Freak It Out est un groupe de rock alternatif rennais dont le premier elpee, « Re:[activate]e » est paru ce 30 septembre 2022. Il vient de sortir son nouveau clip, « Colors Bay ». Dans la vidéo, il explore un coin caché de la mémoire de F.I.O. qu’il n’avait pas osé dévoiler avant : il veut surfer comme les humains ! Sur un ton humoristique, le clip montre les déboires du robot qui apprend difficilement à surfer, mais sa ténacité risque de l’emmener jusqu’aux sommets de la discipline...
Malgré sa rythmique inhabituelle pour un hit de l’été, un air enfantin et positif se dégage des couplets pop de « Colors Bay », où chaque musicien s’exprime dans une joie chatoyante. Se terminant par un couplet de rap rapido-dingo du chanteur principal, le morceau semble s’arrêter avant une dernière partie plus... contrastée.
Le clip de « Colors bay » est disponible ici
Groupe de rock à géométrie variable imaginé par le musicien Ren Toner, en 2014, Divine Shade s’inspire de la culture cold wave en y ajoutant une touche de musique industrielle et électronique. Responsable de deux Eps et plusieurs remixes avec Chris Vrenna (ex-Nine Inch Nails) le groupe lyonnais a prévu un nouveau projet discographique en 2023. En attendant, il nous propose son single "Stars" (ft' Shan Moue), une compo qui figurera sur ce nouvel essai. Et il est en écoute là
En l'espace de quatre albums, les chansons hypnotiques et gentiment désaxées de Rozi Plain se sont progressivement frayé un chemin depuis Winchester, sa ville natale, jusqu'à l'épicentre créatif de Londres, en passant par la scène DIY animée de Bristol. Acquérant une ouverture sur le monde qui se reflète dans ses voyages en tant que musicienne itinérante, chaque sortie consécutive a abordé de nouveaux territoires sonores, tout en conservant une intimité bien de chez nous et une chaleur d'esprit familiale.
Elle publiera son nouvel album, « Prize », ce 13 janvier 2023. Ce sera son cinquième. Rozi utilise sa voix singulière et non affectée, accompagnée d'une guitare électrique qu'elle a fabriquée elle-même. Les accords sont brisés en motifs cycliques et méditatifs de figures pincées et staccato. Ces arpèges percutants, tranquillement complexes et envoûtants vous entraînent, tout en laissant la place à la réflexion et à la collaboration.
Rozi déclare à propos de « Agreeing for Two » : ‘Cette chanson a été créée lorsque j'ai passé une semaine sur l'île d'Eigg à écrire de la nouvelle musique. Je pense principalement à la facilité avec laquelle on peut, sans le savoir, prendre des décisions au nom d'autres personnes, en pensant que l'on sait ce qui est le mieux ou le plus juste dans une situation donnée, alors qu'il s'agit peut-être simplement de ce qui était le plus facile pour vous... J'adore la ligne de saxophone qu'Alabaster Deplume a ajoutée - elle apporte un peu du cœur et de l'espoir qui le caractérisent.’
« Agreeing for two » et « Help » sont en écoute là
« Kiss My Fist » est la vision sauvage et iconoclaste du réalisateur français Aconit Cult aka Olivier Wozniczko, petit-fils caché de Stan Brakhage et Peter Tscherkassky.
Dans un esprit DIY Punk, il travaille manuellement à partir de centaines d'éléments photocopiés, qu'il monte image par image avec subtilité et rage.
En outre, il démolit ces images avec une superposition de violoncelles peints, pour en faire un bijou graphique qui frise l'abstraction.
Aconit Cult a su capter à la perfection l'énergie, l'esprit et l'esthétisme de La Muerte et le résultat visuel de ce clip épileptique-apocalyptique est pour le moins surprenant.
La vidéo de « Kiss My Fist » est disponible là
Formé à l'automne 1998, Dead Meadow a émergé de la scène indie/punk de Washington, D.C. pour fusionner son amour du hard rock du début des années 70 et du psychédélisme des années 60 en un mariage unique de guitare-fuzz rêveuse et de riffs rocailleux. Au fil de sept albums studio, de trois disques live et d'une Peel Session, il a incorporé des influences orientales plus sombres et des superpositions de plus en plus denses et hypnotiques. Ils sont ainsi devenus un pilier inénarrable du mouvement heavy psych moderne aux côtés de contemporains comme Black Mountain, King Gizzard & the Lizard Wizard et les Black Angels.
"Force Form Free", son 7ème elpee est tour à tour spatial et rêveur ou sinistrement propulsif, et démontre que Dead Meadow est en constante évolution.
Issu de cet LP, deux titres sont disponibles sous forme de clip, "The Left Hand Path" et "Valmont's Pad"
« Ridin’ », c’est le titre du nouvel opus d’Eric Bibb qui sortira ce 24 mars 2023. Enraciné dans le blues avec une sensibilité folk proche parfois de la country et un background à la fois soul et gospel, Eric Bibb propose une œuvre dépouillée aux chansons émouvantes. De par la très haute qualité du songwriting, l’émotion incroyable que dégage sa voix et la richesse des orchestrations, « Ridin' » pourrait devenir un de ses albums majeurs.
En attendant, le single « Family » est en écoute ici
NAUT est une formation post/punk britannique, dont la sortie du premier elpee, « Hunt » est prévue pour le 24 février 2023.
En attendant, il nous propose « Dissent » son deuxième single, issu de cet opus, sous forme de clip. Et il est disponible ici.
Austère, ce clip fonctionne comme une sorte de vidéo lyrique, où les mots et les phrases clés sont éclaboussés sur l'écran comme une voix dissidente qui dit sa vérité, barbouillée sur un mur d'entreprise sombre.
Commentaire de NAUT : ‘Les singles que nous avons sélectionnés montrent différentes facettes du groupe et « Dissent » est un titre parfait pour mettre en avant certaines choses que nous pensons être essentielles au son de NAUT… ‘
Comète bordelaise du shoegaze, Cosmopaark aime jouer sur les contrastes, entre une pop introvertie et des murs de sons massifs. Bercé par la scène anglo-saxonne des 90’s (My Bloody Valentine, Slowdive...), le groupe propose une nouvelle facette de la scène actuelle (DIIV, Froth).
A son actif deux Eps, dont « Sunflower », paru en mars 2019. Et un sans titre, en avril dernier, en collaboration avec le groupe bordelais SIZ.
Le premier album du groupe, « and I can't breathe enough » sortira le 20 janvier 2022.
En attendant, le clip de « Can’t wait » est disponible ici
Trio belge, Psychonaut a sorti son nouvel elpee, ce 13 décembre 2022. Un album conceptuel et féroce qui proclame la formation d'un nouveau monde par l'acceptation d'une nouvelle identité humaine. ‘Nous avons toujours été intéressés par la religion, la spiritualité et la philosophie’, explique le chanteur/guitariste Stefan de Graef à propos de la musique de Psychonaut. ‘Nous avons médité ensemble, eu de longues discussions sur la nature de la vie, et nous partageons une vision commune.’
Intitulé « Violate Consensus Reality », l’opus nous en traîne au cœur d’un voyage viscéral dans notre conscience humaine collective. Un voyage marqué par des riffs explosifs, des voix atmosphériques et des compositions complexes mais accrocheuses.
Issu de cet LP, « Hope » est disponible sous forme de clip ici
Dans la cadre de la sortie de sa 6ème session, le label Stellar Frequencies met en scène le groupe Bank Myna. Le groupe parisien exécute le titre “The Open Door” issu de son premier LP “Volaverunt” (paru en Février 2022).
Initié en 2013, Bank Myna est l'architecte d'un univers singulier où se mêlent post-rock sombre, drone, expérimentations sonores et incursions doomiques.
Entre voix mystique et paysages sonores droniens, la musique de cette formation propose des structures libres au sein desquelles les sons sont amples, profonds et le jeu sur les textures permanent. Des voix extatiques ouvrent la voie à des mouvements lents avant de laisser l'espace sonore se déchirer sous l'effet des basses et des guitares.
