En 2010, ce combo ‘frenchie’ publiait un premier album intitulé « La Langue », un elpee qui avait été très bien reçu par la presse, outre-Quiévrain. Au départ, le projet campe un duo partagé entre Éloïse Decazes et Sing-Sing. Le couple se partage les vocaux. Le second se réserve la guitare. Mais il arrive régulièrement que Mocke (aperçu chez Holden) vienne apporter son concours à la ‘six cordes’. Comme lors de l’enregistrement de ce second opus, « Feu la figure ».
Minimaliste, la musique d’Arlt sert de beaux textes écrits dans la langue de Molière. Des lyrics poétiques souvent consacrés au monde animal (« Tu m’as Encore Crevé un Cheval », « Une Sauterelle », « Rhinocéros »). Leur folk/rock dépouillé, légèrement teinté de blues, est manifestement inspiré par la scène indépendante montréalaise. Pensez au label Constellation. Et justement, c’est là-bas que ce long playing a été enregistré. En 5 jours. Sous la houlette de Radwan Ghazi Moumneh, un producteur du cru. Tour à tour aride ou délicate, l’instrumentation alimente un climat empreint de mystère. On a parfois l’impression que les interventions de gratte sont improvisées. Que les mots sont aussi improvisés. A l’instar de « Chien Mort, mi Amore », une magnifique toile sonore peinte en direct, lors d’une démonstration.
Bref, cet album navigue à des années-lumière de la variété française. C’est même tout à fait novateur dans l’univers de la chanson. Un léger bémol quand même : les vocaux. Légèrement plaintifs, ils gâchent parfois le plaisir d’écoute…
Un vrai rayon de soleil...
Je dois avouer que j'attendais ce nouvel album avec une certaine appréhension. "We'Re Here Because We'Re Here", le chef-d’œuvre d'Anathema, le meilleur album de rock progressif de 2010, avait placé la barre si haut qu'il semblait impossible de renouveler une telle réussite, et encore moins de la surpasser. Et bien, dans l'ensemble, je n'ai pas été déçu par ce nouvel opus des frères Cavanagh. "Weather Systems" navigue dans la parfaite lignée de son prédécesseur. On y retrouve la même volupté, la même plénitude, la même lumière, même si dans l'ensemble, les compositions sont un peu moins marquantes.
Christer-André Cederberg s’est chargé de la production de ce neuvième elpee ; il a donc eu la lourde tâche de succéder au Maître en personne, le 'Roi Wilson' (Steven Wilson, de Porcupine Tree), qui avait si brillamment mis en boîte "We'Re Here Because We'Re Here". Les sessions d'enregistrement se sont déroulées au sein de trois studios différents. Tout d’abord le Parr Street de Liverpool, la ville d'origine du groupe, ensuite le Cederberg, à Oslo, et enfin au Pays de Galles, dans un bunker désaffecté et aménagé pour la circonstance.
Les quatre chansons qui ont servi de base à l'album sont "The Gathering of the Clouds", "Lightning Song", "Sunlight" et "The Storm Before The Calm". Composées vers 2010, elles partagent pour point commun la métaphore du climat pour évoquer les émotions, l'amour, la vie, la mort, la philosophie... Ce qui explique le titre de l’opus, "Weather Systems". Dans l’ensemble, leur structure est similaire, des introductions sonores d'orages sont ainsi suivies de superbes riffs en picking dispensés par Daniel Cavanagh, à la guitare acoustique. Viennent ensuite des lignes de chant, aériennes, déposées sur des nappes de synthés ou de violons, qui s'entrelacent en parfaire harmonie. L'ensemble évolue ensuite progressivement vers un paroxysme où guitares et percussions explosent, avant de laisser la place au calme et à la sérénité.
On notera que "Lightning Song" est chantée par Lee Douglas, qui acquiert ici un statut de ‘lead vocalist’ aux côtés de Vincent et de Daniel. "The Storm Before The Calm", une composition du batteur John Douglas, le frère de Lee, est un peu différente, car elle installe une ambiance plus noire, plus obscure. L'ombre de l'Arbre au Porc-épic (Porcupine Tree) plane non loin et c'est un des meilleurs moments de la plaque. On est dans l'œil du cyclone et après la tempête vient le calme absolu, illuminé de quelques notes de guitare et de chant.
