Sans le concours de Neil Young, David Crosby, Steve Stills et Graham Nash n'ont gravé ensemble ou individuellement qu'un seul elpee accompli, le tout premier. Passons sous silence l'excellent "If I could only remember my name" de Crosby, puisque ce morceau de plastique résulte essentiellement de la rencontre entre l'élite des musiciens de la West Coast organisée fin des sixties, début des seventies à cet effet. Eponyme, la première expérience du trio constitue avec ses "Judy Blue Eyes: suite", "Marakesh Express", "Guinnevere" et "Woman Ships", un album incontournable de l'histoire du rock et de la pop. C'est d'ailleurs en 1969, au festival de Woodstock que CS&N se sont véritablement révélés en interprétant ces compositions. Flanqué de Neil, le groupe connaîtra pourtant encore des heures de gloire. Mais à l'issue de cette lune de miel, les événements vont se dégrader pour finalement atteindre quelques années plus tard, un seuil véritablement dramatique. Et pourtant, lors du vingt-cinquième anniversaire de Woodstock, Crosby, Stills & Nash nous avaient paru reprendre quelque peu du poil de la bête. Il nous a fallu cependant déchanter à l'écoute de cet "After The Storm". Les voix ont beau se conjuguer en harmonie, l'étincelle ne jaillit plus. Elle nous paraît même éteinte, pour l'éternité. Triste à pleurer !
Je préfère Iggy plus métallique en scène et plus pop en disque. "Blah Blah Blah", produit par Bowie et injustement dénigré, me plaît toujours énormément. Moins créatif qu'un "Lust for life" mais plus frais et mélodieux qu'un "Instinct" ou "Brick by brick". Et superbement chanté ("Party Girl", "Cry for love"...) Cet album est peut-être le disque que Bowie n'a pas eu la rigueur de faire dans ses pâles années 80. A part ça, deux grands souvenirs de l'iguane sur scène. Werchter 87: son époustouflant one-man-show d'apache épileptique, Torhout 91: Iggy fait sauter les bouteilles (de plastique), moment féerique d'euphorie collective. Lui-même abasourdi par le bordel qu'il déclenche, Iggy chante sous un déluge de vidanges. Dur ou doux, dingue, ravageur ou ravagé, Iggy Pop est d'abord un artiste amusant.
D'abord la pochette. La plus chouette cover de l'iguane en réincarnation de Njinsky. Ensuite, les douze chansons de ces nouvelles valeurs, qui aujourd'hui conservent une homogénéité sans pareil. La collaboration avec James Williamson (déjà présent sur "Kill City) n'a jamais été aussi juste et précieuse. De "New Values" à "Five Foot One" (le seul titre de l'album qu'Iggy reprend sur scène aujourd’hui encore) en passant par le délirant "African Man" (eh Noah, une chanson?), jamais le père Osterberg n'a réussi un album aussi traditionnellement rock, au propre comme au figuré.
Album imparfait, chanson magique...
''I'm bored" (sur "New Values"), "Johanna" (sur "Kill City"), "Dogfood" (sur "Soldier"), "Dum Dum Boys" (sur "The Idiot") et quelques autres. Perso, j’estime que ce sont ces morceaux-là qui incarnent le mieux Iggy Pop. Parfois parce que ce sont simplement de bonnes chansons, parfois pour des raisons plus obscures. Mais parmi toutes, "The Passenger" garde une place particulière. Accompagnement répétitif, paroles adolescentes ; et même si je l'ai écouté mille fois, ce titre suscite toujours le frisson. La voix d'Iggy, la mélodie, le côté filant, lancinant et immédiat, en fait une chanson unique de l'histoire du rock. Rien que ça! Pour épater vos amis, petit conseil de l'oncle St-Froque: reproduisez chez vous l'intro de "The Passenger": à la guitare, vous alignez la mineur-fa-do-sol. Pendant ce temps, votre petite amie secoue vivement sa cuillère à café dans une tasse vide. Effet garanti.
Un album noir, un son pourri, quelque chose de putride derrière... Enregistré à Berlin, ville 'ying-yang’ à l'image du couple Bowie/Pop, "The Idiot" révèle un Iggy déjanté, qui s'essaye aux compositions lentes : "Dum Dum Boys", "Nightclubbing" et "China Girl". Guidé par un Bowie au sommet de son art, cet album parvient à canaliser la bave de l'iguane. Ce sommet de 1977 résiste à l'érosion du temps.
