L’écurie berlinoise Get Physical nous avait déjà gâtés dernièrement en gravant l’excellente compilation « Get Physical 7th Anniversary ». Et dans la foulée, Gernot Bronsert et Sebastian Szary aka Modeselektor viennent d’embrayer par un autre recueil, toujours pour le même blason, intitulé « Body Language Volume 8 » ! Faut dire que le duo teuton est dans tous les bons plans : tournée en compagnie de Moderat (NDR : outre Modeselektor, le périple implique également Apparat), superbe plaque éponyme parue chez BPitch Contol (la boîte appartenant à Ellen Allien) et création de leur propre label Monkeytown Records.
Les patrons de Get Physical ont donc accordé leur confiance absolue aux deux briscards de l’électro ‘Made in Germany’. Et quelle bonne idée ! Généralement lors d’une vague house, la plaque est découpée en deux. Sèchement. Comme une poire. C’est le cas pour ce « Volume 8 » qui autorise ainsi des accès plus hard au sein desquels Modeselektor excelle ! Notamment un florilège de titres aux BPM plus lourds et surtout aux styles très variés oscillant de la techno au dubstep en passant par le hip-hop. Un régal ! Outre les quelques titres signés Modeselektor et Moderat (le superbe « A New Error »), on épinglera « Cricket Scores », un titre de techno house particulièrement efficace concédé par l’étoile montante, Boy 8-Bit. Benga nous balance « Emotions », un morceau de dubstep meurtrier rappelant son album mythique « Diary Of An Afro Warrior ». Et le « Gimme Some More » de Busta Rhymes est tout aussi percutant. Robert Hood est le maître incontesté de la house issue de Detroit. Il nous réserve un « Unix » hyper dansant. Parmi les surprises, on relèvera l’intrusion d’Animal Collective. Pour un « My Girls » du plus bel effet ! Enfin, issu du dernier album du talentueux Boys Noize, « Nerve » est un exemple parfait de bootleg ! Cette compile réunit 29 titres ; et pourtant on a l’impression qu’elle est trop courte. N’empêche cette bande son pourrait bien devenir un antidote parfait contre la morosité, cet hiver…
Les membres de Super Furry Animals sont terriblement prolifiques. « Dark Days / Light Years » constitue déjà leur neuvième elpee en 13 années d’existence (NDR : sans tenir compte de leurs projets parallèles…) Malheureusement, cet opus risque fort de ne pas les extraire d’un relatif anonymat au sein duquel le groupe semble désespérément enlisé de ce côté de la Manche. La bande à Gruff Rhys pratique pourtant un pop/rock inspiré et mélodique. Alors une explication à ce manque de succès ? Sans doute la manière de placer la voix au même niveau que l’instrumentation. Et puis un penchant pour la structure bordélique. Ce qui pourrait expliquer en partie leur insuccès.
« Dark Days / Light Years » n’est peut-être pas leur meilleur album. Motif : il manque de fortes mélodies. Mais se situe toujours dans le haut du panier de la pop-rock anglaise. Pourtant, l’entrée en matière est plutôt indigeste. Et pour cause, « Crazy Naked Girls » est trop long et surtout agaçant. Mais la suite est bien plus intéressante, révélant une dizaine de morceaux de toute bonne facture, parmi lesquels j’épinglerai le très réussi « Helium Hearts » ainsi qu’« Inaugural Trains », une compo ‘eurodance’ imprévisible que Nick Mc Carthy des Franz Ferdinand soutient de ses vocaux dans la langue de Goethe. On finira par croire que Cardiff est devenue la capitale de la pop loufoque et bizarroïde. Une chose est sure, ces doux rêveurs ne doutent de rien et cherchent constamment à fuir les étiquettes. Autre certitude : des racines profondément ancrées dans la culture galloise. Très attaché à ses origines, le groupe achève d’ailleurs son album par deux morceaux interprétés dans ce dialecte. Vous pensiez peut-être qu’il n’existait pas de langue moins mélodique que celle de nos cousins germains. Après avoir écouté « Liliwau Llachar » et « Pric », vous reconsidérerez votre jugement, car cet idiome ne s’en tire pas mal non plus. Deux titres paradoxalement de toute bonne facture. Caractérisé par son crescendo électro et sa durée de 10 minutes, « Pric » lorgne manifestement vers Daft Punk.
