Monterosso est un groupe français dont le patronyme a été emprunté au village Monterosso Al Mare, un joli patelin sis dans la région Ligurie en Italie. Il s'agit de l'une des localités qui constituent les Cinque Terre.
Responsable d’une électro/pop atmosphérique, la formation hexagonale, finaliste du prix Ricard SA live 2015, publiera l’Ep « Aimants », le 21 juin prochain. Le titre maître qui figure sur la compilation « Kitsuné Parisien The Art of vivre Issue », fait également l’objet d’un single, lui-même doublé d’une vidéo. Et le clip est disponible ici.
C’est le septième et dernier concert de la saison, organisé par l’association ‘Faut Que Ça Bouge’ en la belle salle ‘Maison Des Loisirs’ de Mont-Saint-Guibert. Le public est impatient d’écouter en ‘live’ la transposition du quatrième opus de Sarah Carlier, un disque qu’elle a enregistré sans le concours ni la pression exercée par les labels majors, mais bien sous la houlette de Dan Lacksman (Telex) et tout simplement grâce à la plate-forme de crowdfunding KissKissBangBang. Un album plein de maturité tout au long duquel on retrouve sa voix chaude et envoûtante, sa spontanéité et ce groove vocal à la fois solaire et nonchalant.
Il y a bien 3 ans que votre serviteur n’avait plus assisté à un concert de Sarah Carlier. Ce soir le show se déroulera en deux parties de 45’, entrecoupées d’un entracte d’un quart-d ’heure. Il s’agit de son premier concert, en Belgique, depuis la sortie de ce nouvel LP intitulé « Shy girl ». Les compos, elle les a quand même rôdées, en Italie, lors d’une tournée opérée dans les clubs.
Pas de supporting act. Le spectacle démarre à 20h30 devant un auditoire assis et attentif, mais aussi, au fil de la prestation, enthousiaste, participatif et chaleureux
Les lumières s’éteignent. Son fidèle percussionniste, Boris Tchango, grimpe le premier sur l’estrade. Il part directement s’installer derrière son matos. Soit une calebasse retournée sur une couverture placée au-dessus d’une table ainsi que quelques cymbales à pied et à main.
Armée de sa gratte semi-acoustique Sarah Carlier débarque à son tour. Elle esquisse un joli sourire, salue le public d’un petit mouvement de la tête et attaque « Mr James », un extrait du troisième long playing, « Sms », paru en 2014. Elle aime faire voyager le mélomane à travers différents genres musicaux, que ce soit la world, la soul, le trip hop ou le reggae.
Elle nous propose ensuite une version dépouillée et délicate de « My Consellor », une plage toujours extraite de son précédent opus, avant d’attaquer les titres du dernier essai. Et tout d’abord « Colors Are Beauties », morceau au cours duquel Boris –toujours la banane aux lèvres– s’emballe derrière ses percus, impétuosité qu’il va manifester à plusieurs reprises, au cours de la soirée. Ensoleillée, dansante, « I’ve Done My Share » nous entraîne sur les plages de Kingston, une chanson qui mériterait de figurer parmi les hits de cet été. Et après le trip hop « Curve The Angels », un autre morceau empreint de délicatesse, elle achève le premier volet de son concert par « SMS »…
Elle entame le deuxième acte par le titre maître du nouvel elpee, « Shy Girl », qui signifie ‘fille timide’. Pas si timide que cela, la petite Sarah ! Les cordes de la gratte sont pincées subtilement. Sucrée/salée, parfois chargée de groove bluesy, la voix de Sarah est suave. Les cordes de guitare s’enflamment sur « Big Planet », alors que les beats électro ont remplacé les percussions. La version ‘unplugged’ du célèbre « Billie Jean » de Michael Jackson est épatante. Et le set de s’achever par « Nation Of Love », le single qui a précédé la sortie du dernier long playing…
Le rappel est entamé par « Deep Down », un autre extrait de « Shy girl » et s’achève par une autre cover, celle du célèbre « Hit The Road Jack » de Ray Charles. Une prestation convaincante qui augure une future tournée chargée de promesses, périple qui passera par ce samedi 24 août dans le cadre du Festival Solidarités de Namur et le 1er décembre, lors de la ‘Release party’, à la Rotonde du Botanique.
Setlist
« Mr James », « My Consellor », « Colors Are Beauties », « I’ve Done My Share », « Curve The Angels », « SMS »
Entracte de 30 minutes
« Shy Girl », « Big Planet », « Billie Jean » (cover Michael Jackson), « Going Back », « Reborn », « Nation Of Love »
Rappel
« Deep Down », « Chorus Man », « Hit The Road Jack »
Temples publiera son troisième opus ce 27 septembre 2019. Intitulé « Hot motion », il prélude à une tournée européenne pour le début de l’hiver, plusieurs soncerts au cours de l'été et une longue tournée américaine pour l'automne de l’an prochain. « Hot Motion » fait suite à « Sun Structures » gravé en 2014 et « Volcano » en 2017. Le nouvel elpee est annoncé plus sombre. En attendant, le groupe a publié le titre maître en single, une compo doublée d’une vidéo à découvrir ici
Tracklisting
1 Hot Motion
2 You’re Either On Something
3 Holy Horses
4 The Howl
5 Context
6 The Beam
7 Not Quite The Same
8 Atomise
9 It’s All Coming Out
10 Step Down
11 Monuments
« First taste », le nouvel album de Ty Segall, paraîtra ce 2 août 2019. Il nous y parle de comment et pourquoi nous sommes les maîtres de notre propre destin, les raconteurs de notre propre prophétie, les décideurs de nos propres choix écœurés… Lors de sessions, Ty a eu recours à une panoplie très large d’instruments dont, et c’est inhaubituel, de la flûte, du bouzouki, de la mandoline et des cuivres…
An attendant, pour découvrir la vidéo du single "Taste", compo qui figurera sur cet LP, c’est ici
Le douzième elpee d’Alex G, aka Alex Giannascoli, paraîtra ce 13 septembre 2019. Il s’agira du troisième pour le label Domino. Le chanteur, compositeur et musicien a déclaré qu’il s’agissait de l’elpee auquel il avait apporté le plus de soin pour le réaliser, à ce jour. Souvent comparé à Elliot Smith, le Pennsylvanien pratique une forme d’indie rock à caractère lo fi. En attendant la sortie de « House of Sugar », « Gretel », paru en single est à découvrir en vidéo ici
Tracklisting
Pixx, c’est le projet de Hannah Rodgers, une artiste très particulière qui sort ce 7 juin son second elpee. Intitulé Small Mercies, ce disque mêle électro/pop et rock grungy. Coproduit par Simon Byrt (qui a bossé à la fois sur son EP et son premier album) et Dan Carey, il reflète les différentes personnalités de l’artiste capable d’examiner les dommages causés par la religion, les hiérarchies de pouvoir et les stéréotypes qui conduisent à destruction de la terre et de l’amour.
