Autoproduit, « Roots and Roads » constitue le troisième elpee solo de Yossi Sassi. Ce qui ne l’a pas empêché de faire appel à un backing group.
C’est à Tel Aviv, au Jaffa Sound Art, que cet album a pris forme sous la houlette de Liron Schaffer. Il a enregistré le retour du guitariste Ron ‘Bumblefoot’ Talh (ex-Guns N’ Roses), comme invité, ainsi que la collaboration de sa fille, Danielle Sassi, à la flûte. Sans oublier la participation d’un collectif solide incluant, entre autres, le guitariste Ben Azar, le percussionniste Roei Fridman et la chanteuse Sapir Fox.
Si le gratteur est connu pour son univers musical particulier mêlant tradition et modernité, il s’est également rendu célèbre par l’invention d’un instrument unique, le bouzoukitara (NDR : sorte de guitare à double manche constituée d’un bouzouki grec acoustique et d’une guitare électrique).
Au-delà de la prouesse technique, cet instrument définit le son et la musique de l’Israélien et lui permet de mélanger les genres : metal, folk, pop et rock progressif avec en pointe de mire, la musique orientale en harmonie, se moquant des barrières musicales et laissant libre cours à sa créativité.
Le long playing est partagé entre titres instrumentaux et chantés, parfois en solitaire (« Wings », « Thundercloud ») ou en compagnie de Sapir Fox (« Road Less Travelled », « Bird Without A Tree »). Les plages sont enrichies par les interventions de nombreux invités, dont la chanteuse israélo-russe Diana Golbi sur le heavy rock oriental « Root Out » et surtout Zaher Zorgati (frontman de Myrath), tout au long du morceau sculpté dans le metal, « The Religion Of Music ».
Sur les titres instrumentaux, Yossi Sassi dévoile toute l’étendue de son talent de compositeur. A l’instar de « Palm Dance », au cours duquel le génial Ron Thal nous gratifie de fabuleux solos dont il a le secret et le magnifique et très progressif « Winter » qui mêle habilement les sonorités jazzy, les cuivres et les riffs métalliques. Ce sont les deux pièces maîtresses de l’opus.
Yossi est un artiste talentueux capable de varier les genres. Sa musique est sans frontières, universelle même. Une belle découverte !
Silicon Tree a été formé en 2011, à Bruxelles, par un guitariste et compositeur français vouant une admiration sincère pour la musique si chère à Oasis et Stereophonics. Constitué de musiciens chevronnés, le groupe a publié un premier album en 2015, après deux Eps autoproduits. « Another Road » réunit des plages de facture classique, tantôt acoustiques (« Summertime ») ou électrifiés (« Not For Sale »)… le tout à haut potentiel mélodique (« Have a Smile »). Les fans des frères Gallagher seront aux anges à l’écoute du crescendo d’« Another Day »… Beau travail pour ces artisans du pop/rock…
Une collection photographique des Beatles, datant de plus de cinquante ans, a été vendue aux enchères pour 250 000 livre sterling (285 315euros ). Il s'agit de trois cent cinquante photos inédites réalisées par Mike Mitchell âgé alors de dix huit ans et qui suivait les Fab Four lors de leurs premiers concerts aux Etats-Unis en 1964.
Mitchell avait décidé de photographier John, Paul, George et Ringo après avoir vu leur célèbre performance télévisée au Ed Sullivan Show du 9 févier 1964. Le 13 septembre de la même année, il réussit à monter sur la scène pour de meilleures perspectives, expliquant en toute simplicité : ‘J'ai vu qu'il n'y avait personne sur la scène et je me suis demandé ce que je pourrais voir de là-haut’. Le culot et le talent on fait le reste. Un aperçu ? Voir ici ou là
En stand by depuis quatre ans en raison de problèmes d’ouïe, Veence Hanao publiera bientôt son nouvel album. Un disque très attendu ! Il a été entièrement réalisé en duo avec le producteur Le Motel.
Loin des obsessions formelles et thématiques d’un genre en pleine hype, celui que les Inrocks voyaient comme ‘la perle rare du rap francophone’ raconte, sans masque ni posture, champ et hors champ, une existence lambda.
Un nouveau single « Alphalte » prélude la sortie de cet opus et c’est à découvrir ici
Les 2 concerts prévus Nuits Botanique les 1er et 2 mai 2018, sont déjà complets, mais d’autres devraient suivre
https://veencehanao.bandcamp.com/
Plus de 200 artistes sur 7 scènes, l'affiche du Dour Festival 2018 est à nouveau impressionnante!
La programmation a été complétée définitivement aujourd'hui avec notamment l'ajout de Soldout ou de Porches. Cette 30ème édition voit également le site du festival changer de place. On attend donc beaucoup de surprises du 11 au 15 juillet prochain à Dour !
Retrouvez le programme complet jour par jour ici.
À travers cette production, le groupe a désiré faire se rencontrer la tradition de la chanson française et l’innovation de la réalité virtuelle.
À mi-chemin entre le clip et la performance artistique, le projet propose une expérience immersive au cœur de l’esthétique particulière développée par le groupe.
Coproduction entre deux entreprises belges de réalité virtuelle (Production 21 et Poolpio), la réalisation sera prochainement proposée à divers festivals spécialisés à travers le monde. Une façon nouvelle de promouvoir l’art belge et la chanson d’expression francophone.
Le 14 février dernier, La Cécité des Amoureux sortait son premier 4 titres en format digital. En choisissant de ne pas offrir de support physique à son premier opus, le groupe souhaitait, en effet, explorer de nouvelles formes de création.