Ce nouvel opus de SPA est agréable à écouter ; cependant, si vous connaissez mal Super Furry Animals, je vous conseillerai plutôt de vous procurer un « Best Of ». De manière à mieux cerner leur style, à travers des compos accessibles. Véritables stars dans leur Pays de Galles natal, les musiciens fous de Super Furry Animals demeureront probablement toujours aussi incompris. Et ce n’est pas la sortie de ce « Dark Days / Dark Years » qui changera leur statut. C’est bien dommage ; mais les secrets cachés ne sont-ils pas souvent les plus excitants ?
Le nom ne doit sans doute pas vous dire grand-chose. Et pourtant, cet auteur/compositeur vient de commettre son onzième opus. Près de quarante années que ce troubadour roule sa bosse sur les chemins du blues. Son tout premier elpee, "I'm a stranger too", date d’ailleurs de 1970. Pour son nouvel opus, il a reçu le concours de son ami guitariste David Goodrich et du batteur Zak Trojano.
Les trois premières plages du cd sont manifestement les meilleures. Et tout d’abord celle qui ouvre le disque "Don't call me stranger". Un morceau qui baigne au sein d’une ambiance relaxante. La voix paresseuse de Chris ainsi que la conjugaison des cordes acoustiques et électriques font immanquablement penser à JJ Cale au sommet de son art. Excellent ! Goodrich se révèle un gratteur très inspiré. La plage éponyme est une bien jolie composition dont les accents folk sont entretenus par deux guitares acoustiques aux tonalités différentes. Intimiste, la voix de Smither semble susurrer à notre oreille. Imprimé sur un tempo soutenu, "Surprise, surprise" est plus nerveux. La voix demeure sereine. Jamais d’ailleurs elle n’éclate. Par contre, les cordes acoustiques sont particulièrement volubiles. "I don't know" véhicule des accents subtilement latins voire même centrafricains dans les sonorités des cordes électriques, émargeant finalement à une sorte de world pétillante. Chris se libère quelque peu sur "I told you so", une plage pleine de verve dirigée par les cordes amplifiées de Dave. Le reste de l’elpee est beaucoup plus folk, intimiste. On a l’impression que l’artiste est juste à côté de nous. Ses cordes sont légères. Et souvent très élégantes. A l’instar d’"Old man down". Ou lors de ses reprises. Des covers que semble vivre Mr Smither. Celle du "It takes a lot to laugh, it takes a train to cry" de Bob Dylan en est une belle illustration ; comme le "Madame Geneva's" de Mark Knopfler, une jolie complainte celtique que Chris nous restitue à la manière sombre de Leonard Cohen. On épinglera encore une adaptation du folk blues traditionnel, le "Miner's blues" de Frank Hutchinson. Bref, cet album devrait ravir les amateurs de blues primitif…
Cet album est probablement excellent. Malheureusement, il n’a pas trouvé en votre serviteur le public qu’il mérite. Mes connaissances en matière de ska sont plutôt limitées. Madness m’avait beaucoup fait rire dans les années quatre-vingt. Plus récemment, Ska-P m’avait plutôt scotché grâce à son Ska/Punk latino décoiffant, comme la musique que j’affectionne. En recevant « Grown », j’avais secrètement espéré que l’expression sonore de ce premier album du groupe bavarois The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra, taperait un peu dans la même catégorie ou du moins qu’elle m’amuserait autant que celle de Madness. Malheureusement (NDR : c’est à titre personnel, mais probablement pas pour le reste du monde), le groupe allemand vise plus le public des radios à grande écoute que celui des rockers en mal d’humour, en pratiquant un ska fortement teinté de pop. Cependant, ma propre déception n’est pas suffisante pour rédiger une chronique négative de ce disque, tant il est de grande qualité.
The Sensational Skydrunk Heartbeat Orchestra n’a pas lésiné sur les moyens pour conquérir un public. Excellente production, chanteur à la voix magnifique et utilisation d’instruments aussi variés que les cuivres, les percussions, les guitares électriques, l’accordéon et la beatbox pour varier les ambiances au maximum. Ici, le ska est décliné à toutes les sauces. On glisse du ska/reggae au ska/pop, en passant par ska/polka, le ska/funk, le ska/hip-hop et même le ska tout court. Quelques riffs de guitare électrique opèrent même une apparition furtive afin que les rockers puissent justifier la possession d’un tel elpee dans leur discothèque. Tous les titres réunis sur « Grown » ont un potentiel commercial évident. Il suffirait d’un petit coup de pouce du destin pour que ce combo devienne énorme. On en reparlera. Probablement pas moi, mais on en reparlera, c’est sûr !
