Sur la photo de la pochette, un jeune homme dévore des prises jacks. Et son appétit semble vorace. On peut alors facilement extrapoler en imaginant la musique de Richard Walters, très féroce. Et en y associant même une dérive électro-rock. Mais après avoir écouté cet album, l’impression laissée est totalement différente. Il n’y a rien d’animal dans cette solution sonore ; ou alors, on est plus proche de l’agneau que du lion.
Richard nous vient d’Oxford. Il est à peine âgé de 23 ans ; même si sur sa photo on a l’impression qu’il a quelques années de plus. « The Animal » constitue son premier album solo ; cependant, pour un premier essai, le jeune compositeur est parvenu à bien s’entourer. Et pour cause, il a reçu le concours de l’ex-Suede Bernard Butler et du producteur Guy Sigsworth (Sigur Ros, Lamb,…) A premier abord, la musique de Walters évoque Damian Rice en plus posé et moins larmoyant. Pas de mur du son redoutable à franchir sur cet opus, non plus ; mais une solution sonore baignant dans un climat folk typiquement britannique, ma foi fort classique, aux arrangements subtils et extrêmement délicats (piano, cordes, chœurs éthérés et cordes de guitare acoustique), le tout balayé par une voix dont le timbre lorgne manifestement vers Jude. Bien sûr, on ne peut pas dire que ce soit particulièrement original ; mais Richard a le bon goût d’éviter la mièvrerie. Véritable talent à l’état brut, il pose ici ses premiers pas dans le cercle fermé des songwriters respectés, outre-Manche. Il lui restera à polir ses aptitudes. Pour ne pas en rester à concocter du sous-Sufjan Stevens… Et puis également inoculer un peu de folie dans son inspiration. Au sein du tracklisting, j’épinglerai quand même la jolie reprise du « True Love Will Find You In The End » piquée à l’autrement plus détraqué Daniel Johnston et le morceau maître, réellement bouleversant.
Insolite ! D’abord, à cause de ce patronyme étrange. Et puis de sa musique à la fois hybride et imprévisible. « BiRd-BrAiNs » réunit 13 comptines folk détraquées, susceptibles de ravir les fans de CocoRosie. Rien d’aussi délicatement tordu ne nous avait été proposé depuis les méfaits perpétrés par les sœurs Cassidy. Signe qui ne trompe pas, le premier essai de cette artiste prometteuse est paru chez 4AD, boîte dont la notoriété est plus qu’établie…
De son véritable nom Merril Garbus, tUnE-yArDs nous vient de Nouvelle-Angleterre (NDR c’est au Nord-est des Etats-Unis), une région dont la chaleur estivale de l’été contraste avec le froid mordant de l’hiver (NDR : nous ne sommes pas loin du Canada).
« BiRd-BrAiNs » (NDR : amis artistes, pensez aux pauvres chroniqueurs qui doivent transcrire votre patronyme ou le fruit de vos élucubrations) réunit 13 morceaux sculptés dans une lo-fi chaleureuse ; des compos enregistrées en solitaire, probablement dans sa chambre (NDR : comme le veut la tradition), pour lesquelles elle s’est servi d’un éventail très large de samples, filtres, effets et boucles. Serions-nous en présence d’une ‘M.I.A. des bois’ ? Le New-York Times n’a pas hésité à comparer ses travaux à une rencontre réussie entre Aretha Franklin et Yoko Ono. Pourquoi pas ? Pourvu qu’elles soient décalées, toutes les définitions me semblent plausibles.
Merril joue essentiellement de l’ukulélé et de la guitare ; mais se sert également d’une belle panoplie d’instruments singuliers, sans jamais se départir de son aisance naturelle à en disposer. Et puis, il y a son timbre vocal de lutin, tantôt masculin, tantôt féminin, qui convient parfaitement à cette musique foutraque et ludique.