Elle a ainsi déclaré : ‘Je me sentais particulièrement motivée d’écrire sur certains sujets avec cet album. L'homme négocie avec Dieu, Dieu négocie avec l'homme et l'homme négocie avec la planète. Je trouve difficile de comprendre les relations en général -je pense que tout le monde le sait- et la tendance à la dépendance afin de rechercher quelque chose d’éternel est un sujet qui m’intrigue. Donc, si vous aimez Dieu, peut-être est-ce l’idée de quelque chose qui ne finira jamais et où un amour vraiment intense se produit souvent dans les relations humaines aussi…'
Pour découvrir la vidéo de « Andean Condor », c’est ici
« Making Butter, Baking Bread », c’est le premier extrait du nouvel album de Stef Kamil Carlens. Le single paraît ce 7 juin et la sortie de l’album qui s’intitulera « Making sense of 8 » est prévue pour le 20 septembre.
Ce single est une ballade lumineuse qui concentre en un peu plus de 3 minutes tout ce qui fait le sel de la musique de Stef : le blues, la poésie, les racines folk et le soleil.
Au sujet de cette chanson, Stef a déclaré ‘J’ai l’ai écrite en pensant à mon fils et ses amis et amies. Ils vivent leur vie sauvage d'adolescent, apparemment sans direction, tandis que je plante des citrouilles et que j'en fais de la soupe. Sur un fond de musique forte, de cris et de rires, de bouteilles qui s'entrechoquent et d'odeurs qui envahissent la maison, je me laisse émerveiller par la beauté́ désintéressée du temps nécessaire pour cuire un pain ou pour fabriquer un pot de confiture. Pendant un instant, la simplicité́ de ces actions semble être la clé d'une vie heureuse. Je médite sur les saisons et décide qu'il y a toujours quelque chose à trouver à manger si tu sais ce que tu dois chercher…’
Bon Iver, le projet de Justin Vernon, est en constante mutation. Et pour cause, si à l’origine, le patronyme de l’artiste servait de véhicule à ses concepts personnels, au fil du temps, il s’est entouré de collaborateurs. A un tel point que pour les deux nouveaux titres qu’il vient de composer, ils sont particulièrement nombreux.
Selon un communiqué de presse, "Hey, Ma" a été produit par Chris Messina, Brad Cook, Justin Vernon et BJ Burton. Il recèle des voix de Jenn Wasner de Wye Oak et des extraits de Psymun. “U (Man Like)” a été produit par Messina, Cook et Vernon. Il comprend également des voix de Wasner, outre celles de Moses Sumney, Elsa Jensen et Bruce Hornsby, qui joue également du piano sur la piste. Vernon a commenté : ‘Ce projet a commencé avec une seule personne, mais au cours des onze dernières années, l'identité de Bon Iver a fleuri et ne peut être définie que par les visages de la famille toujours croissante que nous sommes.’
Pour découvrir « Hey ma », c’est ici et « U (Man Like) », là
Les vétérans du dance-punk n’avaient plus sorti d’album depuis 2017, en l’occurrence « Shake the Shudder ». Ils sont de retour avec un double single intitulé « UR Paranoid / Off The Grid », deux compos reflétant le sentiment d’anxiété qui les ronge pour l’instant. La formation a promis de nouvelles compos dans un futur proche. En attendant on vous invite à découvrir le clip ici, une vidéo aussi déjantée que le site du groupe (voir là)
Qui a vu la furieuse bête bicéphale en live, connaît la puissance phénoménale dégagée par le duo belge. Mais ces énervés montois allaient-il parvenir à la retranscrire sur un 3ème album énigmatiquement baptisé « Past // Middle Age // Future » ? La réponse est en tout point positive tant son écoute se révèle euphorisante ! Après une introduction quasi-atmosphérique (« You Say Amen I Say Sword »), le ton est donné par l’épileptique « The Invisible Child » et ne baissera jamais d’intensité jusqu’aux soubresauts finaux. Le groupe décrit sa musique comme un cocktail électrique entre techno, krautrock, transe et noise… Difficile, en effet, de mieux définir le style de La Jungle, un style unique en son genre et diablement chamanique (« The Knight Doom ») ! Un pied dans le passé et un pied dans le futur, sa furie bestiale est ici toute médiévale…
Terry Robb est considéré comme un joyau de la scène blues issue de Portland, une ville sise au Nord-Ouest des Etats-Unis. Tant sur les cordes acoustiques qu’amplifiées, c’est un guitariste exceptionnel. Agé de 52 balais, cet artiste est pourtant originaire du Canada, de Vancouver, très exactement. Sa rencontre avec John Fahey a été déterminante sur la carrière et le style développé par Terry, qualifié de fingerpicking. Il est aussi compositeur et producteur. Sa discographie est particulièrement conséquente. "Confession' my dues" constitue déjà son quinzième album solo. Il y signe la quasi-intégralité du tracklisting.
Hormis sur 5 plages, pour lesquelles il est soutenu par une section rythmique, Terry interprète les morceaux en solitaire. Comme lors des trois premiers titres de l’opus, dont "Butch Holler stomp", joué en fingerpicking et "Still on 101", une piste imprimée sur un tempo bien blues. Doué d’une remarquable technique, l’artiste n’en oublie pas pour autant le feeling. Epaulé par sa section rythmique, il attaque "It might get sweaty", une compo au tempo spasmodique, au cours de laquelle les cordes acoustiques se mêlent au martèlement percussif de Gary Hoobs. Blues classique, "Heart made of steel" nous réserve de superbes envols de cordes aux sonorités particulièrement métalliques. Il adapte "Now Vestapol" en solo, une plage co-écrite en compagnie de ses vieux potes, John Fahey et Robert Wilkins. Il chante autoritairement "Darkest road I'm tod", en s’accompagnant à la Resonator. Une véritable perle ! Un blues personnel qui restitue un passé glorieux… Ses musiciens le rejoignent pour aborder de "Three times the blues", un exercice de style instrumental caractérisé par ses changements de tempo et les interventions de Dave Captein sur sa lourde contrebasse. "High desert everywhere" est un autre sommet du long playing. Glaciale et trempée dans la reverb, la Resonator creuse profondément jusqu’aux racines du Delta... Adam Scramstad, son pote issu de Portland, apporte son concours à la guitare rythmique amplifiée, alors que basse et batterie sont à nouveau au poste pour l’énergique "Keep your judgment".
James Yorkston et King Creosote constituent certainement les meilleurs ambassadeurs du folk écossais. Enfin, depuis une quinzaine d’années. Ces songwriters ont l’art de jouer sur l’imaginaire, en brossant, à l’aide de leurs mots et de leur musique, les paysages abrupts et les ports de pêcheurs de la patrie de William Wallace. A près de cinquante balais, James n’a plus rien à prouver. Faut dire qu’il compte une discographie particulièrement abondante… et de qualité… Et il vient de nous livrer son album le plus personnel depuis longtemps. Pour enregistrer “The Route to the Harmonium, il s’est retiré dans un studio de Cellardyke, un petit village de pêcheur et a confié la mise en forme à David Wrench (qui a notamment travaillé avec Caribou, Four Tet, Frank Ocean, FKA Twigs et David Byrne).
