En décidant de rejoindre le mystérieux backing-band cagoulé de chez Freaksville, à partir de 2019, l'ex-punkette a troqué le rouge carmin contre le punk sang, revenant à ses premiers amours débridés et insouciants.
Toutes guitares dehors, rythmes de sales gosses, comptines salées/sucrées mêlant la candy pop, les chansons s'enfilent comme des épingles sous la peau punk, littéralement underground parce que ressuscitant les morts tant aimés, des Cramps à Bijou en passant par les Ramones.
Soutenu par Benjamin Schoos sur des riffs toxiques blues venus d'ailleurs (la Belgique donc...), mixé par Gilles Martin (dEUS, Venus, Dominique A), Phantom feat Lio constitue donc un instant volé qui grave sur disque la violence romantique de ceux qui ont arrêté de compter. Et si Lio crie ‘Je ne suis pas encore prête’ sur le single de l'album, c'est encore un masque qui cache beaucoup d'amour.
Car l'album est également une retrouvaille entre l'ex-punkette et le frère de coeur, Jacques Duvall, auteur des plus grands hold-up de la belle. Résumons : une chipie au micro, un vieux cow-boy aux textes et des guitares qui ondulent....
Phantom feat Lio multiplie les coups de griffes ("Ta cervelle est en grève", "La fidélité" en duo avec Duvall) et quand l'un écrit les notes, l'autre les chante dans un haut-parleur sur le très Who "Mon nouveau jules marche sur l'eau". Après Marie France et Jacques Duvall (encore lui !), Phantom invite donc Lio à se multiplier sur ce concept-album enregistré live (2 jours de studio à Liège, Belgique), pratiquant à l'envie le coup de ceinturon comme les caresses ("Le jour de ma naissance"), entre ombres et lumières.
Et si derrière les rideaux on retrouve souvent d'autres fantômes, quelques jeux de lumières et un palpitant au maximum, il en est ici de même, Lio s'offrant avec le groupe de chez Freaksville une seconde enfance et un nouvel amour du risque ; celui qui ne l'a jamais quitté depuis ses débuts. C'est même le titre de l'une des chansons de l'album ; c'est ce qu'on appelle la logique de ceux qui restent fidèles aux trajectoires.
Bon anniversaire !
En vidéo ici
Si on se passera largement d'un ‘Dans La Jungle, tout le monde y trouve son compte...’ quand il s'agira de définir leurs bidouilles sonores, les deux noisers wallons ne s'adressent pas uniquement qu'aux avaleurs de grosses distorsions.
On ferait d'ailleurs difficilement le tour des étiquettes que presse comme public leur attribuent depuis les débuts du groupe, il y a 6 ans : techno à guitare, noise-rock pour amoureux de boîtes de nuit, du math-rock pour toute la famille ; bref, une expression sonore sauvage et effrontément dansante.
La Jungle emprunte les codes traditionnels de la noise, s'en réapproprie des bribes et boucle le tout pour répéter compulsivement des séquences toujours conçues live.
Une spontanéité hypnotique et volontairement lancinante, à la limite de l'interminable, qui concède à l'occasion quelques brèves impulsions doom orientales ou une épique bifurcation métal au beau milieu d'une épopée krautrock.
Si les registres musicaux se font nombreux, un minimalisme assumé est de mise. D'un côté, une batterie dépouillée se révèle une attaque plutôt efficace une fois sur le front. De l’autre, une guitare et un casio pour gamin se serrent les coudes pour provoquer une formidable déflagration canalisée à coups de BPM et d'onomatopées. Une frénésie chevaleresque à la limite de l'électro, qui fleure bon le mélange des sueurs, les chants tribaux et l'enjaillement collectif. Welcome to the… trance !
Jim et Roxie sillonnent les routes d’Europe depuis 2013. Sous le bras, deux albums et deux splits partagés d’abord avec le trio français Lysistrata (RSD 2017), puis avec la rage sonique des Français de Noyades, l’atmosphérique tribale de Tomaga (UK) et le rituel Jozef Van Wissem (SK Records, janvier 2019).
Le troisième album du duo, Past//Middle Age//Future vient de sortir via Black Basset Records, Rockerill Records, distribué par Freaksville.
Depuis janvier 2018, Grand Corps Malade est en tournée. Toute l’ambiance de cette tournée est résumée en une vidéo sur une chanson pleine d’énergie qui boucle ces concerts !
Envie de voir le nouveau clip "J’suis pas rentré" ? Alors, cliquez ici
Le collectif MIRO SHOT sortira 'Are We Closer' le 31 mai. Ce titre explore notre manière de communiquer et la façon dont notre idée de ce qui est vrai et de ce qui est réel a évolué avec la technologie.
Nous sommes connectés et capables de partager des images, des expériences, des idées, des vérités et des mensonges plus rapidement que jamais. Il ne s'agit pas d'une critique sur les réseaux sociaux qui nous rendent moins ‘réels’ ou nous emprisonnent, c'est au contraire une célébration de toutes les choses étonnantes que la technologie peut nous apporter.
Faire un album comme on fait un trip, un voyage semé de rencontres pour cerner notre époque et en restituer la pulpe. C'est dans cet état d'esprit que Roman Rappak a créé le nouveau collectif MIRO SHOT.
Roman est l'ex-chanteur et leader de l’excellent groupe anglais BRETON (déjà un premier projet chorale et protéiforme annonçant son futur) qui émerge sur la scène musicale en 2012 avec l’album « Other People’s Problems » suivi de « War Room Stories » en 2014. Ces 2 elpees, très soutenus par la presse permettent à BRETON de rencontrer son public. Le groupe écume les salles et festivals et on se souviendra entre autres, des mémorables concerts du Casino de Paris et des Vieilles Charrues.
Le chapitre BRETON définitivement clos, Roman s'est donc lancé dans une nouvelle aventure artistique avec pour objectif de bousculer les formats classiques d'écoute et leurs adaptations en live.
Découvrez cet univers ici
Bobby est né et a grandi à Helsinki (Finlande) dans une famille d’artistes, s’exposant à un large éventail de genres musicaux dès son plus jeune âge. Les fêtes de famille s’improvisaient autour de son grand-père bolivien, qui interprétait des classiques latins/cubains à la guitare, ou de la collection de disques de ses parents, riche en artistes de la Motown, en jazz, blues, gospel, doo-wop, mais qui faisait aussi la part belle aux chansons folkloriques brésiliennes, africaines, nord-américaines, sud-américaines, ou encore aux albums de salsa nuyoricains.
