Tom Petty est un artiste attachant. Issu de la scène rock, ce musicien est parvenu à puiser au sein d’une multitude de styles pour créer une musique bien américaine, que l’on qualifie aujourd’hui d’ailleurs d’americana. En fait, il s’agit tout simplement de bon vieux rock, teinté de fortes colorations country, et épicé d’un zeste de blues et de folk. Il y a bien longtemps qu’il roule sa bosse sur les routes du rock ; mais j’ai quand même été surpris d’apprendre qu’il allait souffler ses 60 bougies, en octobre 2010.

Ce garçon, aux cheveux blonds filasse est originaire de l’état du soleil, la Floride. Au cours des années 70, il monte son groupe, les Heartbreakers. Le combo publie son premier elpee en 1976. Il est éponyme. Et recèle déjà deux futurs classiques "Breakdown" et "American girl". Depuis, il a parfaitement mené sa barque, même si depuis l’an 2000, il s’est montré relativement un peu plus discret, concoctant "The last DJ" en 2002, "Highway companion" (NDR : en solo) quatre ans plus tard, et "The Live Anthology", fin de l’année dernière. Il a baptisé son nouvel, "Mojo". Ce qui lui confère une étiquette plutôt blues ; et manifestement, on y retrouve régulièrement des tempos empruntés au blues! Tom chante, bien sûr, et joue de la guitare. Il est soutenu par ses fidèles musiciens : les guitaristes Scott Thurston et surtout Mike Campbell, l’organiste Benmont Tench, le bassiste Ron Blair et le drummer Steve Ferrone.

"Jefferson Jericho blues" ouvre l’elpee. Le tempo est imprimé sur le rythme du chemin de fer, si souvent popularisé dans le blues du sud. La compo véhicule des accents empruntés au Mississippi et à la Louisiane. Thurston se réserve l’harmonica tout au long de cette ballade empreinte de douceur et bien construite. Les instruments baignent dans une certaine forme de quiétude, mais également de subtilité, à l’instar du Steely Dan au sommet de son art! Blues/rock, "Running man’s bible" met en exergue Mr Petty à la guitare solo. Et bien sûr au chant. Sa voix est très convaincante tout au long de cette plage traversée de climats rythmiques torrides, et dont l’atmosphère est réminiscente de l’album "L.A woman" des Doors. "The trip to Pirate’s cove" est une ballade majestueuse, dont la densité et la richesse sont entretenues par les cordes de Campbell et l’orgue Hammond de Tench. Du Tom Petty and The Heartbreakers par excellence ! Relax, "Candy" campe un blues rocker bien dans l'esprit de JJ Cale. Et il est excellent. Autre ballade, "No reason to cry" trempe dans la country. Une plage délicieuse au cours de laquelle Mike Campbell se réserve la lap steel guitare. Largement amplifié, puissant, "I should have know it" libère toute son intensité, une intensité dramatique entretenue par les riffs de gratte. "US 41" s’ouvre sous une forme de blues empreint de légèreté, avant de s’engraisser au contact de la slide de Campbell, mais aussi de l'harmonica. Inspiré par le géant du southside, Muddy Waters, "Takin' my time" baigne dans le Chicago blues. Et pour cause, son riff est tellement proche de "Mannish boy". Au bord de la saturation, les cordes sont pourtant bien maîtrisées. Tom poursuit son parcours dans l’univers du blues, en délivrant un "Let yourself go" rondement mené. Talonné par l'harmo de Thurston, Campbell est alors au sommet de son art. Et "Lover's touch" évolue dans le même registre. "Don't pull me over" émarge au reggae. Tom attaque un autre blues rock qui ne maque pas d’allure : "High in the morning", une compo au cours de laquelle son timbre est tellement proche de celui de Dylan! D’excellente facture, cette œuvre nous réserve encore deux somptueuses ballades, "Something good coming" et "Good enough".

Comment ne pas aborder OMD sans nostalgie et révérence quand on songe au passé et à ces titres imprimés dans l'imaginaire collectif (NDR : « Electricity », « Enola Gay », etc.) Seule perspective salvatrice pour affronter ce qu'il est convenu d'appeler un (très) mauvais disque.

Je me suis penché au chevet de ce onzième album studio avec compassion, compréhension et mansuétude. Bien que pessimiste d'entrée suite aux critiques fort peu élogieuses qui fusaient de toutes parts et au vu d'une carrière placée longtemps entre charentaises, après avoir essuyé de nombreuses déceptions au fil d’albums dont la qualité s’effilochait progressivement, j’ai donc décidé d'accorder le temps et l'attention nécessaire pour me construire une idée vierge de toute remarque extérieure. Las! On ne vit pas de « Souvenir », et à mi chemin, j’ai compris que rien n'y ferait. Il est vain de vouloir sauver les apparences. Malgré les retrouvailles de la paire Mc Cluskey – Humphreys, les années d’or sont enterrées et le génie n’opère plus. Pas plus que la magie. Ce come-back sous les projecteurs ressemble bel et bien à la dernière Cène. Opérant un retour aux sources axé sur le son d’hier comme modèle d’aujourd’hui, le projet gonflé à l’hélium s’essouffle comme une baudruche.

Au final, le constat est plus qu'amer. Le fiel qui coule de ma plume est nourri de l’amour que je porte aux moments de grâce élaborés jadis par ces architectes d’un style novateur. Ce qu’ils nous proposent aujourd’hui n’est rien moins qu’une parodie d’eux-mêmes. Ce retour à la compétition est ce qu'on pouvait imaginer de pire. Oui, ce disque est foncièrement laid.