Progressive, intense, tiraillée entre l'ombre et la lumière, Bank Myna aime donner de l'ampleur et de la puissance à ses compositions dans un live abrasif et instinctif, oscillant de flottements imposés par des sons drone à des explosions bruitistes et heavy rock fulgurantes.
La session est à découvrir ici
Dead Eyed Creek vient de publier un nouveau single. Baptisé "Uninspired", il figurera sur son elpee éponyme, dont la sortie est prévue pour 2023. Les 11 morceaux de l’elpee ont été enregistrés sous la houlette du producteur allemand Michael Zech.
Le vocaliste Einar Vilberg a déclaré ‘"Uninspired" parle de se réveiller, de réaliser, de se détacher et de fuir les choses qui ne fonctionnent plus pour vous.’
Pour la vidéo, la formation a fait équipe avec le vidéaste d'animation Martin ‘Marsen’ Fischer, qui a notamment travaillé pour SEEED, Papa Roach et Marteria. Et le clip est disponible là
La musique de Dead Eyed Creek est susceptible de libérer des riffs lourds et des grooves monstrueux, mais aussi de proposer des ballades tragiques. A travers son expression sonore, le band cherche à magnifier la grandeur du rock des années 90…
Issu de Voiron (Isère, France), The Last Waves vient de sortir « Under a black sun », un Ep (c’est son 4ème !) qui baigne au sein d’une forme de cold-wave/post-punk/dark-pop/indie-rock et nous propose un récit hypnotique et froid, ponctué de beats minimalistes et de mélodies aussi entêtantes que glaçantes. La musique de ce quintet français (trois garçons, deux filles) suscite des sentiments d’inquiétude, d'angoisse et de solitude. Nouvel espace inhabitable, il nous fait partager sa détresse et son désespoir…
L’Ep est en écoute là
Originaire de Coventry, Terence Edward Hall est né en 1959. Cité industrielle alors durement touchée par le chômage (NDR : ce sont les années Thatcher), elle abrite une importante population d’origine jamaïcaine. En 1978, Terry rejoint The Automatics, un groupe fondé un an plus tôt qui se transformera successivement en Coventry Specials, The Special AKA et enfin The Specials. Il devient le chanteur d’un combo drivé par Jerry Dammers, un personnage qui va marquer l’histoire du rock de son empreinte, et notamment en fondant le label indie ‘Two-Tone’, sur lequel vont signer, par la suite, Madness et The Selecter. Le ska est alors à son apogée !
Terry Hall quitte le band en 1981, et lance différents projets dont Fun Boy Three, The Colourfield et s’autorise même une aventure en solitaire, avant de reformer The Specials, en 2008, mais paradoxalement sans Dammers, qui est exclu de la nouvelle aventure. Terry Hall a également collaboré avec d’autres artistes comme Tricky, Gorillaz et Lily Allen.
Si The Specials a connu plusieurs étapes dans son existence (1977–1981 ; 1982-1984 ; 1993 ; 1996 et 2001-présent), c’est surtout la première qui a donné naissance aux plus gros hits, tels que « Gangsters » et « Ghost town ». En 2021, ces vétérans de la scène britannique avaient publié un elpee de reprises de leurs chansons contestataires.
Terry Hall est décédé des suites d’un cancer du pancréas, le 18 décembre 2022.
RIP
Le 25 novembre 2022, Edouard Van Praet sortait son second Ep 7 titres, « Cycles ». Van Praet un extra-terrestre dans le paysage musical belge. Deux nouveaux clips accompagnent la sortie de l'Ep : « Ride », paru le 2/11 et surtout « Ivresse De Minuit », clip réalisé par Alice Khol dont la sortie est prévue pour le 16 décembre 2022.
« Le Beau Bizarre » de Edouard Van Praet est un titre de l’Ep « Cycles ». Ce morceau ne fait pas une référence directe au huitième album de Christophe, paru en 1978, pourtant, une grande similitude existe dans la démarche du projet de l’ovni belgo-canadien Edouard van Praet. Cet appétit insatisfait pour une musique ‘protéiforme’, à la frontière des genres et déliées de toutes conventions. Ce beau, dans la musique, ce bizarre dans la posture et l’énergie. Aujourd’hui âgé de 25 ans, Edouard compte déjà à son actif un premier Ep, « Doors », paru en juin 2021. Ce dernier était composé de 5 titres folk/rock, un poil psychédélique, où voix, synthés et guitares bâtissent un paysage qui peut paraître familier mais qui accroche d’emblée l’ouïe.
« Doors » recueille de nombreux retours sympas de la part de la presse belge francophone et néerlandophone. Un an plus tard, Edouard décroche un Tremplin au Botanique, puis au Dour Festival. En vrai bête de scène et gavé par l’énergie de la scène et ce besoin libérateur de s’exprimer à travers sa musique, il passe la seconde. Ses goûts musicaux s’élargissent à l’écoute des synthés de Feu ! Chatterton, d’hyperpop (Sega Bodega) et de cloud rap (Laylow). Contemporaines d’une époque troublée, ses névroses se propagent et pour lutter, Edouard apprend à lier ses deux vies. Les études en psycho (le jour) et la musique (la nuit). L’art à travers la psychose. Quoi de plus personnel mais aussi de plus universel ?
Dans l’ombre de ses héros, allant de Jim Morrison à Alex Turner, Edouard s’émancipe. Au diable les étiquettes, le punk, le rock, la pop... Il embrasse sa passion et arbore son nom comme étendard, comme une prise de risque aussi.
Prochains concerts :
15.03.23 @ De Leest Cultuurhuis, Izegem
25.03.23 @ Maison Folie, Saint-Ghislain
Et beaucoup d'autres encore à annoncer en 2023
Pour découvrir la vidéo de « Ivresse de Minuit », c’est ici
Indurain nous livre un très beau titre et un magnifique clip pour cette fin d’année 2022.
Le texte projette des images savoureuses qui nous permettent de voyager en leur compagnie de manière sensorielle, en road trip amoureux, de Deauville aux calanques de la Côte d’Azur.
Ce côté épuré du morceau, joué en picking sur la guitare et la basse est enrichi par les voix en chœur de Marius Zimmermann et Sylvain Sangiorgio.
Réalisé et tourné à Genève par Malachie Kohan (Monokrome Films), le clip dans lequel jouent des acteurs non professionnels, est un petit bijou.
Les images sont belles, le scénario travaillé et les acteurs nous permettent de vivre des émotions authentiques.
On suit un jeune couple qui vit une idylle et on comprend qu’ils se sont éloignés, vivent une solitude pour se retrouver plus tard. Se remettent-il ensemble ? Restent-ils de bons amis ? Il faudra le demander aux deux artistes que l’on retrouve dans différents rôles tout au long du vidéoclip.
Le titre figure sur l’album éponyme « Vacances à la mer » en écoute sur le Bandcamp de la formation (à retrouver sur la page ‘Artistes’, en cliquant sur Indurain dans le cadre ‘Informations complémentaires’, ci-dessous) et le clip est à découvrir là.
Il y a plus de 10 ans qu’Evan Hall et Zach Levine traînent leurs guêtres sur les chemins tortueux de l’americana indie et de la country alternative avec succès et un talent rarement démenti. Le groupe issu du New-Jersey a toutefois connu un certain coup de mou à l’issue d’accusations de coercition sexuelle dont le premier cité a été accusé en 2017 par l’une de ses musiciennes. Après quelques mois de doutes et de remise en question, Pinegrove propose son 5èmeelpee, énigmatiquement intitulé « 11:11 », un opus toujours centré sur la voix écorchée d’Evan Hall. Depuis MontClair, le son de l’Amérique profonde est revisité et musclé par des guitares amplifiées (« So What ») et un discours très pessimiste quant aux changements climatiques (« Don’t Look Up », « Respirate »).
Un album sans véritable surprise (NDR : est-ce réellement toujours indispensable ?) mais diablement réconfortant et mélancolique pour tout ‘Pinenuts’ (= les fans de Pinegrove) qui se respecte !
Originaire du Kansas, Bummer s’est formé en 2012. Mais il lui a fallu du temps pour véritablement se lancer. Jusqu’en 2018, date de son premier LP, le trio a multiplié les Eps et gravé un 12’’ en compagnie de Pinko.
