il chante avec un effet ‘slap-back’, dans un style très germanophone...
Et John Maus, c'est un génie un peu fou. Je l'ai interviewé. Il est professeur de philosophie à l'université.
Morceau n° 4 :
Là, je sèche...
Pour t'aider, c'était la musique du générique de ‘Lunettes Noires pour Nuits Blanches’, l'émission d'Ardisson.
Je ne vois pas.
“Nightclubbing” d'Iggy Pop.
Là, tu vois, je vais être franche, je ne connais pas ce morceau.
Un morceau-phare de 1977. C'était la première fois qu'on utilisait la boîte à rythmes dans une chanson rock de ce type.
Il se la jouait un peu Bowie là, non ?
Ben oui ! C'est produit par David Bowie…
Comme quoi, il a une patte reconnaissable entre mille, le David ! C'est un morceau que je mettrais bien dans mes playlists.
Oui, c'est un morceau emblématique, qu'il faut connaître...
Pardon de ne pas connaître, pardon (rires) !
Pas de souci. Je suis là pour aider (rires) !
Morceau n° 5 :
Tiens, voilà une compo que je connais !
C'est de toi : “Tu Vas Vibrer”.
C'était le morceau d'introduction de mon premier Ep. J'arrivais de nulle part, du fin fond des Ardennes et je proposais ça.
Dingue...
Auparavant, je le jouais en début de concert. J'ai bien envie de le réintégrer dans ma setlist, maintenant que j'ai un musicien qui joue de la flûte.
Morceau n° 6 :
Evidemment ! David Lynch ! Angelo Badalamenti ! La musique de ‘Twin Peaks’. C'est “Laura Palmer's Theme” ! J'ai découvert ‘Twin Peaks’ sur le tard, sur les conseils d'un de mes musiciens. Et j'ai trouvé ça grandiose.
Morceau n° 7 :
“Cambodia” de Kim Wilde ! On l'avait déjà eu dans le premier ‘blind test’ et j'avais dit tout d'abord : “Blondie ?” (Rires). Mais quel thème musical sublime ! Qui dit mieux ? Cette mélodie... Et les petites percussions avec 'phaser'... Qui dit mieux ??
Morceau n° 8 :
“Eyes Without A Face”, de Billy Idol !
Oui ! Billy Idol, qui cartonne encore de nos jours !
Carrément ! Et ce qui est fou, c'est qu'il est vieux, mais il a toujours le même look et la même tronche, mais maintenant, il a des rides...
Et il 'fait' des salles énormes en Angleterre...
C'est son morceau le plus connu, un peu calme, alors que sa discographie est plus rock...
Plus ‘hard-pop’...
Oui, c'est ça, c'est de la ‘hard-pop’. Et peu hard-rock mais ‘variétoche’...
Et un petit côté punk dans le look. Il était dans un groupe punk, à ses débuts : Generation X.
Morceau n° 9 :
“More Than This”, de Roxy Music ! C'est de la musique de bagnole, ça ! Tu as quelques copains ou une amoureuse avec toi et tu écoutes ça, c'est le pied !
Morceau n° 10 :
Hey Hey Hey Hey ! Simple Minds ! “Don't You” !
Qui ressemble à ton morceau “La Foudre”...
Oui ! Entre autres, à cause des ‘Hey’ en introduction.
Ce n'est pas le meilleur morceau de Simple Minds...
Non, mais c'est le plus accessible. Et c'est un grand souvenir pour moi car il était dans la bande-son du jeu vidéo ‘Dave Mirra BMX’. J'ai passé des heures à faire du vélo sur mon canapé en écoutant cette musique.
Ce qui est fou, c'est que c'est le titre qui les a propulsés à la première place des charts aux Etats-Unis et ce n'est pas une de leurs compos ! C'est composé par Keith Forsey, le producteur de la musique du film “Breakfast Club”.
C'est pas grave. C'est ce qui leur a permis de faire une carrière, d'avoir une aura et de faire ce qu'ils voulaient par après.
Morceau n° 11 :
Evidemment ! “Dancehall Days”...
Par Wang Chung.
Je l'ai trop écoutée, cette chanson. Encore une musique de bagnole. ‘Take your baby by the hand...’
Morceau n° 12 :
Fishbach chante la mélodie...
Ah merde : j'adore cette chanson ; je l'ai dans mes playlists. Dis, tu as accès à mes playlists privées toi, ou quoi (rires) ? “Love My Way” ! C'est le titre. Mais de qui ?
Psychedelic Furs.
Oui ! J'aurais trouvé ‘Furs’ mais pas ‘Psychedelic Furs’ (rires)
Morceau n° 13 :
Alors, c'est bizarre parce que j'ai ce morceau sur mes playlists, mais dans une autre version.
