Les vieux briscards punks de Montbéliard sont de retour et nous proposent un Ep 5 titres qui s’inscrit à nouveau dans l’esprit de leurs comparses Burning Heads ou des cultissimes Bad Religion. La combinaison est connue mais toujours aussi diablement efficace : riffs percutants, mélodies imparables et ‘high’ énergie (« Heads on Pikes ») ! Rien de révolutionnaire mais une formule qui marche. Très bien huilée, elle bénéficie du concours de l’Espagnol Dani Llamas (G.A.S. Drummer) sur « A New World in our Hearts ».
Lucidvox est une formation russe, issue de Moscou très exactement. Fondée en 2013, elle vient seulement de graver son deuxième véritable long playing, un disque enfin sorti sur un label international, en l’occurrence, Glitterbeat. Le premier « Моя Твоя Земля » dépassait à peine les 30 minutes. Mais en 7 années, le quatuor féminin a quand même gravé toute une série d’Eps et de singles.
La musique de Lucidvox puise son inspiration, à la fois dans le rock au sens le plus large du terme et le folklore russe. Les compos sont d’ailleurs interprétées dans sa langue natale.
Flûtiste et chanteuse, Alina possède une superbe voix ; et quand elle se fait diaphane et mystique, on ne peut s’empêcher de penser à Lisa Gerrard (Dead Can Dance). A l’instar du titre qui ouvre l’opus, « My little star », une plage incantatoire, presque liturgique, enrobée de superbes harmonies vocales réminiscentes du Mystère des Voix Bulgares. Le ton est donné ! Et privilégiera souvent les ‘Heavenly voices’, parfois dans l’esprit d’Esben & The Witch. Cette voix peut cependant devenir impétueuse, comme sur « Knife », un titre imprimé sur un tempo métronomique, krautrock (Amon Düül II ?) et stimulé par une ligne de gratte raga. Un même rythme sur lequel évolue « Body », mais dont les accès métalliques renvoient au Black Sabbath du premier elpee. Tout comme sur l’enlevé « Amok », au cours duquel le chant ressemble à une litanie. Mais également « Around » une piste plus lente, aux cordes de grattes distordues, grinçantes, parfois arabisantes et illuminée par un drumming particulièrement ample. Suave et alanguie, cette voix plane tout au long de « You are », un morceau au cours duquel la basse claque alors que les cordes de gratte vibrantes dispensent des sonorités tintinnabulantes. Lancinante et vaporeuse, elle hante « Runaway », un titre à la ligne de guitare sinueuse, mais dont l’intervention à la trompette vire au free jazz, un peu comme dans l’univers de la prog. Un style également rencontré lors du final « Sirin », une compo envoûtante, exotique, enrichie par les interventions de la flûte et dynamisée par des drums luxuriants.
Lucidvox a choisi pour titre de son album « We are », car c’est ce qu’elles sont. Parce qu’elles sentent qu’elles peuvent être elles-mêmes. Très fortes. Tant à travers leurs personnalités qu’en tant que groupe…
La scène de Baltimore jouit d’une solide réputation dans l’univers de l’underground. Y sont nés Animal Collective, Beach House, Dan Deacon ou encore Future Island. Notamment ! Mais également Ric Ocasek, David Byrne et surtout Frank Zappa !