Avant la fin de ses études secondaires, Bobby décide de se rapprocher de la source rythmique qui influence le plus son travail et se rend ainsi à Santiago de Cuba. Là-bas, il étudie intensément les percussions et le chant durant des mois. Depuis son retour, il fait vivre sa famille en enchaînant les concerts et en enregistrant sans relâche.
L’atypique crooner nordique s’apprête à conquérir le monde puisqu’il accompagnera le célèbre Lee Fields sur sa tournée européenne au printemps 2019 avant de s’envoler vers les Etats-Unis à l’automne.
Il vient de sortir son tant attendu premier album ‘This Love’, sur le label new-yorkais Big Crown Records (Lee Fields & The Expressions, El Michels Affair, Lady Wray...).
Une attente née en 2018 avec le single éponyme du projet, devenu en quelques mois un hit pour tous les collectionneurs de 45T et amateurs de soul du monde entier, jusqu'à être samplé par le rappeur américain Earl Sweatshirt.
Après avoir assuré les premières parties européennes de Lee Fields & The Expressions, mais aussi passé par Paris (Pop Up), Le Printemps de Bourges, Les Nuits Zébrées de Radio Nova à Nantes, Bobby Oroza revient en France dès cet l'automne.
Pour accompagner sa vision artistique, Bobby s’est associé aux rois de la soul en Finlande, le groupe de producteurs & backing band du label Timmion Records aka Cold Diamond & Mink (Nicole Willis, Myron & E…), composé de Jukka Sarapää, Sami Kantelinen et du guitariste/compositeur Seppo Salmi. La voix de ténor au grain enfumé de Oroza flotte sur une orchestration lo-fi pour un résultat à faire fondre le moindre cœur.
La chanson « Your Love Is Too Cold » est un stomp qui associe la percussion soul de la Motown des débuts à un riff de guitare sorti tout droit d’une BO de James Bond. Bobby ravit les amoureux de northern soul avec « Lonely Girl » et « Falling In Love », et nous transporte dans le meilleur du jazz-funk des années 70 sur « Keep On Believing ».
Le jeune homme s’épanouit dans ce lit de sensualité sombre et intime que l’on ressent particulièrement sur des titres tels que « Alone Again », « Down On My Knees » et « Deja Vu ».
« Lonely Girl » est disponible ici
Le clip de "Just like you" : psychédélisme et rock'n'roll au coeur du désert namibien.
Après avoir arpenté les terres glacées d’Islande durant un road-trip créatif immortalisé par la web-série ‘Starting From Nowhere’, Junior Rodriguez foule des contrées bien plus chaudes et s’envole pour l’Afrique avec "Just Like You".
4 minutes dans la droite lignée d'un ‘Rendez-vous en terre inconnue’ de haut vol et des images... magiques.
Single issu du prochain album de ce multi instrumentiste, Stellar Dream, dont la sortie est prévue le 4 Octobre via Nice Prod, "Just Like You" se veut (a)typiquement Junior Rodriguez jusque dans ses moindres détails.
Alors que le clip a été tourné dans les déserts brûlants de Namibie, le son a été confié à Mark ‘Spike’ Stent (Paul McCartney, Depeche Mode, Muse, Massive Attack, etc.).
Psychédélique et Rock’n’Roll donc, "Just Like You" est ainsi le second morceau de Stellar Dream à être révélé.
Le premier, « Starting From Nowhere » ayant d’ores et déjà vu sa création relatée en onze épisodes.
Rappelons au passage, qu’après une avant-première au Grand Rex le 15 Avril dernier, Starting From Nowhere est désormais disponible dans son intégralité sur Youtube depuis le 3 Mai, en plusieurs langues.
Une aventure prenante qui s'inscrit dans une vision du monde contemplative et relate la création d'un morceau... avec des images fimées par un drone ou par la caméra du réalisateur Albéric Jouzeau.
Le tout pour aboutir à un morceau onirique de 9 minutes !
Le clip est dispoinble ici :
Délicatesse et maîtrise… Aprile possède surtout une singularité inestimable, prometteuse d’une vraie personnalité musicale avec un sens inné de l’arrangement et de la mélodie.
Vous avez sans doute découvert Aprile grâce au morceau « Cheap Chick », imparable bande son d’été 2015 qui aura une suite en 2016 ! Incursion qui lui a permis notamment d’assurer les premières parties de grands noms de la scène belge actuelle.
Ces dernières années, il s’est illustré à l’affiche de festivals tels que les Francofolies de Spa, à plusieurs reprises, le Brussels Summer Festival, les Ardentes ou encore Les Nuits du Botanique…
Aprile est de retour sur les ondes cet été avec deux titres en vue de la sortie de son Ep à l’automne prochain !
Le style musical de l’artiste, qu’on pourrait qualifier de néo soul, est empreint d’une élégance aux sonorités multiples. Un univers fantaisiste bercé par de nombreuses influences anglo-saxonnes.
Sur scène, il apparaît tel un échassier à la fois adroit et disloqué qui assure autour de lui une douce complicité par un certain flegme et un naturel déroutant. Sa maîtrise du temps et du contretemps opère sans prévenir sur le capital groove de chaque popotin.
Une expérience live charismatique, festive et funky !
Le clip de ‘Love Inside’ est à découvrir ici :
Fils du chanteur Marka et de la comédienne Laurence Bibot, Roméo s’est affranchi de son pote Le Motel (dont l’ombre plane cependant encore sur la plage d’ouverture, « Intro ») en publiant un recueil de ‘poésies’ urbaines baptisé « Chocolat ».
Le titre de l’album n’a évidemment pas été choisi au hasard ! Il évoque (mais pas que !) ce rapport intime que le Belge entretien avec cette friandise. Et quoi de plus normal que de mettre en exergue la belle capitale lors d’un « Bruxelles », chanté dans les deux langues nationales en compagnie de Zwangere Guy, preuve que les tensions linguistiques n’existent que par ceux qui les créent.