Réalisé par Christophe Van Huffel (réalisateur et co-compositeur du dernier album de Christophe, « Les Vestiges du Chaos ») et placé sous la direction artistique de Pascal Charpentier (claviériste d’Alain Bashung et également de Christophe), le premier 4 titres de La Cécité des Amoureux s’est classé, dès sa sortie, en 23ème position des meilleures ventes de l’Itunes Store belge.
Envie de vous plonger dans cet univer inédit ? Alors, cliquez ici .
Lord & Hardy est un duo liégeois. C’est le pari d'un multi-instrumentiste, touche à tout, fan d'Electro et de Pop bien qu’originaire de l'école musique Classique) de 120 kilos d’un côté, et de l'autre un rapper de 22 ans qui doit faire 50 kilos tout mouillé; biberonné au Hip-Hop Old School, à l’école A Tribe Called Quest & co..
Le frêle et le fort ont donné le nom Lord et Hardy, projet axé Electro avec une touche classieuse de Hip-Hop, à la fois old school et de demain.
Le groupe a une belle énergie et s'est entouré de graphiste, styliste et réalisateur cinéma.
Ils viennent de mettre en boite leur premier clip et single qui sont sortis aujourd’hui..
Voici un lien ici pour découvrir ce duo.
Un peu d'infos ici .
D’une créativité rare, Maître GIMS relève encore une fois un défi : celui d’avoir composé des morceaux aux univers tous différents les uns des autres.
Ce nouvel album s'intitule "Ceinture noire".
On retrouve incontestablement le talent de l’artiste pour des chansons festives et des mélodies sentimentales, quand d’autres textes font la part belle à une plume plus engagée … et plus sombre. Et pour que la surprise soit totale, « Ceinture noire », offre des collaborations aussi réussies qu’inattendues …
Un extrait ici .
Don McLean, compositeur et interprète américain prolifique, sort son nouvel album 'Botanical Gardens'. L'album précède une tournée britannique de 14 dates, qui débutera le 29 avril au Southend Cliffs Pavillion.
Avec plus de 40 disques d'or et de platine à travers le monde, Don McLean est l'un des artistes folk les plus appréciés des États-Unis.
'Botanical Gardens', son 19ème album studio depuis 8 ans, est sans doute l'un des plus réfléchis de Don.
L'intimité se retrouve au cœur de ce disque, avec Don écrivant des chansons personnelles retraçant une vie bien vécue, ainsi que ses observations sur la jeunesse et l'amour.
L'enregistrement à Watershed Studios à Nashville a également permis à Don et à son groupe de vivre une autre forme d'intimité, car ils ont été amenés à «jouer de près et à ressentir la musique», ce qui a produit un son brut et dur.
Don prouve une fois de plus son expertise dans l'écriture de chansons intemporelles pleines d’éléments country, americana, folk, tant que du rock bien rythmé.
En près de 50 ans sur la scène, les chansons de Don sont devenues un point incontournable de la musique Americana.
Sa musique a été interprétée par des artistes aussi variés qu'Elvis Presley, Madonna, Fred Astaire, Chet Atkins, George Michael, Josh Groban, Coolio et Ed Sheeran et son plus grand succès, American Pie, a été introduit au Grammy Hall of Fame en 2003.
Don utilise seulement des guitares Martin. Il a plus de 40 guitares Martin et en l'an 2000, la Martin Guitar Company a honoré Don McLean avec son propre modèle en édition limitée, la D40DM.
Un extrait disponible ici .
Au sein d’un univers où on ne compte plus le nombre de formations qui se sont lancées ou ont opté pour l’électro/pop, difficile de se faire une place au soleil. Et pourtant la tendance ne semble, pour l’instant en tout cas, pas prête de s’inverser. Quatuor bordelais, Tample a également décidé de s’y plonger. Dansante (sauf pour le dernier morceau, le mélancolique « Kings of earth »), la musique navigue quelque part entre Phoenix, M83 et Girls In Hawaii (celui des derniers disques, of course). S’il n’y avait la guitare, tour à tour limpide (« Chimer » »), surf (le contagieux « Runaway ») ou funkysante (le plus disco « One might stand ») et cette basse qui assure la contre-mélodie sur deux plages, dont la dernière citée et « Runaway », ainsi que la voix diaphane du chanteur, on resterait sur sa faim. Il y a bien un peu de sifflotement sur deux pistes qui apporte un zeste d’insouciance à un ensemble hésitant entre climats allègres, mélancoliques, atmosphériques ou angoissants (« Power » et son tempo martial) ; mais si les claviers émoustillent parfaitement l’opus, la boîte à rythmes, bien trop basique, finit par plomber le tout.
Ca roule pour les Stone ! Non pas la bande à Jagger, mais la soeurette et le frangin originaires de Newport, un faubourg de Sydney.
Angus et Julia ont attiré l’attention du grand public, en 2010, grâce au titre devenu culte, « Big Jet Plane », issu de l’album « Down The Way »
Ce succès planétaire doré leur avait d’ailleurs valu une brouille que le producteur Rick Rubin était parvenu à dissiper, en les conviant à l’enregistrement d’un opus homonyme (plus groovy et électrique), en 2014.
Les critiques les plus négatives avanceront (sans doute à juste titre), qu’hormis cet exercice de style, les deux artistes se complaisent dans une zone de confort à laquelle il est difficile de les extirper depuis leur premier Ep, paru en 2006, « Chocolate & Cigarettes ».
