Malgré une discographie conséquente, Mirah Yom Tov Zeiltyn n’a jamais été de celles qui ont brillé par un quelconque succès de ce côté de l’Atlantique. Un manque d’intérêt probablement dû au style pratiqué par la demoiselle, à ses débuts, un peu trop proche de celui des Lisa Loeb et autres Liz Phair. Autrement dit, des artistes qui n’ont jamais réellement suscité l’intérêt européen. Son éveil artistique, Mirah l’a vécu en compagnie de The Microphones, une collaboration reconduite à deux reprises. Dix ans et presque autant de projets parallèles plus tard, la demoiselle originaire de Philadelphie présente un quatrième recueil solo pour lequel elle semble enfin avoir trouvé sa vitesse de croisière.
Mirah reste fidèle à ses thèmes fétiches, la nature en tête, et les célèbre au travers de ritournelles sans prétention dont certaines peuvent même se révéler trop courtes. On pointera du doigt les excellents « Gone and The Days » ou « The Forest » et son final en fanfare qui aurait gagné à ne pas être freiné en plein climax. « (a)spera » regorge de très bonnes idées, pas toujours correctement exploitées. Mais dans l’ensemble, ce nouveau recueil pourrait être celui qui, lentement mais sûrement, halera Mirah vers la lumière.
Le rock belge se porte décidément très bien. Chaque nouvelle formation essaie de se frayer un petit chemin, en toute indépendance. Les Sharko, dEUS, Zita Swoon, et bien d’autres n’ont qu’à bien se tenir…
Pétri de talent, ce quintet nous vient en ligne droite de Liège. Il pratique un rock très dense, très intense, très profond. Lauréat du Pure Démo organisé par Pure FM, Roscoe se désolidarise de la station, arrive à sortir des ‘griffes’ de la radio en abandonnant ses droits sur deux de ses titres pour tenter de s’autoproduire de façon autonome. Et ça marche. Cet Ep quatre titres inaugural est sans conteste d’excellente facture ; il suffit d’écouter « Ruin » pour s’en convaincre.
Une musique électro-rock, énergique et des relents d’Archive agrémentent ces 4 morceaux.
Mais pourquoi 4 titres seulement ? Ben, il faut récolter des fonds pour pouvoir sortir un elpee. Soit un minimum de 15 000€. Et cette somme n’est pas dissimulée sous le sabot d’un cheval. Mais AKA Music, via Internet, cherche à faciliter cette collecte de fonds. Ce sont les internautes qui financent la production…
Le groupe est actuellement en phase d’enregistrement. Un peu de patience… Et pourquoi pas une nouvelle critique dans quelques mois. En attendant, découvrez ce mini-album (mini seulement dans le nombre de titres) sans modération.
Après avoir concocté trois tubes au cours des trois derniers mois (« Dance Wiv Me », « Bonkers » et « Holiday »), l’excellent Dizzee Rascal (Dylan Mills de son vrai nom) est de retour pour un quatrième album. Un disque très différent de ses précédents opus, mais diablement efficace ! En créant son label Dirtee Stank, le rappeur anglais avait l’intention de promouvoir des artistes de la scène grime, style très en vogue depuis quelques années. Malheureusement, les fans de la première heure risquent d’être déçus, car le Rascal a avoué, il y a peu, vouloir se tourner vers un son résolument plus pop, plus électro. Et c’est effectivement le cas à l’écoute de « Tongue N’Cheek », une plaque aux sonorités 80’s et 90’s. Bien sûr, le malheur des uns, peut faire le bonheur des autres et j’avoue que c’est mon cas…
Il existe effectivement un pas de géant entre vouloir se tourner vers la musique électro et concrétiser ce projet. Mais là, il faut avouer que Dizzee Rascal a réussi un bien joli coup en s’entourant pour la réalisation d’un certain Calvin Harris ou encore Armand Van Helden, deux personnages loin d’être inconnus sur la scène électro. Toujours aussi vifs et purs, les flows de Rascal s’illustrent sur des vagues pop à la production sans faille. Outre les tubes dantesques « Dance Wiv Me » (disponible également sur le nouvel album de Calvin Harris), « Bonkers » et « Holiday », la rondelle est sans surprise le reflet des trois titres promotionnels. On notera la présence d’une superbe version du « Dirty Cash » de The Adventures Of Stevie V, célèbre groupe de dance britannique qui a sévi dans les années 90, remodelé et intitulé « Dirtee Cash ». Ou encore du ‘dubesque’ « Can’t Tek No More ». Signée Shy Fx cette compo recèle des samples du film « Babylon ».