Sculpté dans le folk minimaliste, ce neuvième elpee recèle de nombreuses pépites. Des chansons mélancoliques bercées par des rythmes fluctuants. Bien sûr, l’instrumentation est en retrait, mais est bien plus complexe qu’elle n’y paraît. Ainsi, elle est notamment enrichie de cuivres sur les excellents “Shallow” et “Like Bees to Foxglove”, et même de cithare sur ce dernier. D’ailleurs chaque plage est alimentée par une instrumentions spécifique. Ce qui fait leur charme. En outre, les compos révèlent un sens mélodique parfaitement développé chez l’artiste. Et la superbe ballade romantique “Oh Me, Oh My” en est certainement le plus bel exemple…
A écouter, de préférence, au coin du feu, en hiver, en sirotant un verre de whiskey, élevé en fût de chêne, comme en Ecosse…
Si les noms des protagonistes de ce duo, à savoir Ives Sepulveda (voix, guitare, basse, clavier) et Manuel Parra (batterie), sont très susceptibles de vous éclairer sur l’origine de cette formation chilienne, sa musique, par contre, évoque davantage celle pratiquée par les groupes et artistes issus du Nord du continent américain. D’autant plus que les deux musiciens ont opté pour la langue de Shakespeare. L’expression sonore navigue d’ailleurs à des années-lumière des combos traditionnels du Chili. Et baigne plutôt au sein d’une forme de psyché/pop sise à la croisée des chemins fréquentés par Tame Impala, Beach House ou encore Deerhunter. “Hyper Super Mega” constitue son troisième elpee. Il est paru sur le label yankee Sacred Bones (Amen Dunes, Lust For Youth, Soft Moon, Moon Duo, ...). Tout au long de cet opus, le duo jongle à merveille avec les codes du psychédélisme : une voix éthérée et vaporeuse, des nappes de claviers qui se superposent et des rythmes langoureux. On ne voit pas le temps passer, à l’écoute de cet LP réunissant onze morceaux, un signe d’évidente qualité… Certaines mélodies se révèlent même contagieuses, à l’instar de “Forever End”, “I’ll Only Say This” ou encore “Ikebana Telephone Line”.
The Holydrug Couple se produira ce 24 septembre 2019 au Botanique….
Originaire de Toronto, Eric Schenkman est surtout connu comme membre fondateur de Spin Doctors, un groupe dont les prémisses remontent à 1989, année au cours de laquelle il s’associe à son ami Chris Barron, Aaron Comess et Mark White. Signé par le label Epic, la band publie "Pocket full of Kryptonite", en 1991, un premier elpee studio qui rencontre un gros succès. Au fil du temps, il atteindra même la bagatelle de cinq millions d'exemplaires vendus. Spin Doctors est toujours actif et Schenkman partage donc son temps entre son projet solo et le band qui vient de fêter ses 30 années d’existence. Il avait gravé deux long playings en solitaire, à la fin du siècle dernier, "Make a sound", en 1995, et "Don't go to war", en 1996.
Pour mener à bien sa nouvelle aventure, il s’est entouré d’un backing group impliquant le bassiste Shawn Kellerman, en compagnie duquel il partage la production et le drummer Van Romaine, à la batterie. Lors des sessions il a reçu le concours de Cody Dickinson (North Mississippi All Stars) qui se consacre au piano, à la batterie et au washboard électrique.
En ouverture, "I'm alright" donne le ton. Il débordera d’énergie ! La musique baigne bien dans le blues/rock. Une plage caractérisée par les interventions de gratte agressives, offensives mais accrocheuses qui occupent tous les espaces libres, s'accrochant à la voix du leader."Locked in the house all day" adopte un profil rythmique réminiscent des Stones originels. Le chant est volontairement sale… et la guitare toujours bien d’attaque. Les sonorités primaires et originelles du Mississippi s’enfoncent dans les terres, jusqu’aux racines, tout au long de "Lincoln's feat". Ce climat roots devient même lancinant. Il n’existe pas de douceur dans ce monde. Une boîte à rythmes trame "Who shot John?". La voix est à la fois déclamatoire et sauvage. Le flux et le reflux de cordes s’appuie sur la ligne de basse tracée par Kellerman. A force de répétition, la rythmique de "No pain" devient hypnotique. Les vocaux sont partagés alors que les cordes s'évadent en dérapage contrôlé. Invité pour la circonstance, Brent Barkman tapisse "Sign of the times" de son orgue, un blues assez lent au cours duquel le solo de Schenkman semble plutôt rassurant. Mais le malaise refait surface dès "Far away", un rocker dont la sauvagerie et les cordes débridées rappellent les débuts des Pretty Things. Comme le plus garage "Fortune teller" et la finale tout aussi farouche, "Agent Orange Blues", un morceau torturé par les interventions free du saxophone.
Black Cat Biscuit est une formation blues/roots issue du Nord de la Belgique, région où elle cartonne littéralement. Faut dire qu’avant de fonder ce groupe, les cinq musicos se sont forgé leur expérience en tournant régulièrement au sein d’autres bands. Deux d’entre eux assurent le leadership. Tout d’abord le gratteur Stanley Patty (ex-Doctor Rhythm, Phil Bee and the Buzztones, Rhythm Bombs), puis le chanteur et préposé à la guitare rythmique, Bart 'Yasser' Arnauts (ex-Six Pack). Le line up est complété par l’harmoniciste Mark Sepanski (ex-Six Pack) et une section rythmique de choc, constituée de Jeff Gijbels à la batterie, et Patrick Indestege (ex-Big Mama's Kitchen, Rhythm Bombs), à la basse.
Black Cat Biscuit a représenté la Belgique à l'European Blues Challenge, qui s'est déroulé aux îles Açores, en avril dernier (NDR : une compétition remportée par la chanteuse anglaise Kyla Brox). Enregistré au sein des studios du célèbre claviériste belge Patrick Cuyvers (Hideaway, Scabs), "That's how the cookie crumbles" constitue le premier elpee du combo.
Imprimé sur le rythme saccadé du chemin de fer (of course !), "Train 66" ouvre les hostilités. Une solide entrée en matière au cours de laquelle, les percussions tribales, la slide de Stanley et l'harmo de Mark tirent leur épingle du jeu. Toujours aussi enlevé, "Haunting me" se distingue par les sorties à l'harmonica et aux cordes, une compo hantée par Albert Collins. Adoptant le Diddley beat, "Sons of a vampire" est superbement dynamisé par les percus. Paru en single, "Parrot woman" nous entraîne au cœur des marais de la Louisiane. Les sonorités réverbérées, mais empreintes de délicatesse et de feeling de la gratte, se détachent de cette étrange atmosphère. Une piste ponctuée par une superbe sortie superbe opérée par Mr Patty. Blues lancinant illuminé par la slide, "He's a pool" baigne au sein d’un même climat. Le groupe excelle quand il aborde le swing. A l’instar de "Ain't got nobody to come home", une plage au cours de laquelle l’harmo se glisse au cœur de la douceur créative, de "What I really need is you" ainsi que de "Hey little Kiddy", plus proche du style manouche ! Enfin, "I don't know" met le cap sur la West Coast, Stanley Patty intégrant parfaitement une facette jump dans ses interventions. "Goin' home" clôt cet LP. Un country blues énergique au cours duquel les cordes libèrent une sonorité métallique proche d'une pedal steel…
Au cours des années 80, les frères John et Bill Clifton (DR : ils sont issus de Fresno, en Californie) drivaient une solide formation baptisée The Mofo Party Band. Chanteur et harmoniciste californien, John est chanteur et harmoniciste. Dans le passé, il s’est régulièrement produit en Europe. Il a également tourné et enregistré en compagnie d’un des fils du regretté Muddy Waters, Big Bill Morganfield.
