Alors qu’en août dernier, Indochine publiait un premier recueil réunissant tous ses singles, commis entre 2001 et 2021, un second volume vient de paraître. Intitulé « Singles collection 2 », il se concentre sur la période sise entre 1981 et 2001.
Formé en 1981, le combo a vécu quelques changements de line up depuis ses débuts. Ce qui ne l’empêche pas, aujourd’hui encore, d’attirer de nouveaux fans et surtout d’établir un pont entre différentes générations. Et notamment entre les parents nostalgiques et les enfants en recherche perpétuelle de renouveau.
Car un des principaux défis du combo, c’est d’expérimenter tout en conservant une approche populaire de la musique.
Cette compile réunit 32 titres, parmi lesquels figurent les nombreux tubes d’Indochine. Mais ils prennent ici une dimension toute particulière grâce aux effets dynamiques que les nostalgiques des sonorités des années 80-90 risquent de regretter amèrement.
Parmi les modifications marquantes, on épinglera l’ajout de paroles sur certains morceaux, et tout particulièrement sur « Stef II » ; mais aussi, et à l’instar du premier chapitre, quelques pépites épurées sobrement baptisées ‘les pianos sans voix’ ou encore ‘la guitare voix’, soit des versions de compos que les moins de 20 ans connaissent forcément.
Enfin, l’énigmatique Christine and the Queens partage un duo avec Nicola pour le « 3e sexe » (NDR : ce titre figurait également sur l’album « 3 », gravé en 1986 !), hymne à la tolérance sexuelle plus que jamais d’actualité, histoire de marquer le coup d’un quarantième anniversaire placé sous le signe du (dé)(re)confinement. Sirkis livre là une version bien personnelle sous un angle peu ou prou inspirée, mais dont le résultat est aussi surprenant que jubilatoire.
The Sonic Dawn est un trio danois qui puise essentiellement ses influences au sein du psychédélisme issu des 60’s et des 70’s. Une référence ? The Strawberry Alarm Clock.
Découpé en 10 pistes, « Enter the mirage » constitue son quatrième elpee, un disque qui s’ouvre par le très garage « Young love », un titre qui aurait pu figurer sur des compiles ‘Nuggets’ ou ‘Peebles’, mais également au répertoire du combo australien, The Stems.
La plupart des autres morceaux baignent dans une forme de psyché/pop qui se charge de nuances, suivant les morceaux. « Loose ends » s’achève dans un trip exotique. Caractérisé par son solo de sèche et infiltré par un léger filet d’orgue, « Children of the night » adopte un profil davantage folk. Rogné, le clavier tapisse de nombreux titres. Il domine même son sujet sur « Join the head », une plage qui emprunte quelques accents acid house aux Stone Roses. « Shape shifter » vire du blues/rock à la prog. Et ces claviers fluidifient « Soul sacrifice », une compo dynamisée par des percus latino, tout en adressant un clin d’œil à Santana. Le groupe a recours aux bandes passées à l’envers, comme à la belle époque des Beatles (NDR : pensez à « Strawberry fields forever) sur « Hits of acid ». Et n’oublie pas de saupoudrer, de temps à autre, ses compos de sonorités de sitar. Enfin, « Ufo », titre qui clôt cet LP, nous propulse dans l’univers cosmique du Floyd, cira « More ». Et on en oublierait presque les chouettes harmonies vocales ainsi que le falsetto d’Emil Bureau.
Une œuvre sans doute revivaliste, mais particulièrement agréable à écouter. Si vous appréciez Allah-Las, « Enter the mirage » devrait vous plaire…
On peut s’attendre à tout d’un groupe quand il choisit pour patronyme Guantanamo Baywatch ! Issu de Portland, dans l’Oregon, ce trio fondé en 2010 nous propose son quatrième elpee. En 29 minutes, il déverse des effluves surf, psyché et forcément garage, vitaminées à souhait.
Entre obligatoires mais impeccables plages instrumentales (« Conquistador ») et vignettes estivales baignées de soul (« Neglect »), il entretient un ‘spirit’ rock’n’roll 50’s (« Mesa, AZ »). Le tout avec un fort goût de ‘Tarantino movie’… of course !
