La voix haut-perchée, au timbre si particulier, une guitare ou un piano pour l’accompagner, Elvy est un ‘singer/songwriter from Belgium’ tel qu’il se définit lui-même. En publiant ‘The Home and the World’, son troisième opus, sorti en mars 2012, Lionel Vanhaute alias Elvy n’en est pas à son coup d’essai. L’artiste folk/rock avait déjà sorti un premier album intitulé ‘Farwest’, début 2004. Vient ensuite ‘Home recordings’, un recueil de 24 morceaux composés entre 2005 et 2010, tout au long duquel Elvy nous dévoile un univers teinté d’un subtil mélange de douceur, de tendresse et de mélancolie.

Ce qui frappe à la première écoute de ‘The Home and the World’, c’est cette voix en ‘falsetto’ dispensée un peu à la manière de Neil Young, version acoustique. Elvy commente : « J’ai appris à chanter vers 17 ans. Je suis né en 1980. 1997 est l’année d’‘Ok Computer’. Ainsi, j’ai été, en partie, marqué par Thom Yorke. Neil Young dont j’apprécie les premiers albums acoustiques, constitue également une référence. Je ne sais si c’est ma voix naturelle, elle est venue ainsi. »

Bien que francophone de Belgique, Elvy chante en anglais. Il justifie ce choix : « La culture anglophone, par son omniprésence, est également devenue la nôtre. Nous avons donc une double culture et il est aussi légitime de s’en référer autant à l’une qu’à l’autre. C’est une question de penchant. Certains adeptes d’identité culturelle le regrettent, mais je pense que nous ne pourrons pas revenir en arrière et que cette situation nous donne au final une plus grande richesse intellectuelle. »

Elvy n’est pas uniquement un chanteur-compositeur doué. C’est également un multi-instrumentiste talentueux. En effet, il joue de la guitare, de la basse et du clavier. Tous les autres instruments entendus sur ses albums, comme la batterie et les violons, sont en fait des instruments virtuels interprétés au clavier. ‘The Home and the World’ comporte par ailleurs deux morceaux instrumentaux. Elvy s’en explique « J’ai toujours aimé la musique instrumentale, que ce soit la musique classique, le post-rock ou même la musique de film. En composant, il arrive parfois que les doigts jouent des accords sur la guitare et que le chant n’arrive pas à s’intégrer. On sent qu’on tient un truc instrumental et que mettre de la voix n’aboutirait à rien. C’est ce qui s’est passé pour ces deux morceaux ».

A l’écoute de la plupart des compos, à l’instar de ‘Sandflower’ et de ‘The Storm’, on remarque l’omniprésence de la guitare acoustique, le plus souvent jouée en picking. Elvy nous confie : « Je n’ai pas de maîtres dans le sens ou j’ai longtemps été mauvais en picking. J’ai appris seul, parce qu’il le fallait bien pour étendre les possibilités. J’aurais voulu être aussi doué que Ron Sexsmith ou Leonard Cohen ». Excepté une base de solfège acquise auprès d’un professeur, Elvy a vite abandonné le classique pour s’adonner à la musique folk, sans être un féru de jazz pour autant. Et d’ajouter : « J’apprécie certains arrangements mais le swing n’est pas trop mon truc. »

Le jeune trentenaire n’a pour le moment plus de lien avec une quelconque maison de production (NDLR : autrefois, il relevait de l’écurie JauneOrange). Au contraire, faute de label, il a choisi la voie de l’autoproduction. Ainsi, quarante-sept morceaux issus de ses trois albums sont téléchargeables sur son site elvy.bandcamp.com. Elvy concède : « Je n’ai que très peu de chansons en réserve car, bizarrement, je valide tout ce que je fais. Au lieu de composer trente chansons à la va-vite et en garder douze, j’en écris douze que je peaufine jusqu’à ce qu’elles puissent être utilisables. J’ai bien sûr des chutes mais elles ne représentent qu’un quart des 47 morceaux sur bandcamp. » Cependant, pour l’artiste bruxellois, les chansons non publiées peuvent toujours être réutilisées, réarrangées, désossées pour reprendre un refrain, un accord voire un son.

S’il s’est déjà produit au Botanique et à l’AB, ce sont cependant les petites salles où Elvy partage son univers particulier, notamment lors de showcases ou de concerts privés ou en tant que support artist. Cet admirateur de Léo Ferré et de Salvador Allende plaide pour une vision artistique globale, ce dont on peut prendre la mesure en parcourant la rubrique ‘extra’ de son site internet elvy.be . Il confesse cependant : « Il y a certainement un engagement dans ces chansons mais il n'est présent que comme part de moi-même. Je n'ai pas l'envie de composer des morceaux dont l'essence même est la lutte sociale. Je suis quelqu’un de bien plus triste et désabusé qu'engagé. »

Elvy s’est construit progressivement un monde à part dans le milieu de la chanson folk. Ses mélodies légères, éthérées et sa voix aérienne et délicate forment un tout indissociable, qui devrait plaire à ceux qui sont à la recherche d’une atmosphère paisible telle que celle qui se dégage de chansons comme ‘Childhood’, ‘Landfall’ et ‘Unwise’.