"The Lost Child" est inspiré d’un songe de Daniel Cavanagh. Il avait rêvé d’un enfant autiste, perdu, chantant une mélodie lancinante en se balançant sur sa chaise dans un institut psychiatrique. Au réveil, il avait réussi à se souvenir des notes et a composé cette chanson bouleversante.
"Internal Landscapes", le dernier morceau, résume la thématique musicale du CD en relatant une expérience proche de la mort. La voix d'un homme raconte son voyage et son immersion au milieu d'une lumière et une chaleur indescriptible, le tout dans une ambiance musicale éthérée et magique. La chanson se déploie ensuite tout en douceur, comme un "Us And Them" moderne.
Pas de doute, Anathema a réalisé ici un nouvel exploit musical. Les structures mélodiques sont profondément belles et intensément puissantes, tout en restant très simples et accessibles. Elles transportent l'auditeur au cœur de la vie, c'est-à-dire, en son for intérieur. C'est également un œuvre de polarités. L'ombre et la lumière, la naissance et la mort, l'amour et la peur: ces émotions simples de la vie sont toutes explorées ici. Elles sont canalisées dans des mélodies, des harmonies, des paroles, des orchestrations et des arrangements qui frisent la perfection. Un voyage affectif qui touche à l'essence de la vie. Un vrai rayon de soleil...
Vous aimez la musique issue d’Europe centrale ? De l’Est ? Le klezmer ? Vous êtes tombé sous le charme du magnifique ouvrage d’Albert Londres, le « Juif Errant ». Le rite initiatique ‘bar mitzvah’ n’est pas un secret pour vous ? Vous ne jurez que par Emir Kusturica et son No Smoking Orchestra. Vous ne pouvez passer à côté de l’Amsterdam Klezmer Band (AKB).
Ce collectif néerlandais (NDR : sept musicos ont participé aux sessions d’enregistrement) nous propose donc son nouvel opus intitulé « Mokum » (NDR : en yiddish, il signifie ville). Un disque immortalisé ‘live’ qui réunit une partie de leur répertoire. Si vous l’ignoriez encore, le klezmer est la musique traditionnelle des Juifs ashkénazes (NDR : établis en en Europe centrale) depuis le XVième siècle. Une musique, une tradition qui a survécu au temps et que tente de nous transmettre aujourd’hui AKB. En réalité l’expression sonore de l’AKB lorgne surtout du côté des Balkans. Pensez à Kusturica ou encore à Boban I Marko Marković Orkestar. Quoiqu’il en soit, virevoltante, allègre, cette musique vous donne des fourmis dans les jambes et vous incite à faire la fête. Les solos de trompette, de contrebasse, etc. s’enchaînent. Tous plus impressionnants les uns que les autres. Peu de vocaux. Chantés alors soit en yiddish (NDR : je suppose) ou en néerlandais…
Perso, j’ai l’impression que l’AKB est surtout performant en ‘live’. Sur disque, votre serviteur a eu plus de mal à accrocher. Faut dire aussi que l’écoute de ce « Mokrum » m’a semblé interminable…
Votre serviteur apprécie vraiment la période 'revival' des années '80 que nous traversons pour l'instant! Après le retour de John Foxx opéré l'an dernier, un come-back acclamé par la critique, nous assistons aujourd'hui à celui d'Ultravox.
Dans l'histoire de ce groupe anglais, j'ai toujours été un grand fan de la période John Foxx ('76-'79). Ultravox est en effet le premier groupe qui était parvenu à combiner Punk, Krautrock, Glam et Art Rock pour créer un nouveau genre de musique, qu’on appellera plus tard ‘new-wave’ (‘synth-pop’).
Malheureusement, le succès n'était pas au rendez-vous et Ultravox s’est séparé. Lorsque Midge Ure relance le groupe quelques mois plus tard, Ultravox trouve alors la bonne recette (commerciale), grâce à des chansons accrocheuses telles que "Vienna" et "Sleepwalk". Par la suite, Ultravox devient un des fers de lance de la vague des ‘Nouveaux Romantiques’ et publie plusieurs elpees particulièrement intéressants : "Rage In Eden" (sur lequel figure le single "The Voice"), "Lament" (…"Dancing With Tears In My Eyes") et "U-Vox". Entre '80 et '86, ils glissent d'un son minimal, cold-wave (inspiré de la période John Foxx) vers un power-pop plus symphonique.