Clifton a fini par taper dans l’oreille de Scott Abeyta, le patron du label Rip Cat, une écurie établie à Los Angeles. Il y publie son premier opus solo, "Let yourself go", en 2015, puis "Nightlife", en 2018. "In the middle of nowhere" a été mis en boîte au studio Wolfsound de Fresno. Lors des sessions il a reçu le concours de brillants musiciens, dont le guitariste Scott Abeyta. Les onze plages de cet elpee sont partagées entre compositions personnelles et reprises de titres peu familiers. Le line up du backing group est complété par l’ex-Mofo Party, Jack Finney, à la basse et le Polonais Bartek Szopinski (Boogie Boys), aux claviers. Et ces musicos ont vraiment la classe.
On le remarque d’ailleurs dès l'ouverture, en l’occurrence le "I'm leaving you baby" de Lightnin Slim, une plage digne du grand Rod Pizza. Imprimée sur un tempo nerveux, elles permettent aux solistes –Greg au piano et John à l’harmonica– de déjà prendre leur envol. Une formule reproduite sur "Four years ago", mais dans l’esprit de Howlin' Wolf, Scott s’autorisant une sortie royale sur ses cordes. Clifton s'attaque avec bonheur au R&B à travers "In the middle of nowhere" et "Keep it clean" (NDR : une compo, écrite dans les années 30 par Charley Jordan), en adaptant judicieusement la puissance rythmique. Clifton nous réserve deux Chicago blues enlevés. Tout d’abord le "If it ain't me baby" de Jimmy Rogers, puis le redoutable "Aint spending no more money", une piste qui met en exergue le talent des solistes. Blues lent, le "So tired I could cry" de Junior Wells est chargé de passion. Un opus qui s’achève par le "Honky Tonk night time man" de Merle Haggard, une autre cover mais bien country… Un superbe album !
Claviériste, Lucas Kiella Chiellini est partagé entre piano et orgue Hammond. D’origine italienne, il vit depuis pas mal de temps à Chicago. C’est un adepte du blues, du funk et de la soul. En général, il sévit au sein d’un trio, soutenu par sa section rythmique, réunissant le bassiste Dave Forte et le batteur Rick King. Au cours des derniers mois, il s’est régulièrement produit avec Connection, le groupe du gratteur de Boston, Mike Welch et du chanteur Mike Ledbetter, malheureusement décédé des suites de complications épileptiques, le 21 janvier dernier, alors qu’il venait à peine de fêter ses 33 ans…
Réunissant 5 titres, cet Ep constitue son premier essai discographique officiel. Outre ses 3 compos personnelles, ce disque nous réserve deux covers, dont une de Jon Cleary, qu’il considère comme son influence majeure et l’autre de Don Gibson. Les sessions se sont déroulées au studio Playback Reel à Chicago. Y ont participé, ses deux fidèles acolytes ainsi que le guitariste Aaron Weistrop.
Canalisé par les interventions au piano chargées de blues et de boogie, l’instrumental "Ten O'clock Blues" ouvre le bal. Place ensuite au "Unnecessarily Mercenarys" de Jon Cleary, un pianiste anglais qui s'est imposé à la Nouvelle Orléans. Sa référence ! Ce jeune italien possède une bonne voix, il double piano et orgue Hammond et s'envole brillamment sur les 88 touches d'ivoire. Il y affiche même une classe indiscutable tout au long de "Figure it out", un R&B entraînant. Traduite en funky/r&b, la reprise du "I can't stop loving you" de Don Gibson, se distingue par les envols de l'orgue Hammond et des cordes d'Aaron Weistrop. C’est en solitaire que Kiella interprète le morceau final, "So many questions", une plage qu’il chante superbement en s’accompagnant au piano, dans un style qui rappelle alors… Elton John…
Manu Lanvin & The Devil Blues
Manu Lanvin est le fils de l’acteur Gérard, mais il a préféré embrasser une carrière musicale. Aujourd’hui bien intégré dans l’univers du blues/rock, il s’y est progressivement forgé un nom et surtout un prénom. Sa voix ravagée, rauque, puissante et éraillée lui confère une identité unique en son genre. Son premier elpee, "Venir au monde", est paru en 2000. "Grand Casino » constitue son septième long playing.
La plaque réunit quatre reprises et neuf titres originaux, la plupart co-écrits par son ami, Neal Black. Texan d’origine, il réside en France depuis de nombreuses années. Et pour coller à la tendance actuelle, lors des sessions d’enregistrement, des invités prestigieux se sont joints à la fête.
"The devil does it right" ouvre la plaque, un brûlot caractérisé par des échanges vocaux assurés par Beverly Jo Scott, au cours duquel Mike Lattrell se lâche au piano. La voix du leader est talonnée par l'harmonica de Diabolo. Ex-musicien de Patricia Kaas et de Jacques Higelin, il constitue sans aucun doute la révélation de ce "Grand Casino". Boogie, "Shake it lady" libère une belle dose d’énergie, une piste dont le rythme colle à la peau du Français. Traversé par le piano et de la slide de Jeremy Lacoste, "I don't love U" baigne au sein d’un climat louisianais, une plage imprimée sur un mid tempo. Et c’est dans cette ambiance, sur des rythmes syncopés néo-orléanais, qu’intervient la voix si bien timbrée de Taj Mahal, invité pour la circonstance…
Les covers sont moins intéressantes. Si les versions de "Highway to Hell" ('AC-DC) et de "Satisfaction" sont bien revisitées, le "Rock me baby" de BB King et "Spoonful" de Willie Dixon manquent de touche personnelle. Faut dire qu’il en existe tellement de versions ! Même la présence de Popa Chubby ne change rien à l’exercice de style.