Comme projeté des années en avant, et contemplant le corps décrépi d’un amour de jeunesse qui se serait flétri, je ne peux que me remémorer la beauté d’hier pour affronter la dure réalité d’aujourd’hui. Ce qui était n’est plus. Bonjour mélancolie !

Nous sommes en 2010 et « Architecture and morality », « Organisation » et « Dazzle Ships » font partie du passé. « History of modern » lui, flotte grossièrement entre deux époques, polluant la discographie déjà ternie de ce combo pourtant culte. 

Le titre lui-même fait référence à leurs débuts et cette attitude passéiste colle comme un goût pâteux du début à la fin de cet opus. Mais ce qui ressort plus que tout, c’est le hideux qui suinte au détour de presque chaque plage.

Usant et abusant de gimmicks outranciers, voire carrément pompiers, de sonorités dépassées et bavantes dignes des pires variétés kitsh mais sans une once d'humour sous-jacent, des mélodies enfantines frôlant la crétinerie (« Sister Mary says » rappelle Mon petit Poney), et des chœurs lyriques baroques affligeants, cet album sonne le gras d'une carrière déclinée au passé simple. L'aura pâlit. De ce salmigondis abject, ne subsiste que quelques fausses bonnes idées qui font encore illusion, mais plus par pitié qu'autre chose. Au mieux inspiré par Kraftwerk (appelons ceci un hommage) sur « The future, the past and forever after » dont le seul titre suffit à jeter le doute, parfois touchant de gaucherie dans ses tentatives de rajeunir les murs du son (« Sometimes »), c'est tout l'édifice OMD qui sombre et prend eau de toutes parts.

Ressassant le passé, s'auto parodiant jusqu'au plus grand ridicule, Orchestral manœuvre maladroitement et se plante royalement.

L'album se clôture sur un titre évocateur. « The right side? ». Et poser la question, c'est déjà y répondre. Certains disques devraient être gravés sur support réinscriptible...

J’ai découvert Roy Orbison en 1989. Lors de la sortie de son album « The Mistery Girl » et son tube planétaire « You got it ». Fait particulier, cet elpee avait été finalisé quelques semaines après le décès de l’artiste. Ce qui explique pourquoi aucun titre de cet opus, judicieusement intitulé « The Last concert », ne figure sur le ‘live’, accordé le 4 décembre 1988.

Sa dernière apparition à la TV, avait servi de fil conducteur au clip « You got it ». Il avait été tourné en Belgique, lors des Diamond awards d’Anvers, fin novembre.

Contrairement aux rumeurs qui ont longtemps circulé, Roy Kelton Orbison n’est pas décédé des suites d’une longue et pénible maladie, mais d’une crise cardiaque. Alors que sa carrière prenait un nouvel élan (après avoir rencontré une période de gloire début des 60’s), il semble surtout avoir été victime d’un agenda trop chargé.

Ce dernier concert passe en revue les classiques rock’n’roll du songwriter. Des tubes, pour la plupart signés chez Monument Records, dont « Only the lonely » (en ouverture), « Dream baby », « It’s over » et en finale, l’inévitable « Oh, pretty woman », remis au goût du jour lors de la sortie du long métrage du même nom.

Tout au long de ce disque, la voix unique (baryton) de notre homme se conjugue avec des chœurs black et des mélodies tantôt country, tantôt plus bluesy. Le son est correct pour un live de l’époque. Ce Cd constitue  donc une belle occasion de (re)découvrir l’une des plus grandes figures du rock’n’roll, qui a d’ailleurs été ajouté au fameux Hollywood Walk of Fame, en janvier 2010.

Bonne nouvelle : Kevin Barnes a toujours l’esprit en ébullition. Donc pas de panne sèche, malgré le relatif succès des deux derniers albums de son groupe. Tout d’abord le génial « Hissing Fauna, Are You the Destroyer ». Ensuite le tout aussi délirant « Skeletal Lamping ». Premier bémol, si « False Priest » est très réussi, il n’épouse pas la forme psychédélique optimale de l’avant-dernier elpee, publié en 1997. Et seconde observation : il est davantage dansant, mais moins rock que son tout dernier. En fait on a souvent l’impression que l’expression sonore du nouvel opus emprunte très souvent un profil disco réminiscent du « Midnite Vulture » de Beck (« You Do Mutilate ? ») A moins qu’il ne soit hanté par l’esprit de Prince. Ce qui n’empêche pas Barnes de continuer à expérimenter. De véhiculer une idéologie toujours aussi punk et débauchée (« Girl Named Hello »), de tâter du funk (« Godly Intersex »), du rock (« Coquet Coquette ») et surtout de la pop. Bref, de se garder continuellement ses méninges en éveil, à l’instar de l’image de la pochette de ce disque, qu’il a personnellement imaginée. Le dixième long playing d’Of Montreal creuse en profondeur le sillon de la pop, mais aussi du r&b (NDR : pensez à Parliament et Funkadelic). Kevin y échange même quelques duos. En compagnie de la nouvelle diva de la soul, Janelle Monae sur les très réussis « Our Riotous Defects » et « Enemy Gene ». Ainsi que de la petite sœur de Beyonce, Solange (dont Kevin Barnes a d’ailleurs produit le dernier album), sur le très explicite et boogie « Sex Karma ».

« False Priest » est un album riche, voire kaléidoscopique. Ce qui explique pourquoi il nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. Un disque qui a bénéficié de la mise en forme du formidable producteur, Jon Biron.