“The Anvil”, par Visage. Oui, il y a plusieurs versions.
A l'époque, ils sortaient systématiquement des versions ‘maxi’, qui avaient un côté plus dansant. Les ‘kick-drums’ avaient un effet de ‘gated reverb’...
Oui, comme dans “In The Air Tonight”, de Phil Collins...
Oui : une ‘reverb’ qui est très profonde et qui s'arrête tout d'un coup.
Un effet inventé par Phil Collins et Peter Gabriel.
Oui, tu connais l'histoire ? C'est arrivé par accident, en studio, à cause d'un micro qui se coupait automatiquement.
Oui : c'était le micro qui sert à communiquer avec les musiciens dans le studio.
Le micro ‘talk-back’. C'est génial !
Morceau n° 14 :
Wow ! C'est superbe, ça ! Des sons de synthés comme ceux-là, j'ai passé mon été à en jouer, sans créer de morceau ou de chanson, juste pour les ambiances.
C'est un 'supergroupe', composé de membres issu de différentes formations des années 80.
Je ne vois pas...
Il réunit des membres de Dead Can Dance, Cocteau Twins... C'est This Mortal Coil, et les titres enchaînés “Sixteen Days / Gathering Dust”.
Mais oui ! Je connais ! C'est génialissime ! Ça me saoule de ne pas avoir trouvé !
This Mortal Coil, et encore plus Cocteau Twins, font partie des précurseurs de la shoegaze.
Génial ! On parle le même langage.
Et il y a un autre morceau d'eux qui est sublime, “Song To The Siren”, la reprise d’une compo de Tim Buckley, chantée par Elizabeth Frazer, de Cocteau Twins.
C'est le genre de musique que je ne connais pas encore très bien, mais que je vais adorer découvrir plus tard. Les artistes que j'aime, je ne vais pas creuser trop vite pour tout connaître. Je me laisse le temps de découvrir à mon rythme pour ressentir, à chaque fois, cet émerveillement d'adolescent, que j'essaie de cultiver. Quand on vieillit, il n'y a rien de pire que de perdre son émerveillement. Et la musique nous permet cela : découvrir et faire ‘Wow, j'ai à nouveau 14 ans !’ (Rires)
Ça va : tu as encore de la matière à découvrir (rires) !
C'est ça qui est merveilleux, quand c'est infini ! Comme quand on compose à l'ordinateur. Il y a tellement de sonorités disponibles. Les possibilités sont vertigineuses. Ça fait peur, parfois.
Morceau n° 15 :
Bon, là, on est en Belgique donc, j'ai été un peu chauvin...
C'est Telex !
Bravo ! Je suis impressionné !
Passion Telex ! Ils ont un morceau que j'aime plus que tout, c'est “Rendez-vous dans l'Espace”, sur un disque un peu bizarre, “Looney Tunes”. C'est de la bombe ! Telex, sous-estimé, oublié... pourquoi ?
A cause de l'Eurovision ? Ils se sont retrouvés dans un placard...
C'est dommage parce que leur musique est géniale. Quand tu regardes le film, ‘The Sound of Belgium’...
Ah, tu connais ce film ?
Oui ! Et j'ai toutes les compilations ! Je ne sais pas qui a fait ça, mais je les félicite ! C'est un bijou !
Tu te rends compte que les gens venaient de tous les pays limitrophes pour danser en Belgique sur la new-beat ! Du samedi au dimanche soir !
J'aurais tellement aimé connaître cette époque. Je suis née à la fin de la new-beat et je crois que Telex étaient les premiers à initier tout ça.
Ils étaient influencés par Kraftwerk, évidemment.
Oui, mais ils avaient un côté 'gogol', un côté belge.
Un côté surréaliste à la belge.
Exactement.
Là, c'était le titre “Moskow Diskow”.
Morceau n° 16 :
Ça c'est un groupe anglais mais il y a une autre référence à la Belgique, cette fois dans le titre...
Je ne l'ai pas.
C'est “For Belgian Friends”, de The Durutti Column.
Mais oui, je connais ce groupe ! Spotify me suggère souvent des titres de The Durutti Column. L'algorithme dit : ‘Flora, ça va te plaire’, mais je ne les écoute pas, parce que je ne suis pas dans le 'mood'. Il faudra que je creuse... Ça sonne vraiment comme les groupes de la vague 'neo-psyché romantique' des années 2010 : Beach House, Cigarettes after Sex...
Là, on est en 1981. C'est juste un musicien, Vini Reilly, qui joue avec ses guitares et ses effets.
Morceau n° 17 :
Attends... C'est influencé par les rythmes africains. Ah oui, je connais mais j'ai oublié le nom.
C'est Bow Wow Wow : “I Want Candy”.