Les collaborations sont nombreuses et s’internationalisent : Todiefor, Vladimir Cauchemar, Matthieu Chedid, Témé Tan ou encore Damon Albarn (Blur). Pas étonnant puisque le gaillard a acquis une certaine expérience en côtoyant, notamment, L’Or du Commun, Caballero & JeanJass, Angèle (évidemment), Lomepal, Thérapie Taxi ou encore HER…
Le frère d’Angèle s’offre le luxe de proposer un album varié et (réellement) engagé. Introspectif aussi lorsqu’il évoque ses ruptures à travers « Malade », « Parano » –morceau au cours duquel la griffe de -M- colle parfaitement à l’univers du rappeur tout en lui apportant une touche atmosphérique– ou encore le punchy « Dis moi » (et ses beats répétitifs), sans oublier ses amours au « Soleil » (chaleureux, rayonnant et positif), son succès « Solo » ainsi que « Normal » révélant ses rapports avec certaines substances illicites comme le souligne le titre maître…
Si la plupart des compositions n’apportent en réalité pas grand-chose, elles feront à coup sûr le bonheur des adolescents dans les cours de récréation qui y verront là un bon sujet de conversation. D’autant plus que l’absence de fine dentelle risque certainement d’alimenter leurs fantasmes (« T’es bonne »)...
Pour celles et ceux dont l’oreille est plus fine et exigeante, l’exercice devient réellement intéressant lorsque l’artiste s’y montre pourfendeur de la noble cause. A l’instar de « Cœur des hommes » qui traite de la xénophobie et du racisme sur les réseaux sociaux ou par ses prises de positions catégoriques, comme sur « Belgique Afrique » qui se penche sur le passé colonial de la Belgique...
Bref, un disque qui constitue un patchwork de ce qu’il y a de mieux et de pire dans le genre…
Avis aux amateurs !
Après la sortie de « Modern Vampires of The City », en 2013, les membres de Vampire Weekend ont développé leurs propres projets. Ils sont donc de retour pour ce quatrième LP baptisé « Father of the bride ». Enfin pas tous, puisque Rostam Batmanglij s’est distancié du combo depuis 2016, même s’il a apporté son concours sur un titre, comme producteur et co-auteur. Le line up du band implique donc aujourd’hui, le drummer Chris Tomson, le bassiste Chris Baio et le chanteur/guitariste/parolier Ezra Koening qui semble donc avoir pris le leadership.
Si vous avez aimez les rythmes caribéens des trois premiers essais, vous risquez d’être déçus. Et pourtant, tout au long des 18 compos de ce long playing, V.W. continue d’expérimenter. Mais en tirant un peu dans toutes les directions, le mélomane finit par perdre le fil conducteur. Lors des sessions, le band a reçu le concours de quelques invités, dont Danielle Haim au chant, et tout particulièrement sur l’excellent titre d’ouverture, « Hold you now », une piste de country/folk alimentée par une guitare jouée en picking, du violoncelle, de la pedal steel et une chorale angélique. Puis Steve Lacy, le guitariste d’Internet. En particulier sur le jazzyfiant « Sunflower » et la samba/rock « Flower moon ». Parmi les titres qui sortent du lot, on épinglera « Harmony hall », une compo caractérisée par cette guitare encore et toujours en picking, mais en boucle, et des ivoires sémillantes comme chez Primal Scream. Caractérisé par cette ligne de basse jazz/fusion et ses orchestrations flottantes, « Unbearably white » lorgne carrément vers le « Graceland » de Paul Simon. Tout comme le rétro et minimaliste « Rich man », malgré des arrangements de cordes sinueux, presque orientaux. Et enfin, le singulier et enlevé « Sympathy » qui aurait pu naître d’une rencontre entre Arcade Fire et les Doobie Brothers.
Pour confirmer cette impression de fourre-tout, on pourrait encore signaler la présence d’une guitare gémissante empruntée à feu George Harrison, sur le folk futuriste « Big blue », une autre réminiscente de Big Country sur « We belong together », de la rumba, du cabaret, des figures de style baroques, du funk 70’s et des samples. On a même droit à ce clin d’œil adressé à Van Morrison sur l’insouciant et allègre « This life ». L’album s’achève par l’hymnique et mélancolique, « Jerusalem, New York, Berlin », une compo colorée par quelques jolis arpèges de piano.
Bref, une œuvre sans doute audacieuse, agréable à l’écoute mais manifestement trop longue et un peu trop décousue pour vraiment faire la différence.
Fondé en 2013, Ossayol est un trio bourguignon, issu de Le Creusot très exactement, drivé par le chanteur, compositeur, guitariste Mickaël Pillisio. Il est soutenu par un drummer et un violoncelliste. « 1990 » constitue son premier elpee, une œuvre empreinte de douceur et de mélancolie, mélancolie accentuée par les interventions graciles et langoureuses du violoncelle. Les drums sont arides, parfois martiaux (« The pines »). Mickaël joue de la guitare en picking (NDR : « Happy birthday » semble hanté par Léonard Cohen) ; on entend même parfois les doigts qui glissent sur ses cordes. Enfin, capricieuse, sa voix campe le plus souvent un hybride entre celle d’Andrews Finn (The Veils) et Cat Stevens, mais lorsqu’elle monte dans les tours (« A box ») elle devient carrément écorchée. Un album qui devrait plaire aux mélomanes qui adorent l’indie folk romantique…
Véritable révélation sur la scène pop synthétique francophone, la Suissesse Sandor aime cultiver l'ambiguïté. D'abord, son nom est emprunté à une comtesse hongroise du XIXème siècle qui a adopté le genre masculin ; une pionnière transgenre, en somme. Et le côté androgyne est bien sûr présent dans le personnage de la chanteuse valaisanne. Ainsi, dans le très explicite « Tu Disais », elle adopte tour à tour les points de vue narratifs masculins et féminins, avec un réalisme étonnant et des mots très crus. Autre ambiguïté : le mélange du sombre et du lumineux. Il y a quelque chose de la froideur 'new-wave' dans le premier opus de l'artiste valaisanne. Les synthés sont omniprésents et les arrangements font écho à Eurythmics, Rita Mitsuko, Niagara ou Mylène Farmer. Ce côté 'dark' constitue un exutoire pour cette institutrice de formation qui incarne Virginie le jour et Sandor, la nuit (NDR : pardon pour le jeu de mots).
Musiczine a rencontré la chanteuse lors d'une journée 'promo' organisée à Bruxelles. L'occasion de boire un thé maison sur la terrasse ensoleillée du Belga, en sa compagnie...
Comment définirais-tu ta musique ?
Perso, je n'aime pas définir le style de musique qui me correspond. Je laisse ce soin aux autres…
Tu accepterais le terme 'Pop synthétique' ?
Oui, bien sûr !
En y ajoutant un côté plus sombre, un peu 'new-wave', combiné à une tradition de la chanson française ? Dans l’esprit de Niagara, Eurythmics voire même Mylène Farmer ?