Bref, le passage de l’excentrique Rascal dans le monde électro pop est une grande réussite et même si le côté très mainstream de l’album peut décevoir, il ne risque certainement pas d’attrister Dj’s et autres amateurs de dancefloors ! Shake your booty !
Il n’aura même pas essayé de dissimuler sa véritable identité, le bougre. Il faut dire que doué d’une voix comme la sienne, Paul Banks, leader d’Interpol, aurait difficilement pu cacher à son public qu’il était l’homme derrière cet étrange pseudonyme. Julian Plenti est l’homme qui permet à son créateur de se perdre dans des divagations pop-rock que ce dernier ne se serait pas nécessairement permis en compagnie de sa formation initiale (« Unwind », « H », « Girl In The Sporting News », « Fly As You Might »…), même si certains morceaux auraient pu figurer dans l’une ou l’autre œuvre d’Interpol (« Fun That We Have », « Games For Days », « Only If You Run »). Banks se fait plaisir en ranimant ce vieux projet laissé pour mort suite à l’avènement du succès incontrôlé de sa troupe. De ses archives, Julian Plenti a extirpé onze écrits à la hauteur de ce que l’on pouvait attendre de l’homme derrière le personnage.
« Julian Plenti is… Skyscraper » est le parfait antidote à l’impatience que pourraient éprouver les fans d’Interpol. Plus particulièrement ceux qui ont éprouvé une relative déception à la sortie de « Our Love To Admire », troisième recueil d’Interpol dont beaucoup reprochait le côté statique. Banks applique ici le ‘damage control’ avec brio. Reste à voir si cette incartade octroiera un nouveau souffle à son quatuor dont le quatrième essai est attendu dans le courant de 2010.
OIA. Vous connaissez ? Non ? Ils sont de Marseille ! Ça ne vous dit toujours rien ? Et Massilia Sound System non plus ? Si ? Ah quand-même ! Ben oui, OIA est le petit ‘frère’ du Massislia Sound System. Souvent dans le même ordre d’idées, OIA se concentre plutôt sur l’électro-rock à thème(s) rigolo…
On va vous foutre la « Oia », littéralement, on va foutre la m… Littéralement ? Enfin dans leur jargon… Ah c’est vrai que les Marseillais n’y vont pas de main morte dans leurs textes !
Chaque chanson est un des reflets de notre société, une chronique du quotidien, une caricature pas piquée des vers où chacun peut se retrouver au détour d’un comportement parfois coupable, négligeant, égoïste… En bref les mille et un défauts de la vie que chacun connaît à l’occasion ! (NDR : Pas vous ? Menteurs !)
Maniant l’humour (NDR : grinçant de temps en temps), le dialecte phocéen et utilisant des rythmes électro-rock, OIA nous propose 14 titres qui sont autant de clins d’œil adressés à… Ecoutez « Chéri(e) », vous cernerez mieux les cibles…
Pourtant, le line up de la formation a subi des remaniements suite à la disparition d’un de leurs membres originel, Lux B., décédé en juillet 2008. Ils ont dès lors revu un peu la formule ; et Gari, second fondateur du groupe a rassemblé autour de lui un DJ (Kayalik), un guitariste (Buzz) et un batteur (Al Bator). Mais la trouvaille, c’est l’engagement d’un jeune Suédois prénommé Dubmond. Il apporte ses ‘boîtes électroniques’ et met une touche plus ‘dance’ partout.
Laissez-vous séduire l’accent à couper au couteau, l’esprit de ‘déconnade’ et l’autodérision (« Feignant et gourmand ») de ces ‘dingues’ des Bouches du Rhône. Ça vaut le détour.
Amusant ! En concert ils doivent ‘arracher’… Hélas, pour l’instant, ils ne viennent pas dans notre coin !!!
Souvenez-vous des Delgados, une formation écossaise fondée en 1994 qui s’était inspiré du nom d’un des vainqueurs du Tour de France pour choisir son patronyme. Elle s’était séparée en 2005, après avoir commis quatre albums. Alun Woodward avait alors décidé de se lancer dans une carrière solo. Il a quand même fallu quatre longues années au natif de Motherwell pour terminer cet opus éponyme. Faut dire qu’entretemps, il a sorti « A sentimental Song » en 2007, un elpee destiné à mettre en musique des textes du poète britannique Alasdair Gray. Mais l’attente en valait la peine, car cette nouvelle œuvre est une véritable réussite, évoluant au sein d’un univers sonore partagé entre pop, baroque et folklore celtique.