La scène se passe dans un vieux cabaret en pleine prohibition. 3ème acte (après Gorillaz et Blur) pour Damon Albarn, chef de file d’un réseau clandestin de trafic d’harmoniques. Agissant en toute impunité, le gangster frontman aux allures de beau parleur distille son cru sur les touches poussiéreuses d’un piano délaissé. Entouré de la perle du haut banditisme représenté par Paul Simonon (ancien bassiste des Clash), Simon Tong (ancien guitariste de The Verve et présent sur le dernier album de Gorillaz) et Tony Allen (pionnier de l’afrobeat et ancien batteur de Fela Kuti), le chanteur épouse un nouveau registre. Partant dans des délires de début de siècle, les malfrats mettent leurs habits du dimanche pour élaborer une alternative sous des faux airs de ballades romantiques. Des voix d’outre-tombe retentissent sur les ventricules échauffées par le miaulement des machines, absorbées dans des escapades irréversibles (« Herculean », « The Bunting Song ») et des premiers rendez-vous adolescents (« 80’s Life »). Sur ce projet qui visait avant tout une carrière solo pour Albarn, le combo se distingue et secrète aussi bien des tubes (« History Song », « Kingdom of Doom ») que des performances dignes du grand vagabondage (« Three Changes », sur lequel excelle l’afrobeat d’Allen). L’hymne final porté par leur titre éponyme touche l’authenticité ‘sylphidique’ et clôture une histoire qui coagule sans falsification.
Il est de ces disques assez difficiles à cerner. « Imagine The Future », premier essai de The Spores, en fait partie. Forte de ses collaborations au sein de Mondo Generator, Queens Of The Stone Age (« Songs For The Deaf ») ou avec Mark Lanegan (« Bubblegum ») ainsi que de ses prestations en première partie de la tournée européenne des Eagles of Death Metal, Molly McGuire tente aujourd’hui de s’avancer sur le devant de la scène. Bon courage… Parce qu’il y a du boulot. Sur « Imagine The Future », la jeune femme s’époumone sur treize titres complètement inégaux, entre inditeronica et un rock gothique faiblard. Sa voix nonchalante arrache toute vie au recueil qui, du coup, paraît interminable. Du répétitif « Moon Shine Down » aux décalés « Daffodil » et « Love My Mind », The Spores s’égare dans des bribes d’idées collées les unes aux autres sans la moindre uniformité ou cohérence. On imagine bien le futur, mais The Spores n’en fait pas partie.
Un titre cryptique pour une musique qui l’est tout autant : Hella fait du prog-math-rock, ou quelque chose du genre. La grande nouveauté, c’est la voix, omniprésente : jusqu’ici Hella se composait de Zach Hill et de Spencer Seim, mais aujourd’hui l’on peut parler d’un véritable groupe : cinq types qui foutent le bordel dans la salle de répèt, à force de jouer de la guitare comme si c’était un clavier, et la trompette une batterie. Capito ? Capiteux, et franchement diabolique : « There’s No 666 in Outer Space » sonne comme du Mars Volta (cette voix) s’amusant à jouer du Jane’s Addiction. Ca part dans tous les sens, et puis à un moment c’est l’overdose de gammes : stop, coupez, on repart à zéro et on se calme. Non ? « Anarchists Just Wanna Have Fun ». Justement, nous aussi, mais là guette le mal de tête. Une chtite aspirine pour éviter la loose (dans le coma-torium), et c’est reparti pour le délire fumiste. Fracasse !
Depuis 1992, Autechre s’est imposé comme le nouveau concepteur temporel en matière de sonorités complexes. Thom Yorke considère d’ailleurs l’œuvre du duo de Sheffield comme maîtresse. Après neuf albums, « Quaristice » constitue sans doute l’opus le moins significatif de leur travail, par rapport aux excellents « Confield » et « Draft 7.30 ». Moins distordu et moins ténébreux que leurs précédents essais, « Quaristice » est à consommer morceau après morceau, et non dans son ensemble. Sean Booth et Rob Brown insistent bien sur le fait que les vingt titres sont autant de leçons à expérimenter. Mais si la technique semble ici primer, il n’en reste pas moins que leur nouvel essai est également le plus accessible. Et pour cause, ils ont travaillé à l’aide de leur matos utilisé en ‘live’, délaissant ainsi leur premier outil de travail, l’ordinateur.
