Aargh, Matelot ! Joan et ses six Sailors ont embarqués dans un grand navire en direction des spotlights. Encore au stade des balbutiements, cette formation suisse a de quoi faire parler d’elle. Joan & The Sailors puise clairement son inspiration du côté de Portishead (« Jailheart », « Better Off Dead »), en évitant toute empreinte d’imitation, « Mermaid » étant essentiellement orienté Folk.
En matière d’écriture, Joan Seiler et son acolyte principal, Mario Dotta, possèdent un savoir-faire au potentiel énorme. Certaines plages sont captivantes, de bout en bout. Comme « Où Est-Tu ? » (sic) interprété par Dotta et Seiler dans la langue de Molière et appuyé par quelques envolées lyriques de la figure principale du septuor, soulignant le penchant de la formation pour les effets théâtraux. Ou ce splendide « Rain In My Chest » qu’on ne peut que très vivement recommander. De sa voix envoûtante, la « Mermaid » en chef a tout ce qu’il faut pour propulser Joan & The Sailors sur le devant de la scène. Un disque aussi bon qu’inattendu.
Derrière le masque de Human Don’t Be Angry se cache Malcolm Middleton, ex-Arab Strap. Après avoir publié cinq LP en solitaire, l’Ecossais suit les traces de son ancien camarade de route Aidan Moffat et change de cap sur ce projet principalement instrumental. Au menu, guitares et boîtes à rythmes. Middleton ne pousse la chansonnette qu’à trois reprises. Chiffre qu’il aurait dû ramener au néant tant les morceaux entièrement instrumentaux sont les plus étincelants de la galette. Etincelants mais pas trop, l’univers grisâtre du bonhomme enveloppant encore et toujours ses compositions.
Ecrits en à peine quatre semaines, les neufs morceaux qui composent ce premier LP éponyme n’ont rien de tout à fait original mais le projet prend son sens sur quelques-uns d’entre eux comme « After The Pleasuredome » et « 1985 », deux savoureuses mélopées flirtant de très près avec le Post-rock. En publiant « Human Don’t be Angry », Middleton n’est pas encore arrivé au pays de Candy mais y travaille, comme le souligne la dernière plage du disque, « Getting Better (At Feeling Like Shit) ». Une jolie étape supplémentaire dans la carrière du Scottish.
Malcolm Middleton présentera son nouveau projet à la Rotonde du Botanique le 16 septembre.
Mathis Haug est âgé de 46 ans. Il est originaire de la Forêt Noire, en Allemagne. Mais la plus grande partie de sa vie, il l’a passée en France. Il prend goût à la musique en écoutant Bob Dylan, Tom Waits, Janis Joplin, Prince et Gainsbourg, une palette d’artistes bien variée. Il se lie d’amitié au guitariste anglais, Seamus Taylor. Faut dire qu’ils partagent une même passion pour le funk et le R&B. Ensemble, ils fondent Mathis and the Mathematiks, en 2003. De ce projet naîtra l’album “Five”.
« Playing my dues » constitue le premier elpee solo de Mathis, un opus qui privilégie le folk et le blues. “Playing my dues” est une plage très travaillée et riche. Des cordes acoustiques préparent le terrain pour la voix sombre, grave et profonde de Haug. Place ensuite aux cordes du banjo et celles de la guitare aux accents très métalliques mais d’inspiration orientale. Mathis est doté du don d’ubiquité. A cause de son habileté à conjuguer tous ces instruments. Bien plus proche des racines, “Birthday cake” est un blues trempé dans le Delta. Le dosage des cordes est à nouveau surprenant et bien équilibré, malgré le recours à une guitare électrique au son gras et bien amplifié! “Workless” opère un retour à un folk très mélodique. Logée à l’avant-plan, la voix est très autoritaire. Elle s’impose sur les cordes pourtant bien performantes. Tout au long de la bien jolie ballade “Family fire”, Mathis est épaulé d’une voix féminine fragile. Soignée, la production met en exergue le banjo de Haug. Sa voix est proche de celle de Bob Dylan, mais le Zim de 1969 époque “Nashville skyline”. Composition somptueuse, “The wind blew strong” s’étale dans un climat qui ne respire pas vraiment la joie de vivre! “Pickpocket” est monté comme un film découpé en différentes séquences au cours desquelles Haug module le ton de sa voix. Et au cœur de cet univers mélancolique, il nous réserve quelques ballades. Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que c’est son ami Seamus Taylor qui signe la plupart des textes…
Grandchaos, c’est le projet solo de l’artiste belge Tcheleskov Ivanovitch, impliqué dans la musique mais aussi la peinture depuis les 80’s. A l’époque, il militait au sein du groupe IDLO. C’est au début des années 2000 qu’il s’est lancé dans une carrière en solitaire, au cours de laquelle il a déjà publié deux Eps, un album de remixes et trois opus, dont ce « Rumours of my life ».