Constamment triturés, les rythmes et les sonorités évoluent paradoxalement au cœur d’un univers sonore folk paisible. Une toux sèche enfantine balise « Jamaican » ; et le résultat est aussi étonnant que réussi. « Hatari » s’aventure en terres africaines, et va même au-delà des incursions opérées par un Vampire Weekend. Malgré le format folk, « Lions » et « Fiya » émargent au R’n’B… Le hip hop et le funk sont même visités, sur cette plaque. Un reproche ? Le ton. Un peu trop monocorde à mon goût ; et sur la longueur, il peut même finir par agacer… Sans quoi, si la raison (NDR : ou le business) lui conseillait de canaliser davantage son inspiration, personnellement, je préfère qu’elle continue allègrement son travail d’expérimentation. Au moins, elle a l’audace de se démarquer du ‘mainstream’, en privilégiant la créativité. Et tant pis s’il subsiste quelques déchets ; suffit alors de faire le tri…
En 1993, un véritable OVNI traverse le paysage déjà fort brillant de la pop britannique. Son patronyme ? Tindersticks. Or, à l’époque, les médias belges n’ont d’yeux (NDR : et d’oreilles) que pour dEUS. Et pourtant, le combo belge n’avait pas particulièrement innové. En fait, il avait simplement pris le train en marche, un convoi tracté alors par deux locomotives venues d’outre-Manche : The Auteurs et Tindersticks…
Dix ans plus tard, la carrière du groupe de Nottingham commence cependant à s’essouffler. Et la confection d’un décevant « Waiting for the moon » en est une parfaite illustration. D’ailleurs, Stuart Staples, se lance parallèlement, dans une carrière solo. En 2008, la formation se rappelle à notre bon souvenir, en éditant « The Hungry saw ». Mais le combo a été remanié. Et le plus regrettable, c’est manifestement le départ d’un des membres fondateurs, Dickon Hinchliffe. Depuis, le line up du band a encore changé. Et des débuts, il ne reste plus que le drummer/percussionniste David Boutler ainsi que le chanteur au baryton si caractéristique, Stuart Staples.
L’opus recèle ses inévitables ballades traditionnelles. Celles qu’on écouterait volontiers un dimanche bien pluvieux, histoire de s’enfoncer encore plus dans la déprime. Réminiscente de « Night in », plage issue du premier elpee, « Factory girls » en est la plus belle illustration. Et « Keep you beautiful » n’est pas non plus de nature à révolutionner le paysage sonore des Tindersticks. A l’instar de l’interlude « Hubbards hills » (NDR : un clin d’œil adressé à Ennio Morricone ?) et du morceau final, « Piano music », les instrumentaux –quoique agréables à écouter– s’inscrivent dans la lignée des compos destinées aux B.O. de films comme ‘Nénette et Bonni’ ainsi que ‘White material’, dont la sortie officielle est prévue pour le cours de cette année. Entrons maintenant dans la quintessence de l’œuvre. Amorcée par le surprenant titre éponyme qui ouvre le long playing. Un titre audacieux de 6 minutes 34, dont les cuivres et les percus montent en crescendo pour se muer en cacophonie maîtrisée. En général, les artistes placent ce type de compo en fin de parcours. Voire même en finale. Mais Tindersticks a toujours aimé brouiller les pistes. « Harmony around my table » agrège le profil le plus allègre de Belle & Sebastian et l’instinct flower power de Devandra Banhart. Sur « Peanuts », Stuart échange un duo étonnant en compagnie de la vocaliste canadienne Mary Margaret O'Hara, une plage au cours de laquelle harmonica et cuivres entretiennent tour à tour un climat de douceur ou de surprise. A contrario de son titre, « Black smoke » trace un véritable arc-en-ciel sonore. C’est aussi le morceau-phare de l’elpee. A l’instar de l’image reproduite sur la pochette (on imagine un volcan en éruption au beau milieu des montagnes), cet album est d’ailleurs beaucoup plus coloré que tout ce que Tindersticks a pu nous réserver à ce jour. Et si l’aspect mélancolique est encore bien présent, il n’est plus omniprésent. Même que circonstanciellement, en mêlant pop, jazz et folk déjanté, certaines compos me rappellent un certain Gallon Drunk.