« Snow », ne déroge pas à la règle ! Et pourtant, même si elles sont loin de transcender, les compositions enregistrées sans la moindre pression parviennent tout de même à dégager (de manière inégale certes) une certaine plénitude. On y ressent l’étendue des grands espaces. Un parfum de liberté sauvage parfaitement contrôlé.
Logique lorsque l’on sait que la réalisation de cet opus a été opérée au sein du studio d’Angus à Byron Bay où la fratrie, entourée de fidèles musiciens, a passé ses longues soirées à jammer et à construire la maquette de ce qui constitue la suite d’une lignée que l’on espère encore longue.
Sans utiliser l’artillerie et les artifices extravagants, les (redevenus) compères ont finalement fait jaillir des eaux profondes et froides, un disque doux et sirupeux porté entre rythmes pop léchés, chœurs envoûtants (« Snow »), rythmiques synthétiques et poésie douce/amère (NDR : « Baudelaire », inspiré d’‘Enivrez-vous’).
Fruit d’une collaboration à quatre mains, le timbre, tantôt faussement nonchalant, tantôt empruntant un dérivé de la technique du ‘prechgesang’ (« Make It Out Alive »), se marient à merveille et n’est pas sans rappeler la complicité vocale d’un ‘The xx’ (« Nothing Else »).
Epurés à souhait et sans la moindre expérimentation superflue, les douze titres s’écoutent sans effort, enrichis de temps à autre par le son organique émanant d’un vieil orgue poussiéreux des années 60 chiné aux puces par Angus (« Cellar Door », directement inspiré du film Donnie Darko).
Bref, un disque qui risque d’envelopper les plus frileux dans un cocon sonore intemporel…
Malgré le peu de notoriété dont elle jouit en Europe, Kaitlyn Aurelia Smith incarne une véritable pointure dans son univers, c’est-à-dire celui de la musique électronique. « The Kid » constitue déjà son sixième album. Il est publié sur le label américain Western Vinyl (Dirty Projectors, Peter Broderick, Here We Go Magic, …)
Plutôt atypique, son parcours transparaît à travers son expression sonore. Native des îles Orcas, sises au Nord de l’Etat de Washington, la jeune femme a débuté sa carrière au sein d’un combo folk. Elle ne s’est intéressée à l’électro, que par la suite. Mais si elle a finalement décidé de jeter son dévolu sur les claviers et les machines, ses racines folk sont toujours très présentes tout au long de cet opus, même si les morceaux ont été composés à l’aide des claviers. Et bien qu’évoquant la sérénité de la nature plutôt que la frénésie des villes, sa musique lorgne du côté d’Animal Collective tout en baignant dans une atmosphère proche de celle d’Alela Diane…
Simon Beaudoux et Martin Chourrout ne sont pas des illustres inconnus, puisqu’ils militent chez Exconvaldes depuis 17 longues années. Mais les deux compères ont décidé de se lancer en duo, à travers ce Ravages. En troquant les guitares contre des synthés. Et puis surtout en proposant des textes dans la langue de Molière au lieu de celle de Shakespeare.
Si le patronyme s’inspire d’un roman de science fiction écrit par René Garjavel, un ‘s’ en plus, dansante, la musique nous replonge dans les eighties, puisant ses références, tour à tour chez Taxi Girl, Indochine, Kraftwerk, Visage, Cure (NDR : cet épanchement de mélancolie sur le morceau d’ouverture, « Gamma ») et même Diabologum.
En outre, empreints de mélancolie, les textes sont bien torchés et collent parfaitement à l’expression sonore, une jolie performance, quand on sait que la synth/pop et l’idiome français font rarement bon ménage. Une double prouesse qui devrait ramener sur terre ces tas de groupes qui injectent gratuitement de l’électro dans leur expression sonore ou s’y sont convertis, pour être dans l’air du temps. On attend l’album avec impatience…
« Tara » constitue le deuxième Ep de Lonny Montem et Guillaume Charret, aka Yules, un duo français qui pratique une forme de folk traditionnel inspiré par Joni Mitchell, Joan Baez ou encore Laura Marling. Ce disque fait suite à un autre Ep, baptisé « What kind of music do you play », paru en février de l’an dernier. Enregistré au beau milieu de l’Auvergne, au sein de la maison du paternel de Lonny, ce nouvel essai nous plonge au sein d’un environnement propice à la rêverie, la quiétude, le réconfort et où la nature règne en maître. Découpé en 7 pistes, il recèle deux reprises dont le « You can close your eyes » de James Taylor et le « Old friends » de Paul Simon ». Si la sèche et/ou le banjo, le plus souvent joués en picking, sert de trame aux compos, glockenspiel, drums, violon ou encore melodica s’invitent suivant les circonstances. Et le tout est souligné par les superbes harmonies vocales échangées entre les deux artistes, la voix de Lonny se révélant, par ailleurs, d’une grande pureté. En outre, les mélodies sont particulièrement soignées. C’est beau, frais, léger, romantique, empreint de délicatesse et digne de Lady & Bird. Suffirait d’un zeste de gratte électrique pour que l’ensemble prenne une dimension remarquable…
Avant de lancer son projet musical, John Maus était professeur de philosophie à l’Université d’Hawaii et docteur en sciences politiques. Un intello, quoi ! Ce parcours peu commun lui a quand même permis d’atterrir sur la scène indie ; mais lui a valu le pseudonyme de ‘musicien-philosophe’. Le natif du Minnesota a cependant toujours eu des liens avec la musique. C’est d’ailleurs en 1998, alors qu’il vient de fêter ses 20 printemps et étudie à l’institut des Arts de Californie, qu’il rencontre son futur acolyte Ariel Rosenberg (alias Ariel Pink). En parallèle à ses études et recherches, il publie plusieurs elpees et se distingue pour ses performances live.