Effectivement. J'ai pas mal écouté de la chanson française au cours de mon enfance. Mes parents appréciaient Gainsbourg, Barbara, etc. Mon père s’intéressait plutôt au jazz et ma mère était plutôt branchée par la musique des années 'hippie', comme Melanie... Mais quand j'ai entendu Mylène Farmer, au début, j'ai été fascinée par les arrangements, surtout par les intros des morceaux, parce qu’elles étaient truffées de bruitages, de pleurs de bébés, de cris...
Vous partagez aussi un côté sensuel et même carrément sexuel...
Oui, ses textes étaient souvent provocants. J'aime ce côté direct, tout sauf réconfortant. Et c'est pourquoi je préfère les sonorités chaleureuses, dans le mastering, afin de contrebalancer les plus froides...
Le son de l'album est d'ailleurs très bon, ample et profond. Et les arrangements sont superbes.
Pour la plupart, ils sont signés par Jérémie Durciel.
Ils révèlent une richesse et une subtilité remarquables. Tu lui as dicté des consignes ?
Oui. C'est très facile de travailler avec lui parce que notre entente est parfaite. Je lui suggérais des ébauches et ensuite, il me renvoyait ses démos afin que j’exprime mon opinion. On a tenté de nombreuses versions avant d’obtenir le bon 'son'.
Tu as rencontré des problèmes pour « Tu Disais » ?
Oui. La chanson a été censurée sur les ondes radiophoniques, en Suisse. Quand elle a été diffusée la première fois, des plaintes ont été enregistrées. C'est étonnant parce qu'en fait, c'est simplement une chanson d'amour.
Ce sont les mots, très crus, qui choquent certaines personnes. Tu as envisagé de sortir une version édulcorée ?
On y a pensé mais finalement, j’ai abandonné l’idée. Ce serait dommage de dénaturer le propos. 30 ans plus tôt, des artistes comme Gainsbourg, Rita Mitsuko ou même Desproges jouissaient d’une totale liberté de ton. Aujourd'hui, on est soumis à davantage de contrôle. D'un côté, c'est judicieux, car le système permet de combattre les propos racistes ou homophobes mais d'un autre côté, on assiste à une radicalisation par rapport à la sexualité. Pourtant, on peut parler de sexe sans que le sujet soit obscène.
Ce côté explicite, un peu 'in your face' est familier au rap, surtout dans « Ange Gardien ».
Oui, surtout à cause du rythme. Le tempo est lent. Libé a baptisé « Tu Disais » de chanson 'rappeuse'.
Intéressant, tu incarnes parfois le rôle d'un homme dans tes chansons.
J'aime jouer sur cette ambivalence. Les chansons ont pour objectif de s’adresser à tout le monde. C'est aussi la raison pour laquelle j'ai opté pour ce nom, Sandor. Il me permet d'exprimer mon profil masculin.
As-tu l’impression de surfer sur cette vague de chanteuses francophones très féminines et un peu androgynes, impliquant, par exemple, Jeanne Added, Fishbach ou Clara Luciani ?
Oui. On relève de la même génération. On nous a inculqué les mêmes références au cours de notre enfance. Et on se laisse porter par elles sans avoir peur, sans complexes.
Tu connais bien la Belgique ?
Je me suis déjà produite dans le cadre des Nuits Botanique et ensuite, je suis revenue à la Rotonde et au Reflektor, à Liège, en compagnie de Juliette Armanet.
Tu retravailles tes morceaux pour le 'live' ?
Oui. Pour les rendre plus énergiques qu'en studio. Je me consacre à la guitare électrique pour que le son soit plus rock. On y intègre même des solos de guitares.
Y compris le son disto et tout ?
Bien sûr ! J'adore le rock des années '70 façon Led Zeppelin ou Deep Purple.
Et tu parles au public entre les morceaux ?
Au départ, cette démarche était difficile pour moi. Comme je suis d’un naturel très timide, j'ai écrit « Je ne sais pas parler », justement pour évoquer ce malaise. Quand je m’exprime entre les titres, j'ai l'impression de quitter le personnage de Sandor.
Il faudrait peut-être écrire des petites saynètes théâtrales, qui mettraient Sandor en scène.
Oui, ce serait une bonne idée. J’incarne déjà un personnage spécifique, grâce à un look androgyne et une coupe de cheveux particulière. Sandor constitue mon alter-ego intérieur qui se dévoile sur scène.
Là, ce n'est plus l'institutrice ! (rires)
Non ! Sur les planches, je lâche les chiens ! Et cette dualité dans la vie m’équilibre...
On attend impatiemment le prochain concert de Sandor en Belgique. Peut-être à la Rotonde du Botanique, en octobre. A confirmer ! En attendant, l'univers fascinant de la chanteuse sur son album éponyme est à découvrir ici
‘Nous l'appelions en plaisantant notre disque de rock classique à un moment donné, en faisant référence à The Turtles ou les Stones ou encore à Fleetwood Mac’ déclare en riant Chris Keating de Yeasayer en décrivant le cinquième elpee de son groupe, « Erotic Reruns ».
Mais en réalité, c'est Yeasayer qui distille toutes ses forces, tout en les réduisant à leur essence.
Les crochets sont immédiats et les chansons concises. C'est un disque éminemment dansant qui encourage aussi le public à réfléchir, une fonction pour laquelle le groupe n'a pas assez de crédit, alors qu'il le mérite désespérément.
Leurs commentaires sociétaux, politiques et érudits sont tranchants.
Mais finalement, « Erotic Reruns » trouve Keating, le chanteur/multi-instrumentiste Anand Wilder et le bassiste/chanteur Ira Wolf Tuton à un point culminant de leur créativité ; leur chimie séduisante est palpable partout.
« Erotic Reruns » navigue à des années-lumière du premier opus du band, publié en 2007, « All Hour Cymbals », car la formation a trouvé les marques à ses propres conditions, imperméables aux ‘scènes’ extérieures, et à la culture du bricolage alors omniprésente si répandue à Brooklyn ; les classiques "2080" et "Sunrise" préfigurant la grandeur que le groupe allait atteindre pleinement sur « Cymbals ».
Le clip d’animation d’« I'll Kiss You Tonight » est à découvrir ici
« Force et Amour », le nouveau single de Charlotte constitue le titre phare de son premier album et veut laisser transparaître, de manière plus directe qu'habituellement, un message actuel : n'attendons pas que nos dirigeants nous prennent par la main et nous montrent la marche à suivre. Remplissons-nous de force et d'amour pour changer nos modes de vie afin de revenir à un passage sur terre plus humain et moins destructeur.