L’opus s’achève cependant par l’excellent "Je suis le diable", une compo imprimée sur le Bo Diddley beat au cours duquel on assiste à un duo d’enfer entre Manu et une des célébrités issues de l’Hexagone, Paul Personne. Enfin, le long playing recèle un morceau caché pour lequel Nicolas Bélanger a troqué sa basse contre un accordéon, alors que Mike Lattrell se consacre à la mandoline, le leader se réservant, bien sûr, les cordes…
“Risk to exist”, le dernier elpee de Maxïmo Park remonte à 2017. « As long as we keep moving » n’est cependant pas un nouvel album du band britannique, mais une compilation singulière, puisqu’elle réunit des anciens titres –et souvent les meilleurs– réenregistrés en studio. Mais pas simplement pour les remasteriser. Non, afin de leur insuffler davantage de punch et d’authenticité. Un peu comme lors des concerts, où la formation brille souvent de mille feux. La guitare y est mise davantage en exergue. Et le résultat devrait plaire à celles et ceux qui regrettent les débuts du combo, période au cours de laquelle des titres comme « I want you to say », « Girls who plays guitars » ou encore « Books from boxes » –et qui figurent ici sous de nouvelles versions– mettaient littéralement le feu aux planches…
Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que le cd est accompagné d’un DVD consacré aux 10 titres de cet elpee…
Neuf longues années que The Young Gods n’avait plus sorti d’album. Et son comeback coïncide avec le départ d’Al Komet, remplacé par Cesare Pizzi, membre fondateur qui opère ainsi un comeback inattendu. Pour enregistrer « Data mirage tangram », le trio a reçu le concours d’Alan Moulder (Depeche Mode, NIN, etc.) au mixing. Les compos ont été rôdées lors du Cully Jazz Festival, avant d’être retravaillées en studio ; ce qui a permis aux musicos d’expérimenter pleinement face à un public averti, et d’explorer aussi bien le blues, le gospel, le post rock que le post jazz, tout en conservant cette approche particulière de l’électro et de l’ambient…
Première constatation, Franz Treichler y joue de la guitare, parfois en rêvant du Floyd, à l’instar de la berceuse électro-atmosphérique « Entre en matière » et du single au groove sonique, paru en single, « Figure sans nom ». Il souffle dans son harmonica sur « Moon above », y entretenant un climat cinématique, dans l’esprit d’une B.O. de western signée Sergio Leone ou Ennio Morricone. Mais le titre phare de cet opus est incontestablement « All my skin standing », une piste de 11 minutes qui met en exergue la performance de Bernard Trontin aux drums. Un boléro envoûtant dont les disgressions électriques rappellent celles produites par Erik Braunn sur le classique « In-a-gadda-da-vida » d’Iron Butterfly. On en oublierait presque la voix emphatique de Franz responsable de textes à la fois symboliques et poétiques, qui colle si bien à la musique des Young Gods, une expression sonore impeccablement fluidifiée par les interventions de Pizzi. Aux claviers et machines Et si vous souhaitez en savoir davantage sur ce dernier LP, on vous invite à lire ou relire l’interview consacrée au groupe ici ou encore le compte-rendu de son concert accordé au Botanique, le 24 mars dernier, là…
Manifestement, de nombreux groupes ont décidé de sortir un nouvel album, après plus de 10 ans d’absence. Et c’est le cas pour The Cinematic Orchestra, dont le dernier opus, « Ma fleur », date de 2007. Bien sûr, il a quand même publié des B.O. de films et des enregistrements immortalisés ‘live’. Mais pas d’elpee studio. Et puis, le band n’est pas très prolifique, puisque « To believe » ne constitue que son quatrième LP studio.
Au fil du temps, Jason Swinscoe s’entoure de plus en plus de collaborateurs pour mener son projet. Il y a bien sûr son backing group, dont Dominic Smith est quasiment devenu un membre à part entière, y partageant l’essentiel des compos ; mais, au fil du temps, il faut reconnaître que la liste des invités s’allonge. Et elle est particulièrement longue sur cet opus. On y retrouve ainsi de nombreux artistes de soul et de hip hop contemporains, comme les chanteurs Moses Summey, Roots Manuva, Heidi Vogel, Grey Reverend ou Tawiah, mais également le multi-instrumentiste Miguel Atwood Summey (NDR : ici préposé aux cordes) ainsi que le claviériste Dennis Hamm, deux artistes qui ont notamment bossé en compagnie de Flying Lotus et Thundercat.
Découpé en 7 plages, cet Lp baigne au sein d’une musique vaporeuse, propice à l’imaginaire, une expression sonore où se mêlent nu-jazz, hip hop, prog, musique de film et électronique.
Le disque s’ouvre par le titre maître, une compo incrustée de cordes sur laquelle glisse langoureusement la voix de Moses Summey. Toots Manuva pose son flow sur le plus ambient « A caged bird / Imitations of life », une plage qui arait pu figurer au répertoire de Massive Attack. Toujours aussi atmosphérique, mais dans l’esprit de Tortoise, « Lessons » vogue au gré des flux et reflux de l’instrumentation (NDR : pas de vocaux sur ce titre), Luke Flowers imprimant un rythme du chemin de fer particulièrement impressionnant sur ses fûts. La mer devient houleuse au fil de « The workers of art », une piste ténébreuse, tourmentée par des soubresauts de claviers et enrichie de cordes à mi-parcours. Des arrangements de cordes signés Miguel Ferguson, sur « A promise », un morceau chanté par la fidèle Heidi Vogel ; une conclusion de 11’ qui prend son envol en mode électronique avant de monter en crescendo.
Enfin, en quête de vérité, l’œuvre remet en cause nos convictions dans un monde où la communication est gangrénée par les fake news et la société corrompue par la politique ainsi que la finance, mais en même temps nous invite à prendre une pause et à savourer le moment présent… en écoutant, par exemple, cet album…
“Union” constitue le neuvième elpee de Son Volt, une œuvre dont les lyrics véhiculent des messages engagés, fustigeant, notamment, le gouvernement Trump. Des textes qui malgré leur goût amer, laissent la porte ouverte à l’espoir d’un monde meilleur. D’où le titre de l’opus.
Pas étonnant que certaines compos se réfèrent à au combat de militant(e)s légendaires de l’histoire américaine ; en l’occurrence la syndicaliste Mary Harris Jones et le folk singer mythique, Woody Guthrie. Dont la plage qui clôt cet elpee. Elle relate l’histoire d’un sans papier qui avait aidé à reconstruire la Nouvelle-Orléans, suite aux ravages causé par l’ouragan Katrina. Car il risque d’être expulsé, et ses enfants renvoyés au Mexique, alors qu’ils n’ont jamais vu ce pays. Cette compo est directement inspirée du « Deportree » de l’illustre auteur/compositeur/interprète.
Découpé en 13 plages, cet LP s’ouvre par deux compos REMesques bien électriques. Tout d’abord « White Rome burns out », un morceau dont les ondulations furtives d’orgue vintage s’immiscent subrepticement. Puis, « The 99 », une piste qui libère des sonorités presque crazyhorsiennes.
Le long playing recèle deux blues : le malsain « Broad sides », puis l’acoustique « Truth to power blues ». Le reste de l’album privilégie l’americana ; sèche, piano et pedal ou lap steel se taillant la part du lion. Et si le ténébreux « Devil may care » aurait pu figurer au répertoire ‘unplugged’ de Bruce Springsteen, limité au chant laconique de Farrar et à deux grattes acoustiques, dont une jouée en picking, le titre maître s’avère sans doute le plus minimaliste du long playing.
En 2002, suite à la sortie de l’album « Cago » et en proie à des désaccords artistiques, Dead Man Ray splitte. Les membres du band décident alors de s’investir dans leurs projets personnels. L’an dernier, après une pause de 16 longues années, le groupe s’est cependant reformé et a gravé un Ep, intitulé « Een ». Et il vient d’enregistrer un nouvel album. Baptisé « Over », il s’inscrit finalement, bien dans la lignée des précédents essais.
Première constatation, les morceaux sont truffés de petits bruitages étranges, produits par des instruments, des objets insolites ou encore le corps humain (NDR : les battements de cœur d’un enfant dans le ventre de sa mère ?). Une technique qui rappelle, quelque part, celle utilisée par Todd Rundgren.