En 2020, il est repéré par Thrill Jockey, référence de la musique underground (BIG GRAVE, Tortoise, Trans Am, …), label sur lequel la formation publie son second et dernier album, « Dead Horse ».
Entre la sortie et la chronique de cet album, de l’eau a coulé sous les ponts, puisque le groupe a accordé son ultime concert en 2022, en partageant l’affiche avec Cherubs et Young Widows.
Alors que l’univers indie vient de découvrir ce band, Matt Perrin (guitar/voix), Mike Gustafson (basse) et Sam Hutchinson (drums) nous manquent déjà. Et pour plusieurs raisons. D’abord pour ses titres poétiques. A l’instar de « I Want to Punch Bruce Springsteen in the Dick », la meilleure compo de son répertorie.
Ensuite parce que son punk-noise énergique (ne cherchez pas trop les mélodies…), lourd (la finesse ne fait pas partie de son vocabulaire) était terriblement efficace. Bref, on aurait aimé assister à un de ses sets qui devait bien décaper les oreilles. Et puis le combo américain aurait pu retourner les plaines des festivals cet été. Dans l’attente d’une relève, on se consolera en réécoutant « Dead Horse », un long playing susceptible de vous donner un bon coup de fouet…
Le “Concours Circuit”, c'est un tremplin dédié aux groupes et artistes émergents de Wallonie et de Bruxelles. Les quatre projets finalistes se sont affrontés vendredi, au Botanique.
Le couperet est tombé: les grands vainqueurs du concours sont les musiciens du groupe Eosine. Basé à Liège, ce quatuor est emmené par la très talentueuse Elena Lacroix et pratique une shoegaze mélancolique aux accents celtiques. On pense à The Beach House, Ride, Low, All About Eve mais aussi à Cocteau Twins et aux Craneberries. Après un premier EP très convaincant, "Obsidian", Eosine a sorti il y a peu un simple, "Ciarán", qui annonce un nouvel EP mixé et mastérisé par Mark Gardener, de Ride.
Musiczine a rencontré Eosine au Botanique. L'interview sera publié dans nos colonnes d'ici peu. Stay tuned!
Les autres finalistes du concours Circuit étaient:
- Alex Lesage: un claviériste et producteur de musique électronique indépendant également basé à Liège. Sa musique est une combinaison ludique entre électro, IDM, hip-hop expérimental et jazz. Alex se concentre principalement sur l'expérimentation de claviers et le travail de conception sonore, notamment en utilisant des synthés analogiques. La majorité de son travail est influencée par l'improvisation.
- Bart Kobain: Originaire du Burundi, Bart Kobain est un artiste bruxellois présentant une touche de Denzel Curry dans l'ADN. Ses textes mentionnent souvent l'importance des accomplissements personnels. Diffusant ce message par le biais d'un flow ardent de passion, il cherche à prouver que l'essentiel est de travailler dur pour atteindre ses objectifs tout en profitant des moments précieux de la vie.
- Jazmyn: Artiste bruxelloise, elle propose un combiné de jazz, soul, funk et RnB. Cette chanteuse à la voix suave et juste assez cassée respire la nostalgie et l'authenticité, le tout parsemé d’une bonne dose de groove. Jazmyn clame ses joies, ses peines et ses doutes de façon franche et honnête, sans filtre ni artifice.
Pour écouter Eosine:
Bandcamp: c'est ici.
Spotify: ici.
Eosine:
Elena Lacroix: chant, guitares, synthés, composition
Brieuc Verstraete: basse, chant
Julia Billen: guitare, chant
Benjamin Franssen: batterie.
Contact: Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Ce soir, Ibeyi se produit à l’Ancienne Belgique de Bruxelles. Le concert est sold out. Ibeyi signifie ‘jumelles’ en langage yoruba, idiome africain hérité des esclaves noirs, dans les Caraïbes. Etablies et nées à Paris, elles sont d’origine cubaine. Le père de Lisa-Kaindé et Naomi Díaz était percussionniste chez Buena Vista Social Club auprès d’Ibrahim Ferrer, Rubén González et Máximo Francisco Repilado Muñoz. À sa mort, les deux sœurs, alors âgées de 11 ans, apprennent à jouer du cajón, l'instrument fétiche de leur paternel, et étudient les musiques folkloriques yoruba. A leur actif, quelques Eps, et déjà trois elpees.
Le supporting act est assuré par Astrønne, une chanteuse/compositrice française qui, récemment, a publié un Ep, « Blue Phases », pour lequel elle a reçu la collaboration de LaBlue.
A 19h30, elle grimpe sur les planches, armée d’une gratte semi-acoustique. C’est la première fois qu’elle se produit en Belgique. Elle signale qu’elle se nomme Astrønne sans le ‘aute’ et qu’elle va interpréter huit chansons tristes. Elle s’installe sur un siège haut, face à son micro et une loop machine.
Elle interprète des chansons intimistes, aussi bien dans la langue de Voltaire que de Shakespeare. Elle y parle de l’amour universel. De la passion qui emporte. Ses compos murmurent les amours qui nourrissent, qui brûlent. Et elle partage ces sentiments avec nous.
Sa voix est douce et fluette, mais au fil du set, elle prend de l’assurance. Très souvent, on pense à Irma.
Elle remercie également les sœurs Ibeyi de l’avoir choisie comme première partie. Jolie découverte !
(Voir notre section photos ici)
Vêtue d’un pantalon mauve et d’un body noir et jaune fluo, Lisa Kaindé a les cheveux longs et crépus. Elle va se charger des percus, et tout particulièrement des djembés. Habillée d’un pantalon noir et d’une veste jaune fluo parsemée d’étoiles, Naomi Diaz est coiffée en couettes. Elle se consacre au piano. Les jumelles se partagent le chant, tour à tour en français, anglais, espagnol ou dialecte yoruba. Quant à la musique, elle oscille de la world à la soul en passant par le trip hop, la néo soul, l’électro, la soul et le negro spiritual, mais sous une forme contemporaine.
Le set s’ouvre par « Made Of Gold », un extrait du dernier opus. La voix de Naomi est plus grave que celle de Lisa, mais leurs harmonies vocales sont enchanteresses voire féériques. Elles célèbrent l’attachement et le respect mutuel mais également les souvenirs vivaces et autres traditions qui vibrent en elles. Elles ressentent aussi bien la joie que la nostalgie marquée par la douleur et la disparition d’êtres chers à travers des titres vibrants et déroutants, à l’instar de Sangoma ». Elles clament leur amour l’une pour l’autre, tout au long de l’émouvant « Sister 2 Sister », en évoquant leur histoire, leurs débuts, leur famille ; et le tout est illustré par des photos et vidéos d'elles enfants
Outre le tout dernier single, « Juice Of Mandarins », le tandem va nous réserver une reprise à la sauce latino du « Would You Mind » de Janet Jackson. Mais elles ne vont pas pour autant oublier d’anciennes compos telles que « Me Voy », « Away Away », « Oya », « Ghosts » ou encore « River » …
Enfin, le groove des compos et les déhanchements dangereusement sexy des deux filles vont constamment donner envie à la foule de danser…
(Voir notre section photos là)
Setlist : « Made Of Gold », « Me Voy », « Rise Up », « Lavender & Red Roses », « Exhibit Diaz », « Away Away », « Ghosts », « Creature (Perfect) », « Juice Of Mandarins », « Would You Mind » (Janet Jackson cover), « Waves », « Mama Says », « Oya », « Sangoma », « No Man Is Big Enough for My Arms », « Rise Above (This Is Not America) », « Deathless », « Hacia El Amor », « Sister 2 Sister », « River », « Ibeyi (Outro) ».
Encore : « Tears Are Our Medicine »
(Organisation : Live Nation et Ancienne Belgique)
‘Eosine’ : retenez bien ce nom ! Basé à Liège, ce jeune quatuor emmené par la très talentueuse Elena Lacroix, est sur le point d'exploser ! Sa shoegaze mélancolique aux accents celtiques a séduit le jury du ‘Concours Circuit’, un tremplin qu’il a remporté il y a quelques jours au Botanique, à Bruxelles. Même si en écoutant sa musique, on pense parfois à Beach House, Ride, Low, All About Eve, Cocteau Twins ou aux Cranberries, le son proposé est unique et incomparable.
