Plus de 4 ans après sa sortie n’est-il pas trop tard pour se rendre à la plage ? Cette pause balnéaire offerte par les Bruxellois de Va à La Plage est donc sortie en 2016 à travers un premier album résolument francophone. Le comédien Jonathan Coene, accompagné par ses comparses Julien (guitare), François (guitare) et Benoît (basse) –rencontrés dans leur lycée de Boisfort– ainsi que du batteur Gilles a formé ce collectif basé sur leur nostalgie des virées à la mer du Nord, lorsqu’ils étaient gosses. « Question de Chance » a été enregistré à Bruxelles sous la houlette de Charles De Schutter (Ghinzu, M, Mudflow) et propose une musique indie pop aux textes poétiques, et dans la langue de Molière, qui rappelle souvent l’univers de Mathieu Chedid (« Adieu Mademoiselle »). Notons aussi la belle reprise de « Les Yeux de ma Mère » du Bruxellois d’adoption Arno. Pas étonnant, quand on va à la plage, du côté d’Ostende…
Une belle manière de voyager en ces temps de sédentarité obligatoire. Enfin, s’il fait beau. Question de chance !
« Excerpts from Chapter 3 » constitue le troisième elpee de Rats on Raft, une formation batave (établie à Rotterdam, pour être plus précis) dont le style mérite une attention toute particulière.
La formation avait assuré le supporting act de Franz Ferdinand, lors d’une tournée au Japon ; et cet opus s’inspire des expériences vécues lors de ce périple, tout en exhalant subtilement des fragrances. A l’instar de « T.M.E ». (« Tokyo Music Experience »), un single enlevé, convulsif, dansant, criblé de clappements de mains, une compo presque new wave que Devo aurait pu composer, à une certaine époque. Puis, de l’intro « Prologue : Rain ». Mais également de « The rise and fall of the plague », de l’exotique « Another year » (NDR : un instrumental mystérieux), du post punk « Where is my dream ? » ainsi que de « Part two : crossing the desert”, une piste émaillée de disgressions électriques caustiques.
Si les vocaux sont le plus souvent, incantatoires, chamaniques, scandés, probablement overdubbés (Berlin Blondes ?), épousant même des inflexions réminiscentes d’une Siousxie Sioux conjuguée au masculin, ils sont joliment contrebalancés par les vocalises éthérées de Natasha van Waardenburg. Ils se révèlent cependant presque maléfiques sur « The disappearance of Dr. Duplicate », un morceau dont l’urgence post punk nous renvoie à Magazine, sans les claviers. Et « Second born child » suscite encore davantage d’angoisse. Sinistres, ses accords de piano et son battement de tambour nous plongent même dans un univers lugubre, Enfin, « Epilogue : big poisonous shadows » clôt cet LP sur une note toute autant tourmentée.
Rats on Raft a également le bon goût de varier les climats, mais aussi de saupoudrer son expression sonore d’accents psychédéliques. Ce qui la rend plus complexe. Enfin, le combo pousse le raffinement à fondre les plages les unes dans les autres, un peu comme dans un concept album.
Entre punk, prog et psyché, cet album est aussi audacieux qu’étonnant !
Malgré son patronyme, Kiwi Jr. ne nous vient pas de Nouvelle-Zélande, mais du Canada. De Toronto, très exactement. « Cooler returns » constitue son second opus, et il fait suite à « Football money », paru en 2019.
Jeremy Gaudet, le chanteur de Kiwi Jr, possède une voix aussi sinueuse et fragile que celles de Jonathan Richman voire de Peter Perrett, alors que ses textes posent un regard ironique, sarcastique même, sur le monde qui nous entoure. Une description de la société contemporaine qu’il dépeint un peu à la manière d’un Ray Davies. On a même l’impression qu’il rend hommage au leader des Kinks, tout au long de « Maid Marian’s toast ».