Et pour que votre info soit complète, sachez qu’une partie des sessions d’enregistrement a été opérée au sein des studios ixellois ICP. Enfin, le groupe se produira ce 13 mai 2010 au Cirque Royal, dans le cadre des Nuits Botanique.
Formé en 1983 à Los Angeles par Michael ‘Fat Mike’ Burkett, Eric Melvin et Erik Sandin, NOFX est l’un des parrains de la scène ‘Skate-Punk Californienne’. Contrairement aux autres ‘punks à roulettes’, NOFX à toujours pris soin de se tenir a l’écart du travail d’aseptisation de la scène californienne par la très puissante MTV. Fat Mike, chanteur et bassiste (NDR : et fondateur de Fat Wreck Chords qui est le plus grand label punk rock américain) n’a jamais mis de gants pour aborder, avec humour, les sujets sérieux qui lui tiennent à cœur comme la liberté d’expression, la politique, la religion, l’interdiction des armes a feu, la légalisation de la drogue et de la prostitution.
Les cinq titres figurant sur l’Ep « Cokie The Clown » ont été mis en boîte durant les sessions d’enregistrement de « Coaster », le dernier album en date, sorti en avril 2009. En dix minutes (la durée du Cd) NOFX fait ce qu’il a toujours fait et donc ce qu’il fait de mieux : du punk aux mélodies entraînantes, riffs de guitares rapides et lyrics acides. Seul « My Orphan Year » (un titre acoustique au cours duquel il épanche sa rancœur envers son père et manifeste l’amour porté à sa mère qui l’a élevé seule, avant de succomber à un cancer, en 2006) sort du schéma habituel proposé par NOFX.
« Cokie The Clown » est un disque sympathique, mais plutôt anecdotique. A réserver aux inconditionnels !
Faute avouée est à moitié pardonnée (NDR : enfin, j’espère !), mais je reconnais ne jamais avoir beaucoup accordé d’attention à Shudder To Think, une formation fondée en 1986 par le chanteur/guitariste Craig Wedren, le second sixcordiste Chris Matthews, le bassiste Stuart Hill et le drummer Mike Russell. Rapidement signé par le célèbre label de Washington D.C, Dischord, écurie hébergeant la formation mythique Fugazi, Shudder To Think publiera trois albums avant de se faire enrôler par les Smashing Pumpkins et… Fugazi pour assurer le supporting act de leurs tournées, en1992. Matthews et Russel seront rapidement remplacés par Adam Wade (Jawbox) et par le guitariste suisse Nathan Larson. Boostés par leur succès, ils passent chez Epic (Sony), en 1994. Leur musique mathématique, qualifiée de ‘post-moderne’ ou de ‘post-hardcore’, leur vaut rapidement un statut de ‘culte’ chez les fans de musique indie. Le groupe publie un dernier elpee en 1997 avant de se séparer en 1998, suite au départ de Larson. Les membres se lancent alors dans diverses carrières solos. Le succès commercial n’a malheureusement (ou pas…) jamais touché le groupe.
Dix ans ont passé, lorsqu’en 2007, Wedren, Larson et March se produisent ensemble au Mercury Lounge à New-York ; puis en 2008 lors de la campagne présidentielle de Barak Obama, pour soutenir sa candidature. Ils enregistrent également ce live sobrement intitulé « Live From Home », lors d’une tournée de reformation, la même année. Vu l’intégrité de ces musiciens, l’aspect lucratif a été relégué au second plan…
Pour vous donner une petite idée de leur style musical, imaginez un mélange entre celui de Filter (le chant), Don Caballera (les poussées math-rock) et Fugazi (les guitares acérées et métalliques). Les changements de rythme sont constants. Les vocaux perturbent régulièrement, n’hésitant pas à glisser vers le falsetto. Les compos ne cherchent pas à flatter l’oreille ; mais plutôt à impressionner. A l’instar de morceaux comme « Shake Your Halo » ou « Rag ».