Après leur deuxième séparation en '88, se produit un nouvel avatar en '93 (Currie est alors le dernier membre orginel) et c'est en 2008 qu'Ultravox se reforme, à l'origine seulement pour une tournée ‘Reunion Tour’, qui les conduira aux ‘Lokerse Feesten’ en 2009. Suite au succès de la tournée, ils décident d'enregistrer un nouvel opus et de reprendre leur carrière.
"Brilliant" constitue donc la première production studio du groupe depuis "U-Vox", publiée en... 1986! Sur ce disque, vous retrouverez la formation 'classique' de '79-'86, soit Midge Ure (voix, guitares), Billy Currie (synthés, violon), Warren Cann (batterie) et Chris Cross (basse). L'opus réunit 12 nouvelles chansons qui correspondent parfaitement au style Ultravox typique de cette période. Les ingrédients sont connus : son énorme, riffs de piano joué à l'octave, voix aiguës, harmonies sophistiquées et refrains majestueux. La seule différence procède de la voix de Midge Ure. Elle a un peu évolué et semble plus mature.
Le Cd démarre en force par "Live", "Flow" et "Brilliant", le premier single: ce sont des hymnes somptueux, drapés dans de magnifiques textures sonores. "Change", "Remembering" et "One" ralentissent le tempo et proposent des ballades romantiques, tandis que "Fall" présente une approche plus sophistiquée, plus progressive. "Lie", au contraire, est un autre hit potentiel dans un style de rock symphonique qui rappelle John Wetton et Asia. L'album se termine sur un autre brûlot, "Satellite" et une ballade douce et poignante, "Contact", illuminée par le violon de Currie.
Un grand album! Même ceux qui n'aiment pas les aspects emphatiques et commerciaux de l'Ultravox de Midge Ure devront admettre que les chansons sont très bien conçues et très efficaces. Leur concert au Trix à Anvers le 11 octobre prochain s'annonce... "Brillant"!
En constante remise en question, Sébastien Tellier nous revient sous les traits (NDR : la pochette !) d’un gourou repeint en bleu. A moins que ce ne soit sous la forme d’un prophète de la mystérieuse ‘Alliance Bleue’. Totalement barré ou résolument décalé, le Français avait fort à faire pour offrir un digne successeur au magnifique « Sexuality », sorti en 2007. « My God is Blue » n’atteint pas les mêmes sommets que l’ode à Marc Dorcel mais devrait néanmoins ravir les fans du plus sérieux des candidats successeurs à Gainsbourg (NDR : on ne parle pas du génie de l’homme à la tête de chou, bien sûr). Les synthés vintage nous invitent à osciller entre grandiose et ridicule ; en outre, Tellier n’hésite pas à recourir à des chœurs ‘célestes’ ou même des cloches. Très inégal, « My God is Blue » assume sa grandiloquence avec humour et classe lorsqu’il ne se plante pas. Ainsi, si on s’extasie à l’écoute du disco magnifique « Cochon Ville » ou du délicatement pop « Mayday », il faut se farcir le plus que dispensable « Russian Attractions ».
Si Tellier n’existait pas, il aurait fallu l’inventer. Et il a au moins le mérite d’exister. Je reprendrai bien une dose de Pepito Bleu, et tant pis si je risque une overdose de kitsch progressive !
Sébastien Tellier se produira au festival de Dour, ce 13 juillet. Le barbu assure en live ! Rendez-vous, dès lors, à la messe païenne célébrée par cet attachant génie-arnaqueur !
A 18 ans, Anna Plaschg livrait tout son saoul sur « Lovetune For Vacuum », un premier album qui prouvait une nouvelle fois qu’en matière de talent, l’âge importe peu. Trois ans plus tard, la jeune Autrichienne nous revient, un nouvel LP de Soap&Skin sous les bras. Un disque affecté par la mort de son père à qui elle dédie le morceau introductif, « Vater », interprété dans sa langue natale. Une superbe composition tout en crescendo. Des délicates premières notes de piano à l’explosion mélodique du final, la jeune femme laisse libre cours à sa peine et ses tourments, qu’elle verse également sur l’étonnante reprise du classique de Desireless (si, si), « Voyage, Voyage ». Soap&Skin ou comment faire du kitsch une superbe mélopée tout en spleen.
L’Autrichienne retrouve ensuite ses expérimentations à la Xiu Xiu sur des titres tels que « Deathmental » qui doivent certainement prendre toute leur amplitude sur scène, encore plus lorsqu’elle s’accompagne de son Ensemble. « Narrow » est un disque affecté mais sans excès, dont l’hétérogénéité est la principale qualité mais également le principal défaut. Soap&Skin ne se laisse pas appréhender facilement. C’est ce qui fait tout son charme.