La première partie de l’opus est plutôt intéressante. D’une durée de 8’, « Blisters », le morceau d’ouverture, varie les tempos tout en empruntant des styles hétérogènes. Emphatique, « Half inch ice » est souligné de chœurs. Des chœurs toujours aussi présents sur « Monochrome », une compo dramatique construite en crescendo sur des arpèges de piano. Daan Stuyven déclame dans la langue de Molière tout au long de l’angoissant, « Middle aged men », un morceau aux arrangements de cordes qui ne dépareilleraient pas dans une sonate pour musique de chambre. Pourtant les intonations vocales de Daan, régulièrement dispensées par syllabes, évoquent celles de Matt Bernigner (The National »), alors que le timbre rappelle plutôt celui de Stuart A. Staples (Tindersticks).
A mi-parcours, Dead Man Ray semble quelque peu s’essouffler. Il y a bien encore « Millionaire » (NDR : un clin d’œil adressé au band de Tim Vanhamel ?), un « Clear history » dont le climat est très proche de celui développé par Ozark Henry, le bowiesque « The ladder » et en finale l’élaboré et mélancolique « How to fall », une piste de nouveau tramée dans les arrangements de cordes ; mais en général, cette seconde moitié de long playing s’avère bien moins percutante que la première…
Fondé en 2003, White Hills est un duo prolifique réunissant Dave W. et Ego Sensation. D’ailleurs, « Stop mute defeat » constitue déjà son septième opus studio. Ce tandem new-yorkais y entretient un climat psyché, ténébreux, glacial, diablement rock’n’roll et poisseux à souhait, qu’il épice d’une multitude d’autres condiments, comme le kraut (« If…1…2 »), l’électro-punk (« Stop Mute Defeat ») ou encore l’indus (« Attack Mode »). Tout au long de cet elpee particulièrement saignant, White Hills campe ainsi un hybride contemporain entre Royal Trux, Suicide et Kraftwerk…
L’Ancienne Belgique accueille ce soir deux poids lourds de la scène rock : Alice In Chains et Black Rebel Motorcycle Club. Si les souvenirs de votre serviteur sont exacts, c’est la première fois que le groupe issu de Seattle se produit dans la salle de la Rue des Pierres. Pour la formation originaire de San Francisco, mais établie à Los Angeles, il s’agit de la troisième (2008 et 2013). Par contre, elle a déjà foulé à quatre reprises les planches du Botanique, un endroit qui correspond mieux à l’esprit indie de sa musique. La salle est soldout depuis bien longtemps, c’est normal vu la présence de ces deux combos…
Black Rebel Motorcycle Club (BRMC) est un groupe californien, dont le patronyme est inspiré du film ‘L'Équipée sauvage’, un long métrage datant de 1953, mettant en scène Marlon Brando, chef d’une bande de motards. Le line up réunit les chanteurs/guitaristes/bassistes Peter Hayes et Robert Turner (NDR : aka Robert Levon Been, il a choisi un pseudo afin s'affranchir de l'influence de son père, feu Michael Been, qui n’était autre que le chanteur de The Call), ainsi que la drummeuse Leah Shapiro (NDR : cette ex-Raveonettes a intégré le groupe en 2008). Son dernier et neuvième elpee, « Wrong Créatures », est paru en 2018.
En fond de scène, une toile a été tendue sur laquelle figure le logo du band ; en l’occurrence une tête de mort soulignée par deux pistons croisés. Un light show de couleur bleue inonde le podium pendant que le trio s’installe derrière son matos. Le band va nous proposer exclusivement des anciens titres. Ainsi le concert s’ouvre par « Red Eyes And Tears », issu du premier opus (NDR : un éponyme !), publié en 2001 et puis va se contenter de nous balancer une setlist constituée de standards du groupe. Bref, pas de surprise au cours de ce show un peu trop monocorde, mais qui néanmoins s’est certainement révélé agréable pour celles et ceux qui apprécient le rock alternatif teinté de psychédélisme, de blues et de garage de ce trio yankee…
Setlist : « Red Eyes And Tears », « Awake », « Beat The Devil's Tattoo », « Berlin », « Spook », « Spread Your Love ».
A l’instar de Pearl Jam, Nirvana et Soundgarden, Alice in Chains est un des pionniers de la scène grunge. Né en 1987, il s’est accordé une brève pause début du millénaire. Faut dire que son leader et chanteur, le charismatique Layne Staley, est décédé en 2002, après des années de combat contre une addiction aux drogues dures. Il a été alors remplacé par William DuVall. L’éventualité d’un changement de patronyme a même circulé au sein du band. Mais il n’en sera rien. Outre cette parenthèse, le combo n’a quasiment jamais arrêté de tourner. D’ailleurs, l’an dernier, il se produisait encore sur la scène principale de Rock Werchter.
De chaque côté de l’estrade du drummer, deux immenses murs de baffles dans lesquels sont intégrés 48 spots sont érigés. De temps à autre, ces lumières se transforment en écrans vidéo à LED afin de créer différents effets vidéo.
Le set va nous réserver 21 titres bien structurés, partagés intelligemment entre ancien et nouveau répertoire dont, bien sûr, des extraits du dernier opus paru l’an dernier, « Rainier Fog » (NDR : il s’agit de son sixième, et son titre doit son nom au mont Rainier, le volcan toujours en activité qui domine la ville de Seattle).
Le set s’ouvre par « Bleed the Freak », un extrait du premier elpee d’Alice In Chains, « Facelift ». La température dans la fosse est déjà élevée ; et elle ne fera que grimper au fil du show. La foule manifeste déjà son enthousiasme. William la salue et on sent déjà une belle osmose entre la formation et l’auditoire. Manifestement, il s’est très bien réapproprié les anciens morceaux ; ce qui permet au combo de s’en donner à cœur joie lorsqu’il s’attaque à les réinterpréter. Et puis la section rythmique apporte une base solide à DuVall pour prendre son envol vocal et compléter le travail discret mais efficace du gratteur et autre membre fondateur, Jerry Cantrell. A contrario, la voix de ce semble avoir perdu de sa superbe. Mais aux cordes, s’il ne déchire pas souvent, il accorde des solos remarquables. A l’instar de « Stone », « Man In The Box » de « Got Me Wrong » et même de « Rooster », une ballade éblouissante. Des solos mélodiques et sophistiqués dont il le seul à avoir le secret, tout en tissant ses lignes principales sur celles, rythmiques, de DuVall.
Le set principal s’achève cependant par deux des plus grands succès du groupe, « Angry Chair » et « Man in the Box ». Et après avoir littéralement retourné la foule, Alice In Chains est revenu nous accorder quatre morceaux. Un concert d’anthologie pour les nombreux fans présents ce soir…
(Pour les photos, c’est ici)
Setlist : « Bleed The Freak », « Check My Brain », « Again », « Never », « Themes Bones », « DamThat River », « Hollow », « Your Decision », « Rainier Fog », « Down In A Hole », « No Excuses », « Stone », « Red Giant », « We Die Young », « Nutshell », « Angry Chair », « Man in the Box ».
Rappel : « The One You Know », « Got Me Wrong », « Would ? », « Rooster ».
(Organisation : Ancienne Belgique)
The Bipolar, c'est ce duo articulé entre Bruxelles et Namur qui se compose de Patrice, maître des compositions, et de Pierre, dont les rêves battent au rythme des toms et des cymbales. On se souvient de leur premier single, le sublime « Angel Comes », paru en 2014.
