L’air de rien, la carrière solo de Bob Mould –post-Hüsker Dü et Sugar– est riche de 13 albums depuis ses débuts opérés en 1989 ! Et le sexagénaire ne semble pas prêt de se calmer si l’on en croit le ton très brut de « Blue Hearts » (référence évidente à son penchant plutôt démocrate…), une œuvre qui navigue dans les eaux jamais lassantes du power-punk/hardcore à haute teneur mélodique.
La plume est acérée et attaque frontalement l’ex-gouvernement Trump (« American Crisis »), la perte de liberté, la pollution globalisée, etc.
Un opus dont les 14 morceaux dispensés en 35 minutes sont autant salutaires musicalement que politiquement : ‘Here’s the newest American crisis / Thanks to evangelical ISIS / People suffer in the streets each day / While you take a little change / From the offering tray / It’s another American crisis / You can see how the lives divide us/ World turning darker every day / In a fucked up USA » ! (Trad : ‘Voici la nouvelle crise américaine / Merci à l’ISIS évangélique / Les gens souffrent dans les rues chaque jour / Pendant que vous prenez un peu de monnaie / Dans le plateau des offrandes / C'est une autre crise américaine / Vous pouvez voir comment les vies nous divisent / Le monde devient de plus en plus sombre au fil du temps / Dans un USA foutu !’)
Bob Mould — New Release: Distortion CD/LP Box Sets
« Wrestler » constitue le deuxième elpee de ce trio danois, un disque qui fait suite à « Noise & Romance », paru en 2019. Un groupe dont la musique, riche en contrastes, mêle à la fois la noisy, le shoegaze, le grunge, le post et le punk rock. Notamment. Ainsi, si le tempo peut se révéler aussi versatile que chez Pavement, l’emphase et les harmonies vocales éthérées (NDR : Bertelsen chante en falsetto) sont susceptibles de rappeler Flaming Lips voire le Mercury Rev originel (NDR : « Cinnamon girl » bénéficie même d’arrangements luxuriants), alors que le titre maître baigne carrément dans le slowcore. Les guitares grincent, gémissent, dissonent, percutent, agressent ou charment. Le drumming peut se révéler aride ou versatile. « A good year to go across country » adopte même un tempo pixiesque. Et la ligne de basse devient mordante tout au long de « (What’s so fucking strange about) my idea ». Plus expérimentale et électro, beats y compris, « Gonzo », la plage qui clôt cet elpee, évolue sur un rythme krautrock tout en concédant des accords de gratte funk.
Enfin, les textes abordent le thème de la dualité entre le passé et le présent ainsi qu’entre la société et l’individu…
Alors qu’il nous est interdit de quitter notre chère Belgique pour y prendre quelques jours de vacances, sous des climats plus cléments, il est indispensable de dénicher un exutoire. La musique peut remplir ce rôle à merveille et Bananagun appartient sans aucun doute à cette catégorie de groupes très susceptibles de vous donner la banane (difficile de passer à côté de ce facile jeu de mots…), tout en projetant dans votre imaginaire un séjour au sein d’une contrée lointaine, exotique et davantage ensoleillée. On a d’ailleurs l’impression de pénétrer dans la jungle, en intro de « Bird Up ! »…
« The True Story of Bananagun » constitue le 1er elpee de cette formation australienne, issue de Melbourne, très exactement. Les 11 plages de cet opus sont sculptées dans un psyché/rock aux réminiscences 60’s, mais dont le climat tropical est entretenu par des percus, de la flûte, des synthés, des cuivres, des riffs de gratte et surtout des rythmes empruntés au funk et à l’afrobeat. Pas étonnant que la plupart des compos soient nées lors de jam sessions. La musique proposée évoque ainsi tour à tour Talking Heads circa « Remain in light », la formation brésilienne Os Mutantes ou encore Feli Kuti voire William Onyeabor. Et non seulement elle est dépaysante, mais elle incite le mélomane à remuer. Difficile d’ailleurs de résister aux 7 minutes de « People Talk Too Much », dont le groove est tout bonnement hypnotique. Enfin, cerise sur le gâteau, les mélodies se dévoilent au fil des écoutes et finissent par accrocher…
Hâte d’effectuer un voyage en leur compagnie, lors d’un futur concert !