« Altibzz », « Simmm » ou encore « Bnc Castl » sont les nouvelles recettes d’un Autechre métamorphosé. Des morceaux courts, très courts, aux beats bien moins présents et parfois même absents par rapport aux autres œuvres du duo le plus discret de la péninsule. Ce qui risque peut-être de décevoir les fans de la première heure…
N’empêche, « Quaristice » démontre une nouvelle fois tout le savoir faire et la largeur d’esprit des deux coqueluches du label anglais Warp. Pour la toute première fois, Autechre semble vouloir sortir de l’obscurantisme et du chaos au sein duquel il semblait se complaire, jusqu’à ce jour. On est souvent étonné du résultat, parfois même on se montre sceptique devant cette nouvelle orientation. En fait, tout dépendra de voir, comment la paire va maintenant transposer cette métamorphose en ‘live’. Alors, Autechre incarnerait-il le véritable symbole de la sonorité temporelle ? La question reste posée…
Julius Lester est né en 1939. A St Louis, dans le Missouri. Fils d’un pasteur méthodiste, il finira par se convertir au judaïsme. Il a également accompli de brillantes études universitaires. Dans les années 60, il milite en faveur des droits civils des Afro-américains. Il émigre ensuite à New York. Où il s’illustre comme animateur radio, puis TV. Il se lance ensuite dans la photographie ; et y acquiert une nouvelle notoriété. Ce qui lui permet de s’embarquer pour le Nord Vietnam afin d’y rapporter les témoignages des ravages causés par la guerre. En 1971, il devient professeur de judaïsme et spécialiste des affaires du Proche Orient à l’Université de Massachusetts. Il est surtout populaire comme écrivain. Il a d’ailleurs écrit 35 livres, dont 25 pour les enfants. Retraité depuis 2003, il vit paisiblement auprès de son épouse. Mais au cours de sa jeunesse, Julius a également été passionné par la musique folk. Il a ainsi coécrit un bouquin en compagnie de Pete Seeger : "The 12 string guitar as played by Leadbelly". Il a enregistré "Julius Lester" en 1965 et "Departures" en 67. Deux albums de chansons originales parus sur le label Vanguard, lorsqu’il vivait à New York. Le label Ace nous les restitue sous la forme d’un seul CD.
Julius chante d’une voix claire. Il articule ses mots pour faire bien passer son message : celui d’un protest blues bien ancré dans son époque. Et dès la première plage, il clame sa fierté d’être un 'freedom man'. Lester était un révolutionnaire. N’avait-il pas parcouru l’île de Cuba en compagnie de Fidel Castro en personne ? On lui collera également l’étiquette de 'black power' blues. Il chante en s’accompagnant d’une guitare acoustique, sans pratiquement jamais élever le timbre de sa voix. Il avoue avoir beaucoup écouté Blind Willie Johnson et Blind Lemon Jefferson. Si son œuvre ne peut vraiment être qualifiée de blues, elle emprunte néanmoins à la musique noire traditionnelle, aux spirituals, ‘work songs’ et autres ‘prison songs’. Pourtant, le blues est bien présent. Et son "No count man" en est la plus belle illustration. Parfois, Julius élève le tempo. Pour notre plus grand plaisir. A l’instar de "Long haired woman". Il décrit la situation misérable vécue au sein de son appartement à New York, lorsqu’il chante "Cockroach blues". Lors de ce 'blues du cafard', il dépeint, d’une manière réaliste, ces bestioles qui courraient un peu partout, entre ses quatre murs! On retiendra également "Mustache blues", une plage qu’il interprète armé d’un bottleneck. Pour la circonstance, il élève la voix, lorsque la police est à la recherche d’un nègre portant la moustache! Et on ne peut passer sous silence les trois longues plages d’une durée de plus ou moins dix minutes. Dont le titre maître. Mais pour pouvoir les apprécier pleinement, il faut disposer d’une bonne connaissance de la langue anglaise.
Il était une fois, dans le Wisconsin, un groupe aux origines punk… Il décide de mélanger ses racines à celle de la country. Et opte pour le patronyme The .357 string band. Un orchestre à cordes, comme son nom l’indique. Un quatuor qui invite à la danse. A cause de sa rythmique énergique et puis de la manière très spécifique de jouer de la mandoline, du banjo et de la guitare. En fait, on a l’impression de se retrouver à l’époque de la ruée vers l’or où les cowboys se saoulaient la gueule à coups de tord-boyau dans les saloons… Hiiiiiiiiiiii haaaaaa !