Le clip, réalisé par Charlotte, nous plonge en pleine nature sur une zone ayant subi une déforestation. On aperçoit, au début, des personnes mangeant des billets qui finissent par s'étouffer et s'écrouler au sol. Un message qui se veut fort et rappeler que ce n'est pas l'argent qui nous nourrit et qu'il est urgent d'en prendre conscience !
Pour cette vidéo, Charlotte a souhaité confié le rôle principal à sa soeur Betty, qui a également tout chorégraphié. Un mélange de douceur et de violence qui illustre bien l'intention de cette chanson.
Venez découvrir cet univers insolite ici
Avant la sortie de son premier film, Marc Collin en dévoile quelques extraits dans le clip de 'Future Shock', titre extrait de la B.O. du film au cours duquel Clara Luciani, présente au casting, pose sa voix.
Pour le clip de « Future Shock », il a choisi une scène particulière puisqu'il s'agit du ‘making off’ du titre dans le film au cours duquel Clara Luciani et Alma Jodorowsky composent ensemble.
Le clip est sorti ce 21 mai et le single sera disponible le 19 juin (voir ici).
Issu de la génération French Touch (NDR : aux côtés notamment d’Alex Gopher, de Dunkel et Godin -les futurs Air, de Xavier Jamaux ou encore d’Arnaud Rebotini, depuis le lycée versaillais), Marc Collin est producteur, remixeur, fondateur du célèbre projet Nouvelle Vague, compositeur de musique de films, réalisateur d’albums, de clips, et aujourd’hui d’un long-métrage… On ne le présente plus, et pourtant après plus de 25 ans de carrière, il continue de surprendre en se lançant dans de nouveaux formats.
Le 19 juin, il sortira donc son premier long-métrage (qu'il a écrit et réalisé), « Le choc du futur » avec Alma Jodorowski, Clara Luciani, Philippe Rebbot, Laurent Papot et Geoffrey Carrey : un film ambitieux dans son propos, un vrai-faux biopic sur une musicienne électro qui invente un son nouveau en 1978.
Avec ce son inouï, c’est aussi une époque nouvelle qui commence, un nouveau paradigme, une esthétique inédite, exprimée à travers une vision de ce que sera, en cette fin des 70’s, la musique de demain.
Marc Collin célèbre cette année ses 25 ans de carrière et les 15 ans de Nouvelle Vague : un anniversaire qu'il fêtera sur scène à l'occasion d'une tournée mondiale.
KRANKk est un groupe Belge inspiré par le UK Garage insulaire ainsi que la Grime & Bass Music, mais toujours en adoptant ses influences sous un angle personnel.
Une équipe forte impliquant Thomas Geysen à la batterie, Aram Abgaryan aux touches et Willem Heylen à la guitare.
Leurs beats et hooks sont parfois sombres ou agressifs, mais toujours mélodieux. Ils collaborent souvent avec des invités et des MC’s tels que les Dutch Norris, Blue Samu, Miss Angel et d’autres jeunes talents de la scène hip hop r'n'b Belge.
Pour ce nouveau single « Crazy » ils ont travaillé avec le talentueux David Ngyah (gagnant du concours 'De Nieuwe Lichting' de Stubru) qui apporte aussi une touche de soul !
A découvrir ici
C’est en janvier 2017 que Behind The Pines est né. Mixant sons modernes et racines rock, le groupe rock bruxellois traverse les âges, donnant vie à ses émotions à travers une musique aérienne et punchy au son singulier.
En 2018, un premier Ep paraît. Le single éponyme "In The Mirror" est très rapidement soutenu par les médias belges, permettant au groupe de multiplier les émissions radios, tv et les articles de presse.
En février 2019 sort, annonciateur du prochain Ep, le nouveau single ''What Do We Choose''.
Accueilli avec enthousiasme, le titre est placé en rotation sur de nombreuses radios belges et également en France, Suisse et Angleterre.
Le 17 mai 2019 marque la sortie du nouvel Ep, ''Secret'', signant l’aboutissement de deux années de travail.
Le quatuor belge se produit alors sur de nombreuses scènes et festivals, partageant l'affiche avec des artistes tels que Hooverphonic, Puggy, Typh Barrow, Mustii, Birdpen, pour ne citer qu'eux.
En concert :
08/06/2019 : BELVEDERE (with Tanae) (Namur) BE
12/06/2019 : WATER RATS (London) UK
21/06/2019 : FIESTA DU ROCK (with SoarLosers) (Flemalle) BE
29/06/2019 : VERDUR (Namur) BE
18/07/2019 : FRANCOFOLIE DE SPA (Spa) BE
16/08/2019 : SABLON FESTIVAL (Bruxelles) BE
17/08/2019 : LES MUSICALES DE BOUILLON (Bouillon) BE
Découvrez l’univers de ce quatuor ici
Alors que Valentine Croughs a vu le jour à Uccle, en Belgique, Lady Valentine est née au Bénin. Elle est baptisée ainsi par le rappeur local Saint-Maurice, au terme d’un voyage initiatique opéré en 2016 qui influencera fortement son projet musical.
Sur des sonorités électro-pop ou acoustiques, Lady Valentine exprime ses tourments dans un univers malgré tout coloré et chaleureux. Tel un cri d’urgence venu des tripes d’une jeune femme qui se bat pour exister et trouver sa place après les épreuves que la vie lui a imposées.
En 2013, alors qu’elle mène une vie ‘plan B’, son quotidien parisien la fait suffoquer. La thérapie suit le burn out, la dépression, l’urgence. Puis vient la libération du voyage. Mais l’errance en Asie est vite interrompue.
Le décès de son frère aîné la ramène brutalement en Belgique, dans une réalité inacceptable.
L’auteure, compositrice et interprète trouve une échappatoire dans la musique. Elle compose ses premiers titres, guidée par le souvenir de son frère Olivier journaliste au Soir, décédé il y a 5 ans, aux 20km de Bruxelles, d'une crise cardiaque à 27 ans : « La vie est Belle ».
Ce morceau donne son titre et son intention à son premier album, prévu pour cet automne.
De nombreuses rencontres artistiques, comme avec le pianiste Ben Bruyninx, les producteurs Max Montagne, Konoba ou encore Nico D’Avell, lui permettent de développer ses mélodies.
En 2018, la sortie du premier EP de Lady Valentine, « Scoop », marque le début d’une nouvelle histoire.
Ce bel hommage est à voir et écouter ici :
Transformer la mélancolie en nostalgie, l’amour perdu en rythme électronique.
C’est ce que propose Bon Entendeur en revisitant l’un des classiques de Nino Ferrer, « La Rua Madureira ».