Autant vous mettre au parfum tout de suite, ce disque baigne dans l’EBM old school. Bien dans la lignée des premiers Front 242. Une violence froide, sombre est martelée au fil des bpms, pendant qu’une voix caverneuse vient poser ses lyrics (slogans ?) qui traitent d’aliénation, de haine, douleur, mélancolie et solitude…
Pour concocter ce long playing, Tcheleskov a reçu le concours d’un autre artiste belge, Jacky Meurisse, tête pensante de Signal Août 42. Il y apporte sa collaboration aux vocaux. Des vocaux également assurés par quelques voix féminines, en fin de parcours. De quoi accentuer le climat apocalyptique de l’œuvre.
Un disque qui recèle deux bonus tracks. Deux remixes. L’un opéré par Fortaste et l’autre Groupe T.
Enfin, pour que votre info soit complète sachez qu’en live Grandchaos est rejoint par Olivier T., responsable de la mise en scène de représentations vivantes ainsi que de la projection des visuels.
Premier album pour ce trio danois, dont la musique s’inspire à la fois du psychédélisme expérimental d’Ariel Pink et de l’électro-pop japonaise. Pensez à Yellow Magic Orchestra et surtout à Pizzicato Five. Encore que parfois leur démarche me fait penser à un autre groupe scandinave, mais finlandais, 22 Pistepirkko. Pas sous sa forme garage, comme à ses débuts, mais plutôt contemporaine, c’est-à-dire depuis qu’il a intégré davantage d’électronique dans sa solution sonore. Parce que des sonorités synthétiques, il n’en manque pas chez Girlseeker. Outre la boîte à rythmes, les claviers dominent le sujet et sont capables de produire un éventail de sonorités particulièrement ample. Rognés, ils nous replongent dans les sixties, atmosphériques, les seventies, et aquatiques, les eighties. Sans oublier les interventions épisodiques d’un piano allègre. Quant à la guitare, torturée, cosmique, elle plane constamment dans la stratosphère. Ajoutez-y une voix de baryton caverneuse, parfois trempée dans la reverb, et vous obtiendrez un album qui tient bien la route, guidé par son fil mélodique inaltérable de la première à la neuvième plage…
Trio issu du Nord du Pays (NDR d’Erps-Kwerps, très exactement) Ganashake réunit le chanteur/guitariste Jess Jacob, le bassiste Sander Goethals et le drummer Bert Minnaert. Ce groupe flamand jeune et dynamique est né en mai 2009. Six mois plus tard, il met en boîte un Ep 5 titres. Leur style ? Une combinaison de blues, rock et funk. Pour la circonstance, le disque bénéficie de la mise en forme de Jean-Marie Aerts. En 2010, le combo multiplie les concerts et se produit notamment au R&B Festival de Peer ainsi que dans le cadre des Gentse Feesten. En juillet, il retourne en studio (NDR : ICP à Bruxelles, pour être plus précis), toujours sous la houlette de l’ex-TC Matic, et enregistre six autres compositions. Eponyme, l’album sort en octobre de la même année.