Ah oui ! D'ailleurs, la semaine passée, j'étais en studio avec Kirin J. Callinan (NDR : le chanteur australien) et une percussionniste new-yorkaise, Chase Noelle, qui joue dans un groupe de filles un peu 'trasheuses' qui s'appelle Cumgirl8 et cette musique me fait penser à elle.
Bow Wow Wow étaient un peu les pionnières des groupes de filles débridées, sans complexes, avec les Slits, Nina Hagen, Patti Smith, etc.
Oui, c'étaient les mamans... Ce titre me fait penser à Chase. C'est beau, la musique, quand ça te fait penser à des gens que tu aimes... Des artistes qui t'inspirent et qui, en plus, deviennent tes copains / copines...
Morceau n° 18 :
Ah, c'était aussi dans la bande-son du jeu ‘Dave Mirra BMX’ !
On est dans la veine 'gothic rock'... Et le chanteur ressemblait à Jim Morrison... The Cult et “She Sells Sanctuary”.
Mais oui, The Cult ! Evidemment ! Qu'est-ce que c'est bien ça !
Morceau n° 19 :
On va aller un peu en France...
Marie et les Garçons !
Oui ! Et leur titre “Attitudes”.
... qui a inspiré La Femme...
C'est proche de Taxi Girl. Et tant qu'on y est...
Morceau n° 20 :
Ben voilà : Taxi Girl, “Cherchez Le Garçon”.
Morceau n° 21 :
C'est La Femme ?
Oui ! Le titre : “Si Un Jour”.
Morceau n° 22 :
C'est Mylène ?
Yeah ! “Beyond My Control”.
C'est fou comme on reconnaît la patte de Laurent Boutonnat. Mais je ne connais pas tout de Mylène. En dj-set, je passe la version club de “Libertine”. Elle tabasse ! Et elle est très intelligente, Mylène, car elle ne joue plus “Libertine” en concert. Madonna devrait en prendre de la graine et arrêter de chanter “Like A Virgin” !
Morceau n° 23 :
Je me demande si tu connais ça...
C'est Requin Chagrin !
Oui!! “Sémaphore”.
C'est un groupe que j'aime énormément. Elle (NDR : Marion Brunetto) a commencé dans des petites salles et puis elle a fait des stades avec Indochine. Et elle me touche beaucoup, elle est très secrète. Une fois, elle m'a refilé un mediator Frank Zappa !
Morceau n° 24 :
Marie Davidson! Plus précisément son groupe Essaie Pas: “Dépassée par le Fantasme”!
Incroyable !
Marie, je l'ai rencontrée par hasard à Montréal. J'attendais la chanteuse Julia Daigle, qui devait assurer ma première partie. Elle était sur le label Entreprise, comme moi, et voilà qu'elle se ramène avec une de ses meilleures amies. Je l'ai tout de suite reconnue : Marie Davidson ! Je la suis, elle et Essaie Pas, le duo qu'elle partage avec son homme. Soulwax, vos amis belges, ont remixé son morceau “Work It” et elle a, elle-même, été ‘dépassée’, non pas par le fantasme mais par le succès du track. Un carton total !
Je les connaissais bien au début de leur carrière. Je les ai interviewés plusieurs fois.
Morceau n° 25 :
On dirait une chanson de Fishbach. Et pourtant c'est un titre obscur du début des années 80.
Mais je connais ! Je l'ai en playlist ! Tu as vraiment accès à mes playlists privées, toi (rires) !
Ça y est ! Je suis découvert ! C'est “Always Grown”, par The System.
Oui, c'est ça !
Morceau n° 26 :
Celui-ci, tu connais, c'est The Beach House et “Black Car”.
Voilà ! C'est la fin du blind test ! Tu as gagné !
Franchement, mon résultat est meilleur que la première fois. J'ai fait un bon 8/10 sur ce coup-là !
Et ça, tu connais ?
Bonus track :
Wow : c'est beau. Mais je ne vois pas.
La plus belle voix féminine au monde.
Rien que ça ? Tu oses !
Dead Can Dance : “The Host of Seraphim”.
Ah oui ! C'est vraiment ma 'came', ça ! Il faut que je creuse, Dead Can Dance !
Tu as un univers à découvrir... Et pas rien que musical... C'est carrément une ouverture spirituelle.
Oui, totalement. Je dois malheureusement partir. J'ai été ravie de te voir, comme toujours. A bientôt !
Merci, Flora. A bientôt.
Merci à Louise et Laetitia de Five-Oh, au Théâtre National, à l'émission de radio WAVES, aux Disques Entreprise et à Sony Music.
Pour écouter le podcast de l'émission radio de WAVES consacrée à ce blind test, c'est ici.