Elvy, un artiste à découvrir d’urgence pour les amateurs du genre.

Pour assister à un concert le vendredi 13, il ne faut pas être superstitieux. Mais lorsqu’il est organisé par Cheap Satanism Records et que la vedette principale est associée à la vague ‘witch-house’, on craint quelque peu d'y perdre son âme. Mais finalement, on a passé une excellente soirée, grâce à Chelsea Wolfe, bien sûr, mais aussi aux deux groupes qui lui ont ouvert la voie : Unison et Cercueil.

Unison, un combo originaire de la région Poitou-Charentes, nous a séduits par sa musique captivante, hypnotique, caractérisée par son ‘mur de son’ d'inspiration shoegaze, noise, voire drone, au-dessus duquel plane la voix fragile et envoûtante de Mélanie Moran. On pense à Portishead, My Bloody Valentine ou encore Cocteau Twins ; mais Unison possède une tonalité propre, qui frise la perfection, surtout lors de l’interprétation du très beau "Brothers And Sisters" (en vidéo ici). En fin de set, le groupe a repris le célèbre hit new-beat "Rock To The Beat" de 1o1, ‘en hommage à la Belgique’ (à voir ici). Un excellent choix! En un mot, la prestation s’est révélée convaincante, et devrait nous inciter à se précipiter sur leur opus éponyme, paru récemment chez Lentonia Records.

Nous attendions également avec intérêt le concert de l’ensemble lillois Cercueil. Vu le patronyme, on peut être sûr qu'il enterre ses concurrents (NDR : bon, la vanne est placée, un peu de sérieux maintenant). Formé en 2009, le band compte déjà deux plaques à son actif, dont l'excellent "Erostrate". Leur style est difficile à décrire. En extrapolant, on pourrait imaginer un cross-over entre cold-wave, noise, electronica et trip-hop, qui évoque tour à tour Velvet Underground, Nine Inch Nails, Portishead (à nouveau), Kate Bush ou Kraftwerk. La voix de Pénélope Michel évoque Nico mais aussi Liela Moss (The Duke Spirit) voire Grace Slick, la lumineuse vocaliste de Jefferson Airplane (NDR : à quand une reprise de "White Rabbit"?) Sur scène, la formation installe son univers sonore malgré de petits problèmes techniques et la magie s’installe, surtout lors du superbe "After Dark", tiré du dernier album (voir ici). Seul petit bémol, Pénélope Michel est un peu statique derrière ses claviers et sa voix peine parfois à s’extraire des arrangements un peu bruyants propagés par les autres musiciens. Je suis impatient de les revoir lors d’un concert pour lequel ils seraient tête d'affiche!

Après quelques minutes d'attente, c'est le moment de découvrir la grande prêtresse de la soirée, Chelsea Wolfe. Décidément, cette période de l'année est propice aux (jolies) sorcières. Après Florence Welch, The Jezabels ou encore il y a quelques mois, Zola Jesus, c'est en permanence Halloween, pour notre plus grand bonheur! La scène est sombre, les musiciens habillés de noir et elle arrive, mystérieuse et envoûtante... Basée à Los Angeles, elle a été révélée par deux albums de très bonne facture. Et elle nous emmène dans son univers folk aux accents 'drone'. On a un peu l'impression de voir la petite sœur gothique de PJ Harvey. La formation qui l'accompagne est d'une efficacité redoutable, alternant les fulgurances noisy et les moments calmes, où le silence se fait l'écrin de la voix plaintive de Chelsea. Dans la setlist, on retrouve tous les meilleurs morceaux de "The Grime And The Glow" et "Apokalypsis", du brutal "Moses" au terrifiant "Demons" en passant par le fantomatique "Movie Screen". Dans "Pale On Pale", les accents de voix prennent une forme arabisante et on se rappelle une certaine Lisa Gerrard (Dead Can Dance).

Les trois concerts programmés ce soir nous ont baignés dans un univers ténébreux, fantomatique et ensorcelant, mais également d'une terrifiante beauté...

Voir ici la vidéo en 'live' de "Pale On Pale"  et là celle de "Widow" 

(Organisation: Cheap Satanism Records)

Déjà un an que ce cd est paru ; mais apparemment, il n’a guère suscité d’intérêt auprès des médias, à cette époque. Il ne risque d’ailleurs pas de provoquer un nouvel engouement, aujourd’hui. Et pourtant…

Pourtant, ce constat se révèle un peu tristounet, car Cécile, Guillaume, Bernard, Jérôme et Didier nous proposent une création, ma foi, originale et qui ne doit rien à personne. Ce quintet réalise un mix entre folk /blues yankee et chanson française. L’Orchestre du Vent, ben finalement, c’est pas vraiment du vent !