Pour concocter « Flirty fishing », le band brabançon est retourné au même endroit, mais cette fois sous la houlette de Michel Dierickx. Le second elpee est découpé en onze plages. Légèrement funk, “I’ve been waiting” ouvre l’elpee tout en douceur. Puis, survient l’étincelle. A cet instant, les cordes de Jess nous plongent dans une ivresse enchanteresse. Les changements de tempo sont légion. Solide, la section rythmique permet au leader de laisser libre cours à ses moments de délire. Ecrasantes, les quatre cordes de Sander tracent le chemin mystérieux de “Dancing dose you trust”. Tout en relief, la voix s’épanche. Patrick Riguelle participe aux chœurs sur cette plage au charme indéniable. Lors du mixing, l’ingénieur du son a ajouté des effets spéciaux, afin d’apporter davantage de nuances à l’œuvre. Changement de cap pour “Keep falling”, un blues rock dont l’impact est direct. Nerveux, le jeu rappelle le Dr Feelgood des débuts. Wilko Johnson est impliqué dans l’attaque rythmique. “Hurts & harms” démontre que Ganashake a plus d’une corde à son arc. Très contemporain, ce rock illustre une forme de recul dont le groupe est capable de manifester, en toutes circonstances. L’intervention lumineuse de Riguelle à la lap steel est lumineuse sur “Picture book”. En studio, le trio n’hésite pas à tenter des constructions complexes, à contrario de leurs prestations scéniques, plus roots. “Are you happy” baigne au sein d’un climat menaçant. Acides, gémissantes, torturées, déjantées, les cordes entretiennent l’atmosphère de cette compo au cours de laquelle la voix de Riguelle rayonne littéralement. Cette incursion dans le psychédélisme contamine également “Little back room”, un blues de l’impossible plongé dans le chaos. Mais un chaos organisé, guidé par une ligne de basse dont la puissance rythmique monte en crescendo. Retour au funk ou plus exactement au soul/rock sur “Rearrange my soul”, une piste irriguée par l’orgue Hammond de Jan Hautekiet. Mr Jacob arrache ses cordes à la manière de Rory Gallagher sur “Temporary shutdown”, une piste énergique taillée sur mesure pour la formule trio. “Stopsigns” achève l’opus. Le funk est ici teinté de jazz. A cause du piano électrique de Hautekiet dispensé à la manière de Steely Dan. Et le résultat est loin d’être déplaisant. De bonne facture, cet album nécessite une écoute attentive (NDR : renouvelée aussi) pour être apprécié à sa juste valeur. L’évolution de ce groupe est, manifestement, à suivre de très près…
Timing parfait pour la sortie de « Plug 1 & Plug 2 » chez First Serve, projet parallèle de deux membres –Posdnous et Dave– des inimitables De la Soul. Le hip-hop funky et positif de ses vétérans devrait ensoleiller généreusement le début des vacances….
« First Serve » est un album concept. Celui de la fausse BO d’un film pas encore tourné. Il met en scène deux jeunes gens aux personnalités opposées, plongés dans le Queens des années 90 (Deen Whitter et Jacop ‘Pop Life’ Barrow, aka Plug 1 & Plug 2), qui se lancent dans l’aventure du hip-hop sous le patronyme de First Serve. Une histoire d’amitié vécue dans l’univers impitoyable du showbiz, narrée par des flow imparables ‘made in De la Soul’. Mis en forme par les producteurs français Chokolate et Khalid, l’opus est un véritable bol d’air frais grâce à ses beats funky et disc. Cet esprit old-school fait même des ravages sur « Must B the Music » ou le très addictif « Move ‘Em In, Move ‘Em Out ». En outre, les interludes ne sont pas inutiles et suscitent, comme d’hab., l’hilarité à travers Eleanor, la mère de Deen…
En concert le 25 octobre au KVS à Bruxelles mais aussi et surtout dans le cadre du Couleur Café, ce 30 juin… premiers arrivés, premiers servis!
Trente-trois ans après la formation de feedtime (sans majuscule), le mythique label indépendant Sub Pop réédite les albums de ce groupe oublié de l’histoire du rock. La formation australienne voit le jour en 1979. Rick (guitare, chant) et Allen (basse) se connaissent depuis une bonne dizaine d’années, mais les deux compères éprouvent toutes les peines du monde à se dénicher un batteur. Jusqu’en 1979. Les baguettes sont alors confiées à la sœur de Rick. Elle sera ensuite remplacée par Tom. En une dizaine d’années, le groupe sortira quatre albums (« Suction », « Shovel », « Cooper », « feedtime »). En 1989 le groupe se sépare. « The Aberrant Years » a été, en outre, enrichi de toute une série de singles et d’inédits.