Et Dope Body mérite assurément d’en faire partie. « Crack a light » est d’ailleurs une œuvre à ne pas mettre entre toutes les oreilles. Il s’agit pourtant du quatrième elpee du band. Fondamentalement, les références de sa musique sont à chercher du côté de Brainiac, Jesus Lizard, Roomrunner ou encore Fugazi circa « Red Medicine » … Encore que « Clean & clear » et « Known unknown » lorgnent plutôt du côté de Warmduscher. Le premier morceau est aussi tranchant que menaçant. Frénétique et véhément, le second est imprimé sur un tempo presque techno. Une frénésie punk qui emporte l’exubérant « Curve » et le tumultueux « My man ». Le spectre des Stooges (« Funhouse » ?) plane tout au long des excellents « More » et « Hypocrite », deux pistes sauvages, offensives, aux grattes féroces, virulentes ou gémissantes et qui libèrent un fameux groove. « Mutant being » figure également parmi les morceaux les plus intéressants. Incantatoire, indolent, énigmatique, climatique, il finit par exploser dans le grunge, avant de se désintégrer à travers les bruitages. Les riffs pépient et grincent sur « Lethargic », un morceau caractérisé par l’exaltation du chant, et giclent tout au long de « Jer bang », dans un style rappelant un Helmet angoissé. Plus lourd mais atmosphérique, « Daylingt » se distingue par ses drums luxuriants et son vocal rapé. Sur les 14 pistes de ce long playing, on épinglera encore des morceaux expérimentaux, parfois partiellement décousus, anxiogènes, chaotiques ou encore déchirés par des guitares hurlantes. Mais une chose est sûre, ce « Crack a light » a le mérite de ne faire aucune concession…
Avec son regard malicieux, un visage de poupon, une coiffure de jeune premier et une empreinte vocale parfaitement identifiable, Vianney appartient à cette frange d’artistes qui fait le bonheur des (jeunes) dames depuis quelques années.
Agé de 29 ans, le beau gosse n’est pas resté inactif très longtemps, puisque si son dernier elpee éponyme est paru il y a quatre ans, il a développé divers projets, participé à ‘The Voice’ version française, comme juré, et vient de sortir, en pleine période de (re)(dé)confinement, un nouvel opus baptisé « N’attendons pas ».
Était-ce un signe prémonitoire ? Toujours est-il que le titre maître était destiné, au départ, à feu Johnny Halliday. Tout comme « J’ai essayé », par ailleurs, morceau qui figure également sur cet LP.
Artiste prolifique, Vianney poursuit son œuvre dans une parfaite continuité. Une ligne de conduite qu’il traduit dans une écriture simple, directe et accessible, mais traversée en filigrane par une grande sensibilité poétique, la douceur de la voix et l’ajout de cordes accentuant cette impression…
Tout au long de ce nouvel opus, l’auteur-compositeur-interprète se révèle davantage altruiste, intimiste et introspectif. Il nous réserve ainsi des contes parfois touchants, émouvants, dramatiques ou drôles comme « Beau papa », lettre d'amour à sa belle-fille, « Merci pour ça », écrit pour Karim, rencontré dans la rue et qu’on ne regarde pas ou encore « La fille du Sud », jolie déclaration/déclamation à la femme qui partage désormais sa vie. Bref une ligne du temps, un vécu et une réflexion profonde sur le genre humain, en abordant des thèmes qui lui sont chers comme l'amour ou la famille ; chacun d’entre nous devenant à la fois spectateur et auteur de ces histoires d’un jour ou de toujours…
Un album émouvant et très réussi…
Jeff Lewis a fondé The Spyrals il y a 10 ans, à San Francisco. Sous son premier line up, la formation a gravé trois albums. Puis, le chanteur, guitariste et harmoniciste est parti vivre à Los Angeles, où il a formé un nouveau trio, en compagnie du drummer Dash Borinstein et du bassiste Michael McDougal. Et « Same old line » constitue le premier elpee de la nouvelle mouture du band.
Mais ce qui frappe d’abord, c’est la ressemblance entre la voix de Jeff et celle de Neil Young. The Spyrals lui rend d’ailleurs hommage sur « Bleed », une compo bien électrique, abordée dans l’esprit de « Rust never sleeps ». Donc du loner et de son Crazy Horse. Une intensité électrique qu’on retrouve, à des degrés divers, sur de nombreuses plages du long playing. A l’instar du titre maître qui ouvre la plaque, un morceau de blues/rock/garage qui devrait également ravir les aficionados des Stones. Dans le même style, « Goodbye » invite une guitare surf, alors qu’insidieusement, le spectre de « Variations pour une porte et un soupir » de Pierre Henry se met à planer. Les cordes de grattes grésillent et grondent tout au long de « Don’t turn me down ». Légèrement saturées, elles nous entraînent au cœur d’un swamp rock réminiscent du Creedence Clearwater Revival sur « There’s a feeling ». Chargées de reverb’, elles libèrent une étonnante aridité sur la valse « Just won’t break ». Et même lorsqu’elles prennent une forme semi-acoustique, elles en invitent d’autres, parcimonieusement, mais bien crazyhorsiennes, à l’instar du légèrement psyché « In your room » ou de la ballade mid tempo « Sympathy ». On en oublierait presque les interventions ponctuelles mais judicieuses de Lewis sur son harmonica, dans lequel il souffle, à la manière, de qui vous savez…
Côté lyrics, Jeff aborde les thèmes de l’amour, la dévotion, la nostalgie et le départ. Et pour que votre info soit complète, sachez que les morceaux ont été immortalisés sur un enregistreur Tascam à 8 pistes, histoire de leur communiquer un son très sixties. Pas mal du tout !