Pour ce quatrième opus, intitulé « Screen Memories » et publié chez Ribbon Music (Django Django, Laura Marling, Hamilton Leithauser), John reprend les choses là où il les avait laissées, lors de son précédent elpee, « We Must Become the Pitiless Censors of Ourselves », paru en 2011. Il nous y propose douze morceaux de synth-pop caverneuse dont une écrite par son compagnon Ariel Pink, en l’occurrence, « Bombs Away ». D’une voix de baryton, il véhicule des textes loin d’être réjouissants. Rappelant les grandes heures des 80’s, Maus se sert de claviers, de rythmiques électroniques et d’une basse écrasante. L’Américain a un don pour explorer des codes connus, sans pour autant tomber dans le kitsch, même si parfois il est à la limite, à l’instar de l’excellent « Teenage Witch » ou encore de « Pets ».
Au final, l’ensemble s’avère surtout très efficace. On ne voit pas le temps passer, à l’écoute de cet LP, et lors d’une seconde lecture, on se surprend même à en fredonner les mélodies.
« Album dress », le précèdent elpee de Frantic était paru en 2005. Depuis, François-Olivier Nolorgues a défendu différents projets, concrétisé, la plupart du temps, par des singles, dont un en compagnie de Marc Almond et un autre, de Dominique Dalcan. « IT » a été enregistré entre Paris et Londres et mixé à Los Angeles par l’équipe d’ingénieurs du son de M83, sous la houlette du producteur britannique Flood (Depeche Mode, Gary Numan, New Order, PJ Harvey, Smashing Pumpkins, Soft Cell, U2, etc.)
Vocalement, François-Olivier est un véritable caméléon, capable d’emprunter tour à tour le timbre et même les inflexions, de Devandra Banhart, Bryan Ferry, Peter Murphy, Mark Hollis ou encore Dominique A. Musicalement, Frantic puise ses sources dans les eighties, et tout particulièrement chez Depeche Mode circa « Construction Time Again », John Foxx, Ultravox voire Tubeway Army. Hormis le minimaliste « And leave it all behind », plage au cours de laquelle, F-O chante en s’accompagnant uniquement à la guitare électrique, tous les titres baignent dans l’électro wave. Majestueux, ténébreux et énigmatique, « Save my heart from the world » constitue la meilleure piste du long playing. Et caractérisé par ses percus martiales, « Winter man » ne manque pas d’allure, tout en lorgnant vers Talk Talk. Dansant, « Time to make your mine » est un hit potentiel. Mais à partir de « Lookin’ at the scene », au cours duquel le vocal est massacré par un vocodeur (NDR : c’est dans l’air du temps, mais c’est le genre de truc qui me pousse à zapper), l’inspiration commence à tarir. Et ni l’hymnique et ‘u2esque’ « I want to die for you » ou la reprise assez quelconque du « Love my way » des Psychedelic Furs ne parviennent à faire la différence. Dommage cette baisse de régime, après un départ si prometteur…
Das Geld n’est pas un groupe allemand, mais rennais, réunissant Klaus Baron (guitare, bruitages) et Herman Jung (synthés, voix, distorsions). Après avoir gravé deux Eps, le duo nous propose son premier album. Découpé en 8 pistes, il propose une musique hybride, mais largement dominée par l’électro. En fait seules les interventions de guitare sont organiques. Tour à tour industrielle (surtout « Croustiroc »), noisy (l’angoissant « A soft kiss in Saint-Louis, une piste imprimée sur un tempo binaire et caractérisée par un refrain obsessionnel) ou expérimentale (« Oceanopolis »), la musique est le plus souvent hantée par Nitzer Ebb, surtout quand elle vire à l’EBM. Seule exception qui confirme la règle, le plus pop « Myrtille », dont les vocaux, les claviers vintage et le refrain entraînant évoquent carrément OMD. Pas vraiment ma tasse de thé, mais dans le style, la paire se débrouille plutôt bien…
« Heiligenstadt » constitue le second opus de ce duo suisse qui réunit Frédéric Aellen (Sonograph) et Raul Bortolitt (Kruger, Orso). Il fait suite à « Roseland », paru en 2015, suivi d’un remix de 5 titres de cet elpee, gravé sur un Ep mis en forme par un des pionniers du métal indus, Justin K. Et ce nouvel album a été mixé et masterisé par Magnus Lindberg (Cult of Luna). Tout un cheminement qui a forcément déteint sur cet « Heiligenstadt ».
En fait, si la musique de The View Electrical baigne, en général, dans la dream pop (Beach House ?), elle est capable de virer tantôt à la prog crimsonienne (NDR : pensez au titre maître du premier elpee, « In the court of the Crimson King »), le shoegaze de Chapterhouse voire de Slowdive (les cordes cristallines et les vocaux éthérés), mais également le post metal, style auquel Cult of Luna émarge, et que traduit alors des vocaux hurlés ainsi qu’une montée en puissance électrique. Ce qui n’empêche pas certains compos de s’enrichir d’un trio de cordes (violoncelle, alto, violon) ou de tirer parti, circonstanciellement de l’électronique. Et le résultat tient parfaitement la route. Mais la meilleure plage de l’opus est incontestablement et paradoxalement « Fell for grave ». Enrichie d’arrangements orchestraux somptueux, elle bénéficie du concours de Dälek, qui vient rapper à mi-parcours, apportant ainsi une dimension inattendue et éblouissante à cette compo.