« Lord Cut-Glas » a été enregistré au sein des studios du label Chemikal Underground. Pour mémoire, cette écurie avait été créée par des membres des Delgados. Et aujourd’hui, elle héberge la quintessence des ensembles écossais comme Mogwai, Arab Strap ou Aerogramme ; et la liste est loin d’être exhaustive. Alan Woodward est quand même un peu mégalo. Dernièrement, il a déclaré ‘If Lord Cut-Glass was a political leader he’d be more dictator than democrat : more Charlemagne than Chirac’. Mais en même temps, démontre qu’il ne manque pas d’humour. D’ailleurs, il n’est pas vraiment nécessaire de décortiquer les lyrics pour se faire une idée de sa verve. Les titres des différents morceaux suffisent.
Paradoxe, les différentes plages de cet elpee sont contagieuses, mais pas toujours très accessibles. Il alterne ballades (« Be careful what you wish for », « Holy Fuck »), morceaux plus énergiques (« Big time Teddy », « Look after you wife ») et puis plages qui puisent manifestement dans la tradition écossaise comme « I’m a great example to the dogs », « Toot Toot » ou encore « You know ». Alun s’est chargé de la mise en forme de l’album, mais signe également l’intégralité des arrangements, même ceux dispensés par l’orchestre symphonique qui ont participé à la confection de l’œuvre.
Si vous avez la nostalgie des Delgados, le premier elpee solo d’Alan Woodward devrait vous plaire. Une véritable bouffée d’air frais que je vous invite à respirer à plein poumons...
Lors des ‘Feeërieën’, organisées l’an dernier par l’AB, au Parc Royal à Bruxelles, j’avais eu l’occasion de découvrir Jeffrey Lewis. Et puis je l’avais revu en première partie d’Adam Green. Aussi, je peux vous assurer que Jeffrey Lewis est un chanteur cool. Comment ne pas l’être, lorsqu’on parvient à transformer un album entier du groupe punk Crass en reprises folk ?
Pourtant, on ne peut pas dire que sa discographie soit digne de ses prestations live. Une raison pour laquelle j’étais particulièrement inquiet avant de me farcir « Em Are I », sa nouvelle livraison. Son cinquième opus depuis 2000, si on ne tient pas compte de ses collaborations opérées en compagnie de Kimya Dawson. Première constatation, le degré d’humour pratiqué y est moins présent que sur « It's the Ones Who've Cracked That the Light Shines Through », un elpee paru en 2003. Néanmoins, les morceaux sont beaucoup mieux maîtrisés que par le passé.
Si à l’origine, Jeffrey émargeait à la scène antifolk newyorkaise (NDR : un mélange de punk et de folk célébré notamment par The Moldy Peaches, Lach ou encore Ani Di Franco), au fil du temps, il s’en est écarté. A cause du recours à une production de plus en plus soignée et à des arrangements particulièrement léchés. Seuls les lyrics (NDR : souvent complexes et littéraires) et l’esprit bricolo-anarchiste rappellent cette philosophie sonore. Car finalement, Lewis joue du folk, lo-fi peut-être, mais bien du folk. Les mélodies sont toujours aussi directes et fragiles. Herman Düne n’est pas très loin. Adam Green non plus. La conscience politique aiguisée en plus. De la parfaite musique ‘intelligente’ pour geek. Une certaine amplitude dans son inspiration lui permet de varier parfois son style. Et je pense tout particulièrement au morceau quasi psyché intitulé « The Upside-Down Cross ». Et puis aux plus country/rock « Broken Broken Broken Heart » et « Whistle Past The Graveyard » (NDR : les titres que je préfère !) ou encore au bouleversant « Roll Bus Roll », digne des Moldy Peaches.
« Em Are I » est donc découpé en onze plages fort agréables, variées et aux textes profonds. Je regrette d’ailleurs de ne pas être parfait bilingue pour mieux cerner sa prose. Notez que Jeffrey est un artiste complet car il également auteur de comics. Il a décroché un diplôme à l’Université de New-York en littérature. Anecdotique, mais à souligner quand même, la lecture de sa thèse à l’Université de Louvain en 2000, sur le comicbook ‘Watchmen’, récemment adapté au cinéma.