Après avoir gravé un premier Ep très convaincant, "Obsidian", Eosine a publié, il y a peu, un single. Intitulé "Ciarán", il annonce un nouvel Ep mixé et mastérisé par Mark Gardener (Ride). Excusez du peu !
Musiczine a rencontré la formation au Botanique, avant sa prestation en ‘live’, dans le cadre du ‘Concours Circuit’.
La première question, vous vous en doutez, concerne le nom du groupe. Que signifie ‘Eosine’ ?
Benjamin : L’éosine (‘eosin’ en anglais) est un colorant qui permet de mieux discerner les coupes histologiques. Donc, par exemple, pour des tissus cellulaires observés au microscope, il permet de faire ressortir les nuances. Il en résulte des expressions abstraites très colorées.
Apparemment, vous êtes des mordus de science ?
Benjamin : Oui ! Mes trois acolytes sont tous étudiants en sciences : Julia en bio, Brieuc en géo et Elena en médecine. On essaie de combiner l'art et les sciences.
Elena, tu es à l'origine du groupe. Comment pourrais-tu décrire la musique et le concept qui la caractérise ?
Elena : Au départ, Eosine était un projet qui s’inspirait de la shoegaze et de la dream-pop, des styles apparus dans les années '90 et pour lesquels on avait pas mal d'affinités. On évoluait à l'intérieur des codes de ce style musical. Maintenant, on essaie d'enrichir le son en exploitant les singularités et les influences de tous les membres du groupe.
Au départ c'était un projet solo et maintenant, c'est une formation à part entière ?
Elena : Exact ! Et ce que tu avances à propos du concept est très juste parce qu'on essaie, en effet, de lier la musique, les paroles et les clips au sein d'un même concept. On projette les vidéos en concert, ce qui permet de créer un ensemble conceptuel cohérent.
En outre, les images apportent une coloration 'psyché' ?
Elena : Complètement !
On perçoit en effet bien les références à la dream-pop, que ce soit Beach House, Ride ou Slowdive ; mais on peut aussi remonter un peu plus dans le temps pour identifier des influences de la cold-wave, et tout particulièrement Cocteau Twins, les précurseurs de la shoegaze.
Elena : Tout à fait ! Cocteau Twins est une influence importante. Ce qu'on aime beaucoup chez eux, c'est la mise en avant du chant d'Elizabeth Frazer. Et nous, on aime combiner des moments éthérés dans le style de Cocteau Twins avec des passages plus terre à terre, plus bruts.
On ressent aussi l'influence de Dead Can Dance. Brieuc, dans une des vidéos, tu portes d’ailleurs un t-shirt de cette formation…
Brieuc : Oui, j'ai beaucoup écouté Dead Can Dance lorsque j’étais enfant car mes parents aimaient beaucoup ce groupe.
Merci, je prends un bon coup de vieux, là... (rires)
Pour décrire votre musique, j'ai inventé un nouveau style : la ‘shoewave’, une combinaison entre shoegaze et wave...
Elena : Ah oui, très sympa ! Ça me parle bien ça (rires) !
On y rencontre aussi ce côté 'dark', mélancolique, qui est inhérent à la new-wave. Et puis, il y a un aspect celtique, que j'aime beaucoup. Je suppose que ça vous parle ?
Elena : Oui !
"Ciarán", le nouveau single, c’est un prénom d'origine gaélique ou je me trompe ?
Elena : Oui et c'est la première fois que j'entends quelqu'un qui prononce le mot correctement (rires) !
C'est normal : j'ai été irlandais dans une de mes vies précédentes... (rires)
Brieuc : Moi aussi...
Elena : En fait, je suis également sensible aux influences de la musique médiévale, comme Dead Can Dance justement. C’est perceptible dans le premier morceau que l'on va présenter ce soir, "Incantations".
Précisément, allez-vous interpréter de nouveaux morceaux, ce soir ?
Elena : En fait, on ne jouera que des compos qui ne sont pas encore sorties.
Même pas "Ciarán" ?
Elena : Non.
Julia : Ce sont, pour la plupart des titres, qui figureront sur notre prochain Ep dont la sortie est prévue pour le début de l'année prochaine.
Comment êtes-vous entrés en contact avec Mark Gardener, de Ride ?
Elena : C'est une longue histoire. Benjamin s'est cassé le poignet juste avant l'enregistrement de notre premier Ep, "Obsidian". Et il a été remplacé par Jérôme Danthinne, un batteur belge qui a joué en compagnie de Mark Gardener, quand il était en Belgique. Jérôme lui a envoyé notre maquette et Mark a tout de suite accroché.
Et donc, vous avez enregistré à Oxford, dans le studio de Mark ?
Elena : Non, Mark a juste mixé et mastérisé l'Ep, ainsi que le single, "Ciarán".
Et Maxime Wathieu, de Turquoise, il a également participé ?
Elena : Oui, c'est important de mentionner le super boulot de Maxime. C'est lui qui a enregistré l'Ep, ici en Belgique. C'est un génie de la production. Quant à Mark Gardener, dans son mix, il a cette capacité de retranscrire l'énergie 'live' dans un enregistrement studio. La combinaison entre les deux 'ingés-son' a bien fonctionné.
Par rapport à "Obsidian", le single "Ciarán" sonne beaucoup plus propre. A la limite, il sonne plus pop que shoegaze.
Elena : "Ciarán" est un morceau pop ; on l'a voulu comme ça. D'ailleurs il passe bien en radio.
Les autres nouveaux morceaux sont, on suppose, plus 'edgy ' ?
Elena : Oui, ils sont plus longs et un peu plus 'crasseux' (rires).
On sent bien une évolution très forte, au niveau du son, au niveau harmonique, dans les compositions. C'est plus sophistiqué.
Elena : Oui, on a beaucoup évolué.
Les harmonies sont plus fouillées, alors qu'auparavant, certains morceaux étaient construits sur deux accords, comme mi mineur et la majeur, répétés à l'envi... (rires)
Elena : Oui, tu as raison. Mais en fait, ça dépend. Dans le processus créatif d'Eosine, je dispose d'un vaste répertoire dans lequel on va puiser en fonction de notre état d’esprit et de ce qu'on cherche à un moment précis. Et donc, il est possible qu'on choisisse un morceau qui date de l'époque où je composais des chansons assez simples ou alors ce sera la maquette d'un titre plus récent et plus complexe. Résultat, le nouvel Ep est très diversifié et présente une large palette d'ambiances différentes.
A propos de labels, vous collaborez avec JauneOrange ?
Elena : Oui. JauneOrange s'occupe de l'édition, du 'publishing', pour les 'synchros' dans l'audio-visuel.
Pour le placement des morceaux dans les films, les pubs, etc. ?
Elena : Tout à fait ! En ce qui concerne la mise en forme, on a sorti "Ciarán" en autoproduction. Nous avons avancé les fonds pour l'enregistrement, le mixage, le mastering et la vidéo. Pour l'Ep et le booking, on négocie.
A mon avis, vous avez un très bon potentiel, y compris à l'international.
Elena : Merci !
Et le nom de Mark Gardener va ouvrir des portes.
Julia : On l'espère !
Elena : Si on pouvait faire la première partie de Ride, ce serait un rêve !
Et Low, vous aimez aussi ?
Elena : Oui, on adore. On a été très attristés par la mort de Mimi Parker. On aime beaucoup Low parce que ces musiciens ne s’appuient pas sur leur technique individuelle mais bien la puissance de leur collectif. Vu que nous ne sommes pas de très grands techniciens, nous essayons également de produire en groupe quelque chose de plus fort que la somme des parties. Créer une symbiose, atteindre une synergie...
On le ressent en effet très fort dans votre musique. Il y a même un aspect chamanique. Il vient probablement aussi du côté celtique, qui convoque un esprit tribal. On sent une âme très puissante dans la musique, plus que dans la shoegaze traditionnelle.