Il y a deux ans, Slide on Venus publiait son troisième Ep (« Put Music to »). A l’époque, votre serviteur avait chroniqué ce disque ; et malgré l’enthousiasme manifesté par la presse spécialisée française, je ne l’avais guère apprécié. A vrai dire, face à ce pseudo-phénomène bisontin (autrement dit ‘de Besançon’), j’étais resté de marbre. Indifférent, si vous préférez. Alors devoir analyser le premier opus de ce groupe hexagonal n’était pas davantage de nature à m’emballer…
Mauvais signe, la pochette ne m’inspire pas du tout. Pressentiment confirmé par la musique proposée par la formation sur cet elpee. Toujours aussi fade. Et pourtant, les médias, outre-Quiévrain, ont remis le couvert, en encensant ce « Topless ».
Finalement, le qualificatif utilisé par le groupe résume parfaitement leur musique : ‘power-pop high energy’. Autrement dit, un punk-rock aux mélodies prévisibles. Car finalement, hormis la voix qui devient rapidement insupportable, le reste n’est pas de mauvaise facture. Simplement, l’expression sonore manque cruellement d’originalité. Alors si Slide on Venus est la nouvelle révélation du rock français, c’est que nos voisins ont perdu tout sens critique…
Cet album ‘live’ a été enregistré dans le cadre des Fonnefeesten de Lokeren, en 2011. Et le tout a été minutieusement retravaillé en studio par la suite. Ainsi les parties de flûte, assurées par Charles Sla, ont été rajoutées. Ce dernier avait déjà quitté la formation avant le concert, et c’est donc par le biais de la technologie moderne qu’elles figurent sur ce cd. Samples et anciennes prises ont ainsi été intégrées, sans que personne, d’autre que ceux qui avaient assisté au set, ne puisse déceler la combine.
Sans quoi, on retrouve, sur cet elpee tout ce qui fait la caractéristique de la musique de Quantum Fantay. C’est-à-dire cette expression sonore instrumentale, fruit d’ mélange de space et de prog rock, judicieusement parfumé de psychédélisme, d’électro, de reggae et de dub, qui doit autant à Ozric Tentacles que Steve Hillage.
Le groupe belge fête ses 10 années d’existence, en 2012, mais on se demande quand même comment il va se débrouiller pour pallier l’absence de leur flûtiste…
Masha Qrella est une interprète germano-russe dont « Analogies » constitue le quatrième labeur. Un LP de pop mollassonne et gentillette. Les morceaux de la demoiselle dépassent rarement les quatre minutes mais semblent tirer indéfiniment en longueur. Des compositions à peine dignes de servir de bruit de fond (les insupportables « Crooked Dreams », « Fishing Buddies », « Call My Name »).
La Berlinoise parvient parfois à créer de jolies mélodies (« Last Dance », la pop jazzy de « Take Your Time »), très vite embuées par des vocalises niaises qui tente de nous faire croire que tout va pour le mieux dans le meilleur des mondes. Un disque sans risques ni intérêt.
The Motives est une nouvelle formation anglaise qui puise son inspiration à la fois dans le New York des années 40, le Chicago des fifties et le Londres des 60’s. Matt Taylor en est le leader. Il se réserve le chant, l’écriture et la production. Il avait déjà publié quatre albums en solo. Il a aussi régulièrement bossé pour le regretté Long John Baldry ainsi que milité chez le Snowy White Blues Project. Au sein de son backing band, Andy Graham est préposé à la basse. Il a longuement côtoyé Ian Siegal, l’un des meilleurs bluesmen britanniques de ce début de siècle. Roy Martin siège derrière ses fûts. Il a longtemps mis ses baguettes au service de Patricia Kaas. Particulièrement doué, le claviériste Jonny Dyke ne compte plus les collaborations. Il a également participé aux tournées de Kaas.