« Me oh My » constitue le premier album de Cate Le Bon. Lors du morceau d’ouverture, on est bercé par une voix pure accompagnée de doux accords de guitare, à la Cat Power. Ambiance molletonnée, odeur de descente post-grosse bringue. Mais rapidement Cate nous surprend en empruntant un chemin tantôt électro, tantôt rock, parfois indie-rock, et des inflexions vocales proches de Nico ou de Jane Birkin. Chaque morceau est un nouveau paysage imaginaire que l’on traverse en sa compagnie. Les sons se changent en images, un avion décolle, un paysage gallois est balayé par le vent humide, des nuages sombres passent nonchalamment ; en équilibre entre mélancolie et candeur joyeuse, Cate avance, en lévitation. Une intimité fragile s’installe au rythme des mélodies d’harmonica et du jour qui approche (il paraît que Cate n’écrit que dans le noir). L’instrumentation est savamment dosée, comme pour mieux mettre en valeur la voix de la jeune chanteuse. Outre les classiques guitares, batterie et claviers, on croise deux violons désaccordés et un accordéon gravitant discrètement autour de la voix qui se dédouble et répète son texte avec obsession. La nuit passée en compagnie de ce papillon nocturne était douce, agitée et hallucinée. Un beau début. On attend la suite.
A près de 25 ans de carrière, Marc Lavoine, le beau ténébreux, signe son dixième elpee. Un disque baptisé tout simplement « Volume 10 ».
L’interprète d’« Elle a les yeux revolver » a attendu quatre ans après la parution de « L’heure d’été » avant de s’envoler pour l’ouest des Etats-Unis afin d’y préparer son dernier né.
Enregistré entre la mort de son père et la naissance de son fils, Marc nous présente son album le plus personnel, le plus intimiste à ce jour ; celui qui lui ressemble le plus. L'éternel jeune homme fait tout son possible pour gommer l'image de chanteur romantique pour minettes qui lui colle encore parfois à la peau.
Les textes sont tous de la plume de l’acteur/chanteur et traitent principalement de ses deux vies : la privée et la professionnelle. Suivant son habitude, il s’est entouré de ses ‘fidèles’ François Delabrière et Jean-François Berger qui ont pris en main la réalisation. Pour mettre le tout en musique, Marc a également pu compter sur l’aide de Julien Clerc, de la fille de Serge Gainsbourg (Lulu) et de Bertrand Burgalat.
L’elpee recèle également quelques ‘curiosités’ comme par exemple deux duos. Le premier en compagnie de Valérie Lemercier pour « La grande amour » et le second avec sa fille Yasmine, âgée de 11 ans.
L’artiste, qui séduit autant sur scène que sur grand écran (NDR : il sera le 2 décembre à l'affiche de Liberté, de Tony Gatlif), évolue à sa main, sans brusquer un public qui lui reste fidèle. Onze ballades qui ont la douceur d’une caresse de jolie fille et la légèreté d’une plume. Onze chansons qui devraient ravir les fans des ‘plus beaux yeux de la chanson française’.
A noter quand-même un texte un peu osé qui dénote chez un garçon si gentil, si poli voire si lisse : « Je rêve de ton cul ». Marc Lavoine se lâche un peu et ose dire des choses jusque là inavouées à son public féminin… Qu’en penseront-elles ?
En tournée à partir du 10 janvier 2010 à travers toute la France et en concert le 23 mars à Bruxelles à Forest National.
Jeff Healey nous a quittés en 2008. Il y a quelques mois, un coffret baptisé "Legacy: Volume 1" était paru pour le plus grand bonheur des fans du guitariste disparu. Lors de la chronique de ce box, je vous avais signalé que les héritiers du Canadien défunt, et en particulier la veuve, n’avaient pas accordé l’autorisation d’éditer une telle anthologie. Ce n’est pas le cas pour cette nouvelle sortie consacrée à feu Healey, puisque Miss Christie signe des notes de pochette. Elle y mentionne que lors des concerts immortalisés pour concocter ce disque, Jeff était souriant, rieur, heureux de jouer et chantait de tout son cœur.
L’opus réunit un Cd et un Dvd enregistrés lors de trois excellents concerts, accordés principalement au Blues festival de Notodden, en Norvège. Mais aussi à l'Académie d'Islington à Londres et au club de Jeff, le Roadhouse, à Toronto. Alec Fraser, le bassiste du Healey Band, s’est chargé de la production. Elle est impeccable. Et le son est parfait. Si les amateurs de blues y trouveront leur compte, d’autres facettes de l’artiste sont également mises en valeur ici : son côté rock, parfois psychédélique et les ballades.