Premier Ep pour ce quintet belge dont le stoner mélodique évoque d’abord The Datsuns, un excellent groupe australien, injustement méconnu. Les interventions du guitariste rythmique, parfois ‘deepurpleliennes’ et les envolées bien calibrées du soliste nous le rappellent instantanément. Les harmonises vocales sont limpides, les drums amples, et la ligne de basse est bien soutenue. Seule la voix du chanteur lorgne vers celle de Billie Joe Armstrong, le leader de Green Day. « First song » (NDR : ben, pas un choix trop difficile pour un titre qui ouvre ce disque) se révèle particulièrement contagieux, et pourrait facilement être traduit en single. Et les quatre autres morceaux tiennent parfaitement la route. Si vous êtes fans de Triggerfinger… et bien sur des Datsuns, vous devriez apprécier la musique de cette formation…
La réimpression remasterisée sur vinyle de "Pulse", le quadruple album live du Floyd, publié en 1995, sera disponible à partir du 18 mai prochain.
Le coffret se compose de 4 LP dans des pochettes différentes et d'un livret photographique de 52 pages, témoignage de la tournée "Division Bell", accomplie au Royaume-Uni et en Europe, en 1994.
Outre l'album "The Dark Side Of The Moon" joué intégralement (LP 3, side one), on aura le plaisir de réentendre de nombreux autres morceaux emblématiques du groupe comme "Shine On You Crazy Diamond", "Astronomy Domine", "Hey you", "Another Brick In The Wall", "Money", "Wish You Where Here" et bien d’autres.
Pink Floyd est très présent dans l'actualité. Et pour cause, on rappellera que la tournée de Roger Waters arrive très prochainement en Europe et que des dates sont prévues en mai à Anvers et juin à Lille. Aux dernières nouvelles, il resterait des places disponibles.
Fille de Marka et de Laurence Bibot, mais également frangine de Roméo Elvis, Angèle Van Laeken est issue d’une famille de saltimbanques. Son premier single, « La Loi De Murphy », avait déjà cartonné. En à peine une semaine, le second, « Je Veux Tes Yeux » a atteint le million de vues sur You Tube. Et aujourd’hui’, il a dépassé les 2,5 millions de vues. Réalisé par Charlotte Abramow, le clip est disponible ici
https://www.facebook.com/angeleouenpoudre/
https://www.instagram.com/angele_vl/
En concert
- 17/04/2018 à La Ferme du Biérau de Louvain-La-Neuve avec Juicy (complet).
- 18/04/2018 au Réflektor de Liège (complet).
- 19/04/2018 au Slendid de Lille .
- 24/04/2018 au Vooruit de Gand (complet)
- 29/04/2018 à Het Depot à Leuven.
- 30/04/2018 aux Nuits Botanique (complet).
- 05/05/2018 au Trix D’Anvers.
- 06/05/2018 dans le cadre des Aralunaires à Arlon (complet)
- 10/05/2018 au Rockerill de Charleroi.
- 22/05/2018 au Trianon de Paris.
- 29/06/2018 dans le cadre du Festival Couleur Café à Bruxelles.
- 07/07/2018 dans le cadre du Rock Werchter (complet)
- 08/07/2018 dans le cadre des Ardentes à Liège.
- 12/07/2018 dans le care du Festival de Dour.
- 22/07/2018 dans le cadre du Festival Les vieilles Charrues à Carhaix.
Trois ans après son premier album Phoenix (2015) chaleureusement salué par la presse, Leonore dévoile son nouveau single Jezebel. Il s’agit du premier extrait de son EP Sub Rosa, qui sortira le 16 mars.
De l’autre côté du miroir de Leonore, se tient le reflet scintillant de Chloë Nols, auteur-compositeur-interprète. Le groupe, inspiré par sa muse, façonne des perles mélodiques dans un univers onirique, teinté d’une douce et ensorcelante mélancolie pacifiant l’âme.
Ces dernières années, Leonore s’est produit sur des scènes prestigieuses (Ancienne Belgique, Botanique, Beautés Soniques, ,…) et a partagé la scène avec Avi Buffalo, An Piérlé, Bony King, PAON, One Horse Land, etc.
Jezebel parle d’amour. D’un amour tellement pur qu’il rend la femme qui le ressent capable de tout. Y compris de le réprimer et de laisser partir celui qu’elle aime parce qu’il pense ses sentiments trop dangereux pour lui.
Là où Phoenix (2015) était orné d’arrangements folk subtils, Sub Rosa ose aller plus loin et offre un contraste magnétique entre la voix délicate de Chloé Nols et la puissance des instruments de ses quatre nouveaux musiciens : Kobe Dupont (Geppetto & The Whales), Olivier Penu (Kel Assouf), Alan Van Rompuy (Vortex) & Joshua Dellaert (Sarah Ferri).
Le titre « Sub Rosa » évoque l’amour, l’invisible et le secret, des thèmes abordés dans les paroles des morceaux. Il a été enregistré et mixé par Wim Meuwis (Black Box Revelation,…) au célèbre MotorMusic Studio de Malines.
Sub Rosa est un avant-goût du second album du groupe, prévu pour 2019.
Jezebel est disponible ici .