Seize ans plus tôt, Clap Your Hands Say Yeah créait le buzz sur la toile à une époque où les mélomanes achetaient encore des cds et les plateformes musicales n’avaient pas encore une emprise aussi conséquente sur le public lambda. A cette époque, donc, éponyme, le premier opus de cette formation new-yorkaise faisait florès, surtout dans l’univers de la scène indie rock.
Caractéristique principale du band, la voix nasillarde d’Alec Ounsworth, et puis une expression sonore manifestement inspirée par James. Dans la foulée, « Some Loud Thunder » (2007) et Hysterical (2011) parviennent encore à susciter un certain engouement auprès des premiers aficionados. Mais les deux long playings suivants (« Only Run » en 2014 et « The Tourist » en 2017) annoncent un inexorable déclin.
Pour enregistrer le sixième album, Alec –seul rescapé du line up initial– semble avoir retrouvé l’inspiration. Un peu comme lors des débuts de CYHSY. En outre, il s’est chargé de la mise en forme, de la composition, des arrangements et de l’écriture. Des textes qui relatent les traumatismes causés et les interrogations soulevées par une Amérique victime du ‘trumpisme’.
Lyriques, les compos bénéficient d’une instrumentation plus riche, à l’instar d’ « Innocent Weight », une plage tapissée de cordes. Le disque recèle également une belle ballade acoustique (« Where They Perform Miracles »), traversée par une superbe intervention à l’harmonica. Enfin, le songwriter nous rappelle qu’il a conservé son sens aiguisé de la mélodie sur les excellents « Hesitating Nation » ou encore sur « Mirror Song ».
« New Fragility » devrait rendre une bonne partie de son crédit à Clap Your Hands Say Yeah. En espérant qu’Alec Ounsworth poursuive sur la même voie…
Coïncidence, mais à l’écoute de ce « Texas Sun », les premiers rayons de soleil commençaient à faire leur apparition. Parce que cet Ep est chargé de bonnes ‘vibes’. Quatre plages livrées de conserve par le trio enfumé Khruangbin et le soulman Leon Bridges ! Après avoir tourné ensemble en 2018, les artistes ont voulu immortaliser ce périple sur disque. Une excellente idée qui permet de savourer cette synergie entre la voix gospel de crooner de Leon et les rythmes très cool, quasi dub, du groupe de Houston à la pointe de la hype. ‘Si vous laissez la musique faire ce qu’elle est censée faire, elle se révélera d’elle-même’, a déclaré Laura Lee, bassiste de Khruangbin. A méditer !
Ecrire quelques mots au sujet d’un disque paru il y a 6 ans constitue un exercice périlleux. L’Ep « Third Eye » de Naked (In a Sphere) attendait en effet dans ma pile des disques encore à chroniquer, depuis 2015. Après quelques écoutes, difficile de dire si ce sont les goûts qui ont évolué à ce point depuis lors, mais ces légères réminiscences d’Evanescence (NDR : ça rime !) me sont totalement étrangères et semblent diablement datées…
Active depuis 2011, la formation sarthoise propose, tout au long de « Third Eye », un rock FM plutôt conventionnel teinté de sonorités trip-hop. Tout est bien réalisé mais vraiment trop ‘propre’ pour laisser une trace quelconque dans l’esprit de votre serviteur…
Premier elpee pour ce quatuor londonien fondé en 2019. Une œuvre qui baigne dans le post punk. Mais un post punk particulièrement dynamique et créatif. Parfois tapissé en toile de fond d’indus. Hormis l’interlude ambient « History work », les onze autres plages de « Uppers » remuent les tripes. Bien sûr le climat est, en général, sombre, reflétant un sentiment de désespoir, de hargne ou de colère, un sentiment exacerbé par la voix déclamatoire et caverneuse de Charlie Drinkwater dont les intonations semblent empruntées à Mark E. Smith, feu le leader de The Fall –encore que sur « Leg room », on pense plutôt à Captain Beefheart (NDR : oui, Don Van Vliet est également décédé, mais huit ans plus tôt) ; mais ce climat est propice à l’envoûtement.
Les guitares sont acérées, tranchantes, parfois trempées dans le funk blanc (« The big curve », « Decoration »), la ligne de basse est mordante comme celle de Jean-Jacques Burnel (The Stranglers), la rythmique lourde, mais offensive et les claviers s’avèrent aussi grinçants qu’acides. Et puis, malgré la complexité des morceaux, le sens mélodique est préservé. Enfin, l’opus s’achève par l’irrésistible « Saintless », un hymne de plus de 7’ qui monte progressivement en intensité avant d’atteindre son point culminant proche de l’euphorie…
Un must !