Pour lire les articles consacrés à Fishbach dans musiczine, il suffit de cliquer sur son nom dans le cadre informations complémentaires, ci-dessous.
L'un des derniers grands pionniers du rock and roll, Jerry Lee Lewis, est mort à l'âge de 87 ans, ce vendredi 28 octobre 2022. Devenu notoire pour ses talents de showman et son style explosif au piano, il est décédé de causes naturelles.
Il a influencé toute une génération de musiciens, dont Bruce Springsteen, qui avait déclaré à son propos, en 1995 : ‘Il ne joue pas du rock'n’roll, il est le rock'n’roll.’
Ses plus grands hits ? « Great Balls of Fire », « Whole lotta shakin' goin' on », « Crazy arms », « High school confidential » ou encore « Breathless ».
Cependant, des drames et scandales ont marqué son existence.
Né le 29 septembre 1935 dans une famille pauvre et croyante à Ferriday, en Louisiane, il chante le gospel à l’église puis découvre le piano à 9 ans. C’est Carl McVoy qui lui apprend les rudiments du boogie-woogie. A l’âge de 15 ans, il est envoyé dans une école baptiste fondamentaliste, au Texas. Mais il est exclu pour avoir interprété, selon la légende, un cantique gospel en boogie-woogie.
En 1956, il part pour Memphis (Tennessee), où il est l’un des premiers à signer sur le célèbre label Sun.
La même année, il réalise, en compagnie d’Elvis Presley, de Johnny Cash et de Carl Perkins, une séance d’enregistrement qui deviendra mythique : « Million Dollar Quartet ».
C’est à partir de 1957, qu’il enchaîne ses tubes et se forge une notoriété de showman sauvage et exubérant. Il sera même surnommé ‘The killer’. Alors que le rock est encore à ses débuts, le public se presse pour le voir marteler frénétiquement les ivoires de ses doigts, coudes ou pieds…
Son existence sera, néanmoins, loin d’un long fleuve tranquille. Il aura maille à partir avec la police et la justice, à cause de sa consommation d’alcool et de drogues. Et puis, il va connaître une vie sentimentale tumultueuse. Il aura 7 épouses, dont la troisième n’avait que 13 ans, et l’une d’entre elles décèdera dans des circonstances douteuses. Les radios américaines vont alors boycotter son répertoire, sur les ondes, pendant de nombreuses années. Son fils, devenu drummer dans son groupe, qui connaît une existence aussi dissolue que son père, meurt à l’issue d’un accident de circulation, en 1973.
Il a pourtant été un des premiers musiciens à avoir été intronisés au « Rock and Roll Hall of Fame » (musée et panthéon du rock, à Cleveland, Ohio), à sa création, en 1986.
Il a passé une partie de ses dernières années dans son ranch de Nesbit (Mississippi), auprès de sa septième épouse, et se produisait encore sur les planches, début 2019. Mais, victime d’un AVC mineur, en mai dernier, il avait annulé sa tournée
RIP
À mi-chemin entre chanson française et rock, Cali revendique depuis toujours une position d'artiste concerné par les problèmes de la société et du monde et n'hésite pas à s’investir publiquement.
Véritable touche-à-tout, Cali multiplie ses engagements, tant dans l’univers du théâtre, de la poésie, de la littérature que, bien sûr, de la musique.
« Ces jours qu’on a presque oubliés », son nouvel opus, paraît ce 14 octobre 2022 ».
Tout au long de ce nouvel elpee, le troubadour de la chanson française s’expose encore un peu plus en opérant une véritable mise à nu.
Humaniste, mais surtout profondément humain, Cali se confesse avec une sincérité désarmante tout en affichant un bel élan d’empathie.
Il cause finalement de ce qu’il connaît au fond le mieux : lui-même.
Sur ce disque, tu relates des moments forts vécus en compagnie d’êtres chers ; des femmes essentiellement, parties, quittées, envolées. Signaler leur disparition est-il le meilleur moyen de les garder auprès de soi ?
Mon prochain album parle de la disparition des femmes ? Ah bon, je ne sais pas trop... (rires). Elles ne peuvent pas partir ! Tu sais, j'ai perdu ma maman à l'âge de six ans. Pourtant, je lui parle tous les jours. Je lui raconte ce qu'elle n'a pas vécu. Elle est avec moi tout le temps. Même chose en ce qui concerne mon papa. Plus on avance dans l'âge et plus les proches disparaissent. J’ai l'impression que ce sont des anges. Ils sont toujours là, autour de nous, même si nous n'en avons pas conscience. Je ressens le besoin de l’extérioriser, que ce soit dans les bouquins ou dans les chansons.
Mais pour avancer, ne vaut-il pas mieux déchirer la page que de la tourner ?
