7 questions (NDR : prononcez ‘seven questions’ !) nous vient d’outre-Quiévrain. Et apparemment cette formation française a dû se poser une multitude de questions relatives à la scène hexagonale, avant de se lancer dans cette aventure. Notamment en faisant un inventaire de la variétoche (NDR : suffit de jeter un œil et une oreille sur le produit de la Star’Ac et de ses dérivés). Alias Kitso, Christophe Blanchet est le fondateur de ce groupe. Un chanteur/guitariste qui a donc préféré s’inspirer de la culture musicale anglo-saxonne. Donc proposée outre-Manche et outre-Atlantique. Alors imaginez, lorsqu’au cours de l’été 2008, le combo a été invité à se produire en tournée, sur la côte est-américaine…
Pour réaliser ce projet, Christophe, vocaliste qui a fait ses premières armes chez La Blanche (NDR : un groupe accueilli très favorablement, à l’époque, par la presse bleu-blanc-rouge ; et en particulier par le Monde et les Inrocks), a reçu la collaboration de Marc Limballe, également impliqué chez Appleshift. Début 2007, le line up s’est élargi au guitariste Manuel ‘Electric Boy’ Laisné, à la bassiste Sue Shea (bassiste) et au claviériste Nico.
« Air liquid » constitue donc leur tout premier opus. Découpé en onze plages, il surfe entre pop, rock, punk et post-punk. Le tout saupoudré d’un chouia de psychédélisme. Des compos aussi énergiques que mélodiques, abordées dans un esprit typiquement ‘british’. Excellents, « 1994 » et « I see you Again » déménagent littéralement, alors que « You are Turning Around » et « The Soldier » nous plongent dans un climat mystérieux, presque ‘pinkfloydien’. Hallucinogène, « Little Boy » est découpé dans des cordes de guitare incisives tout en barbotant dans un flux de claviers psychédéliques. Et l’analyse des titres de cet opus aurait pu déboucher sur une critique dithyrambique, s’il n’y avait la mise en forme. Trop léchée. Et puis il y manque ce grain de folie et ce goût du risque pour s’écarter de la norme. Dans ces conditions, l’écoute de cet « Air Liquid » finit par provoquer un sentiment de lassitude et surtout de déception…
The Wild Specialties est une formation qui nous vient des Pays-Bas. Un quintet dont les balbutiements remonte à une bonne quinzaine d’année. Mais ce n’est qu’en 2009 que paraît leur premier ouvrage, « Beautiful Today ». Et le résultat de ces quinze ans de cogitation a abouti sur une série de douze morceaux soufflant le chaud et le froid. Ainsi, « Giveaway » procure une entrée en matière prometteuse, pas loin d’un Calexico. Suivent quelques morceaux plus ou moins convenables, oscillant entre pop et folk. Mais bien que la production soit assez bien léchée, la formation se casse les dents sur la longueur. Au point de sentir une certaine lourdeur au niveau des paupières, au bout de six ou sept extraits. « Red Sun », morceau semi-instrumental fortement influencé par les premiers travaux d’Air, parvient de justesse à éviter l’étape du sommeil paradoxal. « Beautiful Today » est un recueil de pop-folk chrétien réservé aux inconditionnels du genre. Et même ces derniers devraient faire le plein de vitamines avant d’appuyer sur la touche ‘play’.
Si certains artistes se lamentent sur leur sort ou sombrent dans l’oisiveté, lorsque leur groupe splitte, d’autres se sentent pousser des ailes et parviennent à tirer parti de leur infortune pour rebondir toujours plus haut. A la dissolution de Be Your Own Pet en 2008, Jonas Stein se dit qu’il en faudra plus pour le faire lâcher le médiator. Déjà leader de Turbo Fruits en 2007 et responsable d’un premier album éponyme, Stein décide donc de ne se consacrer exclusivement qu’à ce projet. Après avoir chopé les clefs du vieux garage familial, Jonas et sa bande prennent possession des lieux et comptent bien y monter un rock bien pêchu. De garage il en est fortement question dans le style qu’ils injectent généreusement dans leurs accords. Avec cette odeur d’huile chauffée et de sueur, Turbo Fruits décape tout dans la pièce jusqu’à en faire fuir les araignées qui en squattent les coins. « Echo Kids », leur dernière galette, est un bon gros rock qui tache, qui pète mais ne salit pas.