Le ‘Rumble Club’ est un club plutôt fermé, puis qu’il ne comprend que quatre membres : le chanteur/guitariste Jack Corey, le guitariste rythmique Jay Clarck, le contrebassiste Kyle Curtis et le drummer Matt Hornsby. Originaires du Kentucky, ces quatre ‘joyeux drilles’ se sont donné pour mission de nous prouver que le rock’n’roll était encore une affaire de mauvais garçons. Et, « The Bad In Me », leur toute nouvelle galette argentée, est pour eux le meilleur moyen de nous passer le message. C’est donc à grands coups de décibels dans les oreilles qu’ils nous matraquent leur psychobilly original et inspiré. Jack Corey possède une voix caverneuse, qui tient à la fois de Johnny Cash et de Nick Cave, et qu’il utilise pour nous débiter de sombres histoires de hors-la-loi du Far West (« Sam Joe Harvey », « Lonesome Gunman Traveller »), de virées diaboliques en voiture (« Lindsay’s gonna drive », « Brakes are burning », « Gasser ») ou encore de science-fiction inspirée par le cinéma et les vieux magazines de ‘Pulp fiction’ des années cinquante (« Vampire Girls From Outer Space », « The Bad In Me »).
Comme c’est toujours le cas en matière de psychobilly, le disque est fortement inspiré du rock’n’roll des fifties et du punk des seventies. Rumble Club y insuffle aussi une bonne dose de rock gothique et, chose plus surprenante, de musique western inspirée par les films de Sergio Leone. Ce mélange engendre un style à la fois sombre et kitch qui donne un ton surprenant et appréciable à la musique de ces desperados du rock’n’roll. « The Bad In Me » est un disque à écouter absolument si vous aimez Les Meteors, Nick Cave, Elvis Presley, les Stray Cats, les films de Quentin Tarentino et les Western Spaghettis.
Encore une formation signée chez Sub Pop, qui décidément n’en finit plus de dénicher de nouveaux talents. « King of Jeans » constitue cependant le second opus pour ce label, de ces natifs d’Allentown (NDR : c’est en Pennsylvanie) et le troisième à leur compteur. Il fait suite au très remarqué « Hope for Men », édité voici deux ans. Un disque qui s’inscrit parfaitement dans la lignée du précédent opus. Et pour cause, leur punk-hardcore n’a rien perdu de son intensité. De quoi continuer à mériter sa place auprès des Black Flag ou encore Jesus Lizard.
Enregistré sous la houlette du talentueux Alex Newport (At The Drive-In, The Locust, Sepultura,…), cet elpee est découpé en douze morceaux. Des morceaux que Pissed Jeans vomit littéralement. Le climat est malsain. L’agressivité permanente. La pression extrême. Les pulsions animales. L’odeur fétide. Même sur le languissant « Spent », fragment qui s’étale sur 7 minutes. Principal responsable : le vocaliste. Car chaque fois que Matt Korvette, ouvre la bouche c’est pour gerber la haine retenue en lui. A chacun de ses cris, on a l’impression qu’il va déchirer ses cordes vocales. Il ne chante réellement pas. Il hurle ou parle. Aux grattes, Bradley Fry et Randy Huth nous balancent à la figure une bonne dose de distorsion bien lourde pendant que Sean McGuiness frappe tel un dératé sur ses fûts. « King of Jeans » n’est donc pas conseillé aux enfants de chœur. Il ne vous restera plus qu’à ramasser les souillures…
Quand deux blancs becs débarquent au sein des mythiques studios Tuff Gong à Kingston, en ambitionnant d’y réaliser un album electro dancehall aux accents 80’s, le comité d’accueil qui les voit débarquer est goguenard. Comment deux zouaves peuvent espérer concocter quelque chose de cohérent, à leur sortie ? Le studio de la famille Marley est magique certes ; il n’en est quand même pas miraculeux. Oui mais ! Les deux ahuris à casquette défraîchie et au teint palot se prénomment Switch et Diplo ; ce qui vient changer considérablement la donne. Non contents de s’étouffer dans leur ambition, ils ont carrément l’idée de produire un univers plutôt qu’un simple son. Ils ont embarqué dans leur valise l’histoire de Major Lazer, ancien soldat jamaïcain