Julia : Oui, c'est exact ! Parfois, en concert, on entre presque en transe.
Elena : C'est comme un mantra.
Julia : Oui. C'est l'énergie de la musique qui monte, monte. Les voix qui se croisent, se recroisent, vont dans la même direction ou se séparent. On atteint véritablement un état de transe. Et quand on descend de la scène, on est autre part, comme sur un nuage (rires) …
Elena : C'est comme une alchimie entre nous. Notre musique repose sur la shoegaze comme socle et chaque membre du groupe apporte sa personnalité et ses influences, ce qui enrichit notre son.
Oui, c'est comme un kaléidoscope de différentes couleurs et c'est le côté celtique, tribal qui sert de ciment de l'ensemble et communique à votre musique un caractère unique.
Elena : Merci ! Ton analyse nous touche vraiment…
Benjamin : Je voudrais ajouter que, précisément, dans le nouveau morceau "Above", qui ne sera pas sur le prochain Ep, on est précisément dans cet état d'esprit. Chacun apporte sa pierre à l'édifice et moi qui suis plutôt un batteur funk ou jazz, j'oublie totalement qui je suis et je me coule dans le collectif pour devenir Eosine en compagnie des autres. Perso, c'est notre morceau-phare. C'est mon préféré (rires) !
Elena : C'est un morceau où on s'assume vraiment, sans essayer de sonner comme quelqu'un d'autre. C'est d'ailleurs le tout dernier que j'ai composé. Ce qui démontre que, plus on avance, plus on parvient à affirmer notre personnalité. On a évidemment encore beaucoup de domaines à explorer et à découvrir, surtout en nous-mêmes, mais on est sur la bonne voie !
Merci beaucoup pour cette interview !
En cliquant sur le nom du groupe dans ‘Informations complémentaires’ vous retrouverez ses réseaux sociaux dont Bandcamp, Soundcloud et Spotify qui vous permettront d’écouter sa musique…
Eosine :
Recevoir un titre comme celui-ci, en fin d’année, est une véritable aubaine.
Arthur H (NDLR : de son véritable nom Arthur Higelin, c’est le fils de feu Jacques) nous surprend de plus en plus à travers une chanson dont la douceur mêlée de contraste est offerte dans ses textes et sa musique.
Son single, « La vie », raconte le miracle de notre naissance, dans une étincelle de joie et de bonheur, aimés par des êtres bienveillants. Mais arrive ensuite la vie complexe, qui sème le doute, la peur et le désarroi dans les cœurs et les corps.
Ce morceau au texte sublime constitue un message d’espoir qui nous intime à rester positif, confiant malgré les épreuves. La vie est belle, il suffit de la regarder pour ce qu’elle est et non via une image mentale négative que l’on peut en avoir, source de souffrance.
Cette plage s’ouvre par une intro au piano, à l’instar de son morceau phare « La boxeuse amoureuse », pour s’en détacher rapidement dans une montée irrésistible afin de nous procurer des frissons.
Sa voix oscille entre le parler et le chanté, entre le grave et l’aigu, soutenue par des cordes magnifiques, du Sound painting électronique discret.
Le clip, réalisé par Arthur H & Leonore Mercier, évoque une superbe peinture colorée de rouge et de noir. Allégorie des origines, à la terre, la roue de la vie et son équilibre délicat (représenté par des toupies), nos blocages mentaux (les murs transparents), nos ressources (les cristaux), le néant, la séparation, les illusions et désillusions (les fleurs), la souffrance (la boue), l'espoir et l’amour, il nous entraîne dans l'espace. Il est à visionner ici
Sa tournée, qui traversera toute la France, passera par le Trianon (Paris), ce 27 mars (plus d’infos là).
Merci Arthur H de nous entraîner dans vos étonnantes aventures spatiales.
Fière de ses origines (NDR : son Sigma en est une parfaite démonstration), l’artiste grecque Σtella Chronopoulou a décidé de concocter un petit mélange détonnant entre ses racines helléniques et sa dream-pop indie racée. Imaginez une version pop et locale de Khruangbin et vous obtiendrez une description relativement exacte de « Up and Away », son très réussi nouvel elpee.
Produit par le Londonien Tom Calvert, a.k.a. Redinho, son second opus puise son inspiration dans les sonorités plutôt psyché des 60’s et des 70’s, des sonorités enrobées d’électro-pop et customisées par des instruments grecs tels que le bouzouki ou le kanoun. Un album qui permet de voyager, se détendre tout en cajolant ses canaux auditifs…
Que demander de plus ?
L’américano-japonaise Mitski (Miyawaki) parvient peu à peu à se forger une place importante dans le vivier pourtant pléthorique de l’indie rock US. « Laurel Hell », son 6ème album, devrait confirmer cette progression en mêlant subtilement apparente légèreté pop des mélodies et noirceur des propos. Des influences 80’s marquées (sur l’imparable « The Only Heartbreaker ») mais aussi des mélodies finement ciselées que n’aurait pas reniées Weyes Blood (« Working for the Knife »). L’esprit torturé, elle avait quitté le monde de la musique après avoir publié son dernier elpee, « Be a Cowboy ». Elle est de retour afin d’exorciser ses démons… grand bien lui fasse !
Depuis le départ de Ty Kube, Black Marble est devenu le dessein solo de Chris Stewart. Et « Fast idol » constitue le deuxième opus du Marbre Noir, sur le label new yorkais Sacred Bones. Une écurie qui convient parfaitement au projet. Il s’agit du premier essai de Stewart depuis qu’il est installé à Los Angeles. Le soleil californien n’a toutefois pas eu d’emprise sur la musique de Black Marble. Elle est toujours trempée dans un mélange de cold-wave et de synth-pop. Le dress code est plus au noir qu’à la chemise à fleurs. Malgré ce constat, les paroles en retrait, « Fast Idol » est loin d’être un album déprimant. On retrouve des mélodies accrocheuses. Le son est éthéré. Stewart s’amuse avec ses synthés qu’il pose sur une boîte à rythmes. Les ambiances planantes laissent place à des passages plus entraînants a l’instar du titre introducteur, « Somewhere ». Ce voyage dans les 80’s nous rappelle les belles heures de New Order, The Smith ou The Cure. Plus proche de nous, on pense à un artiste comme John Maus.
Chanteuse, actrice, danseuse, circassienne, Aloïse Sauvage a plus d'un tour dans son sac. Son premier Ep, « Jimi », confirmait en 2019 tout le bien qu’on pensait d’elle et a littéralement fait le buzz... Dans la foulée, son premier elpee, « Dévorantes », était paru fin février 2020, juste avant le confinement. Pas de chance, les ventes de cet opus se sont arrêtées et elle a dû annuler plus de 50 concerts. Elle vient de publier son second LP, « Sauvage ».
À bientôt 30 ans, Aloïse a compris que la vulnérabilité était une force. Elle questionne celle qu’elle était et qu’elle reste. Dans ses oreilles, Kanye West, Noga Erez, Stromae, Orelsan, Justin Bieber. Dans son regard, Oeeping Tom, Vimala Pons, James Thierrée, Wim Vandekeybus. Elle conjure les tabous, scande la rue, la nature, la sensualité, le courage d’être soi et fait don au public de son inépuisable vitalité.
Le concert qui va se dérouler ce soir, était prévu depuis 3 ans. Il avait été reporté à 3 reprises. L’Orangerie du Botanique est pleine à craquer…
Le supporting act est assuré par Simia. Un jeune rappeur originaire du 13ème arrondissement de Paris, qui a vécu une partie de sa vie au Canada. C’est la première fois qu’il se produit en Belgique.
L’artiste a commencé à sortir des clips en 2016, mais ce n’est qu’aujourd’hui qu’il commence à récolter les fruits d’un travail de longue haleine en proposant une musique hybride oscillant entre hip hop et rock. Tour à tour chantée ou rappée, elle lui ressemble furieusement. Et pourtant, il reconnaît comme influences majeures, les Strokes, Arctic Monkeys, Oxmo Puccino, Népal, Radiohead, Pixies, The Cure, Joy Division et Nirvana. Son dernier Ep, « Trop tard », est paru en mai dernier, un essai produit par PHAZZ (Orelsan, Oxmo Puccino, SCH) qui dépeint la vie de Simia, ses sentiments, ses épreuves. Et son premier elpee, « Spécial », remonte au mois d’octobre 2019.