L’album démarre en trombe par le bruit d’un vrombissement de moteur survitaminé. Si les morceaux « My Stupid Heart » ou « Hold Me » trahissent encore un semblant de douceur, les 10 autres plages affichent une toute autre couleur. Braillard et potache, « Echo Kids » nettoie les oreilles à la vitesse VV’. Fidèles à l’esprit punk-rock, les plages dépassent rarement les 3’30. Un condensé d’énergie qui ramone le conduit auditif assez fièrement. Absolument succulent, « Echo Kids » possède en plus d’une énergie contagieuse quelques perles qui apportent la preuve qu’il ne suffit pas de gueuler sur des barrées distordue, pour se prétendre rockeur. Tout au long de « Mama's Mad 'Cos I Fried My Brain » et « Broadzilla », Turbo Fruits nous prouve qu’il en a sous la pédale et qu’il est capable de gérer son parcours de main de maître. Un bon album qui réveille et rend performant lors d’un spleen hivernal. A conseiller aux audacieux qui n’ont pas froid… aux oreilles !
Sur la carte du blues, ce chanteur/harmoniciste de couleur noire est un véritable globe-trotter. Il est né en Californie, a passé sa jeunesse au Texas, s'est plongé dans l’univers du Chicago blues urbain avant de se fixer à Detroit, où il vit d’ailleurs toujours. "If all you have is a hammer, everything looks like a nail" constitue déjà son cinquième elpee, commis rien que pour ce XXIème siècle. Il fait suite à "Motor City mojo", paru en 2000 chez Blue Suit, "Deep Detroit", sur Southside en 2001, "Tell it to your landlord" en 2003 ainsi que "Listen at me good" en 2006. Ces ceux derniers ainsi que le nouvel opus, relèvent du label canadien Electro-Fi.
Shah est secondé ici par d'excellents musiciens canadiens. En l’occurrence le guitariste Jack DeKeyzer (NDR : il a sévi chez Ronnie Hawkins & the Hawks et au sein du band de Robert Gordon), le bassiste Alec Fraser (NDR : ex-Jeff Healey Band) ainsi que le batteur Al Gross. Sans oublier les invités, dont l'excellent pianiste Julian Fauth (NDR : il est responsable de plusieurs albums solos, concoctés en compagnie d’harmonicistes aussi redoutables que Paul Reddick et David Rotundo).