The Silence est un quatuor issu de Tokyo, impliquant deux ex-membres de Ghosts ; en l’occurrence le chanteur/guitariste Batoh et le batteur Futoshi Okano. Le line up est complété par l’autre chanteur et bassiste Taiga Yamazaki ainsi que le saxophoniste/flûtiste Ryuichi Yoshida. Les présentations faites, passons à l’analyse de cet opus. Qui s’ouvre par l’excellent « Tsumi to Warai », une compo au cours de laquelle la structure guitare/basse/batterie et le saxophone fusionnent parfaitement, comme chez Hunters & Collectors, même si le sax s’autorise déjà un billet de sortie free et que la ligne de basse finit par épouser un profil syncopé. Une formule reconduite sur le tout aussi intéressant « I’m a man », une cover du classique de Bo Diddley, dont le groove primaire évoque les Standells. Enfin, pour les ¾ du morceau, car le reste dérive dans l’expérimentation. Une expérimentation pure qu’on retrouve sur « Improvisation », une plage qui porte bien son titre. « Butterfly blues » nous entraîne dans un univers déchiré entre funk et prog. Tel un papillon, la flûte volète entre le sax déchiqueté (Morphine ?) et les cordes de guitare lacérées ou ‘grésillantes’, selon… Des cordes semi-acoustiques jouées en picking mais également bien électriques alimentent « Meido Nisshi », une piste plus lente, dont l’intensité monte en crescendo. Caractérisé par son groove sombre et tumultueux, le titre maître véhicule à la fois des accents du swamp blues et de hard rock, une solution sonore troublée par d’inévitables remous de saxophone. Le long playing s’achève par « Tiña », un instrumental séduisant ; cordes de gratte frémissantes et flûte serpentine, bucolique ou free jazz alimentant cette plage presque cinématographique…
« Come Back » constitue le quatrième elpee d’Emma Frank, mais seulement le premier qui soit parvenu aux oreilles de votre serviteur. Le très talentueux Leif Vollebek décrit la musique de l’artiste américaine, comme du ‘cuivre sur de la soie’… Jolie métaphore ! Les compos sont sculptées dans un folk légèrement jazzyfiant et l’ambiance est définitivement éthérée (« Two Hours, Sometimes, Promises »). Elles rappellent même Agnes Obel ; d’ailleurs à l’instar de cette dernière, elles sont balisées par le piano. Les arrangements sont recherchés et collent parfaitement à la voix, d’une infinie douceur. Une belle œuvre ciselée dans le plus beau bois folk, même si elle souffre parfois d’une certaine austérité. On épinglera, en outre, la belle reprise du « Either Way » de Wilco.
Thelonious Monster a donc connu trois vies ; soit de 1983 à 1994, de 2004 à 2011 et depuis 2019. Cependant son dernier long playing, « California Clam Chowder » (NDR : un LP sur lequel Josh Klinghoffer, le futur gratteur de Red Hot Chili Peppers –il y restera de 2009 à 2019, avant le retour de John Frusciante– s’était particulièrement illustré) remonte à 2004. Soit 16 longues années sans enregistrer de disque ! Ce qui explique sans doute, pourquoi, « Oh that monster » ne constitue que son 6ème album !
Le line up du sextuor implique toujours trois des membres fondateurs, soit le chanteur Bob Forrest, le drummer Pete Weiss et l’un des trois guitaristes, Dix Denney.