« Return to Greendale » n’est autre que la version ‘live’ de « Greendale », un album de Neil Young paru en 2003. On y raconte l’histoire d’une famille confrontée à un meurtre dans la petite ville fictive de Greendale. Un récit imaginaire destiné à développer des thèmes chers au loner, tels que l’environnement, la place de l’être humain dans la société moderne et la corruption organisée par les multinationales et les politiciens véreux. Dix titres en plus d’une heure dix, dont certains dépassent les 10’ (NDR : 13’23 pour « Grandpa's Interview », une plage dont les riffs crasseux rappellent « Cowgirl in the sand »).
Hormis l’acoustique « Bandit » et « Bringin’ down the river », dont le spleen infini est accentué par l’orgue à soufflets, le fil rouge des compos repose sur l’intensité électrique si caractéristique chez le Crazy Horse. Même les blues. Que ce soit le cool, sale et chaloupé « Double E », le boogie « Sun green », au cours duquel Neil n’hésite pas à clamer haut et fort, dans un mégaphone, son point de vue sur la monde politique, qu’il juge corrompu, quand il ne souffle pas dans son harmo ; mais encore « Devil’s sidewalk », un morceau au cours duquel les choristes féminines répètent régulièrement ‘Greendale !’. Un harmonica qui décape la ballade puissante « Leaving the driving ». Et si l’opus s’ouvre par une compo au refrain simple, répétitif et facile à reprendre en chœur (« Fallling from above »), il s’achève par « Be the rain », un hymne qui exhorte à la protection de la nature. Passionné, enrichi de chœurs, il s’agit certainement de la meilleure plage de cet LP.
Pas de mauvaise surprise sur ce « Return to Greendale », mais un album de plus dans la discographie déjà impressionnante de Neil Young. Quand on pense, qu’il vient de graver « Times », un Ep acoustique, sortira « Archives Vol 2 » d’ici quelques semaines et rééditera « After the gold rush », dans le cadre du 50ème anniversaire de sa sortie, en 2021…
Neil Young & Crazy Horse
Bingo Club, c’est le projet de Martin Rousselot. Avant de signer chez le label parisien Fuzo, ce New-Yorkais avait gravé un maxi chez Whale Watch Records. Pour enregistrer « Separated », il a bénéficié de la mise en forme d’Al Carlson (Weyes Blood, St. Vincent) et puis de la participation de toute une volée de chanteuses et de musiciens. En résulte 5 morceaux interprétés en anglais, français ou espagnol, conçus sur la route, entre l’Europe, le Sahara, l’Himalaya et les Etats-Unis.
Y figure le single, titre éponyme de cet Ep, au cours duquel la voix féminine est aussi énigmatique que celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Et puis en final, un slow chanté dans la langue de Molière. Nappé d’orgue, il est aussi crapuleux que « La drague », un tube signé par Guy Bedos et Sophie Daumier en 1973.
Minimaliste, « Now it’s never » pourrait servir de B.O. à un film romantique, s’il n’y avait le chant. Ballade lancinante, « Shallow » est hantée par un orgue de fête foraine, alors que le cotonneux « Dance me » nous entraîne aux confins de l’univers de Mercury Rev.
Emile, c’est le projet d’Emil Bureau, chanteur et guitariste chez The Sonic Dawn ; et il nous propose son premier opus solo. Un disque séparé en deux volets distincts, un peu comme pour un vinyle. Le premier est interprété dans la langue de Shakespeare et propose des thèmes plus personnels, comme la mort, la vie, la perte d’un être cher et la peur de vieillir, alors que chanté dans celle de Pär Lagerkvist, le second nous entraîne au cœur d’un univers sonore énigmatique voire tourmenté, parfois même surréaliste.
Lors des sessions, Emil a reçu le concours de quelques invités, dont ses potes de Sonic Dawn, le bassiste Jonas Waaben et le drummer Niels Bird Fuglede ; mais également le claviériste (Hammond et mellotron) Erik ‘Errka Petersson’, dont les interventions apportent davantage de profondeur à « Birds fall » et « I Krystalkuglens Skær ».