"Out on the highway" ouvre la route sur un tempo entraînant. La voix de Shah a du vécu. Les musiciens n’ont pas besoin de tour de chauffe ; ce qui permet à Jack s’autoriser un premier envol décisif sur ses cordes, pendant que le leader se vide les poumons sur son harmonica incendiaire. "I wonder why?" emprunte un rythme moins enlevé. Le canadien DeKeyzer se révèle un redoutable gratteur. Il dose parcimonieusement chacune de ses notes. Son intervention monte progressivement en puissance et son solo se révèle tout à fait personnel. Bien en verve, la section rythmique sert de rampe de lancement à l'harmo du maître de cérémonie sur le très funky "Bumble bee man". Jack est passé à la slide pour attaquer "Nasty brown rat", une compo imprimée sur un rythme hypnotique digne du grand Howlin' Wolf! Très roots, exclusivement acoustique, "I've got a woman black as Midnight gold" baigne dans le Chicago southside. Une tranche de blues très intense caractérisée par cette touche magnétique, presque tragique, réminiscente de Muddy Waters. Le Shah a refait le plein de carburant pour accomplir le trajet Chicago - Motor City lors d’un "Stranded in Detroit" bien huilé, et balisé impeccablement par Julian Fauth aux ivoires. "Every goodbye ain't gone" est le slow blues de circonstance. Un profond respect et une sensibilité à fleur de peau émanent de cette plage au cours de laquelle Jack et Julian se relaient sur le devant de scène. "Blues for Ford, Chrysler and G.M" nous précipité au cœur de Detroit. Le réquisitoire de Shah est sans équivoque : il pleure la grandeur révolue de sa cité d'adoption, en imprimant un tempo emprunté à un certain Jimmy Reed. La voix d’Harmonica Shah est empreinte de détresse, lorsqu’il échange un duo avec Fauth, sur "Don't you feel like a dog covered in fleas?". Un morceau qui rappelle les grands moments du blues de Chicago ; et en particulier ceux de Sonny Boy Williamson, Sunnyland Slim voire encore Memphis Slim… Une seule reprise, mais célèbre : le "Boom boom" de John Lee Hooker, bluesman mythique qui a forgé une bonne partie de sa notoriété à Detroit. "Duke and Queen blues" semble calqué sur le "I'm a king bee" de Willie Dixon ; mais on lui pardonnera cet écart, tant le morceau excelle. Cette fort bonne tranche de blues s’achève par "Cryin ' won't help me now", un slow blues attachant, bien balancé et véhiculant une dose d’émotion constante…
Quelques notes s’égrènent en épousant la monotonie du tic-tac pendulaire. La voix dense de Tiny Vipers, dont le timbre navigue quelque part entre Brian Molko et Nico, déroule une lente mélopée. Le temps disloqué étale le chant et les airs de guitare, jouée comme d’une harpe. Minuit sonne, la belle chétive erre, désœuvrée et insomniaque, dans des lieux autrefois plus vivants. Un souvenir, un fantôme, la gravité des mots et le solennel de la voix nous pénètrent jusqu’à la moelle. Parfois une sorte de cri échappe de ce chant retenu, et elle saute vers des zones inconnues, plus hautes, rappelant celles d’Alanis Morissette ou The Cramberies quand elles s’évadent des rails. Une ambiance de Far-West règne aussi tout au long de cet elpee, le troisième et le plus ombrageux de Tiny Vipers. Pas pour le suspense des westerns ; non, mais pour l’air suffocant et les paysages arides. Pour les sons folks et la longueur d’un plan sur des yeux fatigués.
La petite vipère s’insinue dans nos têtes et sifflote sa mélancolique litanie. Vicieuse, elle s’installe dans le cerveau et rejoue en boucle des souvenirs acides. La folie n’est pas loin, la tête résonne, et cette incantation obsessionnelle s’offre comme unique moyen d’apaisement.
Originaire de Dublin, Eamonn est irlandais de pure souche. Dès son plus jeune âge, il est envoûté par les démons de la guitare. Il écoute beaucoup Rory Gallagher, Hendrix, Clapton ainsi que ses compatriotes de Thin Lizzy. Il séjourne plusieurs années aux USA pour y parfaire sa technique. De retour en Europe, il embrasse une carrière personnelle sous le nom de Samuel Eddy. Nous sommes encore dans les 80s. Il commet alors trois albums qui se vendent plutôt bien!
Au cours des 90’s, ce jeune chanteur/guitariste de plus en plus prometteur tourne beaucoup. Notamment en première partie de ses maîtres : Rory Gallagher, Jan Akkerman, Johnny Winter ou encore Nils Lofgren. Il se produit sous la formule du trio, s’appuyant sur solide section rythmique composée du bassiste Par Cannon et du drummer Grant Nicholas. Au début des années 2000, il poursuit inlassablement ses périples ; et notamment comme supporting act pour Walter Trout, Popa Chubby et ZZ Top. Après un solide break musical, il fonde son label True Talent ; une écurie ouverte aux espoirs irlandais. C’est à cette époque qu’il enregistre les morceaux de cet elpee, restés inédits à ce jour.