Non, c'est une erreur ! Les enfants sont toujours là ! Ce sont eux qui tirent le chariot. Il ne faut jamais oublier ce que ces personnes ont laissé. Jamais, je n'oublierai le profond respect qu'avait mon père pour les êtres humains. Je me souviens que lorsqu'il dessinait des maisons derrière son bureau, des gens venaient le voir parce qu'ils étaient dans l’incapacité d’écrire. Il lui arrivait parfois de rédiger des lettres d'amour. Il voulait les protéger tout simplement. Je considère, quelque part, que c'est lui qui m'a montré le chemin. Je reste persuadé que le plus intéressant et le plus important, c'est de tenir la main des êtres humains et d'avancer tous ensemble. Je n'ai pas beaucoup connu ma maman. Mais je sais juste, en regardant sa photo, que c'est elle qui me donne l'envie de sourire aux autres. Tu sais, plus le temps passe et plus j'y pense. Quand on plonge dans l'enfance ou l’adolescence, on se remémore ces moments d'une intensité rare où la vie était devant nous auprès de ces femmes et de ces hommes dont la mission consistait à nous protéger. Lorsque je me réfugie dans ces souvenirs, je me sens préservé. Aujourd'hui, le monde est devenu tellement difficile à cause de ces sacs de chagrin et toutes ces guerres. Quand on était innocent, le cœur disait ses vérités. J'essaie parfois d'aller les chercher. Je ne veux rien effacer
En amour, lorsqu’on se quitte, la plupart des ex sont persuadés avoir perdu du temps en compagnie de cette personne. Et si l’on partait plutôt du principe, qu’au contraire, c’est gagner du temps sur la vie parce que chaque rupture permet d’avoir une angulaire précise et d’affiner ses postulats ?
Purée, j'aime cette réflexion ! Oui, je partage totalement ton point de vue ! Parfois, quand ça va trop bien, j'ai la fâcheuse tendance à me tirer des balles dans le pied. Les blessures permettent aussi de se poser. Je crois que c’est en tout cas la position à adopter en ces circonstances.
Il y chez toi cette volonté de ne jamais abdiquer et de s’enivrer par et dans l’amour et ce malgré ces années qui passent. L’amour est-il le seul intérêt de la vie ?
Oui, bien sûr ! Inconsciemment, j'écris des chansons qui plaisent aux gens. Elles me permettent aussi de tourner. Mais composer, c’est égoïstement prendre du temps pour soi et soigner ses propres blessures. Ce n'est que de l'amour. Que l’on aime ou que l’on soit aimé, il existe cette petite étincelle. Le mal du siècle, c'est la solitude. Quand personne ne t'aime, tu deviens un fantôme qui ne sert à rien. Tu sais, on vit, on meurt. On s'en fout. La vie n'est pas une caisse d'épargne !
L'amour se consomme et se consume aussi...
Oui, tu as raison, l'amour se consomme et se consume. L'amour, c'est comme un cheval, il traverse notre destin, sans savoir où l'on va. Mais, un jour ou l’autre, il faut lui donner à boire. L'amour, c'est pareil, il faut le nourrir. Vivre cette vie magnifique appartient à mes contradictions et mes difficultés. Je ne peux pas être à mille pour cent ni avec l'être aimé, ni les êtres aimés. J’en déduis que l'amour s'en va, mais lorsque je reviens, il revient. Mais quand je ne suis pas là, il n'est pas là non plus.
Les individus heureux en amour perçoivent-ils le sens de tes chansons ?
Je n'en sais trop rien ! Je crois qu’ils comprennent mes chansons, car il ne s'agit pas de philosophie. J'aime l'idée d'attraper des mots qui m'arrachent le ventre. Ces mots ne sont pas les plus compliqués. Me font-ils du mal ou du bien ? Je pense qu’ils peuvent faire du mal ou du bien aux personnes qui sont à mes côtés. Et puis surtout ce que je vis, d’autres le vivent tous les jours en rencontrant des situations différentes. Certains me témoignent d’événements incroyables et vont percevoir dans mes chansons un contenu que je n’aborde même pas moi-même.
J'ai eu la chance de pouvoir écouter ton dernier opus et j’ai l’impression que l’acoustique permet de s’approprier et d’exprimer au mieux cette intimité...