Sur scène, il est uniquement soutenu par Renaud à la guitare. Un PC est placé à la gauche de ce dernier qui lui permet de lancer les samples de percus et les beats. On comprend alors encore mieux ses chansons, sorte de post punk à l’énergie viscérale, délicieusement mélodique, mais dont le groove entêtant est hérité du hip-hop.
Tout au long de l’entraînant, « Trop Tard », le titre maître de l’Ep, tout le monde saute sur place, tant sur les planches que dans la fosse et particulièrement au sein du public très jeune… et féminin. Lors des morceaux interprétés en piano/voix, la voix de Simia évoque celle de Jean-Louis Bertignac. A l’instar de « Elle te Hante ». « Doucement » fait craquer les cœurs des minettes. Les paroles parlent de la vie, de ses joies, de ses désespoirs et de ses perspectives. Dans la dernière chanson de son set, il revisite « Je ne sais pas danser » de Pomme, dans un style mi-rap, mi-rock.
Le gaillard a de l’avenir sur les planches, il est généreux, sympa, humble et sait mettre de l’ambiance…
Trois estrades ont été installées sur le podium de l’Orangerie. Une pour accueillir le drummer Mathieu Épaillard (un pote à Roméo Elvis, dixit ses parents, postés à côté de votre serviteur), une pour Aloïse (NDR : of course, au centre) et une dernière pour le claviériste Victorien Morlet.
Aloïse débarque. Elle est vêtue d’un body noir et d’un pantalon mauve (NDR : un survêtement de sport !) Le set d’ouvre par « Montagnes russes », la première plage de l’album « Sauvage ». Une chanson criante de criant de vérité car vécue par l’artiste. Chaleureuse, interactive, telle une amie, elle confie ses joies, ses humeurs, ses malheurs et ses émotions à son public. La voix est vocodée et semble sortir d’un cyborg. Et pourtant, il s’agit bien d’Aloïse. Dans « Soulage », elle demande de pouvoir décoller dans sa carrière. Elle se regarde dans un miroir et se livre, à travers sa poésie. « XXL » apporte un peu de douceur.
Suivant les morceaux, Eloïse s’assied sur le bord de l’estrade ou danse le hip hop. La chorégraphie est superbement exécutée.
Issu de l’elpee « Dévorantes », « Si On S’Aime » parle d’amour et de déception amoureuse.
Résolument hip hop, « M’Envoler » reflète la fragilité de l’artiste. Elle joindra le geste à la parole et s’envolera dans les airs. Elle rappelle sa présence à Forest Naional, le 22 décembre, en première partie d’Angèle (NDR : elles sont amies). ‘Depuis minus on est focus’, scande-t-elle dans son nouveau single « Focus », où elle se libère de liens qui l’entravent et où elle souligne son insatiable appétit artistique et son refus de l’hypocrisie. Un r’n’b abordé dans l’esprit de Juicy.
Aloïse Sauvage a des convictions et les clame haut et fort. Elle dédie notamment plusieurs titres de « Dévorantes » à la lutte contre l’homophobie, et tout particulièrement « Jimy » et « Omowi », presque considéré aujourd’hui comme un chant militant. Ces deux titres associés à « A l’horizonale », associés en medley, ce sont 3 hits, au cours desquels, c’est le souk dans la salle, surtout pour ce dernier morceau. L’artiste sert sa lutte par ses propos, mais aussi par le débit effréné avec lequel elle déclame chacun de ses mots. Chaque phrase percute de plein fouet…
Lors du premier rappel, elle nous réserve « Toute La vie ». Mais le public est très chaud et en réclame encore ; à tel point qu’elle reviendra encore, à deux reprises.
Le rap est l’avenir et le renouveau de la chanson française et Aloïse Sauvage en est manifestement devenue un de ses brillants fers de lance…
Setlist : « Montagnes Russes », « Soulages », « XXL », « Si On S’Aime », « M’Envoler », Pépite », « Joli Danger », « Fumée », « Focus », Medley : « Jimy -Omowi - A L’Horizontale », « L’Orage », « Crop Top », « Love », « Unique », « Paradis ».
Rappel : « Toute La Vie ».
(Organisation : Le Botanique)
Ce soir, le Zik-Zak accueille trois groupes. En supporting act, SmokeBomb ainsi que Psycho Village et en tête d’affiche, (Hed) P.E, un crew ‘old school’ qui compte 24 ans de carrière au compteur.
Hed PE, également connu sous le patronyme de (HeD) Planet Earth, est une formation américaine originaire de Huntington Beach, en Californie. Son rapcore est le fruit d’un mix entre différents styles musicaux, puisant aussi bien dans le hip hop et le reggae pour les vocaux que dans le nu metal/punk (les guitares lourdes), le grind/punk (les drums), l’électro (les samples) que le DJing (les scratches). A son actif : dix albums studio. C’est la seule date de la tournée européenne qui passe par la Belgique. Bonne nouvelle, il y a du peuple dans la place.
Comme les musiciens de Psycho Village accusent 3 heures de retard, à leur arrivée, c’est la combo belge SmokeBomb qui ouvre les hostilités. Et le premier concert est retardé de 30 minutes. Ce combo est responsable d’un cocktail groovy entre hip hop, punk et métal.
Les membres du quintet ont choisi des pseudos à coucher dehors. Jugez plutôt. Aux drums, G. Loose. A la basse, TanBomb. A la guitare, Gravel Piet ; et derrière le micro, K. Arnish. Sans oublier DJ CrustKiller, le préposé derrière les platines, qui se charge des scratches. Les musicos semblent à l’étroit sur le podium, vu le matos déjà installé pour les sets suivants. Ce qui ne les empêchent pas de déménager sur les planches. Et tout particulièrement K. Arnish. Excité comme une puce ou monté sur ressorts (au choix !), il va déjà mettre le souk dans la fosse. Et les autres musiciens ne sont pas en reste. Seul le drummer frappe ses fûts en puissance et cadence ; mais en l’observant trépigner, il ne serait pas hostile à l’installation de roulettes sous son kit de batterie.
L’essentiel de la setlist émane d’une cassette démo baptisée « Ninja Tape ». Parue en 2018, elle est devenue depuis, un collector. Elle recèle 7 plages qui suintent l’art de rue. Les titres présentent une structure globalement similaire avec des couplets à l’accent léger et des refrains qui vous embarquent dans un tourbillon d’énergie. Mais le combo va également nous réserver le dernier single, « Harvest », ainsi que l’une ou l’autre nouvelle compo. La voix de K. Arnish répond bien aux codes du hip-hop et lors des refrains, elle descend agréablement dans les graves, ce qui communique davantage de férocité à l’expression sonore…
Setlist : « Intro », « Showtime », « PMA », « Out Of Control », « The Way We Do It », « Stone Art Anthem », « Interlude », « Impakt », « SmokeBomb », « Harvest », « Face The Fact ».
Place ensuite Psycho Village. Un band fondé en 2009 par le chanteur et guitariste Daniel Kremsner, alors qu’il n’avait que 15 ans… Le style musical ? Il navigue quelque part entre post-grunge, rock, pop et hard rock. Le line up a enregistré un changement de bassiste, puisque Jarred remplace Maximilian Raps, qui a dû quitter l’aventure, pour raisons de santé. En outre, Johannes Sterk n’a pu se libérer pour la tournée, retenu par son travail. Et c’est Brad qui le supplée derrière les fûts.
Une toile est tendue en fond de scène pour permettre la projection de vidéos. La setlist va privilégier les morceaux issus des deux premiers elpees studio, « Selfmade Fairytale - Part 1 » (2014) et « Unstoppable » (2019). Mais aussi de nouvelles chansons, à l’instar du single « Fragile », paru en avril dernier.