Mc Cormack signe 12 des 14 plages. Il ouvre l’opus par le célèbre "Rock me baby" de BB King. Une version de bonne facture, speedée, largement amplifiée, de ce rockin' blues. Dans le même esprit, "Barclay Club blues" rappelle le Rory Gallagher des grands jours. "Strange on the run" est sculpté dans un rock aussi âpre. La guitare brille de mille feux, pendant que le saxophone de Keith Donald (ex-Moving Hearts) vient apporter sa petite touche bien irlandaise. Une certaine émotion filtre à travers "Falsely accused". Et pour cause, Eemonn y est épaulé par Rory Gallagher dont c'était –paraît-il– la dernière apparition en studio. Un solide blues rock aux riffs bien tranchants, mais aux entrelacements de cordes quelque peu filandreux. N’empêche, l'instant était historique. Soutenu par Herman Brood (NDR : ex-Cuby & Blizzards, ex-Wild Romance, ce talentueux musicien hollandais nous a quittés en 2001) au piano, "The grove" adopte un profil rock'n'roll. Eamonn ébauche "Mystica" à la sèche, mais sur un ton flamenco, avant de glisser vers une forme instrumentale amplifiée à laquelle participe activement Jan Akkerman (Focus) aux cordes. Slow blues électrique par excellence, "Down and out" libère une intensité dramatique conséquente. Simplicité et efficacité sont les maîtres mots de cette compo ficelée une nouvelle fois dans l’esprit du grand Gallagher. On épinglera encore la cover du "Next time you see me" de Junior Parker ainsi que "All I want to do is rock'n'roll", une plage particulièrement électrique, acide ; survoltée dans le bons sens du terme, si vous préférez. Et l’elpee d’honnête facture de s’achever par un long blues lent intitulé "Shed one me wrong"…
Ce disque est arrivé dans ma boîte aux lettres personnelle. Bien que cette réception me soit agréable, je dois souligner qu’en pratique, si l’on désire être chroniqué chez Musiczine, il est d’usage de transmettre son travail à l’adresse officielle du magazine. Un principe qui permet à notre rédac-chef vénéré de distribuer les albums reçus en fonction des goûts et des connaissances musicales de chacun des chroniqueurs. Dans le cas contraire, nos amis artistes pourraient avoir la mauvaise surprise, comme c’est un peu le cas ici, de voir le fruit des leurs efforts chroniqué par quelqu’un qui n’apprécie pas vraiment leur style.
iLiS a pris la peine de m’envoyer son Cd. Il me faut donc prendre sur moi, oublier mon côté ‘métalleux primaire’ et réunir le peu d’éclectisme dont je suis capable quand je ne suis pas confronté aux standards personnels pour chroniquer ce « Sex, Love & Rock’n’roll ».
Si j’étais une fille, âgée entre douze et dix-sept ans et que je me sentais incomprise et rebelle, j’aurais probablement craqué pour la pop/rock énervée du premier album d’iLiS. J’aurais appris par cœur les paroles du « Bonheur » (‘Le bonheur, c’est de l’arnaque, c’est toujours décevant, une caresse puis des claques, le bonheur c’est méchant…’) Oui mais voilà, j’ai quarante ans bien sonnés, mes rébellions sont bien plus terre-à-terre que la critique de ce ‘méchant, méchant bonheur’ et ce qui révolte les ados ne me touche plus vraiment.
Cependant, pour rester honnête, je suis bien obligé d’avouer que ce disque est plutôt bien foutu. L’artwork du digipack, en noir et blanc, met en avant la jolie Virginie, chanteuse et guitariste du quatuor. Mais, non contente d’être jolie, Virginie chante bien. Ses textes, après lecture attentive, sont bien moins naïfs que ne le laisse supposer la phrase citée plus haut. La musique est inspirée par le rock de Muse (dont Virginie est une fanatique de la première heure), l’alternatif francophone de Noir Désir et le grunge de Nirvana. Cette facette plutôt crue de sa musique, iLiS l’adoucit à coups compos nourries à la chanson française et matinées de pop glamour et dansante. Tout le monde peut facilement trouver son bonheur sur cet opus où les très bons moments de rock’n’roll (« Je Marcherai », « Ca ne suffit pas », « Le bonheur ») alternent avec délice aux passages d’émotion intenses (« Attendez moi je me noie », « On se bat tous les jours »).