Je partage entièrement ton avis ! Je me suis réveillé un matin, chez moi, avec un tas de chansons. Je suis un très mauvais technicien, alors je dépose mon téléphone, j'allume le dictaphone, je joue du piano et de la guitare et j'y pose ma voix. J'enregistre en compagnie de Julien Lebart, un ami de longue date et un pianiste hors pair, qui a réalisé le disque avec moi. J'adore ce gars, il m'accompagne depuis le début. Il n'est pas présent aujourd'hui. Je n'ai pas envie d’accepter la musique que l'on me propose si elle ne me ressemble pas. Ce matin, j'ai écouté Johnny Cash, Bruce Springsteen (« Nebraska ») ou encore Bob Dylan. J'aimerais que le prochain Cali ressemble à ça. Pour ce disque, j'ai placé le micro à 1m50, j'ai pris l'harmonica et ma guitare. On a fait une prise. Steve Wickham des Waterboys (NDLR : en 2006, Cali était monté sur scène lors du rappel accordé par la bande à Mike Scott, à l’Ancienne Belgique – à lire ou à relire là) est venu y ajouter son violon magique. Un autre ami, de la guitare flamenco. Parfois, il y a de la contrebasse aussi. Le résultat oscille entre des chansons guitare-voix et violon-guitare-voix. Ce que je souhaitais exprimer à travers ce disque, je le murmure encore un peu plus ici. Nous allons bientôt fêter les 20 ans de la sortie de mon premier album, « L'amour parfait ». A côté de cette tournée, une autre s'intitule ‘Ne faites jamais confiance à un cowboy’. Je suis seul sur scène avec ma guitare. Dommage que ce soir, mon groupe et moi n'ayons pas le temps, sinon nous aurions interprété quelques compos. Mes amis sont très rock. Ils ont arrangé les morceaux différemment pour pouvoir être interprétées sur un banc à l’aide d’une guitare.
Tu as enregistré ces chansons en prise unique. Cette méthode te permet-elle d’accentuer le volet authentique ?
J'ose espérer que ceux qui empilent les choses le font de manière authentique ! Quand tu as des mots et une mélodie, deux choses l’une : soit tu habilles le tout pour aller au bal ou tu préfères la nuisette pour aller au lit. La différence se situe à ce niveau ! Perso, je préfère la petite robe de mariée en lin, avec la couronne sur la tête, dans la forêt en Irlande. C'est ce que j'ai fait de mes chansons (rires).
J’ai l’impression d’être en présence un homme différent de celui que j'écoute, plein de nostalgie et d’amertume, et de celui qui prend un malin plaisir en s’appropriant la scène.
Je ne suis pas d’accord avec toi en ce qui concerne l’amertume. Je n’en veux à personne et je ne suis pas aigri ! Vraiment, je ne me reconnais pas dans cette description ! Tu sais, dans la vraie vie, je suis quelqu'un de pétillant. On ne le voit pas forcément ici parce que je viens juste de me réveiller (rires). Mais, crois-moi, habituellement, je suis un gros déconneur. J’aime faire le pitre. D’ailleurs, je me suis blessé tout récemment au niveau du ligament. Heureusement, ce n’était pas sur scène. Lorsque je me produis en live, j'aime garder le côté sauvage tout en absorbant cet amour du public. J’en profite un maximum. C’est un moment récréatif, je suis avec mes potes.
Justement, pourrais-tu nous parler des musiciens qui t’accompagnent sur cette tournée ?
En réalité, je n’étais pas certain de pouvoir tourner cet été. Finalement, nous avons décroché une vingtaine de festivals. Je suis accompagné du guitariste de Mylène Farmer, du bassiste de Peter Doherty, du claviériste de Paul Personne et du batteur de Louis Bertignac. Ce sont des amis qui font du rock ou du blues. Je leur ai dit qu'on était là pour s'amuser. Dans le bus on s’éclate. Tout comme dans la vie d’ailleurs...
Un des titres qui a permis au public de te faire connaître est « C’est quand le bonheur ». Malgré la reconnaissance, le succès, les rencontres, les critiques positives et le rendu du public, tout est relatif. Je crois que la seule est vraie question à se poser serait ‘C’est quoi le bonheur’ ?
Tu sais, la vie d’artiste est faite de hauts et de bas. J’aime dévorer les biographies et les autobiographies. Est-ce que tu as lu celle de Springsteen intitulée ‘Born to Run’ ? Je te la conseille vivement ! Ce type est un extraterrestre ! Il ne faut pas nécessairement aimer l’homme pour lire cet ouvrage. C’est quelqu’un qui connaît l’être humain. Celle de Charlélie Couture décrit également des périodes de son existence très hautes et très basses. Pareil pour des gars comme Hubert-Félix Thiéfaine ou Bernard Lavilliers. Ce sont des totems, ils sont toujours là ! Le monde musical côtoie beaucoup de fake et de faux ! Heureusement que parfois tu croises des gens vrais dans un instant de grâce…
Lors d’une interview accordée à Muziczine, il y a quelques années, tu déclarais : ‘Pour moi le bonheur, ce n’est ni le passé, ni le futur, mais ces moments où l’on réalise ce qu’on vit sur l’instant’. Alors que dans le passé, tu semblais vivre l’instant présent, aujourd’hui, tu me donnes l’impression de te questionner davantage…
Je me souviens que lorsque j’avais 13 ans, sur la place de mon village, j’avais prédit que lorsque je serai grand, je deviendrai troubadour et que j’aurai plein d’enfants. Je suis devenu troubadour. Pour ce qui est des enfants, là aussi, j’ai accompli mon rêve puisque j’en ai quatre. Je souhaitais aussi vouloir mourir en Irlande. Navam (NDLR : une ville du comté de Meath, en Eire) me plaît beaucoup. J’aimerais effectivement un jour m’y établir. Mes musiciens irlandais y habitent et il m’arrive de leur rendre visite. Perso, le bonheur serait de vivre dans un petit cottage auprès de mes enfants et regarder les moutons et la mer, tout simplement.