Et pourtant, du talent, le groupe en avait à revendre. Feedtime collait parfaitement à son époque : les 80’s. Il crachait même sur les paillettes du disco, préférant manifestement l’ambiance malsaine qui régnait dans les caves de Sydney. D’ailleurs dans leur musique, on y recèle manifestement des traces de Joy Division et des Stooges. Leur mélange détonnant de punk-rock et de noise est parfaitement illustré par « Curtains ». Angoissante, comme venue d’outre-tombe, la voix de Rick fait froid dans le dos. Le spectre de Ian Curtis est bien présent. Abrasives, les guitares annoncent des groupes contemporains comme les jeunes Danois de Iceage.
Et à l’écoute de cet elpee, on se rend compte que la musique de feedtime n’a pas pris une ride. On peut également féliciter Sub Pop de nous avoir permis de (re)découvrir un groupe injustement ignoré.
Bersarin Quartett est en fait le projet d’un seul homme, Thomas Bücker, se produisant également sous d’autres alias (Jean-Michel, Beats Beyond). Fondé en 2008, le projet de l’Allemand s’attache à provoquer rêves éveillés et hallucinations vaporeuses. « II » marque le second tour de force du faux quartet qui propose douze magnifiques mélopées aux allures cinématographiques, entre classique, ambiant et ambiance Jazzy. Bücker signe un LP cathartique qui enveloppe l’auditeur d’un voile de bien-être dès l’entame.
Chaque morceau transporte l’auditeur encore plus haut, encore plus loin dans le subconscient. Chaque note est à sa place. Et à chaque mélodie, son but propre. Bersarin Quartett signe le disque parfaitement beau. Celui qui fait rêver, celui qui fait frissonner et vous donne envie de courir à poil sur les nuages. En plaçant « II » dans la platine, on ne s’attendait à rien. On a tout eu. Un tableau de maître à admirer les yeux fermés.
Quelques mois après son retrait –définitif ?– de la scène musicale, Mike Skinner a peut-être déjà un successeur : Bang On ! Ce gamin issu de Liverpool possède une semblable gouaille que son aîné et affiche même une attitude encore plus féroce, radicale et résolument moins mélodique. Ses beats oscillent entre le grime cher à Dizzee Rascal (« Suttin’ Like That », « Ands’igh »), les riffs métal (« Your GAY ») et de très légères velléités pop (« The Whinge »). Elliott Egerton, à peine âgé de 21 ans, décrit sa musique comme du ‘punk-donk-dub-hip-hop’. Pas trop certain qu’il sache lui-même ce que cette étiquette signifie, mais ces références représentent à merveille le cocktail sonore de Bang On ! Narrant avec brio, cynisme et humour noir les aléas de la culture moderne, les travers de la politique anglaise où certaines aventures opiacées, le jeune rappeur liverpuldlien exp(l)ose les images parfois devenues proprettes des Beatles qui collent à la ville ouvrière. Son flow rappelle les méconnus Kottonmouth King et fait des étincelles sur un titre comme « Fars Yet Whop » où son accent cockney à couper au couteau rappelle quasiment la langue de Goethe… (sic).
En 2010, ce combo ‘frenchie’ publiait un premier album intitulé « La Langue », un elpee qui avait été très bien reçu par la presse, outre-Quiévrain. Au départ, le projet campe un duo partagé entre Éloïse Decazes et Sing-Sing. Le couple se partage les vocaux. Le second se réserve la guitare. Mais il arrive régulièrement que Mocke (aperçu chez Holden) vienne apporter son concours à la ‘six cordes’. Comme lors de l’enregistrement de ce second opus, « Feu la figure ».
Minimaliste, la musique d’Arlt sert de beaux textes écrits dans la langue de Molière. Des lyrics poétiques souvent consacrés au monde animal (« Tu m’as Encore Crevé un Cheval », « Une Sauterelle », « Rhinocéros »). Leur folk/rock dépouillé, légèrement teinté de blues, est manifestement inspiré par la scène indépendante montréalaise. Pensez au label Constellation. Et justement, c’est là-bas que ce long playing a été enregistré. En 5 jours. Sous la houlette de Radwan Ghazi Moumneh, un producteur du cru. Tour à tour aride ou délicate, l’instrumentation alimente un climat empreint de mystère. On a parfois l’impression que les interventions de gratte sont improvisées. Que les mots sont aussi improvisés. A l’instar de « Chien Mort, mi Amore », une magnifique toile sonore peinte en direct, lors d’une démonstration.