« Sex, Love & Rock’n’Roll » est un disque pop/rock de qualité susceptible de plaire aussi bien aux amateurs de rock alternatif qu’aux fans de De Palmas voire même de Zazie. Un album dont le grand mérite est de démontrer qu’on n’est pas obligé d’écouter de la daube, quand on est jeune et rebelle…
Quelques notes s’égrènent en épousant la monotonie du tic-tac pendulaire. La voix dense de Tiny Vipers, dont le timbre navigue quelque part entre Brian Molko et Nico, déroule une lente mélopée. Le temps disloqué étale le chant et les airs de guitare, jouée comme d’une harpe. Minuit sonne, la belle chétive erre, désœuvrée et insomniaque, dans des lieux autrefois plus vivants. Un souvenir, un fantôme, la gravité des mots et le solennel de la voix nous pénètrent jusqu’à la moelle. Parfois une sorte de cri échappe de ce chant retenu, et elle saute vers des zones inconnues, plus hautes, rappelant celles d’Alanis Morissette ou The Cramberies quand elles s’évadent des rails. Une ambiance de Far-West règne aussi tout au long de cet elpee, le troisième et le plus ombrageux de Tiny Vipers. Pas pour le suspense des westerns ; non, mais pour l’air suffocant et les paysages arides. Pour les sons folks et la longueur d’un plan sur des yeux fatigués.
La petite vipère s’insinue dans nos têtes et sifflote sa mélancolique litanie. Vicieuse, elle s’installe dans le cerveau et rejoue en boucle des souvenirs acides. La folie n’est pas loin, la tête résonne, et cette incantation obsessionnelle s’offre comme unique moyen d’apaisement.
Shawn est originaire de l'Oklahoma. Il vient de fêter ses 35 ans. Il rejoint la liste de cette jeune génération qui se réclame de l’héritage laissé par feu Stevie Ray Vaughan. A l’instar de Sean Costello, Nick Curran, Joni Lang ou encore Mike Welch. Très jeune, il prend goût au blues à l'écoute de maîtres comme John Lee Hooker, Jimmy Reed, Lightnin' Hopkins et Elmore James. Puis tombe sous le charme des exploits forgés par Anson Funderburgh et Mike Morgan. Il part s'établir à Dallas pour y assouvir sa nouvelle passion. Il perfectionne sa technique au contact de Hash Brown. Il transite par les Icemen, auprès de Jason Moeller (Fabulous Thunderbirds) et Paul Size (ex-Red Devils). En 97, il sort son premier album : "Burnin' up". Puis embraie par "Something's gotta give". Deux opus édités chez Cannonball. En 99, il se fixe à Austin. En 2001, il édite "Full circle", un disque pour lequel il reçoit le concours de Double Trouble et des frères Moeller. En 2005, il concocte "Stay", avant de se retirer de la scène musicale, afin d’exercer un job dans le privé. Mais en 2007, il participe à un projet collectif baptisé "Texas Northside Kings" (Dialtone). Il s’y réserve quatre plages. Depuis, il a repris goût au blues. Et pour cause, il vient d’enregistrer un nouvel elpee. Onze nouvelles compos sculptées dans un Texas blues parfaitement assimilé. Une œuvre autoproduite, dénuée de la moindre sophistication : la voix et les cordes de Shawn sont uniquement secondées par une section rythmique classique, basse/batterie.