Ce nouveau clip réalisé par Alice Kong nous invite à l’angle d’une rue brésilienne, dans un espace-temps inédit. Un espace dédié à l’amour des mots, des mélodies dans lequel il est facile d’entrer mais laborieux d’en sortir.
Bon Entendeur vs Nino Ferrer - La Rua Madureira est à découvrir ici
Sharko revient en octobre avec un album électro-pop produit par Luuk Cox (Loic Nottet, Stromae, Girls in Hawaii), Jukka Jahnukainen (le surdoué de la nouvelle vague électro sandinave) et Stan Neff (Christine and the Queens, Camille).
Ragaillardi et fort d’une titanesque tournée de concerts à domicile (le fameux ‘Hometour’ : plus de 200 concerts en deux ans !), Sharko nous y propose, en formule complète, 12 nouvelles chansons.
Sharko a gravé en 20 ans – précisément !, des petits tubes chéris, tels « Spotlite », « Sweet Protection », « I Went Down » ou encore le magnifique « Never ». Et les nouveaux « Torches », « Rise » ou « I Found Someone », pas encore sortis, sont déjà des classiques (NDR : on ne peut pas encore le dire, mais vraiment on le pense très fort) !
Barry Moore est musicien, auteur et compositeur. Cet Irlandais est encore un enfant lorsqu'il plaque ses premiers accords sur la guitare de son père, alors musicien dans les clubs du nord de Dublin.
A l'âge de 10 ans, il quitte son pays natal avec sa famille pour s'installer à San Francisco. C'est en Californie, qui l'inspire tant, que naît sa vocation de l'écriture et de la musique, ponctuée comme beaucoup d'adolescents par la pratique du surf.
De retour en Europe, Barry Moore se produit dans les rues et les scènes musicales de Dublin à Londres en passant, entre autres, par Salamanque et Paris. A cette époque, il se forge une solide dimension de musicien et de compositeur, créateur de mélodies et de rythmes aux nuances aussi variées que les pays dans lesquels il se produit.
Deuxième signature après Jain du label Spookland Records, Barry Moore nous dévoile son premier EP 'Lost Boys' ici
Responsable d’un superbe second album, « The seduction of Kansas », paru en avril dernier, Priests se produisait ce lundi 20 mai au Witloof Bar du Botanique. Un site presque désert, puisque seul ce concert y était programmé. Issue de Washington D.C, la formation a été réduite à un trio suite au départ de la bassiste Taylor Mulitz, qui a rejoint Flasher. Et si Janel Leppin a collaboré aux sessions d’enregistrement du dernier elpee, elle ne participe apparemment pas aux tournées. Pratiquant une musique qui oscille entre punk et post punk, le band se signale également par des lyrics engagés, socio-politiques, mais également féministes…
Lorsque le combo grimpe sur l’estrade vers 20h15, il doit y avoir une petite centaine de fidèles dans la chapelle. Pour ce périple, le line up bénéficie du concours de la bassiste Alexandra Tyson. Vêtue de noir, y compris le pantalon en cuir, longue chevelure de jais, elle affiche une attitude particulièrement placide, presque mystique. Daniele Daniele, la drummeuse, s’installe en arrière-plan. Devant son tapis de pédales, lunettes épaisses et classiques sur le nez, GL Jaguar ressemble à Ahmed Laaouej, mais en taille XXL. Quant à la chanteuse Katie Alice Greer, on la verrait bien jouer le rôle de Marilyn Monroe, au cinéma. Très jolie et sexy, elle a enfilé une robe décolletée de teinte jaune canari, courte et moulante, en latex vintage. Ses bas-résilles sont retenus par des porte-jarretelles et elle est chaussée de demi-bottes de cow-boy. Et tout au long du set, aguichante, glamour, elle va se déhancher sensuellement. Lors de la communion, on lui donnerait bien le petit Jésus sans confession et sans se faire prier…
La célébration s’ouvre par « Pink white house » et déjà on est impressionné par la voix de Katie, qui pourtant, et elle le signalera, n’est pas au top car, confesse-t-elle, elle a une grenouille (NDR : de bénitier ?) dans la gorge, suite à des problèmes de santé. Alors imaginez le potentiel si cette voix était immaculée ! D’ailleurs, parfois on pense à Adèle, Patti Smith ou même Siouxsie Sioux. Son amplitude lui permet de chuchoter un instant et libérer toute sa puissance, le suivant. Tout au long de « Good time Charlie », la ligne de basse devient carrément cold, dans l’esprit du Cure. Et pour accentuer ce climat, les interventions de gratte adoptent alors un profil atmosphérique, célébré en son temps par Robert Smith, Dik Evans (Virgin Prunes) et surtout Tristan Garel-Funk (Sad Lovers & Giants) ; une impression qui va se confirmer à plusieurs reprises, lors de cet office. Le groupe reprend le « Mother » de Dantzig ; se réappropriant la chanson pour la transformer en ‘protest song’ en faveur des droits des femmes en matière de procréation. Katie et Daniele troquent leurs places pour le funkysant « I’m clean » et « 68 screen ». De petite taille, le pantalon bouffant, cette dernière possède également une superbe voix, qu’elle n’assurait jusqu’alors que pour les backing vocaux. Et entre les morceaux, elle tente de prêcher quelques mots en français. Sympa ! Mais si Katie est partie s’asseoir sur le siège derrière la batterie, elle n’en joue pas, se contentant de contempler pieusement la boîte à rythmes tout en assurant également la contre-voix. Elle revient alors à l’avant-plan pour « The seduction of Kansas », le titre maître du nouvel opus. Le drumming de Daniele devient carrément frénétique tout au long de l’enlevé « Carol ». Sommet du set, « Nothing feels natural » se révèle plus complexe, même dans les vocaux. Faux départ pour « Texas ». La gratte de GL est désaccordée. Quelques secondes plus tard, tout rentre dans l’ordre, et lors de ce titre, Daniele imprime un tempo new wave à la compo, en frappant sur ses fûts à l’aide de ses maracas. Elle revient prendre le lead vocal sur « No big bang, un titre post punk caractérisé par des vocaux déclamatoires, presque hip hop, alors que les accords de basse tournent en boucle, comme s’ils cherchaient à s’enfoncer religieusement dans votre conscience… Après le sauvage « Control freak », le show s’achève par le superbe single baptisé « Jesus son » ; et c’est sous la bénédiction de l’auditoire que Priests quitte l’autel… Adorable !