Hormis « Bundløs », un instrumental chargé d’intensité électrique, toutes les autres compos sont atmosphériques et empreintes de délicatesse. Les harmonies vocales sont soignées, Emil se distinguant par sa voix haut-perchée. Et puis il se charge des cordes de gratte. Tant sèches, souvent en picking, qu’électriques. Chargées de reverb, elles nous replongent dans l’univers mélancolique de Durutti Column, sur « At Se Ud Over Sig Selv », nonobstant des accents psyché floydiens, rencontrés en fin de parcours. Elles adoptent un profil jazzyfiant sur « Life upside down » et « Weight of the world”, et sont traitées à la slide sur le bluesy « The black spider ». Elles semblent hantée par Mark Knopfler tout au long de « Step, into the universe ». Enfin, unplugged, elles ondulent tout au long des psyché « Undergangen » et du bref instrumental pastoral « Spirer », soit les deux morceaux qui clôturent ce long playing.
Lors d’une interview de Last Train, réalisée en décembre 2010, le guitariste et le drummer parlaient d’Undervoid en bien. Pas étonnant, quand on sait que cette formation est alsacienne, issue de Strasbourg très exactement. D’ailleurs cet opus a été mis en forme par l’incontournable partisan de l’analogique, Remi Getliffe. « Le noir se fait » constitue son premier elpee, une œuvre dont les lyrics, interprétés dans la langue de Molière, traitent, notamment de l’individualisme, la religion, le totalitarisme, l’écologie, des angoisses face au futur de l’humanité, des dérives de la société de consommation, mais également de l’amour qu’il soit sombre ou rayonnant. Des textes interprétés par la voix rocailleuse d’Arnaud Sumrada, un peu dans l’esprit de Noir Désir, Luke, Saez, Eiffel ou encore Trust, et pas seulement pour les accès métalliques. Encore qu’échevelé et convulsif, le titre maître rappelle « Rock’n’roll » du Led Zeppelin. Parce que tout au long de cet LP, il y a des solos de guitare. Pas envahissants, mais brefs, incisifs et saignants. Hormis le lancinant et mélancolique « Un regard a suffi », excellente plage qui s’enflamme avant de retrouver une certaine forme de sérénité, les morceaux sont particulièrement nerveux, la rythmique groovy, viscérale et les riffs de gratte percutants, sauvages, triturés et même mordants. « Le noir se fait », bientôt ce sera le couvre-feu…
Originaire du Saskatchewan, Dione Taylor est canadienne, Elle chante aussi bien le blues, le roots, le gospel, la soul que le jazz, dans un style qualifié, en général, d’americana, outre-Atlantique. Dione l’a plutôt baptisé ‘Prairie Blues’. Son premier opus, "Open your eyes", remonte à 2004,"Spirits in the water" constitue son cinquième. Pour l’enregistrer, elle s'est tendue à Nashville, dans le Tennessee. Depuis plusieurs années, le guitariste Joel Schwarz milite au sein de son backing band, Backsliders. Pour cet opus, Il occupe une place prépondérante, puisque non seulement il se charge des parties de gratte, mais il cosigne la majorité des plages avec Miss Taylor ; et, enfin, produit impeccablement huit des dix titres.
Orgue et percus amorcent l’excellent "Water", le titre d’ouverture, avant que n’émerge une guitare menaçante, puis la voix claire et tranchante de Dione. Talonnée par les cordes, elle est bien mise en exergue sur le délicatement rythmé "Workin'". Puis, lorsque la compo s’emballe, elle réplique aux chœurs gospel. Une formule reconduite sur "How many times". Très jolie ballade indolente, "Where I belong" nous réserve de nouveaux échanges vocaux et des cordes acoustiques, mais surtout une intervention à la guitare amplifiée de Schwarz. Tramée sur une sèche, "One more shot" est un folk/blues naturellement doux, lent et dépouillé. Ballade, "Darkness" agrège la délicatesse des cordes acoustiques aux électriques redoutables, mais subtilement chiadées.
Deux pistes ont été mises en forme par Sandy Mamane, un ami, qui pour la circonstance a reçu le concours de musiciens différents. "Ain't gonna let nobody turn me around" trempe dans une sorte de folk rockin’ blues dynamique, réminiscent du Led Zeppelin (« III »). Et si la voix de Dione est plus tendre que celle de Page, les cordes pénétrantes du banjo de Nichol Robertson et celles de la guitare de Sean Pinchin raniment ce souvenir. La même équipe nous réserve "Running", un blues/rock qui monte graduellement en puissance. Une chanteuse à découvrir absolument !