Le groupe a suscité de nombreuses vocations dont Thursday et Incubus (NDR : qui utilise une partie du titre « X-French Tee Shirt » sur « Nowhere Fast »). Jeff Buckley était fan et Pearl Jam les a également invités à tourner avec eux ! Cette formation est incontestablement une légende. Mais personnellement, j’éprouve d’énormes difficultés à accrocher. En cause ? La voix de Craig Wedren ; trop proche de cette du chanteur de Filter, Patrick Richard… que je n’ai jamais aimée ! Après avoir écouté « Live From Home », on se demande toutefois comment un groupe à la musique aussi alternative ait pu jour pu être signée sur une ‘major’… C’est quasi inimaginable de nos jours. Les années dorées de l’industrie musicale semblent définitivement révolues…
Peu connu de notre côté du Rhin, le projet solo de Konstantin Gropper est discrètement –mais unanimement– salué par la presse européenne depuis la sortie de son 1er album, « Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon », produit par le label berlinois City Slang. Ses premiers Ep prometteurs offraient déjà une orchestration finement articulée digne d’un confirmé (notamment le superbe « Listen! Those lost at sea sing a song on Christmas day »). Et pourtant, l’auteur-interprète déclare ne pas se retrouver dans les étiquettes élogieuses que lui ont rapidement collées les médias: un diplômé brillant et contemplatif de la fameuse Popakademie de Mannheim ; un rédempteur musical. De sa formation classique, il retient la faculté, présente dès ses débuts, à combiner ingénieusement des instruments aux timbres les plus divers (du piano, au vibraphone, en passant par la guitare, les cordes et allant jusqu’aux cuivres manouches et l’accordéon musette).
Si, pour son premier opus, Gropper a enregistré toutes les parties en solo, le multi instrumentiste s’est vu assisté par non moins de sept musiciens de même gabarit –qu’on retrouvera également sur scène– pour concocter son dernier elpee. Cette pluralité profite sûrement à l’opus, qui acquiert en outre sa tonalité ‘spacieuse’ par son enregistrement ‘live’ dans une grande salle d’un vieux studio pour orchestres classiques à Heidelberg, réverbération et harmonisation qui ne seront pas sans rappeler Arcade Fire (« We Are Ghosts ») ou encore la mélancolie ‘BlondeRedheadienne’ (« Aureate »).
Le titre de l’album (NDR : cet opus s’est déjà niché à la 11ème place dans les charts allemands) a été choisi en hommage à Eric Satie, et annonce également le contenu, déclaré comme étant un ‘album sur le stoïcisme’ ou en terme de philosophie de comptoir, l’art de la maîtrise de soi, de ses vexations. Gropper a en effet conçu ce disque au fil de ses recherches et de ses lectures sur le sujet, calquant certaines citations au gré de son inspiration. Il explique que chaque piste dépeint une idée, soit tirée d’un chapitre de la philosophie antique (« Seneca’s Silence », « Angry Young Man » inspiré par l’Iliade), de la pensée moderne (« Nausea »), de questions fondamentales (« We Are Free »), idéologiques (les allusions marxistes dans « We are Ghosts ») ou encore existentielles (« That Love »). Les lyrics sont cependant empreints d’ironie grinçante –et mystique– et se terminent humblement par « We are the Roman Empire » où l’espoir, malheureusement, retombe… Le léger chevrotement de la voix suggère Bowie (« A Burial At Sea ») et certaines intonations lorgnent dangereusement vers les Doves (NDR : dans la lenteur) voire encore John Stargasm (« 5 Steps / 7 Swords »), ainsi qu’un grave Chris Martin de l’époque « Parachutes » (« Red Nose Day »).
« Vexations » a été écrit, enregistré et mixé en quelques mois, alors que le compositeur avait mis 23 ans à peaufiner son premier volume. L’elpee séduit par moments (« Seneca’s Silence », « We Are Ghosts », « 5 Steps / 7 Swords »), notamment par les grands noms auxquels on le référencie facilement (une touche de Pixies, un fond de Starsailor), mais il déçoit légèrement à certains endroits par son manque de profondeur –réflexion étrangement paradoxale lorsque l’on considère les enjeux qui s’y cachent. Les longues plages lancinantes rappellent la musique de film et l’on ne s’étonnera pas que Grobber a contribué à la BO du dernier Wim Wenders, « Palermo Shooting ». Malheureusement, cet excès de lyrisme vaporeux et les interruptions soudaines dans le discours nuisent parfois à son homogénéité, nous enduisent de lassitude ou nous coupent dans notre élan ; les montées n’aboutissent pas toujours (« A Voice in the Louvre »), telle une blague qui se prend un vent, et sont un peu trop sages pour convaincre. Konstantin Gropper incarne pourtant l’Espoir de l’indie allemand et le succès flambant du concert accordé à la Volksbühne, le vendredi dernier, prouve que le public berlinois l’a déjà intronisé.