"Edge of the world" ouvre la plaque. L’effervescence est bien palpable. Un blues saignant, percutant. Le jeu aux cordes de Shawn est nerveux, franc, direct. Digne des meilleurs moments de Jimmie Vaughan. La voix est en retrait, mais demeure très musicale. C'est manifestement du vécu. Du ‘live’! La rythmique est lancinante. A l’instar du "Spoonful" de Dixon revus et corrigés par Howlin' Wolf et Cream (NDR : c’était il y a une éternité) ; mais en y incorporant des cordes bien plus éloquentes. Et cette approche aux cordes reste très personnelle tout au long de la ballade quasi éthérée, ‘hendrixienne’, "Fortune and fame". Le style rugueux et contemporain de Pittman colle parfaitement au blues venu du Mississippi voisin. Et "Make the world stop turnin'" en est une belle illustration. Les percussions sont placées bien à l'avant. Les accords de gratte sont très réverbérés. Répétitive, la rythmique produit ses effets hypnotiques escomptés. En fermant les yeux, on imagine facilement être transporté au cœur d’un de ces juke joints poisseux, dans les collines du Nord du Mississippi. Shawn nous entraîne alors vers Chicago. Celui du blues urbain des fifties. Primaire, mais parfait, le riff de slide est emprunté à Elmore James, tout au long du contagieux "My luck has changed". Shuffle saturé de groove, "No such of a thing" est imprimé sur un rythme proche du géant Howlin' Wolf! Les différents éléments de l'ensemble s'emboîtent à la perfection. Autre shuffle par excellence, mais texan, "Mr Dime Dropper" lorgne manifestement vers Mike Morgan & the Crawl. Blues rocker à la Chuck Berry, "Make people dance" nous invite à roller sur la piste de danse. Transpiration garantie ! Le tempo adopté sur "Let's blow this joint" est plus intense encore. Très T-Birds de la grande époque. Sur rails, la machine est alors propulsée à plein régime. Blues indolent, généreux, très downhome, "High maintenance woman" épouse une tonalité de guitare proche de Lightnin' Hopkins. On croirait presque entendre celle du vieux Texan. Son fantôme, peut-être ! De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Hurricane", une plage instrumentale très électrique, impitoyable. Sachant l’épilogue proche, Pittman s'y libère. Shawn a également commis une autre galette cette année, "Movin' & groovin'", sur le label italien Feelin' Good.
En général, je n’apprécie pas trop la variété franchouillarde. On y trouve trop souvent tout et n’importe quoi. Je n’aime pas trop non plus, en particulier, ce qui provient de TF1. On nage en pleine médiocrité, racolage, peoplisation (si ça se dit), exagération et vulgarité. Mais ce que j’exècre le plus, c’est le système mis en place par différentes chaînes de télévision : la fabrication en quelques semaines d’une star de la chanson ! N’importe quoi ! A part Julien Doré, rien, le néant. Mais avait-il réellement besoin de passer sur M6 pour se faire connaître, pour percer ? Bah, on s’en fout après tout.
« Rêves » est un album posthume dédié au vainqueur de la Star Academy 2004, Grégory Lemarchal. Il me semblait bien avoir entendu son nom à l’une ou l’autre occasion. La première à l’issue de sa ‘consécration’. Dans la foulée, il enregistre un album intitulé « Je deviens moi ». Il en est récompensé par un double disque d’or dans l’Hexagone. Ben tiens ! La deuxième fois que j’ai entendu parler de lui, c’était suite à son décès ; à 24 ans à peine, suite à une maladie pulmonaire incurable.
En sortant le best of ( !) d’un ‘artiste’ ne comptant qu’un seul album à son actif, on tombe dans l’exagération et la sur-commercialisation à outrance ! Décidée par ses parents et sa maison de disques, la sortie de ce Cd n’a qu’une seule fonction : ‘faire de la tune’. Il paraît que c’est pour la bonne cause : financer la recherche et le combat contre la mucoviscidose. J’ose espérer que c’est vrai.