Bien que fondée en 2010, cette formation australienne compte déjà 16 albums studio à son actif. Découpé en 10 plages pour 42 minutes, son dernier, « K.G. », baigne au sein d’un psyché/rock qui se nourrit de tonalités microtonales, comme dans la musique arabe, hindoue et raï, des intonations qui nécessitent des accords quarts de ton. Mais également de jazz, folk, funk, prog et métal.
Depuis la sortie de son dernier opus, l’un des batteurs, Eric Moore, a quitté le navire afin de se consacrer ‘full time’ au label Flightless. Le line up est donc réduit à un sextuor. Ce qui ne change pas grand-chose aux facultés du combo à jongler entre les différents styles. Encore que sur ce nouvel LP, King Gizzard & The Lizard Wizard use et parfois abuse de ces tonalités microtonales. Même les guitares sont touchées par cette contagion stéréotypée. Trois ou quatre plages, ça passe, mais dix, ça lasse. Les nuances apportées par le sitar et la flûte allègent souvent les compos. Cependant, elles sont un peu trop rares pour corriger le tir. Pourtant, il y a de l’énergie, de la percussion, parfois même de la folie douce (« Ontology », compo dont les lyrics traitent de la complexité de l’existence humaine), des harmonies vocales limpides, parfois incantatoires… et puis le groove libéré par « Minimum brainsize » nous replonge dans l’acid house de Madchester (Stone Roses ?). Mais le déséquilibre est trop flagrant pour emporter les suffrages de votre serviteur. Dommage !
Etablie sur l'île de Vancouver, à l'extrême ouest du Canada, Big Pacific est une formation de roots rock. Elle nous propose son second opus, "Welcome to the party", un disque qui fait suite à « Big Pacific I », paru en 2018. Constitué de musicos expérimentés, le quatuor est drivé par le chanteur/guitariste Roly Sandeval. Il est épaulé par le claviériste John Hannah (NDR : dans le passé, il a milité chez Heart et au sein du backing group de Bryan Adams), le bassiste Wayne Veillet et le drummer Nick Dokter, ces trois derniers participant généreusement aux vocaux. Ce team de vétérans pratique un rock simple, direct, efficace, remuant et bien imprégné de blues…
Titre judicieux, "Welcome to the party" ouvre l’elpee. Energique, il démontre la maîtrise du band. Les voix collent parfaitement au style. La rythmique adopte des riffs stoniens. Piano et orgue soulignent un ensemble au sein duquel la slide de Roly s'intègre parfaitement. Sans compromis, "Bad girl" s’avère tout aussi nerveux. Tous solidaires du piano, les musiciens créent une solide ambiance autorisant enfin le passage à l'orgue de John Hannah. Exaltés, les quatre chanteurs embraient par "Rack 'em up". Ravageuses et dominatrices, les interventions à la slide s’envolent alors. Introduit aux ivoires, "Slip away" est plus paisible. Mélodieux et allègres, les chœurs se libèrent face au piano et la slide. Entraînant et puissant, le rock/blues "Lovin' arms" adopte un profil presque hard. Accrocheur et funky, "Here on the east side" s’enfonce dans le rockin' r&b. De très jolies harmonies vocales illuminent le country/rock "Hard road", une chouette ballade tapissée par l'orgue. Hannah joue encore un rôle déterminant tout au long de l’amusant "California girl" et de "Blue Moon blues", deux plages qui baignent résolument dans le rock'n'roll. Le long playing nous réserve encore deux bonus tracks, deux pistes acoustiques qui n'apportent rien de bien neuf. Big Pacific est manifestement davantage taillé pour le ‘live’ que pour le studio. Suivant la formule consacrée : “Welcome to the Party”!