Quelques semaines après Steven, c'est un autre Wilson, Jonathan, qui se produit à l'Ancienne Belgique. Bien qu'il n'y ait pas de lien de parenté entre les deux musicos, force est de constater qu'ils partagent un intérêt pour la musique des 70’s, et Pink Floyd en particulier. Jonathan a même collaboré aux sessions d’enregistrement du dernier opus de Roger Waters et intégré le 'live band' de ce dernier.
Dès qu'il prend possession des planches de l'AB Club, Jonathan Wilson impressionne par sa stature (il est très grand) et sa dégaine nonchalante, très 'cool'. Jean bleu, t-shirt dépareillé, gilet mauve, longs cheveux et barbe christique lui confèrent un look très 'hippie’, mais pour ce XXIe siècle. Agé de 43 ans, le Californien appartient à cette vague de musiciens néo-psychédéliques 'rétro-futuristes' qui réinventent les musiques 'vintage' en les adaptant à des paramètres plus modernes.
Dès les premières compos, le son oscille entre country/folk, psychédélisme, kraut et prog. C'est un groupe complet qui accompagne Wilson, impliquant batteur, bassiste, guitariste et claviériste. Ce dernier trône derrière un assortiment bien achalandé en synthés légendaires, tels que Mellotron, Crumar et DX7.
La setlist est, essentiellement, puisée au sein du dernier elpee de JW, « Rare Birds » et témoigne de toute l'étendue de son inspiration. On pense bien entendu à Roger Waters, surtout sur « 49 Hairflips », mais également à Bruce Hornsby. Pendant « Over The Midnight », le rythme quasi-robotique de la batterie semi-électronique et les harmonies rappellent le célèbre « That's just the way it is ». Autre référence évidente : War on Drugs. On retrouve ça et là les mêmes rythmes répétitifs et l'inspiration très ‘springsteenienne’, tant du chant que des paroles.
Il ne faut pas oublier que le résident de Laurel Canyon est aussi un excellent guitariste. D’ailleurs, il ne va pas se priver d’extraire de sa vielle Strato des soli à faire baver David Gilmour en personne, comme sur « Dear Friend », par exemple. Lana Del Rey avait posé sa jolie voix sur la version studio de « Living with Myself ». De quoi regretter son absence, sur celle, proposée ce soir, en ‘live’. Au rayon 'gossip', une histoire d'amour serait née entre les deux bellâtres ; mais cet épisode ne nous regarde pas, n'est-ce pas Thierry ?
Revenons au concert, au cours duquel « Desert Raven » déclenche une vague de cris chez un public hypnotisé par la jolie sarabande de tierces interprétée par Wilson et son gratteur. La prestation s’achève en force par l'épique « Valley of the Silver Moon », caractérisé par une dernière et très jolie chevauchée sur la six cordes.
Malheureusement, l'artiste n'accordera pas de rappel alors que deux titres étaient prévus sur la setlist. En cause, la sacro-sainte règle du couvre-feu à 22h30 imposée par l'AB et, indirectement, par les horaires de la SNCB (NDLR : Il suffirait que cette dernière propose une offre suffisante, avant minuit, afin que les provinciaux puissent rentrer chez eux, après le concert). Dommage...
En première partie, Gambles en a étonné plus d'un. Seul à la guitare acoustique, le New-yorkais a improvisé quasi tous ses morceaux 'on the fly', se promenant dans le public et parlant de la tournée, de New York ainsi que des gens qu'il rencontre : assez fun!
Setlist J. Wilson :
Trafalgar Square
Me
Over the Midnight
Miriam Montague
Dear Friend
There's A Light
Sunset Blvd
Desert Raven
Living with Myself
Loving You
Rare Birds
49 Hairflips
Valley of the Silver Moon
(Organisation : AB)
Pochette originale (NDR : un disque pour zone bleue, dont se support indique les heures) pour le premier elpee de Tricot Combo, un quatuor issu des Herbiers, en Vendée (NDR : c’est juste à côté du Puy du Fou) qui revisite de manière humoristique, des chansons populaires et à boire. Idéal pour les arts de rue ; d’autant plus que théâtrales, leurs prestations ‘live’ seraient particulièrement enthousiasmantes…
En marge de Singtank, le duo qu’il a créé avec sa sœur Josephine, Alexandre de la Baume continue sa carrière de mélodiste sous le nom d’Albé.
Pour faire découvrir son album Face A Face B, Albé a mis en ligne la vidéo des Yeux Bas dans laquelle il décrit le vertige passionné des débuts amoureux.
La réalisatrice Iris Kaltenbäck a voulu capter ce moment suspendu, son danger et son urgence, en filmant en un seul long plan séquence Albé et les cinq musiciens qui l’accompagnent dans une interprétation live en une prise unique du morceau. Cette session a été enregistrée, produite et mixée par Samy Osta (La Femme, Feu! Chatterton, Juniore) dans son studio.
"Les Yeux bas" disponible ici .
YEW annonce a sorte de "BAM BAM BAM"
Pourquoi Bam Bam Bam ? Parce qu’une musique enregistrée qui se pare de l’énergie du live pour se prétendre fugitive est souvent une imposture.
Or l’urgence, la force, la vie qui se dégagent d’un instant qui se sait éphémère sont des terrains séduisants. Comment les cultiver ? Comment ne pas s’enliser ni se perdre en studio ? En ne s’y attardant pas. En s’offrant le luxe de lâcher la bride au moment d’y entrer. Brancher les instruments, capter un instant presque photographique et repartir.