qui s’est fait greffer un canon laser à la place de son bras droit. Membre qu’il a perdu lors de la guerre contre des vampires et qui le motive à poursuivre sa lutte sans relâche. Il y a fort à parier que l’Anglais et l’Américain ne se sont pas contentés de boire de l’eau ou de fumer la shisha en montant ce projet complètement barjot. Une citerne de vodka et une benne de sinsemilla ont probablement dû être livrés à domicile pour parvenir à écrire ce scénario digne d’une série Z. Le culot et l’arrogance propres aux deux producteurs permet pourtant à ce « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » de décaper sans équivoque, les papiers peints où viennent se fracasser les beats. Au rythme incalculable de pulsations effrénées, les plages s’enchaînent dans le stupre et la sueur. Se permettant même l’audace, d’embarquer dans leur folie des noms comme YBYZ Kartel, Mr Thing, Mr Vegas ou Santigold, Switch et Diplo suscitent instinctivement la curiosité. Mais jeter une oreille distraite sur l’album est peine perdue. Dès les premiers accords, les strings se tendent, les chaînes en or étincellent et les torses se bombent. La contamination est immédiate, et le popotin se trémousse sans se forcer. Parfois un peu ‘too much’, voire même un tantinet écœurant, « Guns Don’t Kill People… Lazers Do » pourrait pêcher par excès tant le rythme est soutenu. A force de se dandiner, on finit par tomber à genoux, tout en suppliant de réduire le tempo. Complètement absorbé dans leur univers, les deux producteurs n’auront aucune pitié à l’instar de leur héros Le Major, et pousseront, plus loin encore leurs curseurs dans le rouge. S’ils n’ont pas de cœur, Switch et Diplo ont au moins, des cojones grosses comme des buildings.
Initialement répertoriée comme ‘chanteuse pour enfants’, Geneviève Laloy décide de ‘vieillir’, de franchir un palier en nous proposant, à tous cette fois, adultes et enfants, douze nouvelles chansons qui en font un très très joli moment de plaisir.
Virevoltant autour de sa belle voix : des ‘hirondelles’. Drôles d’oiseaux en réalité qui se prénomment Philippe (flûte traversière, saxo et deuxième voix sur certains morceaux), Didier (accordéon), Vincent (contrebasse et chœurs), Paul (guitares et chœurs), Kathy (violoncelle), Stéphane (percussions) et Thierry (harmonica).
Dans un style épuré et chaud, l’ensemble nous invite à voyager au sein de différents ‘courants’ : du folk au jazz surtout, le tout traversé de relents de musique médiévale. Quant aux mélodies, elles me font un peu penser à la belle époque de Beau Dommage, groupe mythique des 70’s...
Jamais on ne s’ennuie tant chaque plage est originale, chaque nouvelle chanson est entraînante et se retient facilement, apportant joie et fraîcheur. C’est en écoutant pareil disque que notre âme d’enfant (« Cachez-vous ») encore si présente mais hélas bien enfouie sous des tonnes de ‘tracas de la vie’ revient à la surface. L’objectif n’est pas de nous faire réfléchir, de nous attrister ou de nous mettre en garde contre des problèmes de société. Non, les choses simples sont également très jolies à chanter : la nature (« La campagne »), le plaisir de la vie (« Poisson doré », « La luge »). Bref, inutile de se ‘prendre la tête’ !
Merci donc à Geneviève et à ses ‘hirondelles’ de signer de leur(s) plus belles(s) plume(s) des textes et des musiques qui dégagent un petit coin de ciel bleu dans l’univers de nos vies. La grisaille qui nous entoure est pour certains l’environnement quotidien. Envolez-vous !
Un petit moment de plaisir à partager…
K ? C’est quoi ça ? Un groupe, un mec tout seul ? Bizarre comme nom d’artiste en tous K…
Comme je l’ai reçu, allez hop, je l’insère dans mon ordi et j’écoute ce Cd en préparant mes cours pour le lendemain. Mais, difficile de se concentrer sur mon boulot. C’est plus fort que moi. Ses mélodies et ses chouettes textes m’accrochent instinctivement. C’est vraiment pas mal du tout ce qu’il fait ce gars.