Enfin, cet opus est peut-être simplement à déguster dans certaines dispositions (un jeudi soir fatigué devant la table de repassage), mais peut-être est-ce l’impertinente lenteur de la ‘coolitude’ qui constitue la noblesse du futur…
Le génial Konstantin Gropper se rappelle à notre bon souvenir (excellent même) en nous livrant son second opus « Vexation ». Mieux connu sous le pseudo de Get Well Soon, ce Berlinois d’origine, diplômé en philosophie, remet son ouvrage sur le métier pour nous emmener planer à nouveau, à ses côtés…
Il y a deux ans, « Rest Now, Weary Head! You Will Get Well Soon », son premier album, était pour beaucoup une magnifique découverte, un album magique, très riche. Un de ceux qui laissent des traces. Son second effort ne confirme hélas qu’en partie tous les espoirs qu’avait laissé entrevoir ce surdoué. Mélangeant les genres, l’auteur-compositeur-multi instrumentiste et chanteur (il cumule le bougre) nous sert une musique qualifiée de folk-électro sur un fond lointain de musique classique et/ou baroque avec de légères touches pop ; quelques chœurs d’opéra saupoudrant occasionnellement le tout. Compliqué ? Mais non, pas du tout. Etrange ? Pas plus non plus. Spécial ? Ce n’est pas le mot. Surprenant serait plus approprié.
« Vexations » se décline en deux versions, l’une se présentant sous la forme d’un seul album de 14 titres et l’autre nous proposant en plus de la version originale, un second CD de 8 titres, ce qui porte le total des compos à 22. Nous nous contenterons de la ‘version simple’…
Fort de 14 titres, « Vexations » est une collection de ‘surprises’ qui se suivent lentement, parfois même très (trop) lentement, les ballades ténébreuses jouant à saute-mouton avec quelques compositions plus pop, plus entraînantes. Hélas, 14 titres c’est un peu beaucoup à avaler en une seule fois et de temps à autre, on a l’impression d’avoir déjà entendu le morceau écouté. Redondant ? Inégal ? Certes, mais lorsqu’on s’amuse à mélanger les genres, il est toujours difficile, voire impossible d’être au top à chaque composition. On épinglera cependant « Seneca’s Silence », « Werner Herzog Gets Shot », « Angry Young Man » pour leur belle musicalité et leur côté quasiment ‘festif’ en comparaison du reste…
Le reste justement, s’il y a un côté sombre chez Konstantin Gropper, c’est en écoutant le triste « Nausea », le très lyrique « Red Nose Day » ou encore « A Voice In The Louvre » (NDR : une compo qui aurait pu être signée Divine Comedy), que l’on imagine mieux l’univers du capitaine teuton Konstantin Gropper, seul maître à bord après Dieu du vaisseau Get Well Soon.
Il faut bien parfois se donner un peu de mal pour trouver le meilleur…
En 2008, Royal Bangs sortait son premier opus : « We Breed Champions ». Sur Audio Eagle. C'est-à-dire le label indépendant fondé par le drummer des Black Keys, Patrick Carney. Un disque qui sera finalement distribué en Europe, l’année suivante, par City Slang. Un elpee sculpté dans une noisy-pop insolite qui laissait entrevoir un énorme potentiel chez ces Américains de Knoxville (Tennessee). Et si une certaine presse spécialisée avait manifesté un enthousiasme légitime à l’égard de cette musique, on ne peut pas dire que le public ait suivi le mouvement. Depuis, leur line up a subi quelques modifications. Henry Gibson et Brandon Biondo remplaçant Danny Sale et Jason Campbell, respectivement à la basse et à la guitare. Mais le combo n’a pas chômé pour autant. Et pour cause, il a accompli une tournée en compagnie de The Black Keys, participé à différents festivals ; sans oublier le périple accompli par leur frontman, Ryan Schaefer, en Europe.