Bam Bam Bam. Bam Bam Bam, c’est un saut sans filets, court, et qui exigeait un long temps de préparation. Un album qui s’est ménagé du temps après le précédent (The Fall – 2013). Un album incisif, mais qui n’est pas dépouillé de rondeurs ; sans artifice ; élémentaire ; entre des musiciens qui ont travaillé à se connaître. Un album enregistré et filmé un dimanche après-midi en présence d’un public, pour que sa trace soit celle d’un moment unique.
Un live et des images logés quelque part entre la fulgurance du temps qui passe et l’apesanteur du studio, entre la fureur de vivre et la contemplation.
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Si on ne tient pas compte de l’interruption de parcours, concédée entre 2007 et 2017, Pleymo compte 20 ans de carrière. Issu de Fontainebleau, ce combo de nu métal est né 1997. La tournée de la reformation passait donc par l’Ancienne Belgique. Un concert initialement prévu dans la grande salle. Mais vu le peu de préventes, le show a été transféré au Ballroom. Un public relativement jeune, mais également constitué de quadras accueille, ce soir, le band français.
Vegastar assure le supporting act. Originaire d’Orléans, sa musique se nourrit de power pop, new wave, electro, grunge, heavy et nu metal ainsi que rock alternatif. La formation avait également splitté, en 2009, avant de se reformer dès 2015. Ce soir, le combo va revisiter son premier elpee, « Le Nouvel Orage », publié en 2005, dont le single « 100ème étage », lui avait permis de se faire connaître. Pas de trace de « Dorian », son nouveau single, paru en mars dernier dans la setlist. Ce quatuor implique le guitariste Jérôme Riera, alias Jey, le bassiste Vincent Mercier, le chanteur Franklin Ferrand et le drummer Jocelyn Moze.
La prestation s’ouvre par « Une Nuit ». La voix de Franklin est très proche de celle de Benoît Poher, le vocaliste de Kyo. Le drumming est précis. Et déjà tout le monde bondit. Sur place pour la fosse, aux quatre coins de l’estrade –hormis le batteur– pour les musicos. Il y a même un type qui n’arrête pas de brandir son poing juste devant votre serviteur. Pas moyen de prendre le moindre cliché. Dommage qu’il ne soit pas manchot ! Le groupe n’oublie pas d’attaquer son incontournable « 100ème Etage ». Et surtout de nous réserver ses inévitables scratches. Parfois les spectres de Korn, Faith No More ou Limp Bizkit se mettent à planer. Et le set de s’achever par le titre maître d’« Un Nouvel Orage », remis au goût du jour. Le chanteur signale que c’est sur le même riff que tous les morceaux ont été joués. Il n’a pas tort. Ce qui n’a pas empêché le concert de conjuguer énergie et puissance…
Le line up de Pleymo réunit aujourd’hui Mark Maggiori, Benoit Julliard, Franck Bailleul, Davy Portela, Erik de Villoutreys et Fred Ceraudo. Le show débute à 20h40. Une toile de fond sur laquelle sont représentées six énormes croix blanches et brillantes, sert de décor. Par contre, on remarque bien la présence d’amplis Marshall. De quoi s’attendre à du son qui décoiffe ! Réservée au drummer et au second vocaliste, également préposé aux scratches, une haute estrade prend toute la longueur du podium. Ce dernier se sert de véritables vinyles. Les deux guitaristes et le bassiste ne tiennent pas en place et viennent régulièrement s’affronter, manche contre manche. Planté à l’avant de la scène, le chanteur vocifère tout au long de « United Nowhere ». Les agents de sécurité –et il sont en nombre !– réceptionnent les adeptes du crowdsurfing pendant « Ce Soir, C’est Grand Soir ». L’un d’entre eux s’est invité sur les planches. Il est rapidement renvoyé surfer sur les premiers rangs. L’ambiance est d’ailleurs bon enfant, même si les spectateurs jumpent aux quatre coins de la salle.
Puissant, « Rock » libère énormément d’« Adrénaline ». Pendant, « Tout Le Monde Se Lève », les croix passe du blanc au rouge sang. Les lignes de claviers fluctuent. Le chanteur vient frapper sur les cymbales du drummer. Avant « 1977 », le frontman demande à l’auditoire, s’il y a des gémeaux en son sein. Il se balance d’avant en arrière, au-dessus de son pied de micro.
Malgré « Chérubin », Pleymo n’est pas un enfant de chœur, un morceau au cours duquel la section rythmique s’emballe en fin de parcours. Voix et scratches dispensés comme chez RUN DMC, alimentent « Nowak » ; mais c’est la basse qui ronflante, domine le sujet.
Les deux vocalistes occupent l’avant scène tout au long de « Muck ». Ce qui embrase la fosse. Signé en 2006, « Le Nouveau Monde » est toujours bien d’actualité. Le vocal est irascible. Pendant « New Wave », les croix passent au bleu. Le chanteur descend dans la fosse et tend le micro aux premiers rangs. Les lumières de la salle se rallument. La foule se divise en deux pour « Tank Club » avant que ne se déclenche une véritable folie furieuse. Les participants à cet exercice se lancent l’un contre l’autre. En outre, un ‘circle pit’ envahit la fosse. Quelques fumigènes épars sont projetés dans les airs. Et lors de « K-Ra/Kongen/Ce Soir », on a droit à un rap enchaîné… en japonais. Les musicos tirent alors leur révérence.