Passé les sonorités électroniques saupoudrées tout au long de l’intro de « Chasing The Sun », la guitare prend le relais et libère des riffs bien balancés, alors que la voix se révèle puissante et très mélodique. Le refrain est entraînant. Une compo sculptée dans un alt rock teinté de post punk. La ligne de basse incite à la danse, tout au long du percutant « What Was That ». Autre compo récente, « Finally Over » est ravagée par les sonorités de gratte, alors que le refrain demeure accrocheur. Etonnant, mais parfois la voix de Daniel emprunte des inflexions Billy Corgan (Smashing Pumpkins). La section rythmique canalise parfaitement « Half Caste Symphony », un morceau au cours duquel les riffs de la six cordes deviennent huileux voire graisseux, alors que belliqueux, le vocal trahit des réminiscences grunge. Une voix qui redevient très mélodique sur « Fragile », alors que sauvages mais fringants, les claviers frôlent l’univers de Bring Me The Horizon… Un chouette concert !
Setlist : « Chasing The Sun », « What Was That », « Finally Over », « When I Look Around Me », « Half Caste Symphony », « Fragile », « Unstoppable », « Legendary ».
Casquettes bien vissées sur le crâne, les musicos de (Hed) PE grimpent sur l’estrade. Un quatuor réunissant le chanteur et leader Jared Gomes (Paulo Sergio Gomes), le drummer Major Trauma (Jeremiah Stratton), le guitariste Gregzilla (Greg Harrison) et le bassiste Kid Bass (Kurt Blankenship). Particularité, les manches de ces deux derniers possèdent une corde supplémentaire.
Dès le premier morceau, « R.T.R. », issu de l’Ep « Sandmine » (2021), la foule est en ébullition. Les spectateurs jumpent, bondissent et parfois se lancent dans le crowdsurfing. Planté devant le podium, votre serviteur bat en retraite et s’installe près de la table de mixage, où l’endroit est moins périlleux. « Killing Time » nous replonge en 2000, un extrait du second elpee, « Broke ». Les grattes sont lourdes et les riffs brefs. Du rapcore ‘old school’ dans toute sa splendeur ! Dans la salle, la température monte encore de quelques degrés. Gomes se sert d’un melodica, un instrument qui apporte une fraîcheur certaine à l’expression sonore. Les musicos ont l’air amusés de voir le public s’enflammer. Extrait de l’album « Back 2 Base X » (2006), « Let's Ride » se distingue par des accords de gratte naturellement distorsionnés et saturés, une ligne de basse charnue et un drumming explosif. Bien que plus paisible, l’adaptation rapcore du « Get Up, Stand Up » de Bob Marley et de ses Wailers fait un véritable tabac. Certaines compos exhalent même un parfum venu des plages de la Jamaïque. La machine est bien huilée. La formation est manifestement capable d’adapter des tas de styles musicaux. Et même parfois dans l’esprit du Clash. Entre nu metal, rapcore et punk, « Peer Pressure » remet un coup de pression. Intensité qui ne faiblira jamais jusqu’au dernier morceau de la setlist…
(Hed) PE constitue probablement le plus brillant caméléon du rapcore…
Mimi Parker, la moitié de Low est décédée ce 5 novembre 2022. Elle était âgée de 55 ans. Elle assurait les drums et partageait le chant avec son mari, Alan Sparhawk, au sein du groupe. En 2020, la faculté lui avait diagnostiqué un cancer des ovaires. La triste nouvelle a été annoncée sur la page Twitter du groupe par Alan. Au cours de sa carrière, la formation a gravé 13 elpees, dont le dernier, « Hey what » figurait parmi les meilleurs albums parus au cours de l’année 2021, pour de nombreux médias branchés sur la musique alternative (à lire ou à relire, la chronique ici).
Le duo avait annulé sa tournée, qui devait passer par le festival Sonic City de Courtrai, début novembre, à la suite de complications dont souffrait Mimi Parker. Dans le court message, Sparhawk a terminé en rappelant que l’amour était plus important que tout.
‘Amis, il est difficile de mettre l’univers en langage et en un court message, mais elle est décédée la nuit dernière, entourée de sa famille et de son amour, y compris le vôtre. Gardez son nom proche et sacré. Partagez ce moment avec quelqu’un qui a besoin de vous. L’amour est certainement le plus important…’
Mimi Parker est née à Bemidji, dans le Minnesota. Elle avait rencontré Alan Sparhawk à l’école, et ensemble, ils ont fondé Low, au sein duquel se sont succédé plusieurs bassistes, dont John Nichols (1993-1994), Zak Sally (1994-2005) et Matt Livingston (2005-2008), Steve Garrington (2008-2020) avant que le couple ne décide de s’en passer. C’était en 2021.
Low était considéré comme un des pionniers du slowcore, style qu’il pratiquait depuis plus de 30 ans. Il en est certainement aussi un des représentants les plus créatifs (NDR : le slowcore est un sous-genre musical du rock alternatif et de l’indie rock, caractérisé par des paroles poignantes, des mélodies graves, un tempo lent, et des arrangements minimalistes).
En 2012, le couple avait accordé une interview à Musiczine (à lire ou à relire là)
et votre serviteur se souvient de la grande gentillesse manifestée par Alan Sparhawk et Mimi Parker, lors de cet entretien. Un moment privilégié qui ne s’oublie pas…
La chanteuse-compositrice du groupe de rock britannique Fleetwood Mac, Christine McVie, est décédée ce 30 novembre 2022, à l'âge de 79 ans, des suites d’une brève maladie.
La formation, qui a vendu plus de 100 millions de disques à travers le monde, est considérée comme une des plus populaires dans l’univers du pop/rock.
Christine Anne Perfect avait épousé John McVie, avant de rejoindre le Fleetwood Mac, au début des années 1970, alors qu’elle militait comme claviériste et chanteuse au sein du groupe de blues, Chicken Shack. Elle restera au sein du Mac, jusqu'en 1998, avant d’entamer une carrière en solitaire. Ce qui ne l’empêchera pas de divorcer en 1976. Au cours des seventies et des eighties, le band va d’ailleurs connaître de nombreux conflits de couple. Dont celle qui va mener à la rupture entre Stevie Nicks, l’autre chanteuse, et Lindsey Buckingham, le guitariste. Ce qui va paradoxalement alimenter les textes de leurs chansons et tout particulièrement leurs plus grands succès. Christine a d’ailleurs composé certains des tubes les plus célèbres du groupe, comme « Don't Stop », « Everywhere », « Little Lies », « Say You Love Me » et « Songbird ». Elle reviendra cependant en 2014, tout en poursuivant sa carrière solo, toujours pour y assumer les vocaux. L'artiste est décédée à l'hôpital, entourée de sa famille, après une brève maladie.
RIP
Charlie Winston est enfin de retour. Souffrant d’une hernie discale, le dandy écossais s’était retiré du circuit. Il l’expliquera plus tard ; car il est guéri. Il vient, en outre, de graver son cinquième elpee, « As I Am », un disque paru en août dernier.
En 2008, on apprenait à connaître ce charmant gentleman, lors de la sortie de « Like A Hobo », une chanson qui racontait l’histoire d’un clochard. Un titre qui allait devenir un énorme tube. Et pour Charlie, en ce temps-là, il marchait sur l’eau ! Tout le monde se l’arrachait : radios, télévisions et surtout festivals. Mais, c’est bien connu, le succès ne dure qu’un temps et chaque médaille a son revers. Il a alors entamé une longue traversée du désert. Il faut dire aussi que sa discographie n’était plus à la hauteur des espérances. Dès lors, les médias n’avaient plus d’autre alternative que de le bouder. Heureusement, il y a 3 mois, il a publié un nouvel opus de 14 morceaux, où Charlie se livre tel qu’il est, à savoir sans détours ni filtres. Pour « As I Am », Charlie a tout changé, jusqu’au producteur. Et il a choisi Vianey. Qui vient donner de la voix, et en anglais, sur « Shifting Paradigm ». En outre, lors des sessions, il a reçu le concours du trompettiste Ibrahim Maalouf, sans oublier les parties orchestrales, enregistrées à Rome par un ensemble de 50 musiciens.