Les quatre extraits du concert concédés à Londres sont épatants. Le blues rock proposé y est de très bonne facture. "I think I love you too much" est un blues signé Mark Knopfler époque Dire Straits. Issu de la plume du mythique Robert Johnson, "Stop breaking down" est imprimé sur un tempo entraînant, proche du "Let's work together" de Canned Heat. Le pianiste Murphy se réserve alors l'harmonica. L’adaptation du classique "Hoochie Coochie man" offre une belle conjugaison de cordes entre Jeff et son compatriote Randy Bachman (NDR : rappelez-vous "American woman" du Guess Who et "You ain't seen nothin' yet" du Bachman Turner Overdrive). Un échange qui se reproduit lors de la version sans faille du célèbre hymne des sixties, "White room" (NDR : une composition écrite par la paire Jack Bruce/Pete Brown). Le Roadhouse n’est le théâtre que d’un seul morceau le "Whipping post" de Greg Allman (NDR : la fabuleuse version live, caractérisée par un des plus grands duels de guitares de l’histoire du rock, échangé entre Duane Allman et Dickey Betts figure sur l’elpee live de l’Allman Brothers Band, "Live at Fillmore East"). Healey s'en tire très bien, en traitant la compo tout simplement à la manière du band des frères Allman. Murphy se débrouille impeccablement aux vocaux dans l’excellente interprétation du "Come together" et du "While my guitar gently weeps" des Beatles ainsi que dans celle du "Teach your children well" de Crosby, Stills and Nash, en respectant parfaitement les versions originales.
Place au Dvd. Nous sommes en 2006. Au Notodden Blues Festival. La scène sise sous le chapiteau est étroite. Jeff est assis au centre du podium, la guitare placée horizontalement sur les genoux. Il est entouré de ses musiciens : Dan Noordermeer à la Stratocaster, Dave Murphy au piano, Alec Fraser à la basse et Al Webster aux drums. Ils ouvrent le set par un tonitruant "Shake rattle and roll". Healey y démontre toute l'étendue de son talent. C’était véritablement un gratteur exceptionnel. Il s'attaque alors au classique "How blue can you get". Un long blues lent au cours duquel il démontre sa capacité à maîtriser ce type de répertoire. Il y épanche toute sa sensibilité naturelle et ne ménage jamais son instrument. Le "I'm ready" de Willie Dixon libère énormément de swing. Healey était également très habile pour adapter les classiques de la musique rock. Et il le démontre lors de sa cover du "Like a hurricane", de Neil Young. Une longue et vibrante fresque sonore au cours de laquelle il affiche une grande complicité avec Dan, son partenaire aux cordes. Il attaque le "Highway to hell" d’AC/DC. Au cours de ce morceau de hard rock accrocheur, le claviériste, Dave Murphy, se prend pour Bon Scott, alors que Jeff se lève pour incarner Angus Young. Surprenant! Healey aligne alors ses tubes : le "Angel eyes" de John Hiatt et "See the light". Le concert s’achève par une reprise du "Soul man" d'Isaac Hayes (NDR : Sam & Dave en avait fait un hit !) Murphy se charge à nouveau des vocaux tout au long de cette plage qui baigne évidement dans le pur R&B coloration Stax. Excellent!
Ah que voilà le 3.268ème album de Johnny !!! Mille excuses ! Ben oui, c’est tellement facile de se moquer d’un tel personnage. Faut dire qu’on pourrait croire que par moments il aime la raillerie et qu’il en redemande ! Et qu’on ne s’en prive pas, c’est vrai. Mérité ??? Ben… je vous laisse juge…
Bon, assez de persiflage, passons aux choses sérieuses. Et pour une fois, cet album de Johnny, c’est du sérieux. Un double album enregistré à Paris, en public, au Stade de France les 29, 30 et 31 mai derniers. Trois dates pour le ‘Tour 66’, un album live grandiose, magique, témoignage de la dernière tournée d’un des plus grands artistes français. La première phase du périple a rassemblé près d’un million de fans dans les stades (dont 3 soirs complets au Stade de France, devant 250 000 fans). Un million de spectateurs ont assisté au concert donné par Johnny Hallyday le 14 juillet à la Tour Eiffel. Cinq millions de téléspectateurs ont vécu en direct sur TF1 les concerts du Stade de France.... C’est bien ce que je disais, un (très) grand artiste…
Ce double cd réunit 34 titres et non des moindres. Toute la carrière du plus belge des chanteurs français (NDR : à moins que ce ne soit l’inverse ?) est passée en revue durant près de deux heures. Tout y est, absolument tout. Un must pour qui ne connaîtrait pas sa carrière et qui souhaiterait en avoir une illustration quasi complète.