Originaires de Milwaukee, ville située au bord du lac Michigan, et signés sur l’étonnant Rosa records (label amstellodamois aux tendances roots music et americana), nos quatre cowboys réinventent un style tombé en désuétude depuis belle lurette. Dans cette région du nord des USA, la popularité de ce groupe ne fait qu’augmenter et la mode est maintenant passée au country punk. Ayant joué à plusieurs reprises en compagnie de The Toosers (groupe punk irlandais signé chez Victory Records, tout de même) et The Hackensaw Boys, The.357 string band n’a plus rien à prouver en matière d’ambiance musicale. En outre, cet ensemble est techniquement au point. Les cordes sont harmonieuses et la voix grandiose. « Ghost Town » est un elpee qui respire la joie.
Le combo se produira au Recyclart le 4 octobre, à Bruxelles. En général, The .357 string band attire les cowboys, les punks et les ‘bikers’. Alors préparez vos lassos ou vos chaînes et mettez y tout votre cœur !
« Fort Nightly » est un album qui nous vient de loin. Et nous le remercierons chaleureusement de s’être donné tout ce mal pour arriver jusqu’à nous. Oui, très chaleureusement même ! Greg Roberts (guitare et voix), Steve Patterson (piano et voix), Alex Even (guitare et voix), Adam Russell (basse), Matt ‘The Duck’ Clark (drums) et enfin Jamie Levinson (drums aussi) sont les six membres de White Rabbits et les heureux papas de ce disque qui d’Amérique tout droit nous échoit. « Fort Nightly » est la première œuvre de ce groupe issu du Midwest, mais fermement décidé à conquérir New York. Et c’est l’Amérique toute entière qui semble déjà avoir succombé à leur musique (les six amis sont déjà passés au Late Show de David Letterman).
Les présentations étant faites, venons-en à cet album, parvenu à mes oreilles, tout frétillant et plein de malice. Vous me croirez si vous le voulez, mais il s’agit là de leur premier elpee. Surprenant, n’est-ce pas ? D’autant qu’il n’est pas habituel de rencontrer un disque bénéficiant d’une unité d’atmosphère. Tous les morceaux sont dans le ton. Ils forment un univers fantastique et délirant, un univers empreint de l’exotisme inévitablement véhiculé par l’originalité de ce grand cacique qu’est « Fort Nightly ». Pour dire, rares sont ceux qui ont réussi à construire une œuvre où chaque morceau a sa place et participe au tout, en préservant cette singularité permettant aussi à chaque chanson d’exister indépendamment de l’ensemble. L’un des derniers albums qui m’avait pareillement marqué devait être « Black Market Music » de Placebo. On se montrera indulgent devant mes envolées lyriques mais j’écoute les morceaux de Greg, Steve et leur bande tout en écrivant.
« Kid on my shoulders », la première plage, livre une musique rythmée, festive et très colorée. Elle donne envie de bouger et la suite, je le crains, ne calme pas cette ardeur. Le morceau se termine par d’étranges chœurs donnant de l’envergure à une musique pourtant déjà finement ciselée. Ces chœurs reviendront, pour notre plus grand plaisir, et sauront insuffler une dimension métaphysique dans le mystérieux et lumineux « March of the Camels ». Cet opus dégage une énergie sans cesse renouvelée et une richesse dans l’écriture musicale sans jamais verser dans la confusion. Greg et ses amis jouent avec suffisamment d’aisance pour que la maîtrise dont ils font preuve ne se remarque pas. On ne sent pas de retenue dans le jeu de White Rabbits et le festival, auquel on assiste, paraît toujours naturel. Par exemple, « I Used to Complain, Now I Don’t » nous emmène sur une plage de sable fin entourée de cocotiers pour une fiesta digne d’Ibiza sans verser dans le chaos de fin de soirée. A croire que le monde merveilleux de nos amis new-yorkais ne connaît pas les gueules de bois les lendemains de veille.
Je manque de place pour communiquer tout l’enthousiasme que j’éprouve en parlant de ce groupe. Frustration ! L’unité musicale mentionnée plus haut n’a pas empêché les artistes de varier les styles et l’on ne s’ennuie jamais à écouter les pistes s’enchaîner. Je ne peux conclure sans avoir glissé un mot sur « While We Go Dancing » : sans doute le morceau le plus abouti et le plus équilibré de l’album. Une future référence dans le genre ? Arrêtons-nous là avant que ces p’tits gars n’attrapent la grosse tête ou pire, se reposent sur leurs lauriers ! Je ne serais pas impartial sans vous livrer au moins un aspect négatif. Ils ont produit treize morceaux (pour ceux qui se seront offert le CD avec les deux plages bonus), 45 minutes d’éclatement. Franchement ça passe trop vite. Bref, cet album mérite une bonne place dans toute compactothèque. Et j’ai l’impression qu’il n’est pas près d’être détrôné dans la mienne.
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