Ils se décrivent comme « la bande-son d'un film à l’épopée paranoïaque, vers de nouveaux espaces aux reflets roses et noirs, où l’adolescence se rêve en silence, où les premiers émois adhèrent au toi, bercés par l’âpreté des sentiments, le souffle torride des amants. » Musicalement, ils évoluent dans une synth-indie-pop de qualité, rehaussée par des voix croonesques et des harmonies oniriques.
Aujourd'hui, après avoir sorti un EP, le duo prépare un premier long format de quatorze titres et plusieurs nouveaux clips vidéo. Et, cerise sur le gâteau, il présentera ses nouvelles chansons au cours d'une Release Party à la Rotonde du Botanique le 14 septembre prochain.
Pour écouter:
Pour les soutenir, rendez-vous sur Kiss Kiss Bank Bank.
The Bipolar sur Facebook - Leur site web : https://www.thebipolar.be.
Nouvelle princesse de la pop anglaise, Anne-Marie Rose Nicholson (NDR : elle est originaire de l’Essex, en Angleterre) a le vent en poupe. Non seulement ses singles cartonnent (NDR : notamment « 2002 » écrit en compagnie d’Ed Sheeran, « Friends », pour lequel elle a reçu le concours de Marshmello, « Don’t Leave Me Alone », celui de David Guetta, « Let Me Live », de Rudimental et « Rockabye », Clean Bandit), mais elle se produit depuis deux ans dans des salles combles et même dans le cadre de grands festivals. En outre, elle a publié son premier album, l’an dernier, « Speak you mind ».
Le supporting act est assuré par Lennon Stella. Frangines, Lennon & Maisy sont chanteuses, musiciennes et actrices. Ces Canadiennes sont connues pour leurs rôles de Maddie et Daphné Conrad dans la série Nashville, diffusée sur ABC depuis 2012. Ce soir, Lennon se produit donc en solo, uniquement soutenue par un claviériste/guitariste (NDR : il a un bonnet enfoncé sur le crâne). Elle va nous proposer, de larges extraits de son Ep 5 titres « Love Me », paru en novembre de l’an dernier. Mais également son nouveau single « Bitch ». Alors qu’on aurait pu s’attendre à un concert de country, la belle Lennon nous livre une forme d’indie pop teintée d’électro, bien dans l’air du temps. Elle va cependant se consacrer à la gratte semi-acoustique pour une jolie ballade…
Deux estrades ont été installées sur le podium. L’une est réservée aux deux claviéristes/guitaristes/bassistes, instruments qu’ils jouent, suivant les circonstances, et la seconde au drummer. En l’occurrence, l’ex-Rudimental, Beanie Bhebhe. Les baffles crachent « Bad Girlfriend », un morceau aux chœurs samplés, pendant 5 bonnes minutes. Puis les musicos s’installent. Anne-Marie débarque à son tour. Resplendissante, elle est toute de blanc vêtue, les cheveux blonds tressés vers l’arrière. Son sourire contagieux et ses mimiques pétillantes reflètent une personnalité chaleureuse et empreinte de sensibilité. Elle salue le public avant d’ouvrir le bal. Qui s’ouvre par « Cry ». La foule est participative, surtout le public féminin, particulièrement réceptif au discours de l’artiste. Le début de set baigne dans l’électro, le dubstep et le drum&bass. Beanie parvient à marier technique et sauvagerie dans ses interventions. Anne-Marie installe rapidement un climat intimiste, n’hésitant pas à se mettre son âme à nu à travers les lyrics, en évoquant ses ruptures amoureuses sur « Bad Girlfriend » qu’elle dédie à un ex-petit ami ou quand elle étale ses complexes su son physique, sur le catchy « Perfect » où elle clame assumer enfin ses formes. Elle a le discours facile et son charme naturel ne peut que faire mouche.
Les hits défilent, mais la set list nous réserve, bien sûr, des morceaux issus de son elpee, dont « Trigger », mais également l’explosif « Breathing Fire, un titre datant de décembre 2017. On aura droit aux inévitables illuminations des smartphones. Et après 70 minutes de prestation, la troupe va se retirer. Un show bref, mais solide qui démontre que la petite protégée d’Ed Sheeran est à l’aube d’une grande carrière….
Anne-Marie se produira dans le cadre de l'édition 2019 du Pukklepop ce samedi 17 août (infos ici et tickets là)
Setlist : « Bad Girlfriend », « Cry », « Do It Right », « Heavy, « Perfect », « Trigger », « Cia Adios »,« Can I Get Your Number »,« Don't Leave Me Alone » (cover David Guetta), « Alarm », « Then », « Rockabye » ( cover Clean bandit), « 2002 », «Friends » (cover Marshmello)
(Organisation : Live Nation)
Refugees For Refugees est un collectif qui a l'origine était à géométrie variable. Au fil du temps le line up s'est stabilisé et réunit aujourd'hui les 10 mêmes musiciens. Issus d’horizons différents, ils sont réunis par la musique, mais aussi et le plus souvent, par leur statut de réfugié. Tout d’abord, et ce sont les plus nombreux, de Syrie : Tareq Alsayed Yahuo (oud), Souhad Nayme Tammam (kanun, une lyre orientale), Al Ramadan (flûte) et Fakher Madallal (chant). D’Afghanistan : Mohammad Aman Yusufi (dambura, une sorte de luth à long manche équipé de deux cordes). Du Pakistan : Asad Qizibash (sarod, un luth hybride). Du Tibet : Dolma Renqingi (chant) et Kelsang Hula (luth dramyen, mandoline, chant). Et enfin de Belgique Tristan Driessens (oud) et Simon Leleux (percus).
A ce jour, la troupe a publié deux albums, « Amerli » en 2016 et « Amina » en février dernier, un disque qu’elle est venue défendre ce vendredi, à la Ferme du Biéreau de Louvain-la-Neuve.
Organisé par l’ASBL Muziekpublique, une association dynamique qui promeut la world, tant à travers la danse que la musique, le concert est sold out et a attiré une majorité de quadras et de quinquas.
Les 10 musicos de Refugees for Regugees sont tous assis en demi-cercle, sur des sièges, face à l’auditoire. L’hétérogénéité des formations, des cultures, des langues et des histoires, souvent difficiles, exige de chacun un surcroît d’effort et d’attention pour tenter de composer avec les autres. Mohammad Aman Yusufi, grand interprète de dambura, un instrument à long manche équipé de deux cordes, a reçu une formation musicale issue de la culture rom afghane, tandis que le parcours de Tammam Al Ramadan, un flûtiste d’Alep, est plus classique. Ils sont plusieurs à avoir fréquenté les célèbres conservatoires le long de la route de la soie (Damas, Bagdad, Alep) ; d’autres sont des musiciens populaires. Chacun a sa culture différente à défendre et y va de sa petite compo, alors enrichie par les interventions instrumentales ou vocales des autres.