Tout en mêlant post punk, folk, indie rock, lo-fi, pub et power pop, la musique de Kiwi Jr. est aussi imprévisible que celle de Television Personalities. Et tout au long de « Cooler returns », on y rencontre de jolies mélodies, des chœurs hymniques, de l’harmonica, des cordes de grattes lumineuses, slide, carillonnantes (NDR : il y aurait bien une Rickenbacker sur « Only here for a haircut »), duales ou déchiquetées (NDR : un titre éponyme bien rythmé qui aurait pu figurer sur un des premiers albums des Strokes), du piano (plink plonk lors du final « Waiting in line ») et même de la mandoline et du xylophone sur le groovy, accrocheur et ensoleillé « Dodger », probablement le point d’orgue de ce long playing…
Tessa Murray est britannique et Greg Hughes américain. Elle se consacre aux claviers et au chant. Il est multi-instrumentiste, producteur et ingénieur du son. Un couple en studio comme à la ville dont le projet musical, Still Corners, est né en 2007. Et « The last exit » constitue son cinquième elpee.
Une œuvre qui nous invite à traverser les paysages arides et solitaires des déserts du sud-ouest américain. Un peu dans l’esprit de « Paris, Texas » de Wim Wenders. Bref, une musique particulièrement cinématographique hantée par la voix de Tessa aussi vaporeuse et nonchalante que celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Rien que le sifflotement qui traverse « Crying » rappelle les B.O. des westerns spaghetti de Sergio Leone, alors que l’instrumental « Till we meet again » nous plonge au sein d’un univers que n’aurait pas renié Mike Oldfield. Un coyote hurle pendant « Bad town », un morceau de folk noir étrange et sombre à la fois. Parfois, on y croise un piano spectral. Et puis il y a ces interventions de guitare chargées de reverb qui réveillent en notre for intérieur le « Blue hotel » de Chris Isaak. Des interventions tour à tour traitées à la slide, à la pedal steel, surf ou même sous forme acoustique, parfois même en picking, à la manière d’un Ry Cooder. Faut dire que Greg est particulièrement doué sur son manche. Chargé de swing (?!?!), « It’s voodoo » libère même des sonorités dignes de Mark Knopfler. Le plus étonnant procède du contraste entre la voix de Tessa et certaines compos plus rythmées, quelquefois boostées par la ligne de basse offensive. Mais quel que soit le tempo, sa voix reste languissante. Tout en s’intégrant parfaitement dans l’ensemble.
Un album élégant, bourré de charme, mais énigmatique, qui a encore recours à l’électronique, mais dont le drumming organique apporte davantage de profondeur à des compos qui traitent d’isolement, de vulnérabilité et de mort…
« Atlas Vending » constitue le quatrième elpee de ce trio torontois, un disque qui a été coproduit par Ben Greenberg, le guitariste de Uniform (NDR : un duo indus-metal) et mixé par Seth Manchester (Daughters, Lingua Ignota, The Body). Naturellement percutante, sauvage, parfois même brutale, la musique de cet opus s’avère cependant plus complexe que sur les précédents essais.
D’abord on y retrouve ces riffs tranchants, abrasifs, saccadés, ces stridulations et distorsions électriques très caractéristiques, la voix blanche et impétueuse d’Alex Edkins, sans oublier ce tempo frénétique adopté sur plusieurs plages. Le tout baignant au sein d’un climat aussi malsain que claustrophobe. Parfois dans l’esprit des débuts de Fugazi voire d’At The Drive In.
Mais le plus intéressant procède des nuances rencontrées sur plusieurs pistes. A l’instar du post punk « Framed by the comet’s tall », une compo au cours de laquelle la violence semble bien maitrisée. Et puis surtout du titre final, « A boat to drown it ». Un morceau de plus de 7’30 évoluant sur un tempo obsessionnel, hypnotique,’motorik » mais qui surfe sur une vague d’électricité ‘mybloodyvalentinesque’. On rencontre d’ailleurs également des harmonies vocales réminiscentes du MBV sur « Blind youth industrial ». Enfin, le tempo quasi-binaire peut également se révéler tribal, amérindien (« Pulse »).
Maintenant, pas de panique, la musique de Metz est toujours aussi bruitiste…
Fondé en 2014 par Max Kakacek and Julien Ehrlich, deux ex-membres de Smith Westerns, Whitney vient d’enregistrer un album de reprises. Ce n’est pas la première fois que le band se livre à de tels exercices de style. En 2017, il s’était ainsi attaqué à une cover du « You’ve got a woman » du duo soul/funk néerlandais Lion et au « Gonna Hurry (As Slow as I Can) » de Bill Owens, une chanson popularisée par Dolly Parton.