Tracklisting
Pink White House
Good Time Charlie
JJ
Mother
Youtube Sartre
I'm Clean
68 Screen
The Seduction of Kansas
Carol
Nothing Feels Natural
Texas
No Big Bang
Control Freak
Jesus Son
Pour lire ou relire la chronique de « The seduction of Kansas », c’est ici
Réalisé par Mike Mills (20th Century Women, Beginners) et nominé aux Oscars, le court-métrage « I’m easy to find » met en scène la Danoise Alicia Vikander, lauréate d'un Oscar. Ce film a été inspiré par le prochain album de The National et portera le même nom. Il sortira ce vendredi 17 mai.
Il ne s’agit pas de la bande originale, mais d’un morceau dont la musique a été assemblée comme un film, par un réalisateur. Le leader et le point focal naturel ont été délibérément écartés au profit d’une variété de voix féminines, qui hante le band depuis ses débuts. C’est différent de tout ce que l’un ou l’autre artiste ait jamais tenté mais aussi totalement en phase avec la façon dont la formation a créé au cours de son parcours. Le design de la production est simple et minimaliste. Il se limite à une chaise, un lit, un tapis et un canapé, mobilier utilisé maintes fois dans le film. Magnifiquement tourné par Daniel Voldheim, près de Pomoma, en Californie, le film n'a pris que 5 jours, mais comprend 164 scènes.
Pour visionner ce film, c’est ici
Charlotte est la fille de deux personnalités qui sont parvenues à se faire une place dans le monde très fermé du show business alors que pratiquement tout le monde les a oubliées (ou presque).
Qui sont-elles ? Muriel Dacq (Tropique) et Alec Mansion (Léopold Nord & vous) qui ont vendu près de deux millions de disques au cours des années 80. Qui peut se targuer aujourd’hui de pouvoir réaliser une telle prouesse ?
Nouvelle voix dans le paysage musical belge donc, la demoiselle évoque Lana Del Rey tant dans le mysticisme qu’à travers l'esthétique, les vidéos, le style vestimentaire et (accessoirement) musical.
Intitulé « Force et Amour », son elpee est plutôt réussi. L’essentiel des ingrédients sont réunis : un soupçon d’électro, une voix suave susceptible de vous flanquer des frissons partout (NDR : la plage d’ouverture vaut à elle seule le détour), des titres courts et des refrains que l’on aimerait revivre en boucle…
Ses quatre premiers singles « Pars », « Ta peau », « Fuis » et « Je plane » ont été largement diffusés sur les ondes radiophoniques et ont suscité une franche curiosité chez les auditeurs.
Sur fond de dream/pop, cet opus est un condensé d’émotions fulgurantes et intransigeantes entre rêve et réalité. Quelque chose de positif avec un spectre plus dark à la fois.
Les textes sont écrits en français et racontent de vraies histoires engageantes et faussement légères. Elle s’épanche sur des amours passionnément envoûtants lorsqu’elle n’aborde pas l’individualisme ou la collectivité (« Nous sommes ») à travers le prisme des yeux d’une jeune fille de son époque.
Elle aime aussi (se) raconter sur des sujets plus personnels « Ta peau », titre qui dépeint une relation de couple fragile et fusionnelle à la fois. Charlotte est une toute jeune femme qui déborde d’idéaux alors que les séparations et les divorces n’ont jamais enregistré un tel boom aujourd’hui. Paradoxe quand tu nous tiens…
Si vous aimez l’univers d’un certain Daughter, groupe de shoegazing britannique, drivé par Elena Tonra, vous devriez succomber à l’expression sonore libérée par cet LP.
Bref, de l’amour il y a, sans aucun doute. De la force, un peu moins, en tout cas dans le sens primitif du terme. Si ce n’est alors de la force de persuasion. Ou la force de l’amour ?
A l’âge de 68 ans, Lonnie Holley a eu une vie bien chargée. Né en 1950 à Birmingham dans l’Alabama au sein d’une famille de 27 enfants, il a grandi dans un système américain ségrégationniste et a connu les champs de coton. Ce passé a forgé son caractère et son art qu’il a développé durant toute sa vie que ce soit à travers la sculpture, la peinture ou la musique. Le seul fil rouge de l’artiste est l’expérimentation et l’engagement politique. “MITH”, son troisième opus, ne déroge pas à la règle.
D’abord, il a l’audace de proposer une plage épurée de plus de 18 minutes (“Snuck off the slave ship”). Tout en mêlant le gospel, le blues ou encore le free-jazz, Holley Lonnie revient sur les thèmes qui ont marqué sa vie tels que le racisme (“I’m a Suspect”) ou encore l’engagement politique (“I woke up in a fucked-up America”). La musique de l’Américain est cependant souvent dépouillée. A l’instar de “Back for me”, qu’il interprète seul au piano, dans un style qui évoque Benjamin Clementine, sa voix empruntant un timbre fort proche. Pourtant, lorsqu’on écoute plus attentivement les compos, on décèle une texture sonore plus riche qu’elle n’y paraît, une texture sur laquelle les nappes de voix et les instruments se superposent (”How far is Space-out?”).
Difficile d’accès à la première écoute, cet album mérite pourtant que l’on s’y attarde, que l’on prenne le temps de le découvrir et d’explorer la musique et les paroles des différents morceaux. A cette condition, vous n resterez pas indifférent à ce long playing de ce vieux ‘sage’...
‘Qui Est la Punk ?’ constitue le second opus de Cachemire, un disque dont la pochette est illustrée par la photo d’une dame âgée résolument rock’n’roll. Le groupe breton ne ment d’ailleurs pas sur la marchandise. Ses salves électrisées ont été mises en forme par l’expérimenté Charles de Schutter (-M-, Superbus, Ghinzu, No One Is Innocent) alimentent un rock au teintes pop/punk assez basique et diablement énergique. Interprété en français, les 13 morceaux rentre-dedans nous réservent des refrains à reprendre en chœur. Sans être particulièrement orignaux, ces pistes devraient plaire aux fans de Tagada Jones, des Wampas et autres adeptes de riffs sur-vitaminés. Une texture sonore pas aussi délicate que le cachemire mais plutôt chaude comme un bon pull de laine qui tient chaud lors d’un festival, le soir, endroit le groupe doit probablement faire des étincelles…
Si l’univers totalement barré de ‘Rick et Morty’ ne vous est pas familier, on ne peut que vous conseiller de plonger avec délectation dans une série animée follement drôle et irrévérencieuse ne supportant pas la moindre limite quant à un éventuel bon goût… le petit (idiot !) et timide Rick suit Morty, son scientifique grand-père vulgaire et alcoolique dans des virées ‘sci-fi’ au mauvais goût joyeusement assumé. Ces aventures traduisent une réelle critique de la société comme le propagent depuis des années les Simpsons et autres South Park. Petit ovni musical, la bande-son de cet univers unique mixe des extraits sonores déjantés, des morceaux hip-hop humoristiques (« Alien Jazz Rap », « The Flu Hatin’ Rap » : tout un programme !) et des compositions signées par quelques maîtres de l’indie-rock tels que Mazzy Star, Chaos Chaos, Chad VanGaalen ou Blonde Redhead. Les fans adoreront, les autres ne s’ennuieront pas une seconde.