Second elpee pour ce quintet glaswégien dont l’originalité procède de la présence d’une clarinette qui s’insinue au cœur d’une majorité de compos, à la manière d’un Steven Brown (Tuxedomoon). C’est Georgia Harris qui s’en charge, outre la guitare et le lead vocal. Une voix tour à tour laconique ou versatile régulièrement conjuguée à celle d’Eothen Stern, mais parfois dispensée sous la forme d’une contre-voix. A l’instar de « Piece together », le titre qui ouvre l’opus, une compo lancinante au sein de laquelle se glisse une guitare serpentine. Mais ces harmonies vocales peuvent devenir incantatoires et ombrageuses, un peu comme chez Siouxsie Sioux (« Zöe »).
La plupart des plages sont paradoxalement minimalistes mais parfois aussi complexes. « Power cut » nous entraîne ainsi dans un univers psychédélique aux pulsations métronomiques. Une piste de 7’ dont le final est particulièrement intense. Plus curieux encore, « Outta space » macère au sein d’un climat blafard qui rappelle quelque part Tom Waits.
Le combo a beau citer Brian Eno comme influence majeure. On ne voit vraiment pas où. Mais une chose est sûre, cet album sort vraiment de l’ordinaire…
Midnight Sister, c’est le projet de Juliana Giraffe et Ari Balouzian, un duo issu de Los Angeles. Elle est cinéaste, plasticienne et chanteuse. De formation classique, il est producteur, compositeur de musiques de films, claviériste et se consacre aux instruments à cordes. Pour enregistrer son deuxième opus, le couple a reçu le concours d’un backing group se partageant le mellotron, le wurlitzer, l’accordéon, la basse, le violoncelle, la pedal steel, la guitare, les drums, les percus, les cloches et autres sifflets. Sans oublier une section de cuivres.
Intitulé « Painting the roses », cet LP baigne au sein d’une forme de nu disco mâtinée de glam, de pop baroque, de jazz, de psychédélisme ainsi que de musique classique et cinématographique. Notamment ! Sans oublier les chœurs. Tantôt spectraux, angéliques ou en couches. Et même beatlenesques sur « Sorry for the trees ». Indolente, cabaret, elle invite steel guitare, ukulélé et arrangements de cordes emphatiques. D’ailleurs les arrangements de cordes et/ou de cuivres sont légion. Et de nombreuses références aux seventies marquent les compos de cet elpee. Du disco, d’abord. Donna Summer et Chic sur le groovy « Sirens ». Les Bee Gees sur « Limousine ». Du glitter rock ensuite. Marc Bolan sur « Foxes », une ballade mid tempo aux arrangements tarabiscotés inspirés d’Electric Light Orchestra et des Fab Four circa « Magical Mystery Tour ». De la soul bien 70’s sur le slow crapuleux « Satellite ». Mais encore des claviers vintage, veloutés, à la manière de Rod Argent, sur « Tomorrowland ». On a même droit à une touche de free jazz (ce saxophone !) sur « Dearly departed », une plage subrepticement tapissée de chœurs spectraux et qui passe en mode nightclubbien, à mi-parcours…
On en oublierait presque la voix de Giraffe. Sensuelle, théâtrale et vaporeuse, elle évoque parfois celle de Marylin Monroe.
Enfin, le titre de l’album s’inspire du voyage effectué en Argentine par Juliana, afin de retrouver ses racines. Proposé sous la forme d’un tango, « Doctor says », en est une belle illustration.
Rennaise, Laura Perrudin est tombée dans la marmite musicale dès sa plus tendre enfance. Et pour une Bretonne, il était naturel d’apprendre à jouer de la harpe celtique dès l’âge de huit ans. Elle s’intéresse ensuite aux instruments plus classiques dont elle assimile la pratique, en parfaite autodidacte ; et, en parallèle, suit des cours dans une école de jazz. C’est donc avec de bonnes cartes en main qu’elle entame son parcours et réalise ses premiers enregistrements. Au fil du temps, elle parvient à se forger un univers bien personnel. A l’aide d’une harpe chromatique électrique unique en son genre, elle mélange les genres. Ne vous attendez cependant pas à plonger au sein d’un univers aussi baroque que celui de Joanna Newsom. Laura Perrudin agrémente sa pop de touches jazzy, soul, électro voire hip hop. Tout y passe ! Elle superpose des boucles, passe de l’électrique à l’acoustique et varie ses interventions vocales, suivant son humeur. Bref, son expression sonore est riche en nuances.