Plage rythmée, “Never tell a lie” ouvre la plaque. La voix de Taylor passe bien la rampe. L’orgue Hammond de Dyke tapisse distinctement la solution sonore. Il constitue même un support déterminant pour épauler les sorties du leader sur les cordes. Le jeu de Matt est très fluide. Sa technique est impeccable et il n’hésite pas à nous balancer un chapelet de notes, les triturant même, suivant son inspiration, par des pédales de distorsion (wah wah ?) Une recette qu’il reproduit sur “Cookie jar”. L’entente entre les deux solistes est un élément moteur de l’ensemble et la solide section rythmique en constitue le ciment indispensable. Plus classique, “Leap of faith” est imprimé sur un mid tempo. Une piste qui néanmoins porte bien la marque des Motives, tout en s’inspirant quelque peu du géant texan, Freddie King. Matt élabore un solo de haute volée. “Find another love” ne manque pas d’allure. Subtilement imprimé, le tempo déborde de swing. La structure du morceau est balisée par les interventions chaleureuses à l’orgue Hammond. Une construction qui n’est pas sans me rappeler le style anglais qui allait émerger au terme du british blues boom des sixties. Bref, le niveau musical est plutôt remarquable. Swing et percus hantent l’étrange “The rules don’t apply”. “Looking for the way home” est une compo particulièrement réussie. Le Bo Diddley beat est parfaitement dispensé. Un léger funk syncopé envahit l’atmosphère. Matt joue de la slide comme Lowell George à ses débuts, chez Little Feat, tandis que Dyke s’acharne sur les 88 touches de son piano. Matt chante passionnément “Gone before, une plage indolente et empreinte d’une extrême douceur, au cours de laquelle il communique toute sa sensibilité à travers sa sortie sur les cordes. Taylor reprend “Gangsters”, une chanson signée Rafael Ravenscroft (NDR : souvenez-vous du saxophoniste qui s’était illustré sur le “Baker street” de Gerry Rafferty) qu’il interprétait lorsqu’il accompagnait autrefois le souffleur notoire. “If you were gone” évoque The Cream circa “Crossroads”. “After all this borrowed time” lorgne paradoxalement vers Procol Harum. Même la voix me rappelle Gary Brooker! Une fragrance délicatement 60’s envahit “Nature cruel design”. Les échanges opérés entre Taylor et Dyke sont dignes de ceux rencontrés chez la paire Carlos Santana/Greg Rollie. L’elpee s’achève par un excellent blues rock intitulé “Baby don’t lose my number”, une piste dont le piano boogie woogie nous replonge dans l’ambiance d’un Fats Domino. Bonne nouvelle pour les internautes, un Ep 5 tires datant de 2011 est téléchargeable gratuitement sur leur site
R.J est l’un des tous grands harmonicistes contemporains. Il est originaire de Minneapolis où il s’st forgé sa notoriété en se produisant auprès de musiciens noirs locaux comme Mojo Buford, Sonny Rodgers ou Milwaukee Slim. Au tout début des années 90, il monte son premier groupe et publie dans la foulée son premier album, “R.J and Kid Morgan Blues Band featuring Percy Strother”. Soit l’année suivante. En 98, il décide de déménager à San Francisco. La scène blues californienne y est beaucoup plus vivace! Il y embarque son backing band. Depuis peu, il est parti vivre à Fayetteville, dans l’Arkansas.
« Make it good » constitue son dixième opus. Mischo rock et rolle immédiatement lors d’un “Trouble belt” explosif. Les guitares de Johnny Moeller (Fabulous Thunderbirds) et Nick Curran sont à l’affût. Nick Connolly sautille derrière son piano. Ronnie James Webber secoue sa lourde contrebasse pendant que Wess Starr martèle ses fûts. Le leader sort un harmonica diatonique de sa poche et entraîne son ensemble dans un instrumental proche du Memphis sound. Faut dire que Connolly est passé à l’orgue Hammond. Moeller semble possédé. Il joue très nerveusement, comme si sa vie en dépendait. R.J jouit d’une classe naturelle. Il peut tout faire. Et repousse les limites de son talent, sur les compos instrumentales. “Elevator juice” en est certainement la plus belle démonstration. Mais aussi “Papa’s S.T special”, un country blues qui rend hommage à Sonny Terry, une piste caractérisée par ses cris en whooping, dans une ambiance reproduisant la séquence d’un film au cours duquel un train bien sur rails est lancé à vive allure. Ou encore “Arumbala”, une plage découpée en deux parties. Dévastatrice, elle est fouettée par des percussions tribales. “Minnesota woman” ressuscite le blues chicagolais du bon vieux temps. Chevrotante, la voix de Mischo souffle en sanglots comme Sonny Boy Williamson II. Blues lent de toute bonne facture, “Not a good man” traduit toute sa passion, son mal de vivre. Il emprunte des cris d’harmonicas à Little Walter! Et au chant, R.J s’en tire avec panache. Remuant, dansant, “I got you covered” lorgne vers le R&B. Jump à la californienne, “The biscuit is back” est chargé de swing. Moeller se déchaîne. R.J souffle une nouvelle fois comme Sonny Boy (NDR : au cours des années 40, ce dernier animait l’émission “King Biscuit” sur une radio sise du côté de Helena, en Arkansas, non loin des berges du Mississippi). “All over again” puise dans le Chicago profond, concédant un ultime appel à Little Walter. Deux plages ont été immortalisées à Saint Paul, dans le Minnesota. Pour la circonstance, il avait reçu le concours d’amis locaux. La plage éponyme, tout d’abord. Un excellent Chicago shuffle. Aux cordes, son pote Jeremy Johnson est impressionnant. Ses interventions sont chaleureuses, torrides, alors que Richard Medek balise le tempo. “Up to the brim” est un autre instrumental. Mathis et Jeremy se partagent ce titre en duo. Ce dernier dans un style proche du swamp blues rythmé de Slim Harpo. Nous sommes alors à nouveau au cœur des marais de la Louisiane. Du blues 5* que je vous recommande vivement !