Johnny nous rechante ses succès des sixties, des adaptations françaises de hits anglais et/ou américains. Parmi les plus notoires on épinglera « Le pénitencier » (NDR : « The house of the rising sun », dont la version anglo-saxonne la plus célèbre demeure toujours celle des Animals), « Je veux te graver dans ma vie » (NDR : « Got to Get You into My Life » des Beatles), « Blue Suede shoes » de Carl Perkins (NDR : immortalisée par Elvis Presley), « Noir c’est noir » (« Black is Black » des Los Bravos), etc. Sans oublier ses tout grands hits : « Ma gueule », « Que je t’aime », etc. Il balaie une période de plus de 40 ans de sa carrière. Ce double live est une véritable machine à remonter le temps ! Les fans de la première heure y retrouveront tout ce qui a fait la légende et contribué à faire durer ce personnage tellement populaire, issu d’une époque dont il ne reste quasiment que le seul ‘survivant’.
Techniquement, les enregistrements sont parfaits. Performance d’autant plus étonnante que la majorité des concerts se sont déroulés dans des stades à l’acoustique plus que douteuse. Ici, l’ingénieur du son a fait du tout bon boulot. On parlerait même de miracle si on ignorait que beaucoup d’albums live sont en fait retravaillés en studio avant leur enregistrement final. Mais force est de constater que la réalisation de ce double Cd est réellement excellente.
Johnny n’a visiblement rien perdu de sa voix, ‘instrument principal’ d’un artiste ayant basé principalement sa carrière sur l’interprétation ‘bien personnelle’ de hits taillés sur mesure pour lui par autant d’auteurs et de compositeurs de talent qui ont mis en exergue son puissant organe vocal. Citons en passant Michel Berger, Jean-Jacques Goldman, Pascal Obispo, Zazie ou encore Maxime Leforestier. Que du beau monde !
Bien épaulé par une formation de quatorze musiciens et soutenu par deux choristes, le rocker sexagénaire (NDR : 65 ans depuis le 15 juin) a visiblement encore du punch à revendre et il le démontrera tout au long de sa tournée d’adieux (vraiment ?) Puissent ces concerts avoir vraiment la qualité de ce double album !
En recevant le disque, il y a un peu plus d’une semaine, je me demandais ce que j’allais en faire après l’avoir critiqué. Maintenant, je le sais. Je le garde !!!
Expatriate milite dans la catégorie ‘rock de stade’. Etiquette péjorative ? Pas nécessairement ! Ce n’est pas parce qu’on est en présence de stadium band que la qualité est médiocre. Car chez cette formation aussi, on peut carrément parler de ‘rock de stade’ de toute bonne qualité.
Fondé en 2005, le groupe est déjà devenu majeur chez nos amis wallabies. Il reste néanmoins relativement inconnu en Belgique. « Home » devrait leur ouvrir quelques portes avant que la sortie de leur nouvel album, qui succèdera au déjà très bien reçu « In The Midst Of This », ne lui permette de définitivement s’imposer. Le leader du combo, Ben King, a grandi comme un expatrié dans sa jeunesse voyageant sans cesse entre Jakarta (NDR : c’est la capitale de l’Indonésie !) et l’Australie ; alors que le batteur, Chris Kollias, est fils d’un immigrant grec australien. Leurs expériences communes d’‘expatriés’ les ont incités à choisir ce patronyme. Leur nouvel Ep 4 titres nous aidera-t-il lui aussi à parcourir le monde l’espace de ses 15 courtes minutes ?
La réponse est positive ! A l’écoute de « Home », l’auditeur voyage, mais en terres connues. Si « Gotta Get Home », « Blackbird » ou « Aviation At Night » s’avèrent de très bon niveau en évoluant quelque part entre l’univers 80’s des Killers et celui de Depeche Mode, on ne peut pas dire que les horizons visités soient particulièrement nouveaux. Néanmoins, l’ensemble est très entraînant et ne souffre jamais de la moindre baisse de rythme. En outre, la voix est excellente. Les 4 morceaux de « Home » passent sans encombre le cap de la première écoute et deviennent même très plaisants dès la seconde. Du travail bien fait à défaut d’être original. Rendez-vous à Werchter quoiqu’il en soit !
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