« Impressions », son premier opus, est paru en 2015. Mais c’est « Poisons & Antidotes », un elpee gravé deux ans plus tard, qui lui permet de se produire lors de festivals, tant consacrés au jazz qu’aux musiques alternatives. Et également d’assurer des supporting acts pour des artistes comme Zucchero et surtout Ibrahim Maalouf.
Intitulé « Perspectives & Avatars », son troisième long playing s’inscrit totalement dans la lignée de ses précédents essais. Mais elle y a bénéficié du concours de prestigieux invités tels que Philippe Katerine, Ian Chang (Son Lux, Moses Sumney) ou encore les chanteuses de jazz américaine Becca Stevens et tunisienne de world et trip hop, Emel Mathlouthi…
Peu connue dans nos contrées, Laura Perrudin mériterait à coup sûr une oreille bien plus attentive des mélomanes. Avec un peu de chance, on pourra peut-être la découvrir prochainement sur les planches, en Belgique…
Best Youth est un duo portugais réunissant Ed Rocha Gonçalves et Catarina Salinas. Son premier elpee, « Highway moon », est paru en 2017, une œuvre baignant au sein d’une douceur toute méditerranéenne…
A l’instar de Beach House (sans la même finesse toutefois), il développe une dream-pop légèrement électronique plus accessible que celle du magique tandem franco-américain. La musique proposée tout au long de « Highway Moon » campe un hybride entre celle de la paire de Baltimore et les humeurs plus FM d’Angus & Julia Stone. Et il est abouti. Les ambiances éthérées chères à The XX ne sont jamais très loin non plus (« Mirrorball ») …
Chanteuse et comédienne, Carima Amarouche a opté pour Karîmouche, comme patronyme de scène. Elle a vu le jour à Angoulême dans une famille berbère. Et aujourd’hui, la diva sub-saharienne s’érige en fidèle dépositaire des coutumes de la musique du Bled.
Six ans après avoir gravé « Action », son précédent LP, et onze ans après son premier, « Emballage d’origine », elle nous propose donc son troisième, « Folies Berbères ».
Réalisé par Tom Fire (Suzane, Melissa Laveaux, Winston McAnuff), elle y chante d’une voix chaude et frondeuse, rappelant celle de… Suzane (NDR : tiens, tiens !), le bonheur, ses racines, l'amour et les désillusions sous des beats hypnotiques et des instruments comme résonnance de ses origines berbères. Une œuvre qui sent bon la chaleur du sable chaud et les montagnes du Bled. Mais si l’influence orientale est résolument assumée, elle ne bouscule pas moins les frontières établies.
Suivant son habitude, elle conjugue poésie, chronique sociale et sens de la dérision, combinaison qu’elle manie à coups d’auto-tune.
Référence au film culte de Francis Ford Coppola, « Apocalype Now » constitue une critique brûlante sur l’environnement.
Elle délivre des messages universels, évoque la citoyenneté désabusée (« La Promesse De Marianne »), fustige la téléréalité et ses gloires faciles (« Polluée ») et ose une étude sociale ainsi qu’un analyse sociétale tout au long de « Dans Ma Ville ».
Entre trip hop et musique orientale « L’Ecume Des Sourds » nous replonge dans le Bled.
La chanteuse brésilienne Flavia Coelho vient donner de la voix sur « Princesses ». Issue d'une famille matriarcale, Carima y dénonce le machisme, le racisme, mais, là encore, sans aigreur, avec humour, en mode guerrière : ‘J'suis pas ta beurette à chicha, ta biquette à shawarma, ta barrette de zetla, ni ta charrette à charia’, rappe-t-elle dans le premier couplet, avant d'assumer, avec classe : ‘Je veux de la haute couture, des mots cousus sur mesure !’ Berbère on l’est ou on ne l’est pas.
Autre collaboration, celle de R.Wan, parrain du rap-musette et considéré comme l’un des plus talentueux paroliers de sa génération, pour « Néon ».
Petit Tourbillon » nous entraîne sur les plages de Kingston, en souvenir de Bob Marley.
Et c’est chargé de « Spleen » que s’achève la dernière piste de ce long playing…
Nederlands 
Français 