Avant de revenir pour un encore de trois morceaux « Zéphir », « Divine Excuse » et « Blöhm ». Le set s’achève définitivement à 21h55. Quel punch !
(Organisation : Progress Booking)
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Jacques Stotzem est à la guitare, ce que Karim Baggili est à l’oud (NDR : un luth à manche court d’origine syrienne, répandu en Arménie, Turquie et Azerbaïdjan, dont les cordes sont pincées). Ce qui ne l’empêche pas de se consacrer également à la gratte. Il est d’ailleurs autodidacte. Belge d’origine jordano/yougoslave, il se produit aussi bien au sein du Royaume qu’à l’étranger. Et régulièrement. Il bosse sur de multiples projets, notamment comme compositeur ou arrangeur, pour d’autres artistes, mais réalise également des B.O. pour documentaires et courts métrages. Votre serviteur avait découvert cet artiste lors d’un ‘live’, accordé à la radio, dans le cadre de l’émission ‘Le Monde Est Un Village’, présentée par Didier Melon, une prestation au cours de laquelle ce virtuose des cordes avait fait grosse impression.
Programmé dans le cadre des ‘Jeudis Jazz et Printemps Musical’, le spectacle proposé ce soir est étiqueté ‘jazz’ ; et pourtant, la prestation va plutôt baigner dans une forme de rock aux accents orientaux. En fait, Karim est un des rares musiciens capables de rendre l’‘Arabic Underground Flamenco Music’ » classieuse et singulière. Il a d’ailleurs décroché de nombreux prix, dans ce domaine. Le concert est soldout. Un show qui va proposer de larges extraits de ses deux derniers elpees, baptisés « Apollo You Sixteen ». « I » et « II », pour les différencier. En deux parties.
Avant que le set ne s’ouvre, on remarque la présence de nombreux instruments sur les planches. Karim Baggili vient s’installer sur un siège haut, au centre, auprès de ses grattes (électrique et semi-acoustique) et de son oud. Il est épaulé par un quintet. En l’occurrence Karoline De La Sema (chant, glockenspiel, tambour africain), Vivian Ladrière, vissé sur son cajon et entouré de ses cymbales, drums électroniques et tutti quanti, Youri Nanaï (basse), Mohamed Al Mokhlis (violon, tambourin arabe) et Silvano Macalusa (claviers). Mais en début de parcours, le backing group se limite à trois collaborateurs. Baggili empoigne d’abord sa gratte flamenco. De Séville à Malaga, on parcourt alors l’Andalousie. Place ensuite au titre maître de son (ses) dernier(s) elpee(s). Plus prog, il met en exergue cordes et percus (cajon et tambourin, surtout). Karoline et Silvano débarquent alors sur la pointe des pieds et participent à l’interprétation de « Dulcinéa ». La voix de Karoline est envoûtante et vous transperce l’âme. Une compo qui baigne au sein d’un climat oriental, indien même, réminiscent d’une époque au cours de laquelle George Harrison était passionné par tout ce qui touchait cette région du globe.
Lorsque l’oud, le violon, la section rythmique (fondamentalement rock), la batterie électronique, la basse, les percus, le piano et la guitare flamenco entrent en fusion, on ne peut s’empêcher de penser aux expérimentations de Robert Plant, que ce soit en compagnie de The Band Of Joy ou The Sensational Space Shifters. Tout au long d’« Ari On The Moon », l’oud devient la pièce centrale. Le périple se poursuit, à travers le Sahara, à dos de dromadaire, en quête d’une oasis salvatrice. Le soleil est brûlant. Il fait de plus en plus soif. Qu’on pourra étancher pendant « Exitumuse », un moment de repos vécu au pied de cette palmeraie. A cet instant, vaporeuse, la voix de Karim touche au sublime. La troupe est également capable de s’enfoncer plus profondément dans le prog /rock, exhumant alors les spectres de King Crimson, Van Der Graaf Generator voire du Genesis de Peter Gabriel. Caractérisée par ses cordes épurées de type flamenco, « Kiss From The Lion » opère un retour au calme. La voix de Karoline devient troublante, mystérieuse, même. Hanté par Sigur Ros, cette composition nous entraîne au cœur des fjords sauvages islandais. La première partie s’achève par « Apollo Recall », une nouvelle opportunité pour permettre au virtuose d’étaler toute sa dextérité sur les cordes…
Et c’est par une autre version de ce titre que le deuxième acte s’ouvre. Plus rock, il concerne l’ensemble de la formation et pourrait aisément servir de B.O. pour le cinéma. Plus interactif, Karim semble détendu et plaisante avec le public. Il nous inviterait bien à Tourinnes-la-Grosse pour interpréter des morceaux de Dire Straits, en compagnie de son cover band, dont le line up implique les musicos qui l’entourent aujourd’hui, Calling Mark. Rendez-vous est pris. Lorsque la basse devient prolixe, on ne peut s’empêcher de penser à Roger Glover (Deep Purple). « Balka Bike » achève un voyage opéré depuis les montagnes de l’ex-Yougoslavie jusqu’au désert du Moyen-Orient, sur les traces de Laurence d’Arabie.
Après une telle expédition aussi jouissive que torturée, avec pour guide Maître Baggili, on comprend enfin ce que signifie l’‘Arabic Underground Flamenco Music’, un projet avant-gardiste qui agrège des gammes de musiques traditionnelles à l'esprit du rock des dernières décennies.
(Organisation : Printemps Musical + Centre Culturel de Silly + Silly Concerts ASBL)
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