Et le second album de Royal Bangs est une nouvelle véritable bouffée d’air frais. Un peu comme si The Rapture reprenait du Flaming Lips à la sauce post-punk. Les riffs de guitare se croisent et s’entrecroisent, se tordent même, pour libérer parfois des sonorités improbables (« Brainbow »). Elastique, la section rythmique rebondit constamment. Le tout est nappé de claviers et traversé d’effets électroniques judicieux. Les compos remuent, déménagent, s’aventurent en dehors des sentiers battus. Et pourtant, les mélodies de cette pop bordélique finissent par se fixer dans l’inconscient (« Poison Bells », « 1993 » ou encore « My car is Haunted »). On pourrait peut-être parfois reprocher au combo un péché de gourmandise. Mais ce n’est guère capital. Car l’écoute de « Let It Beep » est un pur moment de défoulement voire même de bonheur. Il transpire la joie de vivre (« Shit Xmas ») et finalement nous rend de bonne humeur. Un souhait ? Que ces joyeux passent par chez nous lors de la prochaine saison festivalière…
Indifférents aux sirènes de l’industrie musicale et à tout effet de mode, les deux Ecossais de The Pastels ont traversé douze longues années de silence (NDR : hormis la bande-son instrumentale du long métrage « The Last Great Wildness » sortie en 2003) avant de sortir un nouvel album en collaboration avec leurs amis japonais de Tenniscoats.
Formé au début des années 80 par Stephen Mc Robbie, The Pastels compte parmi ces groupes qui ont surfé sur les différentes vagues de la musique pop-rock depuis 25 ans sans jamais rechercher la célébrité. Ni devenir populaire. Il aura eu néanmoins un impact décisif sur son milieu musical et, a posteriori, sur l’histoire du pop-rock britannique. C’est pourtant au milieu des années 80 que le groupe signe sur le label indépendant Creation Records, fondé par Alan McGee. Ecurie représentée à l’époque par des groupes tels que The Primal Scream, The House of Love, The Jesus & Mary Chain ou encore My Bloody Valentine. Label à l’origine du mariage entre mélodies pop traditionnelle et guitares saturées. Considéré comme l’un des piliers du mouvement ‘Anorak Pop’, The Pastels est rapidement associé par ses pairs à l’ancêtre absolu du noisy-pop. Hissé comme principal acteur de la révolution noisy-pop britannique, les deux musiciens glaswégiens seront régulièrement cités comme influence majeure par des groupes tels que My Bloody Valentine, The Jesus & Mary Chain, Teenage fanClub ou encore Nirvana et Sonic Youth.
Douze années d’absence au cours desquelles les deux piliers du groupe écossais, Stephen McRobbie et Katrina Mitchell, ont abandonné leurs projets musicaux personnels pour se consacrer à ceux des autres sous leur propre label Geographic. Faute d’avoir signé des groupes locaux qu’ils apprécient particulièrement, les deux producteurs se tournent vers le Japon. Cette nouvelle perspective s’ouvre à une collaboration originale auprès des Tokyoïtes de Tenniscoats, frères jumeaux nippons de Belle and Sebastian. Hâtés par ses amis japonais, Stephen Pastel regagne nonchalamment les chemins des studios. Histoire de cœur et d’amitié qui donne naissance à « Two Sunsets ». Deux couchers de soleil brillant sur deux univers culturels divergents qui s’éclaboussent d’une touchante complémentarité (« Song for A Friend »).