Musicalement, rien à dire. Des petites chansonnettes sans intérêt, banales et médiocres. Rien de bien excitant. Deux inédits « Tu prends » et « Je rêve » écrits par Grégory Lemarchal lui-même, une reprise de Daniel Balavoine « SOS d’un terrien en détresse », des fonds de tiroirs et 6 titres qui figuraient déjà sur son premier recueil. Un point positif, une jolie voix. C’est tout.
Après avoir sillonné les routes du blues pendant 22 longues années et aligné pas moins de douze albums, on peut considérer Debbie Davies comme une ‘vétéran’ du style. Ses nombreux fans la suppliaient, depuis de nombreuses années, de sortir un album uniquement instrumental, afin qu'elle puisse se concentrer sur son jeu personnel, résultat de l'interaction entre ses principales influences (NDR : qui oscillent d’Albert Collins à Freddie King, en passant par Kenny Burrell)
Debbie entame les hostilités par le "Fishnet" de Duke Robillard. Une reprise bien saignante, libérant un maximum de groove. Elle démontre une fois de plus sa parfaite assimilation de l'approche technique forgée par son maître, Albert Collins. Elle embraie par l’excellent "Down at the honky shack", une compo inspirée par sa vision du "Back at the Chicken Shack" de Jimmy Smith et surtout du "Honky tonk" de Bill Dogett. Son style est très fluide et l’adaptation particulièrement personnelle. Sur l’album "All I found", "Tryin' to keep it real" proposait une version chantée. Ici, elle nous entraîne dans un univers funky, très clean, esthétique. Partagée entre la basse de Casandra Faulconer et les percus du fidèle Don Castagno, la section rythmique préserve la ligne de conduite, pendant que l'orgue Hammond de Paul Opalach filtre la solution sonore. Sur la cover du notoire "Okie Dokie stromp" de Clarence Gatemouth Brown, la Californienne se permet de swinguer. Les cordes de sa Fender vibrent subtilement, naturellement… "Percolatin'" est un morceau instrumental par excellence. Bref, concis, il fait instantanément mouche. Dans un style très proche de Freddie King. Elle retourne aux sources funky sur "So what", tout en gardant ce bon vieux Collins, à l'esprit. La vision atmosphérique, jazzyfiante d’"Atras de tus ojos" est empreinte de douceur et d'exotisme. Séduisant et intense, le titre maître est parsemé de grappes de notes vivaces et graciles. Baignant au sein d’un climat hispanique, il rend surtout un vibrant hommage à Kenny Burrell. Un véritable régal pour les oreilles ! Debbie assure une parfaite lecture du blues basique sur "I wonder why (Blues in D Natural)", une compo qui baigne dans le Chicago blues, inspiré par l'Otis Rush de la grande époque. Elle appuie sur ses pédales afin d’exhiber une autre facette de son style, sur la reprise du "If you love me like you say" de Little Johnny Taylor. Elle y adopte un profil R&B, dansant, proche de Memphis (NDR : cet orgue !) D’excellente facture, cette collection s’achève par l’allègre "Zoom-in". Et pour cause, son ami Opalach (NDR : également responsable de la coproduction) a empoigné la deuxième gratte. Pour nous entraîner au sein d’un univers à la fois surf et métallique…
Sean Costello était l'un des plus solides espoirs du blues de ce début du XXIème. Hélas, à la veille de son 29è anniversaire, il nous a quittés. C’était en 2008. Il venait de concocter son meilleur album : "We can get together". Sur le label Delta Groove. Une œuvre qui lui avait permis d’être reconnu par ses pairs. Au cours des premières années de sa carrière, il avait commis trois elpees : "Call the cops" en 1996, sur Blue Wave ; puis "Cuttin' in" en 2000 et "Moanin' for molasses" l'année suivante, tous deux chez Landslide. Ce dernier label lui rend aujourd'hui hommage et justice en publiant cette rétrospective. Pas moins de vingt titres sont réunis sur cette plaque, dont douze inédits.