Sept chansons seulement peuplent ce premier disque autoproduit et entièrement réalisé par nos valeureux compatriotes de Tchantès. De l’écriture des textes à la pochette, en passant par les compositions, l’enregistrement, le mixage et même l’illustration très réussie de l’enveloppe cartonnée.

Côté musical, les guitares et le banjo alimentent le climat folk-blues-rock américain, un climat entretenu par un harmonica, un accordéon, un violon ou un clavier, ostensiblement optimistes ! « Mon timing », plage phare, illustre parfaitement ces accords instrumentaux parfaits.

Côté lyrics, L’Orchestre du Vent nous parle du quotidien où l’on rencontre des gens ordinaires, petites histoires tantôt tragiques, tantôt caustiques mais toujours touchantes. Mais les mots sont subtilement choisis et racontent de façon poétique des événements émouvants et authentiques. Des textes bien pensés et bien dits…

Un petit disque soigné et discret !

En 2007, Tom Williams tourne en rond dans son Kent natal. Il n’en peut plus de jouer seul… Il décide alors de recruter un backing band, qu’il baptise The Boat, destiné à la suivre dans son aventure musicale. Et, loin de sombrer, l’embarcation a plutôt fière allure, puisqu’elle a déjà donné naissance à une première cargaison en 2011.

Sur « Teenage Blood », l’équipage insulaire nous propose une forme de folk/pop savoureux, classieux même, hanté par Nick Cave et Leonard Cohen, mais aussi passionné que celui de Micah P. Hinson. La voix de Tom Williams est sépulcrale et profonde. Dominée par les guitares électriques et les violons, l’instrumentation est puissante. Mais le plus éloquent sur cet opus, ce sont ces émotions qui remontent constamment à la surface. Ces compos empreintes de romantisme, réminiscentes de Noah and the Whale qui n’auraient pas encore réalisé leur triste mue commerciale. Et les magnifiques « My Bones » et « Trouble with the Truth » en sont certainement les plus belles illustrations. Cap « Teenage blood », la mer est d’huile…

L’Américaine Betty Wright affiche déjà une longue carrière derrière elle. La diva R’n’B de Miami a en effet très tôt rencontré le succès, en alignant des hits tels que « Clean Up Woman » ou « Tonight is the Night », dans les années 70, alors qu’elle n’avait pas 20 ans. Elle a également accompagné Bob Marley et Alice Cooper en concert ; et n’a donc pas peur des grands écarts…

« Movie » constitue le premier album de la Floridienne depuis 10 ans. Elle s’est payé le luxe de recruter les excellents The Roots (qui avaient déjà sévi pour le compte de cette vieille canaille d’Al Green) pour l’accompagner et a invité des stars telles que Snoop Dogg, Lil’ Wayne ou encore Joss Stone ! Betty Wright n’a rien perdu de ses aptitudes vocales et ses compositions R&B teintées de soul parviennent à faire mouche, grâce aux interventions des musicos issus de Philadelphie et de sa voix hors du commun. « Surrender » est un véritable hit soul et « Grapes on a Vine » une pépite R’n’B. L’ambiance  s’apparente à l’univers cher aux fans de l’écurie ‘Stax’ et se révèle nostalgique à souhait (« Whisper in the Wind », « Old Songs »), les claviers vintage se chargeant d’alimenter ce climat…

Ecouter « The Movie » et se retrouver comme par magie dans un vieux film de blaxplotation…

Si le mot ‘intellectuel’ ne risquait de desservir le propos, j’utiliserais volontiers ce qualificatif pour illustrer cette œuvre.

Doté d’une ouverture d’esprit remarquable, dans la mesure où rien ne semble freiner l’élan créatif de sa tête pensante, le très doué Mathijs Bertel, Ansatz Der Mashine explore avec bonheur de multiples terrains, loin de tout sentier battu.

Plus organique et moins abstrait que ses précédents elpees, ce disque ne semble craindre aucune audace.

Chant dans la langue de Molière (exercice périlleux dans le genre, mais au fait, de quel genre parle-t-on ?), incursions subtiles de divers univers et immersions sensibles dans différents coloris, « Heat » est un pari audacieux, qui renvoie autant à Fennesz qu’à Dead Can Dance.

Abordant des thèmes historiques ou littéraires, rendant hommage ici et là à des personnages marquant l’imaginaire de son auteur (son épouse sur « The Desert Story » ou encore le regretté Mark Linkous sur « … »), ce disque explore et ose sans perdre en crédibilité.

Une invitation au voyage et à la réflexion, à l’échappée belle toutes voiles dehors.

Seul bémol, la typographie risque malheureusement d’effrayer l’amateur de musique, car rien qu’en observant la pochette, on pourrait s’imaginer devoir se farcir le dernier… Take That !