La formation californienne a décidé de sortir cet opus, le jour des élections américaines. Et ce n’est pas un hasard, quand on connaît les opinions socio-politiques de Forrest, des opinions qu’il traduit dans ses lyrics. A l’instar de « Buy another gun », une compo qui soulève le problème de l’insécurité dans les écoles, consécutive à la vente libre des armes aux States. Une plage dont la mélodie évoque Suede, alors qu’une jolie combinaison de grattes rappelle… Thin Lizzy. L’elpee s’ouvre par « Disappear », un punk rock enlevé aux guitares menaçantes, que chante Bob d’une voix glapissante. L’ombre de Dead Kennedys n’est pas loin… Power pop, « Falling behind », aurait pu figurer au répertoire des Cars (ces clappements de mains !), même si les petites touches de claviers sont rognées à la manière de Garth Hudson, le claviériste du Band de Dylan. « Trouble » bénéficie d’arrangements orchestraux ‘beatlenesques’ (« I’m the walrus ?) dans les refrains. Luxuriant « Elijah » se distingue par un brillant entrelacement entre cordes acoustiques et électriques. Des cordes semi-acoustiques élégantes, ensoleillées qui illuminent « Day after day ». « La Divorce » est sculpté dans un funk réminiscent de Bowie. Imprimé sur un drumming échevelé, « Teenage wasteland » véhicule des accents cuivrés, tout en réverbérant des échos mélancoliques (Undertones ?). Des accents qu’on retrouve sur « Sixteen angels », une piste au cours de laquelle le saxophone énigmatique vire au free jazz, dans l’esprit d’un Mel Collins (King Crismon), alors que ténébreuse, la ligne de basse adopte progressivement des accords syncopés. Une plage qui frappe à la porte de la prog ! Et l’album de s’achever par le psycho/country « The faraway », un morceau qui à mi-parcours, nous entraîne dans un monde visionnaire…
Un retour réussi !
Qui peut se targuer d’aligner 40 ans d’une carrière musicale aussi riche que glorieuse, vendre 20 millions de disques dans le monde et d’entendre ses tubes, adaptés par la crème de la crème de la scène musicale ; et tout particulièrement Metallica, Sting, Sonic Youth, The Presidents of the United States, Leyla Kaye ou encore Red Hot Chili Peppers ?
Véritable caméléon, Plastic Bertrand est toujours parvenu à insuffler un grain de folie dans des compos faussement gnangnan où la grandiloquence se faufile parfois entre le courant new beat d’un « Slave to the Beat » ou le punchy « Ça plane pour moi ».
Artiste touche-à-tout, le Bruxellois s’est ici entouré d’une belle brochette de professionnels tels que Dan Lacksman (Telex) et Alec Mansion (le père de Charlotte, une autre artiste belge), au Synsound Studios de Bruxelles, afin d’enregistrer un 10ème opus, un LP partagé entre compos chantées en français ou en anglais.
Onze années après gravé « Dandy Bandit », il nous propose « L’Expérience Humaine », un disque qui s’inscrit dans un courant électro-funk, institué en France par un certain… Daft Punk. Cette sortie est un évènement à lui seul, parce qu’attendu autant par le populi que la critique.
Si ce n’est l’album de la décennie, il constitue néanmoins un exercice relativement intéressant qui complète à merveille la discographie d’un sexagénaire… plus en forme que jamais.
Son style virevoltant et sautillant constitue un véritable produit de consommation que l’on prendra plaisir à écouter avec une sincérité absolue et une délectation immédiate, avant de passer ensuite à quelque chose de plus absolu tout en se souvenant de l’homme et de l’artiste qu’il a été.
Les sonorités électroniques et la voix robotisée rencontrées sur plusieurs chansons (NDR : souvenez-vous de « Tout petit la planète », début des années 80) rendent le format très contemporain, un mouvement bien dans l’air du (d’un) temps qui s’amplifie mais surtout attire une frange d’auditeurs plus jeunes, friands de ce genre de musique.
François Jouret, lui, à vrai dire, n’a plus rien à prouver. C’est peut-être aussi la raison pour laquelle il émane de son personnage, justement, cette part innée d’humanité. Il herche simplement à se faire plaisir et faire plaisir aux autres tout simplement.