Une collaboration transcontinentale étrange, à contre-courant, qui marie habilement les guitares pop pétillantes et les synthés éthérés à la merveilleuse voix cristalline de la femme-enfant Saya dont la plupart des paroles sont chantées en japonais. Une bulle minimaliste qui se promène aux pays des songes et de l’enfance. Lieu où la musique traditionnelle nippone se greffe naturellement aux accents écossais (« Two Sunsets » et « Hikoki »). Contes étranges tendrement naïfs et insidieusement mélancoliques.
Excepté « Tokyo Glasgow », morceau instrumental d’ouverture qui pourrait facilement habiter le répertoire 70’s de Brian Eno, et « About You », reprise de Jesus & Mary Chain subtilement interprétée par Stephen McRobbie, les aficionados de la première heure risquent d’être fortement surpris. Un elpee qui s’éloigne cruellement du répertoire des Pastels et qui, pour certains, frôle dangereusement les rives de la somnolence. Les mélodies et arrangements délicats sous Xanax, les structures épurées qui fondent sur la galette et ces sons d’un autre monde risquent fort de ne pas ravir toutes les oreilles. Un pop exotique et extatique qui ne parle pas à tout le monde.
Seule certitude, « Two Sunsets » est une perle rare qui touche l’âme par sa sincérité et sort indiscutablement des sentiers battus. Fidèles à eux-mêmes, les deux artisans de The Pastels ne cherchent décidément pas la popularité et continuent humblement leur chemin musical.
Ajoutons rapidement que le label Geographic éditera prochainement l’album solo de Gerard Love (Teenage Fanclub) et le futur long playing des Pastels.
Ex-Smokin' Chillums, Backbone et Maxwell Street, ‘Lightnin' Guy’ Verlinde est belge. Il aime le blues ; et tout particulièrement celui qui nous vient de Chicago et de la Louisiane. Il chante, joue de la slide et de l'harmonica. Ce n’est pas encore un vétéran mais il n'est certes plus un débutant. Il a baptisé son nouveau groupe les Mighty Gators, un combo au sein duquel il a recruté le très jeune espoir Arne Demets à la guitare, Thierry Stievenart aux drums et Stefan Boret à la basse (NDR : deux anciens membres de Maxwell Street). Sans oublier Dominique Vantomme aux claviers (NDR : il avait notamment participé aux sessions d’enregistrement de l’album d’Ana Popovic, "Live in Amsterdam"). Si le combo s’était produit en juillet dernier, dans le cadre du Belgian Rhythm & Blues Festival de Peer ainsi qu'au Gouvy, ce long playing a été immortalisé en novembre 2008, au Link de Sint Eloois Winkel. Depuis, le line up a subi quelques modifications. Apparemment le prometteur Demets a quitté le navire et a été remplacé par Fredeerick Defraeye. Quant à Boret, il a cédé la basse à Dominiek Buyse.
Les Gators ne sont certainement pas des créateurs ; mais manifestement ils constituent des animateurs de premier choix. Car cette bonne heure de spectacle est de la pure dynamite. Lightnin' Guy joue de la slide et de l'harmonica. Une association d’instruments plutôt rare, il faut le souligner. Studebaker John Grimaldi en est probablement le plus bel exemple, cependant. Un blanc. Issu de Chicago, pour être plus précis. Et c’est justement par une reprise de son répertoire que l’opus s’ouvre. Une superbe cover de son "Highway king", au cours de laquelle la slide de Guy rugit sauvagement. Que du bonheur! Fougueuse et très présente elle attaque le "Goin' down" de Don Nix, un classique au cours duquel le jeune Arne s’autorise une sortie autoritaire et de toute grande classe sur ses cordes. Verlinde a également une bonne voix. Et il le démontre tout au long du "Cut you loose" de Mel London. Soutenu par un arrangement R&B, né de la conjugaison de la section de cuivres et de l'orgue de Van Tomme, les cordes se déchaînent une nouvelle fois lors de cet excellent morceau de funk. Le tempo ralentit pour permettre d’adresser un solide clin d'œil au reggae jamaïcain ; en l’occurrence le "Ain't no sunshine" de Bill Withers. Les Gators apprécient la musique issue du Sud des Etats-Unis. Un vent de fraîcheur souffle lorsqu’ils adaptent le répertoire de Sonny Landreth ; et en particulier "Congo square" et "Gone pecan". Guy empoigne enfin son harmonica et son intervention est remarquable tout au long du blues rocker très entraînant, "Automatic". Le voyage se prolonge au cœur de la Louisiane profonde à travers un "Gator bop" (NDR : signé Guy) très remuant ; puis de la quiétude des swamps, lors d’une version d’"Out in the rain" de Tony Joe White interprétée à la manière des Stones époque "Gimme shelter". Après s’être prêté à un nouvel exercice du funk ("Junko partner"), puis du blues ("Nine below zero)", les Mighty Gators mettent finalement le feu aux planches en alignant le "Hip shake" de Slim Harpo, "Do that boogie" et "Bon ton roulet", des morceaux de southern boogie participatifs de toute bonne facture. Un excellent album !