Huit longues années que Patti Smith n’avait plus enregistré de véritable album. Paru en 2007, « Twelve » était un elpee consacré exclusivement à des reprises, alors que « The Coral See », concocté en compagnie de Kevin Shields, était réservé à ses poèmes récités sur de longues envolées sonores atmosphériques.
Le titre « Banga » a été emprunté au roman de Mikhaïl Boulgakov, ‘Le maître et la marguerite’. C’est le nom du chien de Pilate. L’elpee ne manque d’ailleurs pas d’hommages ni de références. Ainsi « Fuji-San » est une prière adressée aux victimes du tsunami qui a ravagé le Japon. « This is the girl » revient sur le comportement autodestructeur d’Amy Winehouse, cette remarquable vocaliste victime d’un abus de consommation d’alcool et de drogues. « Maria », nous parle de la fragilité psychologique de Maria Schneider, partenaire de Marlon Brando dans le ‘Dernier tango à Paris’, décédée en 2011.
Sous un aspect plus littéraire, « April fool » est une ballade allègre inspirée par Nicolas Gogol, un écrivain russe d'origine ukrainienne, alors que sur « Tarkovsky (The second stop is Jupiter »), elle marche sur les pas du grand réalisateur de cinéma, mort en exil en 1986, tout en récitant ses vers a cappella. Quant au morceau d’ouverture, « Amerigo », il nous invite à revivre le périple qui a permis à Amerigo Vespucci de découvrir le Nouveau Monde. Si le très ‘televisionesque’ « Nine », est le cadeau d’anniversaire adressé à Johnny Depp (NDR : il est né un 9 juin !), ce dernier apporte finalement et paradoxalement son concours au titre maître. « Constanine’s Dream » s’inspire de la fresque ‘Le Rêve de Constantin’ de Piero della Francesca, un grand maître de la Renaissance. En filigrane, cette œuvre est toujours hantée par les fantômes d’Allen Ginsberg, d’Arthur Rimbaud, ses maîtres, ainsi que de feu son époux, Fred ‘Sonic’ Smith, disparu à l’âge de 44 ans.
Jackson et Jesse, ses deux enfants, ont participé aux sessions d’enregistrement de l’album. Le premier joue de la guitare, le second au piano. Et en studio, elle a pu bénéficier du concours de quelques invités mais surtout de son band habituel. Soit le gratteur Lenny Kaye, le drummer Jay Dee Daugherty et le bassiste/claviériste Tony Shanahan. Sans oublier la présence de Tom Verlaine sur deux plages.
Ce superbe opus s’achève par « After The gold rush », une reprise de Neil Young, au cours de laquelle Patti est soutenue, en fin de parcours, par une chorale d’enfants.
Patti Smith est en tournée cet été en Europe et se produira, en particulier, à l’Openlucht Rivierenhof d’Anvers ce 1er juillet, festival programmé du 20/06 au 7/09, qui accueillera également Portishead, OMD ainsi que Sigur Ròs ( www.openluchttheater.be ) ; et dans le cadre des Ardentes, ce 5 du même mois, à Liège, festival au cours duquel sont également à l’affiche Dyonisos, Morrissey, The Jon Spencer Blues Explosion, Yeasayer et Hubert-Felix Thiefaine et bien d’autres… ( http://www.lesardentes.be/2012/fr/ )
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