Bref, cet album navigue à des années-lumière de la variété française. C’est même tout à fait novateur dans l’univers de la chanson. Un léger bémol quand même : les vocaux. Légèrement plaintifs, ils gâchent parfois le plaisir d’écoute…
Un vrai rayon de soleil...
Je dois avouer que j'attendais ce nouvel album avec une certaine appréhension. "We'Re Here Because We'Re Here", le chef-d’œuvre d'Anathema, le meilleur album de rock progressif de 2010, avait placé la barre si haut qu'il semblait impossible de renouveler une telle réussite, et encore moins de la surpasser. Et bien, dans l'ensemble, je n'ai pas été déçu par ce nouvel opus des frères Cavanagh. "Weather Systems" navigue dans la parfaite lignée de son prédécesseur. On y retrouve la même volupté, la même plénitude, la même lumière, même si dans l'ensemble, les compositions sont un peu moins marquantes.
Christer-André Cederberg s’est chargé de la production de ce neuvième elpee ; il a donc eu la lourde tâche de succéder au Maître en personne, le 'Roi Wilson' (Steven Wilson, de Porcupine Tree), qui avait si brillamment mis en boîte "We'Re Here Because We'Re Here". Les sessions d'enregistrement se sont déroulées au sein de trois studios différents. Tout d’abord le Parr Street de Liverpool, la ville d'origine du groupe, ensuite le Cederberg, à Oslo, et enfin au Pays de Galles, dans un bunker désaffecté et aménagé pour la circonstance.
Les quatre chansons qui ont servi de base à l'album sont "The Gathering of the Clouds", "Lightning Song", "Sunlight" et "The Storm Before The Calm". Composées vers 2010, elles partagent pour point commun la métaphore du climat pour évoquer les émotions, l'amour, la vie, la mort, la philosophie... Ce qui explique le titre de l’opus, "Weather Systems". Dans l’ensemble, leur structure est similaire, des introductions sonores d'orages sont ainsi suivies de superbes riffs en picking dispensés par Daniel Cavanagh, à la guitare acoustique. Viennent ensuite des lignes de chant, aériennes, déposées sur des nappes de synthés ou de violons, qui s'entrelacent en parfaire harmonie. L'ensemble évolue ensuite progressivement vers un paroxysme où guitares et percussions explosent, avant de laisser la place au calme et à la sérénité.
On notera que "Lightning Song" est chantée par Lee Douglas, qui acquiert ici un statut de ‘lead vocalist’ aux côtés de Vincent et de Daniel. "The Storm Before The Calm", une composition du batteur John Douglas, le frère de Lee, est un peu différente, car elle installe une ambiance plus noire, plus obscure. L'ombre de l'Arbre au Porc-épic (Porcupine Tree) plane non loin et c'est un des meilleurs moments de la plaque. On est dans l'œil du cyclone et après la tempête vient le calme absolu, illuminé de quelques notes de guitare et de chant.
"The Lost Child" est inspiré d’un songe de Daniel Cavanagh. Il avait rêvé d’un enfant autiste, perdu, chantant une mélodie lancinante en se balançant sur sa chaise dans un institut psychiatrique. Au réveil, il avait réussi à se souvenir des notes et a composé cette chanson bouleversante.
"Internal Landscapes", le dernier morceau, résume la thématique musicale du CD en relatant une expérience proche de la mort. La voix d'un homme raconte son voyage et son immersion au milieu d'une lumière et une chaleur indescriptible, le tout dans une ambiance musicale éthérée et magique. La chanson se déploie ensuite tout en douceur, comme un "Us And Them" moderne.
Pas de doute, Anathema a réalisé ici un nouvel exploit musical. Les structures mélodiques sont profondément belles et intensément puissantes, tout en restant très simples et accessibles. Elles transportent l'auditeur au cœur de la vie, c'est-à-dire, en son for intérieur. C'est également un œuvre de polarités. L'ombre et la lumière, la naissance et la mort, l'amour et la peur: ces émotions simples de la vie sont toutes explorées ici. Elles sont canalisées dans des mélodies, des harmonies, des paroles, des orchestrations et des arrangements qui frisent la perfection. Un voyage affectif qui touche à l'essence de la vie. Un vrai rayon de soleil...
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