On épinglera, encore, « Don’t Stop », une compo disco interprétée en compagnie de Leee Johns, le chanteur d’Imagination, un créneau qu’il n’avait jamais exploré…
Mike Bankead est issu de Dayton, dans l’Ohio. Auteur et compositeur, il est aussi pianiste et surtout bassiste. « Anxious inventions & fictions » constitue son second elpee, un disque qui fait suite à « Echo in the crevices », paru en juillet 2017.
Pour enregistrer son nouvel opus, il a reçu le concours de toute une série de collaborateurs, dont Tim Pritchard (The Boxcar Suite, Shrug) ainsi que le drummer Brian Hoeflich. Mike est manifestement inspiré par la musique des 90’s. Très électrique puisant dans l’alt rock et le grunge. Pensez à Bush, Smashing Pumpkins, Nirvana, Green Day, Hüsker Dü, Superdrag et même Ash. Enfin, sur les titres les plus saignants, l’album réservant également l’une autre ballade mid tempo ou sous forme de valse, à l’instar de l’hymnique « Never let go », une piste enrichie d’orchestrations et de chœurs. Ou encore « Goodbye », une chanson tramée sur un piano. Bénéficiant d’une jolie mélodie, « Partnerfamilias » est traversé par une intervention au violon, alors qu’empreinte de délicatesse, la guitare est jouée en picking.
Si les lyrics sont bien ficelés, traitant aussi bien du chagrin, de la découverte de soi, de la spiritualité, de la nostalgie, de la dépression et de l’amour et du désir, entre autres, la voix de Mike manque manifestement d’assurance et tombe même parfois à plat. Dommage, car l’expression sonore tient parfaitement la route.
Enfin, on épinglera encore, la joie pochette, imaginée par l’artiste-peintre Megan Fiely.
Fondée en 2012, Nothing But Thieves est une formation issue de Southend-on-Sea, dans l’Essex, en Angleterre. « Moral panic » constitue son troisième album, mais le groupe est surtout connu pour ses singles qui cartonnent dans les charts, et puis par les invitations qu’il reçoit régulièrement dans les grands festivals.
Souvent comparée à Muse, notamment à cause de la voix de Conor Mason, qui rappelle celle de Matthew Bellamy, la musique de NBT semble aujourd’hui chercher sa propre voie. D’abord le timbre de Conor adopte un profil plus falsetto et puis les compos de ce nouvel elpee intègrent davantage d’électronique. Bien sûr, il émane parfois des compos, des relents empruntés au trio de Teignmouth, Notamment lors des envolées. Ce serait quand même dommage, quand on sait que le line up dispose de 3 guitaristes. Et puis des changements de rythme. A l’instar de l’excellent « Phobia ». Encore que la référence à Muse est ici, inévitable. Il faut cependant attendre, la fin du long playing, pour déceler deux autres morceaux intéressants. Tout d’abord « Can you afford to be an individual », discours rapé et riffs de grattes corrosifs lorgnant carrément vers Rage Against The Machine. Et puis la très jolie ballade, « Before we drift away », une plage mélancolique, sculptée dans les cordes jouées en picking, enrichie d’orchestrations de cordes. Caractérisée par sa mélodie hymnique, elle est abordée dans l’esprit du « Bitter sweet symphony » de The Verve. Le reste oscille entre électro/pop, métal et r&b. Même que le spectre de Mickaël Jackson rôde tout au long d’« Is everybody going crazy ? ».
Envie d’une bonne dose d’énergie positive ? Ruez-vous sur l’album de Barrie, « Happy to be There », charmante formation issue de Brooklyn responsable d’une dream-pop enchanteresse. Au sein du line up, figure un ancien membre du band londonien Is Tropical et une bassiste recrutée via… Tinder. Sa musique pourrait être décrite comme une sorte de version plus pop de Beach House ; la voix de Barrie Lindsay alimentant des mélodies sucrées. Le quintet new-yorkais prend soin de ses harmonies et de ses rythmiques endiablées. Le son est chaleureux et les compos sont, en général, de toute bonne facture. Ce premier essai regorge ainsi de de perles pop telles que « Darjeeling » ou « Clovers ». Et circonstanciellement quelques touches psyché colorent l’ensemble (« Casino Run »). Barrie ou une incarnation quasi parfaite de l’indie-pop !
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