Noel Gallagher et ses High Flying Birds publieront un nouvel Ep ce 14 juin 2019. Il s’intitulera “Black star dancing” et le titre maître fait l’objet d’un single. Noël a déclaré que ce morceau avait été influencé par, notamment, David Bowie, INXS, U2, Queen, Indeep et ZZ Top
Bénéficiant d’un nouvel artwork kaléidoscopique de Gareth Halliday, le disque recèlera deux nouveaux morceaux, “Rattling Rose » and « Sail On », une version 12” mix de ‘Black Star Dancing’ et un remix opéré par le DJ/producteur français établi à Londres, Nicolas Laugier, aka The Reflex.
Pour voir et écouter le clip, au casting so british, c’est ici
Track-listing
1. Black Star Dancing
2. Rattling Rose
3. Sail On
4. Black Star Dancing (12” Mix)
5. Black Star Dancing (The Reflex Revision)
Blink-182, le groupe de pop punk californien vient de présenter son nouveau et très attendu single "Blame It On My Youth". Ce dernier est produit par Tim Pagnotta. Le titre est doublé d’un clip qui met en scène le célèbre graffeur RISK, lors d’une lyric vidéo. Et c’est à voir et écouter ici
Depuis ses modestes débuts en 1992 à San Diego, Blink-182 a vendu plus de 50 millions d'albums à travers le monde, le groupe sera en tournée aux Etats-Unis cet été lors d'une tournée nationale, avec Lil Wayne en tant que co-headliner.
Pour réaliser son 1er clip extrait du 6ème album, “Back in beat”, c’est à l’Opéra qu’Elmer Food Beat s’est installé.
“Ça c’est rock “ a été tourné au théâtre Graslin de Nantes où le groupe se produira le 16 janvier prochain. Voir la vidéo ici
Son 6ème album, “Back in Beat” adresse un clin d’œil au “Back in Black” de ACDC, 1er elpee sorti après le décès de son chanteur Bon Scott...
Loin d’être un album noir, « Back in beat » est un album plein de bonne humeur. On y parle de filles, évidement. De quand la dame dit non c’est non, de #Mytho, de rock, de guitares, d’une certaine Lucille, d’un certain DSK...
E.F.B. est en tournée dans toute la France jusqu’au moins la fin de l’année.
https://www.facebook.com/ElmerFoodBeatOfficiel/app/123966167614127/
Cela fait 15 ans déjà que l'asbl Les Octaves de la Musique décerne des prix aux musiciens de la Fédération Wallonie-Bruxelles qui se sont illustrés par leur créativité. C'est un jury d'un millier de professionnels qui effectue la sélection.
La spécificité des Octaves, c'est clairement la diversité, le mélange des genres : pop/rock, classique, musiques urbaines et chanson française. La liste des lauréats et des gagnants 2019 a été dévoilée lors d'une conférence de presse tenue au sein de l'hôtel de ville de Bruxelles en présence de Jean-Jacques Deleeuw, Président des Octaves, Tony de Vuyst, Directeur général de PointCulture et Delphine Houba, échevine de la Culture de la Ville de Bruxelles.
Voici les gagnants des Octaves 2019 :
Chanson française : Kùzylarsen pour « Le long de ta douceur »
Pop/Rock : Sonnfjord pour « City Lights »
Musiques urbaines : L’Or du Commun pour « Sapiens »
Musiques électroniques : Zoë Mc Pherson pour « String Figures »
Jazz : Antoine Pierre URBEX pour « Sketches of Nowhere »
Musiques du monde : Baloji pour « 137 Avenue Kaniama »
Musique classique : Florian Noack
Musique contemporaine : Benoît Mernier
Album de l’année : « Bodie » de Veence Hanao & Le Motel
Artiste de l’année : Typh Barrow
Spectacle/Concert de l’année : Baloji
Octave de la Fédération des Jeunesses Musicales Wallonie-Bruxelles : « Petit Charlot » de Claire Goldfarb & Jean Jadin
Octave PointCulture : Ammar 808
Octave Zinneke : The Klets
Octave de la Ministre de la Culture : Barroco Tout
Octave Fun Radio : HIDDN
L'Octave d'honneur est décerné au contre-bassiste Jean-Louis Rassinfosse. Présent lors de la conférence de presse, le célèbre musicien belge a gratifié le public d'une superbe improvisation, oscillant entre jazz, classique et rock (avec un clin d'oeil à « Smoke On The Water »).
La soirée des Octaves, qui met chaque année à l’honneur les lauréats, aura lieu le 3 juin à La Madeleine à Bruxelles. Pour avoir assisté aux éditions précédentes, nous ne pouvons que recommander cette soirée d'exception. En effet, il ne sera pas question d'une rébarbative remise de prix mais bien d'un spectacle musical complet, au cours duquel les musiciens primés présenteront des duos inédits.
Nous avons pu glaner quelques infos confidentielles sur ces collaborations. Ainsi, L'Or du Commun proposera deux créations : une avec The Klets et l'autre avec Antoine Pierre Urbex. HIDDN, de son côté, apparaîtra aux côtés de l'ensemble Barroco Tout et on attend avec impatience la prestation commune de Zoë Mc Pherson et Benoît Mernier. Et c'est Jean-Louis Rassinfosse qui assurera le 'fil rouge' musical de la soirée.
L'accès est gratuit mais il faut réserver en envoyant un email à Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser..
L’édition 2019 du festival Rock Werchter vient encore de s’enrichir de quelques noms, ainsi, les nouveautés pour jeudi sont : Mogwai, Black Box Revelation, Zwangere Guy, Miss Angel, Palace, Geike, The Vintage Caravan et Georgia. La scène The Slope accueillera jeudi également Deaf Havana, et non le dimanche comme précédemment annoncé. Enfin, Ibibio Sound Machine s’ajoute au programme du dimanche à The Slope. Cette fois, le line up de Rock Werchter 2019 est vraiment complet. L’horaire des concerts est en ligne (voir ici). Le compte à rebours peut commencer !
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