Bon, un peu de recherche sur Internet. C’est qui, il vient d’où, il chante depuis combien de temps, il a déjà sorti combien de disques ? Tant pis pour mes prépas et mes corrections !!! Ce sera pour plus tard. Je veux savoir.
Trouvé ! K s’appelle réellement Nicolas Michel. Il a la trentaine et nous vient de Suisse. A part Stéphane Eicher, j’en connaissais pas d’autre. Il écrit tout, paroles et musiques et il en est déjà à son second elpee. Le premier, « L’arbre rouge » est paru en 2005. Un disque qui l’avait un peu fait connaître, mais uniquement chez lui, dans les montagnes helvètes. Pour sa deuxième réalisation, K a choisi de ‘reprendre’ une bonne partie des morceaux issus de son premier elpee et d’y ajouter quelques inédits de très bonne facture.
Je parle, je parle et lui, K en est à sa huitième plage. Il me fait un peu penser à un mix entre Bénabar et Renan Luce. On retrouve un peu les mêmes thèmes et la même diversité musicale.
Pas d’envolées lyriques ou poétiques, mais des textes d’actualité, bien tournés, des ‘réalités’ de la vie. On navigue entre humour, mélancolie, joie et tristesse.
Nicolas privilégie l’utilisation d’instruments acoustiques. C’est une priorité pour lui. Des guitares sèches, un accordéon, une contrebasse, un piano, un violon, etc. L’accent est mis sur ce que je qualifierai d’authenticité. Pas besoin de sortir la grosse artillerie électrique ou électronique pour offrir une certaine qualité, je dirais même une qualité certaine…
Un superbe ‘petit’ album d’un artiste à découvrir. Le temps de vous faire part de mes réflexions, et le cd est déjà fini. Je vais le remettre dans le lecteur, tiens !
Funeral Dress. Malgré ce patronyme taillé sur mesure pour un combo Doom Metal, nous sommes bien en présence de Punk. Le combo flamand n’en est d’ailleurs pas à son coup d’essai, puisque « Global Warning » constitue déjà son huitième album studio en presque 22 ans d’existence (et énormément de changements de line up). Fans de Green Day, Good Charlotte et autres Sum 41, passez votre chemin, car Funeral Dress ne joue pas du punk pour fils à papa en pleine crise d’adolescence. Non, Funeral Dress joue du punk, du vrai. Qui sent la rue, la bière et le crachat. Le groupe use et abuse d’ailleurs de tous les clichés inhérents au punk pour affirmer son appartenance à ce style musical. Musiciens tatoués à la chevelure en crête (NDR : à l’instar du crâne qui orne la pochette de l’album d’ailleurs). Chansons contestataires (« Renegade Generation », « California »), voulant choquer le peuple (« Belgium’s Burning ») ou rendant hommage à l’icône incontournable du défunt club new-yorkais CBGB’s (« CBGB’s »). Rien ne nous est épargné, et pourtant la sauce prend. On s’agite, on pogote. Quelques moments forts comme le très ‘Ramonesque’ « Rebel Radio, « Burn’Em Down » ou encore la reprise des Abrasive Wheels nous font même remonter un glaviot de salive jusqu’en haut de la gorge. Vous l’aurez compris, Funeral Dress n’invente rien. Mais il le fait bien.
Certains albums sont plus difficiles à chroniquer que d’autres, et n’accrochent pas instantanément ; mais vous le rendent bien. Après avoir écouté « Person To Person », le second album des Américains de Foreign Born, une bonne dizaine de fois, je m’apprêtais à rédiger un chronique pas piquée des vers, pour traduire le profond ennui que ce disque avait suscité en mon fors intérieur. Mais une dernière séance au casque m’a fait changer d’avis. Comme si une petite étincelle venait de naître. Comme si les morceaux venaient de s’ouvrir à mon esprit. Et de sauver l’opus d’une analyse injuste. En fait, mon insistance est due… au label. A la qualité du label. Secretly Canadian. Une écurie qui mise rarement sur un mauvais cheval. La même ‘mésaventure’ m’était arrivée en écoutant le dernier long playing de Windsor For The Derby, également signé chez cette excellente maison de disques.