Il y a aussi cette notion du temps qui passe. Dans l’une de tes chansons, tu cites : ‘Mes boucles noires ont disparues/Je perds mes cheveux sur le dessus’. Quel est ton rapport au temps et comment l’appréhendes-tu ?
Je suis fasciné par le temps ! J’ai assisté au concert des Rolling Stones, la semaine dernière, à Paris. Malgré ses 79 printemps, Mick Jagger est impressionnant de vitalité. Quand on dit de quelqu’un de cet âge qu’il est en forme, on sous-entend qu’il arrive à marcher, à se nourrir, etc. Jagger sur scène est un gosse. Ses musiciens, pareil. Ils ont ce soir-là saupoudré le public de quelque chose de magique. Je dois dire que ce show m’a communiqué une énorme pêche. En ce qui concerne le rapport au temps à proprement parler, tout va trop vite, comme un élan. Il y a un instant, nous parlions de « C’est quand le bonheur ». L’album dont est issu cette chanson est paru en 2003. Tu imagines, l’année prochaine, je fêterai ses 20 ans ! J’ai l’impression que c’était hier ! Tout le monde vieillit, c’est étourdissant ! Mais attention, ce processus ne me perturbe pas pour autant ! Sans doute, faut-il en profiter davantage, encore plus croquer la vie et faire n’importe quoi pour rigoler.
L’hommage rendu à Alain Souchon est émouvant. Pourtant, il y a plein d’autres artistes qui auraient mérité autant d’égards. Pourquoi lui et pas un autre ?
C’est une histoire particulière ! Il ne me connaissait pas, mais il est parvenu à se procurer mon numéro de téléphone et m’a passé un coup de fil. A l’époque, j’étais à Orly. Il adorait mes chansons. J’estime ce geste tellement touchant. Je l’ai croisé à plusieurs reprises ensuite. Souchon est un homme bourré de talent, d’une gentillesse et d’une tendresse exemplaires. Au fond, aimer, c’est admirer. Et admirer, c’est aimer. Il m’a peut-être influencé. Je crois qu’un jour, je vais consacrer une chanson à chacun de ces personnages. Ce sera une manière de leur dire merci.
Dani mériterait également sa place…
Je viens de perdre effectivement mon amie Dani. Sa disparition me bouleverse totalement. Je me suis saisi de mon stylo et j’ai griffonné quelques lignes en sa mémoire. Est-ce l’ébauche d’une chanson ? Je le pense, oui ! Je vais continuer à lui murmurer plein de choses à l’oreille. Si je réalise une rétrospective de mes chansons, j’y ai déjà cité pas mal de monde. Je viens du bal de village. Je faisais exactement ce que les gens souhaitaient. J’y prenais énormément de plaisir. Les gens adoraient parce qu’on savourait ce qu’on faisait. Même si certaines compos étaient plus obscures, les gens dansaient quand même, uniquement parce qu’on parvenait à les jouer et qu’on les appréciait. Pourquoi d’ailleurs, aurions-nous dû prendre le parti de s’attaquer à des chansons que nous n’aimions pas ? Il m’arrive aussi parfois de m’approprier celles des autres.
Tes long playings sont très différents. Comment se construisent-ils ? Le label impose-t-il une direction ou un genre particulier ? Que se passe-t-il entre la page blanche et l’album ?