Si Jesca Hoop est de plus en plus visible sur la scène musicale contemporaine, ce n’est pas un hasard. Evidemment, les mauvaises langues vont imputer cette situation au coup de pouce accordé par Tom Waits. Et ce n’est pas tout à fait faux. En fait, Jesca était la baby-sitter de ses enfants ; aussi en gage de remerciement, il a fait parvenir la démo de la demoiselle à son producteur. Les relations, ça aide… Mais ne nous contentons pas de raccourcis faciles ; car même si la famille Waits lui a servi de tremplin, le potentiel de Jesca Hoop était plus que prometteur.
Déjà responsable d’une démo en 2004 (« Silverscreen Demos »), d’un album en 2007 (« Kismet ») et d’un Ep en 2008 (« Kismet Accoustic »), elle vient donc d’enregistrer « Hunting my Dress », une œuvre dont la beauté naturelle finit par griser. Affichant des faux airs de Björk, elle lorgne également vers la superbe d’une Kate Bush. Mixant le tout sur une trip hop non conventionnelle et timidement sautillante. Et lorsque ses compos empruntent des chemins de traverse, c’est pour osciller entre folk et rock, tout en prenant soin d’y apporter des arrangements post-prod tout bonnement sublimes.
Si « Whispering Light » semble couler telle une goutte de miel le long de son pot, « Feast of the Heart » libère une énergie et une rage positive plutôt rock. « Tulip » nous plonge dans une ambiance irlandaise, digne de Sean O’ Connor, tandis que « Murder of Birds » arracherait même des larmes à Joan Baez. L’éclectisme est d’ailleurs une des caractéristiques essentielles de « Hunting my Dress ». Et quoique constamment différentes, chaque plage nous procure un même plaisir. De brève durée (40 minutes découpées en 9 fragments), cet elpee n’en demeure pas moins abouti, empreint de charme et de volupté. Aussi je vous conseille vivement d’y goûter, avant d’y succomber…
Helado Negro (glace noire) est un projet initié par Roberto Carlos Lange, trentenaire d’origine équatorienne qui n’en n’est pas à son coup d’essai. En parallèle de ses nombreux travaux personnels et collaboratifs, Lange peut également se targuer d’avoir coproduit quelques unes des œuvres de Prefuse 73 et Savath + Savalas. « Awe Owe » marque le début de sa collaboration au sein du label Asthmatic Kitty (Sufjan Stevens, My Brightest Diamond, Castanets, etc.) Entouré de pas moins de dix musiciens, parmi lesquels on compte des membres de Bear In Heaven, Stars Like Fleas et Jim O’Rourke Trio, le songwriter s’offre une première œuvre résolument tournée vers le soleil.
« Awe Owe », majoritairement interprété en espagnol, va très souvent chercher du côté le plus enjoué de Savath + Savalas (« Dos Suenos », « Awe »), Panda Bear (« Espuma Negra », « Dahum ») ou El Guincho (« Venceremos »). Les onze morceaux, plus percussifs les uns que les autres, dressent des paysages sonores plutôt bigarrés, généralement exaltants. Lange aurait peut-être gagné à se montrer davantage aventureux mais « Awe Owe » établit une base solide pour ce qui semble constituer un projet qui pourrait en surprendre plus d’un.
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