Foreign Born est un trio composé de Lewis Pesacov, Matt Popieluch et Ariel Rehtshaid. Des personnages plutôt discrets. Issus de San Francisco (NDR : ville réputée pour son ouverture d’esprit), ils se sont rapidement établis à Los Angeles, après la formation du groupe. « Person To Person » constitue leur second album. Paru en 2005, le premier, « On the Wing Nowsorti » avait été édité à seulement 500 exemplaires !
Le morceau d’ouverture, « Blood Oranges » est le plus évident du lot. A cause de son refrain entêtant. Toutefois c’est en milieu d’elpee qu’on décèle les véritables merveilles de « Person To Person » ; et en particulier la trilogie « Can’t Keep Time », « Lion’s Share » et « It Grew On You ». A la croisée des chemins de Clap Your Hands Say Yeah (pour la voix), Fleet Foxes (pour la douceur), Grizzly Bear (pour la complexité) et des Harlem Shakes (pour les rythmes), la solution sonore devient alors remarquable. Une forme d’indie pop subtile, étrange, troublante et hypnotique. Faut dire que le combo a reçu le concours d’une bonne dizaine de collaborateurs, dont plusieurs percussionnistes. Qui s’en donnent à cœur joie lors des compos les plus percutantes. Notamment sur « Early Warnings », une plage caractérisée par ses sonorités africaines entraînantes, insolites, dignes de Vampire Weekend.
Pas toujours accessible, « Person To Person » exige une oreille attentive pour être apprécié à sa juste valeur. Et c’est au fil des écoutes qu’il exerce tous ses charmes. En fait, l’opus recèle une moitié de morceaux plus faibles (NDR : « See Us Home » en est un bel exemple) et une autre absolument géniaux. Aussi on ne peut espérer que lors de l’album de confirmation, Foreign Born aura le bon goût d’opter pour la bonne portion…
Nickel Eye constitue le projet solo de Nikolaï Fraiture, le bassiste des Strokes. Suite à la longue pause consentie par le gang new-yorkais (NDR : leur dernier album remonte quand même à 2005), le musicien désœuvré a donc décidé de mettre en chanson des poèmes composés plusieurs années auparavant. Une démarche comparable à celles entreprises par ses comparses Albert Hammond Jr. et Fabrizio Moretti (NDR : et son projet Little Joy). Le guitariste et le batteur des Strokes avaient livré des œuvres honorables sans être mémorables. Les mauvaises langues ont même taxé le second elpee d’Albert, de moyen. Pourtant, tout le monde a toujours en mémoire le magnifique album de la formation issue de la Grosse Pomme, « Is this It ». Un préjugé, ma foi, fort favorable, dont bénéficient finalement les différents membres du combo, à travers leurs projets en solitaire. On se demandait donc si le bassiste allait faire mieux que ses acolytes…
La musique de Nikolaï Fraiture est sculptée dans une pop-rock indie plutôt classique, sans grand génie mais pas prétentieuse pour un sou (NDR : un nickel ?) Les 35 minutes de « The Time Of The Assassins » sont toutefois très plaisantes à écouter. Si certains morceaux s’avèrent plus qu’anecdotiques, d’autres auraient tout aussi bien pu figurer sur un opus des Strokes. Et je pense tout particulièrement au single irrésistible « Brandy Of The Damned » ou encore au très réussi « Back From Exile ». Le timbre vocal de Fraiture est aussi nonchalant que celui de Julian Casablancas. Nick Zinner des Yeah Yeah Yeahs apporte son concours à « Dying Star », une plage rock fort quelconque. Par contre, l’émouvante ballade folk « Where The Cold Wind Blow » est enrichie des interventions très judicieuses de Regina Spektor au piano. En fin de parcours, Nikolaï nous gratifie d’une reprise du « Hey, That’s No Way To Say Goodbye » de Leonard Cohen. Exercice périlleux, car si la version originale est exceptionnelle, l’adaptation est simplement respectueuse du maître. Ce qui n’est déjà pas si mal…
Bref, on peut considérer ce « The Time Of The Assassins » comme une œuvre plus qu’encourageante ; surtout de la part d’un musicien dont on n’attendait pas grand-chose. Et pour que votre info soit complète, sachez que cette petite mise en bouche précède la prochaine sortie d’un elpee solo de Julian Casablancas…
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