« Punarjanm (Trad. de l’hindi : ’Renouveau’, une valeur hautement défendue par le collectif) ouvre le set. Yusufi chante et joue du dambura et Asad Qizibash, du sarod. Les interventions de Leleux aux percus sont élaborées. Essentiellement instrumental, ce morceau permet au mélomane de plonger dans l’ambiance. Chaque musicien ou chanteur a l’opportunité de prendre son billet de sortie. Le voyage s’opère en douceur et en profondeur. Chacun y participe, sans perdre la magie de son âme tout en faisant abstraction de certaines frontières que le déracinement partagé rend d’autant plus fragiles. Mohamed Aman Yusufi a dû laisser derrière lui sa compagne « Amina » qui donne le titre de l’album. Il a quitté son pays l’Afghanistan, pour errer au Pakistan, en Inde, avant d’aboutir au plat-pays. Dolma Renqingi (NDR : elle est originaire des montagnes de l’Amdo) chante debout. Sa voix est à la fois incantatoire et mystérieuse. Le mantra tibétain est déclamé a capella de manière chamanique et se réchauffe au son des oud, qui introduisent ensuite un chant soufi typiquement syrien. Le percussionniste semble servir de fil rouge. L’expédition nous conduit de la Palestine vers l’Orient. Le périple se poursuit naturellement à travers une intonation hazari afghane. Mais au fil du concert, on se rend compte que c’est Tristan qui sert de fil rouge. C’est d’ailleurs lui qui présente les différents titres. On se balade ensuite dans les campagnes afghanes, grâce au chant troubadour du poète Yusufi qui raconte les récits de vie qui s’y déroulent, à travers « Perahan ». Tristan y intègre ensuite les sonorités de son oud. Magique ! Et direction le soleil. Le chant de Usufi est chargé de mélancolie. Bien que dominée par les tambourins et la flûte, l’instrumentation implique tous les musiciens. La cerise sur le gâteau ! Chacun partage son bagage, ses affinités musicales, et son savoir-faire avec les autres membres du groupe. Cap vers la Syrie, en compagnie de la lyre magique de Souhad Nayme, une lyre colorée par les interventions des oud, des tambourins et de la flûte. La caravane travers le désert sous le soleil brûlant, mais l’oasis n’est plus très loin. Le Moyen-Orient dans toute sa splendeur ! Fakher Madallal se lève de son siège pour exécuter un chant soufi tout en délicatesse. Il invite les spectateurs à frapper des mains en cadence saccadée. Lorsque Dolma Renqingi se place en tailleur au milieu du podium, c’est pour dispenser ses incantations shamaniques en direction des plateaux de l’Himalaya, alors que de nouveau la lyre s’immisce furtivement dans l’ensemble. Et quand Souhad vient épauler la chamane au chant, le résultat est presque divinatoire.
Ce plaisir des oreilles, issu de ce brassage de différentes cultures, finit même par vous flanquer des frissons partout !
(Organisation : La Ferme du Biéreau, UCLouvain Culture et Muziekpublique)
Trois années après la sortie de son premier elpee paru sur le mythique label indépendant Sub Pop, Deaf Wish propose son cinquième, un disque intitulé « Lithium Zion ». Si le quatuor australien jouit d’une belle notoriété dans l’univers de l’indie punk, votre serviteur doit reconnaître… qu’il vient de découvrir leur univers… et qu’il est particulièrement intéressant…
En à peine 12 morceaux, pour un peu plus d’une demi-heure, le groupe parvient à nous replonger au sein de l’indie rock/punk/garage/noise (au choix), réminiscent de Sonic Youth voire de …And You Will Know Us By The Trail of Dead (« Metal Carnage »). Mais c’est celle du légendaire band new-yorkais qui s’avère la plus prégnante. Ainsi, les guitaristes prennent un malin plaisir à torturer leurs cordes et à les rendre incisives (« Ox ») ou à flirter avec les dissonances (« Easy »). En outre, le partage des voix en fonction des morceaux (parfois au sein d’un même) entre Jensen Tjhung et Sarah Hardiman (comme sur l’excellent « FFS ») rappelle cruellement le duo Gordon-Moore.
Bref, même si cet opus nous renvoie quelque part entre les eighties et les nineties, on prend beaucoup de plaisir à l’écoute de cet LP qui devrait figurer dans le peloton de tête des meilleurs de rock/garage pour 2019. Pas étonnant que le leader de Pissed Jeans soit un grand fan du combo et un de ses premiers promoteurs…
Après avoir délaissé l’Animal Collective (NDR : il n’avait d’ailleurs pas pris part à la confection du dernier elpee), Noah Lennox, aka Panda Bear, vient d’enregistrer son sixième opus solo. Il fait suite à « Panda Bear Meets the Grim Reaper », paru en 2015.
Ce nouveau long playing a été enregistré à Lisbonne où Lennox vit depuis un bon bout de temps. Pour la circonstance, il a invité une vieille connaissance, en l’occurrence Rusty Santos, mieux connu pour avoir bossé en compagnie de Born Ruffians et Owen Pallett, mais qui s’était déjà investi auprès de l’Américain pour mettre en forme l’excellent « Person Pitch ». Parmi les autres collaborateurs, on épinglera la présence de la Dj chilienne Lizz et du chanteur portugais Dino d’Santiago. Des coopérations apparemment efficaces, puisque les 9 pistes de ce long playing sont excellentes. « Buoys » révèle un Lennox paisible, nonobstant le climat mélancolique au sein duquel baigne l’elpee. Bien sûr, Noah aime toujours autant bidouiller ses machines et poser les harmonies vocales –souvent auto-tunées– en couches, mais en général, l’esprit des compos demeure fondamentalement folk. Et lorsque les différents composants entrent en osmose, on ne peut s’empêcher de penser à l’Animal Collective originel, même si l’aspect expérimental n’est pas aussi exploré que celui prospecté par la formation issue de Baltimore. « Buoys » nous invite à entrer dans la bulle créée par Lennox, une bulle probablement aquatique, à l’instar du titre qui ouvre l’elpee, « Dolphin »…
Bref, ce nouvel LP constitue certainement l’œuvre la plus sereine de Panda Bear, depuis 1999, c’est-à-dire ses débuts en solitaire. Cet artiste hors norme démontre en tout cas qu’il maîtrise toujours aussi parfaitement le sens de la mélodie…
En Scandinavie –et en Suède tout particulièrement– la scène inde/pop est toujours aussi fertile. Et régulièrement, elle accouche d’excellents artistes ou groupes dans le style.
Hater vient donc de s’ajouter à une longue liste sur laquelle figure déjà, entre autres, El Pero Del Mar, The Cardigans, The Radio Dept. Et plus récemment Death and Vanilla. Etabli à Malmö ce jeune quatuor nous propose son second elpee, un opus langoureux et acidulé truffé de perles romantiques. Dont « It’s So Easy » constitue le plus bel exemple. L’esprit innocent de Virgin Suicides y plane tout au long de cette plage… Les guitares délicatement ‘smithiennes’ de « Thing To Keep Up With » répondent aux interventions déroutantes du saxo qui soufflent sur « Fall Off » ou aux claviers atmosphériques propagés du côté d’« I Sure Want To ». En outre, la voix fragile et sucrée de Caroline Landahl risque de faire des ravages au sein des cœurs mélancoliques. Ils ne pourront d’ailleurs que chavirer à l’écoute de’« I Wish I Gave You More Time Because I Love You ». Si vous êtes fans de Belle and Sebastian, ne manquez pas l’aubaine !
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