Originaire de Melbourne, Cable Ties est drivé par la chanteuse, compositrice et guitariste Jenny McKenchie. Elle est soutenue par une section rythmique impliquant la drummeuse Shauna Boyle et le bassiste Nick Brown. Ce trio compte déjà quatre elpees à son actif. Autoproduit, le précédent (« Say What You Mean ») avait suscité l’attention du label Merge (Fucked Up, Destroyer, Titus Andronicus, …) Ce qui explique pourquoi ce « Far enough » est paru chez cette écurie américaine….
Les huit pistes de cet opus baignent dans une forme de noise-punk susceptible de booster votre moral, en ces sombres journées d’automne… Le long playing s’ouvre par « Hope ». Après une intro tout en douceur, le morceau s’emballe et Jenny en profite pour dire tout ce qu’elle pense du patriarcat. Ambiance ! Et la suite n’est pas piquée des hannetons, puisque ses lyrics reflètent son engagement féministe, quand ils ne témoignent pas de son mécontentement général à l’égard du matérialisme ou du sexisme. La basse sous overdrive assène ses lourds riffs tantôt de manière hypnotique (« Tell Them Where to Go ») tantôt dialogue avec la guitare (« Sandcastles ») alors que la batterie libère un max de puissance. Outre ces morceaux énergiques, Cable Ties nous réserve des plages plus groovy et mélodieuses comme l’excellent « Lani » (7’26 quand même !) Accrocheuse, elle est balisée par une ligne de basse grondante, rappelant même le « One of these days » du Floyd, alors que la guitare grésille ou piaille allègrement quand elle ne se met pas à hurler.
Loin d’avoir gravé l’album de l’année, Cable Ties a manifestement une fameuse pêche et la communique à travers ses compos. Ce qui est réjouissant en cette période plutôt anxiogène…
Agé de 64 balais, Bob Corritore est un des plus brillants harmonicistes contemporains. Il a partagé la scène avec de très nombreux bluesmen notoires, et tout particulièrement sur les planches de son club, ‘The Rhythm Room’, à Phoenix, en Arizona. Ce bluesman à la vie intense est également devenu un animateur radio réputé, à travers ‘Those lowdown blues’, une émission qu’il présente sur KJZZ FM. En outre, sa discographie est conséquente. Sa réputation, il l’a forgée au fil du temps et de ses expériences…
Guitariste californien, Kid Ramos a milité chez le James Harman Band et surtout sévi, pendant dix longues années, au sein des Fabulous Thunderbirds. Il a entamé sa carrière solo, en parallèle. A ce jour, il a gravé cinq elpees sous son propre nom, dont le dernier, "Old school", remonte à 2018.
Les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Phoenix, entre la fin des années 90 et le début du millénaire. Cet opus était paru comme ‘benefit album’, en 2012, pour financer les frais médicaux de Kid qui luttait alors contre un cancer. Toutes les compos ont été masterisées. En outre, le long playing a été enrichi de plusieurs titres inédits. Comme ni Kid ni Bob ne sont chanteurs, ils ont fait appel à de nombreux amis, parmi lesquels figure le pianiste Henry Gray, décédé récemment à l’âge de 95 ans.
Superbe, "Aw shucks baby" ouvre la plaque. Nappy Brown se consacre au chant. Bob est intenable à l’harmonica. Derrière son piano, Henry Gray interprète l'inédit "Come on in". Kid Ramos est alors au sommet de son art. Gray est toujours au poste pour attaquer "I held my baby last night », un excellent downhome blues signé Elmore James. Et encore le remuant "Talkin bout you", une plage issue de sa plume. Blues lent classieux, "24 hours" a été composé par Eddie Boyd, en 1953. Un certain Dr Fish se réserve le micro, alors que Mr Corritore souffle dans l'instrument chromatique. L’émotion est à son comble lorsque Chief Schabuttie Gilliame (NDR : affichant 95 balais, il est né en Egypte) chante d’une voix ravagée, "No more doggin'". "Mother-in-law blues" est une piste indolente jadis popularisée par Junior Parker. Batteur de session, Chico Chism, se charge des parties vocales alors que Ramos dispense une sortie chargée de feeling sur les cordes. Le Kid se distingue encore à la slide tout au long de "Possum in my tree", un morceau que chante autoritairement Big Pete Pearson. Pas la moindre faiblesse sur ce long playing qui recèle, en outre, de remarquables titres de blues classique…
Nederlands 
Français 