Sur « Candid », Whitney nous propose, notamment, des versions de compos signées Brian Eno/David Byrne (« Strange overtones »), John Denver (« Take me home, country roads », auquel participe Waxahatchee), Damien Jurado (« A.M. AM ») ou encore Moondog (« High on a rocky ledge »).
S’il n’y avait le superbe falsetto des deux vocalistes, on pourrait reprocher à cet LP de ne receler que de pâles interprétations. Seules les deux folk songs sauvent un peu la mise. Tout d’abord le « Crying, laughing, loving, lying » de Labi Siffre, dont la mélodie pop accroche instantanément. Puis l’adaptation de la très jolie ballade « Rainbows & Ridges » de feu Blaze Foley, un chanteur/compositeur/poète texan, encensé par Townes Van Zandt et Lucinda Williams…
M’enfin, c’est un peu maigre comme bilan…
Holy Esque est une formation écossaise, issue d’East Kilbride tout comme Jesaus & Mary Chain très exactement, et « Television/Sweet » constitue son second elpee, un disque tout au long duquel elle revisite le post punk en proposant une musique froide, sombre et abrasive, mais aux relents sociaux engagés.
La bande au ténébreux Pat Hynes, dont la voix est à la fois puissante et éraillée, brosse une vision obscure du monde contemporain. Un uppercut glacé dont les impulsions électro (« Give Me Your Stillness ») conjuguées à des éclats synth-wave (« House of Hounds ») rappellent Future Islands
Bref, ce « Television/Sweet » constitue une bande-son idéale pour accompagner ces temps mélancoliques pendant lesquels la culture partagée nous manque tant…
Sorti en 2017, « Total Musette » réunit de nouvelles versions de classiques de la chanson française. S’y est collé Tue-Loup, une formation sarthoise. Mais en les abordant sous l’angle de leur musette ‘countrisante’.
Actif depuis 1995, la bande emmenée par Xavier Plumas a eu le nez creux en reprenant des titres tels que « La Valse Brune » (un hymne antibourgeois datant de 1909), « Riquita », « La Fille Que J’Aime » de Béranger, « Viva España » de Georgette Plana ou même « Salade de Fruit » de Bourvil ! Une opération risquée pour cette musique un brin désuète et ‘vieille France’ qui… s’est toutefois révélée bien plus réussie que les horreurs pondues par l’horripilant Patrick Bruel. Très rafraichissant !
Deuxième elpee pour ce groupe considéré comme un des leaders du renouveau du punk rock britannique. Intitulé « Drunk Tank Pink », il a bénéficié de la mise en forme de James Ford (Arctic Monkeys, Foals), une œuvre qui reflète l’anxiété vécue lors du passage entre la jeunesse et l’âge adulte. Une thématique plus sombre, même si les textes ne sont pas dénués d’un humour bien britannique.
Découpé en 11 plages « Drunk tank pink » se nourrit volontiers de funk blanc. Pensez à XTC, Gang of Four, Talking Heads et même à PIL. A cause des interventions bien syncopées à la guitare de Sean Coyle Smith. Et l’autre gratteur, Eddie Green, vient régulièrement apporter son grain de sel, entrant régulièrement en duel avec son partenaire. Bien sûr, l’énergie punk est toujours bien présente. A l’instar de « Great dog », morceau le plus court du long playing ainsi que du frénétique « 6/1 ». Véhémente, la plus souvent déclamatoire, la voix de Charlie Steen est très souvent hantée par celle de feu Mark E. Smith (The Fall). Elle devient cependant incantatoire sur « Born in Luton », une plage qui lorgne vers le math rock (Shellac ?), nonobstant ses chœurs masculins. Et carrément ‘rottenesque’ sur « Water in te well », une piste qui libère un groove réminiscent des B52’s, mais dont la structure rappelle Parquet Courts. Et elle campe un baryton profond sur « Human, for a minute », une compo aux percus disposées en couches et aux sonorités de guitares discrètes, mais chatoyantes.