Je conseille aux jeunes qui débutent d’engager un réalisateur. Je ne le voulais pas. C’est pourtant une démarche importante parce qu’il va amener un regard extérieur primordial, tout en y apportant des conseils judicieux. Daniel Presley a apporté sa collaboration lors du premier album. Il avait été conçu à l’origine en guitare/voix. Presley a pu y apporter sa patte sur les arrangements. J’ai pu bénéficier, au cours de ma carrière, du concours de Mathias Malzieu (NDLR : le chanteur/compositeur de Dionysos), Scott Colburn qui a bossé avec Arcade Fire ou encore Geoffrey Burton, guitariste belge. Puisqu’il existe un contrat qui te lie à ces personnes, ils possèdent un droit de regard sur ce que tu fais. Effectivement, il faut prévoir des chansons pour la radio, c’est une question inévitable. Tu sais, il semble que je commence à me faire vieux pour y passer. Je crois qu’il va falloir sans doute attendre encore un peu avant d’y être à nouveau programmé… dans la catégorie des vieux (rires). Nous sommes quelques-uns dans cette situation. Personnellement, je m’en fiche. Pour ce dernier disque, je suis en licence. Par conséquent, je suis responsable du produit fini. Julien (Lebart) et moi, nous ne nous sommes posé aucune question. Quand on crée de la musique, c’est pour être libre. Malheureusement, souvent, ce n’est pas le cas. Il s’agit d’un commerce, il faut vendre. Aucun patron ne me dirige et je ne suis pas le patron non plus. Ceux qui m’entourent sont davantage des conseillers. Jamais ils ne me donneront des directives contraignantes. En y réfléchissant, c’est quand même un luxe (rires).
A t’entendre, l’industrie du disque est une machine qui pourrait bouffer de l’intérieur les artistes…
J’ai écrit mon troisième roman ‘Voilà les anges’ sur cette thématique. Je débute cette histoire par un chanteur aigri. Mon dernier spectacle s’ouvre par ce même type de personnage. L’histoire d’un clochard, qui après s’être endormi avec sa guitare sur un banc, s’éveille face au public. Je raconte aux spectateurs qu’avant j’étais chanteur. Je leur demande s’ils s’en rappellent pour enchaîner par « C’est quand le bonheur » et une kyrielle de belles chansons. J’explique au public que je ne pouvais plus écrire parce que j’étais en quelque sorte empoisonné et que c’était malhonnête. Aujourd’hui, j’écris des chansons pour les jeunes qui passent et me regardent. C’est un peu le thème du spectacle.
Arno, un artiste belge, nous a quittés tout récemment. Sa seule limite était l’imagination. Touche à tout, tour à tout acteur de théâtre, écrivain, et chansonnier, je crois que vous avez ce point commun. Est-ce que je me trompe ?
Je me réfugie souvent derrière cette phrase ! Tantôt, on parlait de gentillesse, lui était un gentil. Certains l’ont connu plus que moi, mais nous avons eu l’occasion de partager quelques nuits ensemble. Arno était un protecteur. Un jour, en compagnie de ma famille, nous l’avons croisé à Bruxelles. Je lui exprime mon envie de manger des moules frites. Il se gratte la tête d’un air interrogatif. Une vieille dame s’approche et lui explique qu’il ne s’agit pas de la saison des moules tout en lui tapant la tête avec un parapluie. A cet instant, il y avait tout de la Belgique. Quand on regarde dans le rétroviseur de sa vie, il a creusé cinquante millions de choses. Sa mort provoque aujourd’hui de la souffrance, du chagrin et du désespoir, mais à côté de cette compassion, il y a une petite lumière qui s’appelle la vie, il faut s’y accrocher.
J’aimerais revenir sur une de tes collaborations avec James The Prophet lors d’une émission de ‘Taratata’. Vous vous étiez réapproprié magnifiquement un titre de Prince, « Purple Rain ». Chacune de tes collaborations sonne comme une évidence. Pourrais-tu imaginer un jour réaliser un album centré sur celles-ci ?
J’ai eu la chance de croiser Augustin Charnet. Nous bossions sur le projet de Léo Ferré. Ensuite, nous avons réalisé l’album « Cavale ». C’est un ami. Il n’est pas présent aujourd’hui car il s’est cassé deux doigts cet été. Cet homme m’a permis de découvrir une jeune génération, mais aussi de nouveaux sons. Je me suis beaucoup amusé lors de cette émission de ‘Taratata’. Cette jeune génération détient les clés en s’ouvrant davantage sur le monde. Il n’y a plus de limite, on chante dans la langue que l’on veut. On doit prendre exemple sur ces jeunes artistes. J’ai été subjugué par le travail de James. Ma fille, Coco, est violoncelliste et pianiste. Elle baigne dans le classique. Elle me fait écouter des musiques étonnantes qui me touchent énormément alors qu’elle n’a que 17 ans. Elle a vu le film retraçant la vie d’Elvis dont elle ne connaissait rien. Elle l’a trouvé exceptionnel. Je lui avais conseillé de regarder le ‘biopic’ pour découvrir l’homme parce qu’il est à la source de tout. Je suis très fière de ma fille. Elle vient de rentrer au Conservatoire de Paris et a obtenu 20/20 au bac de français…
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