Trois plages de la plaque sont extraites de "Call the cops". Sean n'avait alors que 16 ans. Et c’est Cub Koda en personne qui produisait le disque. Son excellent "Take me back" ouvre donc les festivités. Le timbre vocal de Sean est encore juvénile, pas très assuré ; par contre, il s’affirme déjà à la six cordes. Efficaces, ses attaques sont redoutables. Il embraie par une version acoustique mais très respectueuse du "Sail on" de Sonny Boy Williamson I. Son ami Paul Linden démontre soute sa rigueur sur son harmonica! Ce dernier est passé au piano pour affronter "Call the cops", une plage de brève durée, mais très offensive.
Plusieurs sessions inédites avaient été immortalisées en studio. Elles remontent à 1998. "Lovin' machine" adopte un style jump, chargé de swing, en empruntant au passage des phrasés de T-Bone Walker. Instrumentaux, "The plumber" et "Big beaver", mettent en exergue les prouesses de Linden à l’harmo. Traditionnel, "Tell me baby" est interprété en Chicago shuffle classique. Plus notoire, le "Walkin' blues" de Robert Johnson est exécuté en Mississippi blues. Largement amplifié, il est enrichi par la voix féminine de la séduisante Susan Tedeschi.
Trois titres figuraient sur "Cuttin' in". "Mellow chick swing" est une autre reprise signée Williamson I. Costello est au sommet de son art. Sa voix a pris sensiblement de la consistance. Il est soutenu par Linden et Matt Wauchope au piano. Il opère également une très bonne lecture d'un des meilleurs titres lents du blues, "Double Trouble" ; un morceau popularisé par Otis Rush. Durant plus de sept minutes, il étonne par sa parfaite maîtrise du style et en manifestant une maturité incontestable. "Who's been cheatin' who" adopte le rythme du chemin de fer. Et la machine s’emballe ; mais nonobstant la vitesse vertigineuse du tempo, l’exécution est sans faille.
Parmi les extraits de concerts, deux ont été accordés à Marquette, dans le Michigan. Soit les classiques "All your love" d'Otis Rush" et "Mojo boogie" de J.B Lenoir. L'artiste y démontre tout son talent sur les planches. Autoritaire, il maîtrise parfaitement son sujet. Sa voix est désormais puissante et rugueuse. Sa version fiévreuse et délicate du "Motor head baby" de Johnny Guitar Watson a été enregistrée à Chicago. Sean y adopte le rythme nonchalant du swamp blues.
Deux plages sont issues de l'album "Moanin' for molasses". Tout d’abord "Don't be reckless with my heart", un solide et classique shuffle texan. Et puis "It takes time", une autre cover d'Otis Rush (NDR : qui décidément l'inspire beaucoup). Elle recèle de superbes sorties de cordes devant le piano de Linden et l'orgue de Wauchope.
Quatre titres inédits émanent d’une session studio accordée à Atlanta. C’était en 2002. Le "Your love is amazing" de Robert Ward macère dans une ambiance curieusement orientale. Une plage très soul blues, au cours de laquelle Sean épanche toute sa passion, d’un timbre vocal devenu plutôt graveleux. Signé Fenton Robinson, "You don't know what love is" est parcouru d’arrangements délicatement funky. Et pour terminer on a droit à deux titres coécrits en compagnie de Paul Linden. Soit le remuant et récréatif "Feel like I ain't got a home", dont la bonne humeur communicative est entretenue par le piano roadhouse. Ainsi que le très R&B "She changed my mind", au cours duquel la voix de Sean se prête idéalement à ce style!
Cette collection rend manifestement justice à un des artistes les plus doués de la génération montante, trop rapidement disparu. A l’instar de "WRFG Memorial", recelant seize plages rares ou inédites, les bénéfices récoltés pour la vente de « Sean's blues – A Memorial Retrospective » seront versés à une association luttant contre le ‘Bi-polar disorder’, une maladie souvent liée à la dépression…
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