L’album nous réserve deux compos audacieuses. Tout d’abord « Snow day ». Bien que fondamentalement rock, à cause des roulements de drums dispensés par Charlie Forbes, elle se frotte à la fois au punk, au funk, mais surtout au jazz, un peu dans l’esprit du « Black star » de Bowie. Et enfin, le titre final « Station wagon ». Un morceau de 6’ qui s’ouvre par un poème récité tel un sermon sauvage traitant de l’égo humain, sur bande sonore cinématographique (pensez aux B.O. de westerns spaghetti signées Ennio Morricone) avant qu’il ne monte en intensité. Moment choisi pour les guitares de se mettre à frémir et les instruments de s’empiler avant l’apocalypse. Superbe !
A l’instar de Thee Oh Sees (dont ils ont assuré la première partie), King Gizzard ou de Ty Segall, Frankie and The Witch Fingers appartient à cette catégorie de formations qui gravent des albums à la pelle. Depuis six ans, ce band originaire de Los Angeles, en parfait métronome, publie un long playing chaque année. Enregistré en cinq jours, « Monsters Eating People Eating Monsters » constitue donc son sixième.
« Activate », morceau qui ouvre l’opus, plante magnifiquement le décor, en nous réservant sept minutes de psyché/rock stimulées par des percussions exotiques. Et le trio yankee a le bon goût de poursuivre son parcours par des pistes d’une efficacité redoutable. Les riffs de guitare font mouche et la voix nasillarde de Dylan Sizemore se cache sous des effets vintage. Les titres se succèdent sans perdre en intensité, atteignant leur point d’orgue lors de l’excellent « Simulator », au cours duquel lequel le guitariste martyrise sa guitare, mais parvient toujours à retomber sur ses pattes.
Frankie and The Witches est le type de formation qui nous fait espérer encore un peu plus la réouverture des salles de spectacles. Vu l’énergie véhiculée par ce combo tout au long de cet LP, assister à un de ses concerts peut devenir un excellent moyen pour décompresser…
Widowspeak est un duo réunissant la chanteuse Molly Hamilton et le guitariste Robert Earl Thomas. Lors des sessions d’enregistrement de cet elpee, le duo new-yorkais a reçu le concours du pianiste Michael Hess ainsi que du préposé aux synthés et à la basse, Sam Cohen. « Plum » constitue le 5ème album de Widowspeak, une œuvre qui a bénéficié du mixing d’Aldous Harding (PJ Harvey, Aldous Harding, Perfume Genius) et de la mise en forme de Sam Evian. Alias Sam Owens, il milite également chez Celestial Shore.
La musique de Widowspeak baigne au sein d’une forme de dream pop illuminée par la voix diaphane et nonchalante d’Hamilton, une voix rappelant très souvent celle de Hope Sandoval (Mazzy Star). Elle y chante des compos dont les lyrics posent des réflexions personnelles sur nos angoisses existentielles au sein d’une société de consommation rongée par le capitalisme.
Même si parfois le tempo peut se révéler offensif, les morceaux sont particulièrement raffinés. Les interventions de guitare tour à tour en picking, surf (« Even true love », une pisite qui arait pu figurer au répertoire de Chris Isaak)), en boucle (« Money ») ou rythmiques (« Sure thing »), mais toujours élégantes et parcimonieuses, la ligne de basse profonde (« The good ones ») ou palpitante (« Amy ») et les synthés atmosphériques entretiennent ce climat feutré.
Les deux dernières pistes de cet LP invitent davantage l’électronique. Psyché/folk, « Y2K » s’ouvre par des claviers cathédralesques, alors que « Jeanie » rend probablement hommage à Terry Riley, une plage que Molly chante aussi bien en français qu’en anglais. Un album qui ne manque pas de charme…
Pas facile de se plonger dans un album plus de 3 ans après sa sortie… d’autant plus que les 75 minutes et les 25 morceaux proposés par cette formation américaine (NDR : elle est issue d’Olympia, la capitale de l’Etat de Washington) ne sont pas des plus digestes. Adeptes de la déconstruction plus que de l’écriture, ces bruitistes invétérés marchent sur les traces de Wire mais en version dite ‘de niche’. Et c’est tout à fait flagrant tout au long de ce 3ème opus. Le groupe nous réserve toutefois quelques véritables morceaux le long du chemin escarpé de ses expérimentations art-punk et noise mais il faut aller les chercher… Les excellents « Tiger Pipe » ou « Gotham Brake » représentent bien ce qu’aurait pu devenir cet elpee, si Naomi Punk ne se prenait pas trop la tête…
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