La première partie est assurée M.I.L.K., un artiste danois très sympathique, flanqué d’un backing group. De son vrai nom, Emil Wilk, c’est un pote de Charlie.
De M.I.L.K., on connaît surtout son hit, « If we want to ». A ce jour, il a publié un Ep 6 titres (« A Memory Of A Memory Of A Postcard ») en 2017 et un premier album (« Poolside Radio Vibe ») en 2021. Il va nous proposer de larges extraits de cet elpee.
Mais au-delà de sa carrière musicale, Emil est énormément prisé pour ses talents de vidéaste. Il a ainsi déjà réalisé des clips pour Liima, Reptile Youth, Blondage, Abby Portner et Kwamie Liv. Notamment.
A l’instar de stars du business, Charlie vient présenter le band juste avant qu’il ne grimpe sur l’estrade, à 20h00. Si les rideaux sont tirés sur les côtés et derrière la table de mixage, l’espace doit bien contenir 600 personnes.
Sur les planches Emil est soutenu par un drummer et un guitariste, également préposé aux synthétiseurs. Cheveux longs et bouclés, il possède une belle gueule et doit faire des ravages auprès des filles. Même s’il s’exprime dans un français hésitant, sa prononciation est excellente. Très interactif, il signale bien aimer la Belgique, les frites, la bière, les gaufres et le chocolat. Il cherche un appartement à Bruxelles et veut s’y installer. Le gars possède un beau déhanchement et incite le public à applaudir. Ce que ce dernier consent à faire.
Inspirée par des légendes des 70’s comme Curtis Mayfield ou Shuggie Otis, sa musique est revisitée par l’électronique contemporaine, dans l’esprit de Jungle, Leisure ou Rhye.
Bien ficelée, elle est dynamisée par les accords funkysants de la gratte, qui jouée en slapping, évoquent inévitablement Nile Rogers. Lorsque le guitariste passe à la basse, le gimmick lorgne vers un Level 42 circa eighties. Et le tout est teinté d’un chouia de disco…
Place ensuite à Charlie Winston. Il se consacre au piano, au chant et à la semi-acoustique (Une ‘Martin’ !). Ce soir, il est épaulé par un nouveau backing goup, de nationalité française. En l’occurrence le drummer Vincent Polycarpe (NDR : c’est lui qui assurait la batterie sur l'album « Jamais seul » de Johnny Hallyday), le guitariste/bassiste saxophoniste Louis Sommer (NDR : il est également acteur et compositeur) et l’autre guitariste soliste François Lasserre.
Les baffles crachent la B.O. du film ‘La panthère Rose’. La salle est plongée dans l’obscurité. Charlie s’installe derrière son piano et entame, en solo, « All That We Are », après avoir été chaleureusement applaudi par la foule. Puis, c’est l’enchantement. On n’entend pas une mouche voler (NDR : il n’y en a plus).
Charlie déclare qu’une de ses amies lui a envoyé un livre. En tournant les pages, il se reconnaissait dans le personnage du bouquin. Il a suivi, à New-York, une thérapie chez une psychologue ; et il n’a plus de problèmes, depuis, suite à de nombreux traitements… et des massages. Ce qui déclenche des rires dans la fosse.
Il raconte que lorsqu’il était chez des amis à Londres, ils avait longuement causé de la mort et de la réincarnation chez un animal. Il se retourne vers Louis qui réplique : un hippopotame. A son tour, François riposte : un phacochère.
Selon Charlie, « As I am », le titre de son opus a la valeur d’un mantra (NDR : un mantra est une formule sacrée ou invocation utilisée dans l'hindouisme, le bouddhisme, le sikhisme et le jaïnisme). C’est un moyen de rappeler qui il est et ce qu’il fait…
Mais Charlie ne répond pas aux allusions (NDR : peut-être un ours ou un lapin, on ne le saura jamais).
Avant d’attaquer « Letter For My Future Self », Charlie explique qu’il s’est envoyé une lettre à lui-même. Il l’a bien reçue. Une forme de remise en question….
Enfin pour « Like A Hobo », les 3 musicos de M.I.L.K. descendent l’escalier de gauche et s’installent derrière le piano. Emil remplace alors Saule pour la seconde voix…
Charlie Winston va accorder un rappel de trois titres, avant de tirer sa révérence, dont « Shifting paradigms », mais sans Vianney que remplace irréprochablement le drummer, armé d’une gratte semi-acoustique…
Setlist : « All That We Are », « Kick The Bucket », « Sweet Tooth », « My Life As A Duck » », « This Storm », « Limbo », « Don’t Worry About Me », « Echo », « Algorithm », « Letter For My Future Self », « Open My Eyes », « Like A Hobo », « Say Something », Unconscious ».
Rappel : « Exile », « In Your Hand », « Shifting Paradigms ».
(Organisation : FKP Sorpio)
Le premier Ep d’Absurd Heroes (NDR : Le cycle de l'absurde est un terme utilisé par Albert Camus pour désigner une partie de son œuvre) devrait permettre au groupe de se forger un nom au sein de la scène indie-rock hexagonale.
« Born in Chaos » allie conscience sociétale et écologique à travers une musique rock ciselée avec talent et émotion, une opération réalisée depuis sa base arrière d’Aix-en-Provence. Les 5 titres, pour 19 minutes de musique, naviguent aux confins de l’univers du Radiohead première période (« 8 :15 ») …
Belle découverte !
Ce vendredi 25 novembre, Jennifer Batten se produit au Zik-Zak, à Ittre. Et ce n’est pas n’importe qui, puisque cette guitariste américaine a participé aux tournées de Michael Jackson, de 1987 à 1997 (NDR : elle a également collaboré aux sessions d’enregistrement de l’album « Bad » et au célèbre « Thriller ») ; et entre 1991 et 2001, elle a voyagé et enregistré en compagnie de Jeff Beck. Agée de 65 ans, cette musicienne itinérante a gravé trois elpees solos : « Above Below And Beyond » (1992), un opus pour lequel elle avait reçu le concours de Michael Sembello, célèbre producteur et guitariste de Stevie Wonder, « Momentum » (1997) et « Whatever » (2008). A une certaine époque, elle militait au sein de 6 groupes différents pour lesquels elle jouait aussi bien du rock, du métal, du funk que de la fusion. Certains médias n’ont pas hésité à la considérer comme une véritable guitar-héro, à l’instar de Slash, Jeff Beck, Steve Vai, Peter Brampton, Éric Clapton ou Joe Bon amassa. Mais très étonnant, il n’y a pas plus de 70 personnes pour assister au concert de cette artiste qui possède un tel cv…
Longue crinière blonde, tenue pailletée pour ne pas dire glamour, plutôt sexy, Jennifer Batten grimpe sur l’estrade. En fond de scène, des vidéos vont défiler sur un écran géant ; des clips pour lesquels elle a composé la musique. Pendant 45 minutes, elle est seule, armée de sa gratte, face au public et devant son tapis de pédales ; et le tout est discrètement enrichi de sonorités électroniques. Le light show est tout aussi sobre, les oscillations stroboscopiques risquant de lui provoquer des crises d’épilepsie. Bref, un éclairage suffisant pour percevoir ses accords sur ses six cordes. Et cette simplicité touchante et intimiste se traduit par une forme de complicité auprès d’un public attentif à sa prestation. Au cours de ce premier volet instrumental, elle va notamment adapter des compos de Billie Ellis, Britney Spears, Imagine Dragons, Jeff Beck, mais aussi interpréter des morceaux issus de sa plume.
Après un entracte de 10 bonnes minutes, Jennifer revient sur le podium, flanquée du bassiste/vocaliste Niklas Truman et du drummer John Maclas. Au répertoire, à nouveau des reprises. Et notamment d’Aretha Franklin, de Jeff Beck, de Toto et de ZZ Top, dans différents styles qui vont osciller le la pop au rock, en passant par le jazz, le blues et le bluegrass. Pas de convers de Michael Jackson, mais une performance tour à tour technique, expérimentale ou avant-gardiste, au cours de laquelle le bassiste prête, de temps à autre, sa voix. Mais quelle maîtrise à la guitare !
(Organisation : Zika-Zak et Rock Nation)
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