Après voir publié un premier album éponyme de feu en 2004, qui recelait deux véritables bombes, « Cutt Off » et surtout « Club Foot », le quintet enchaîne les concerts et se forge rapidement un nom au sein du paysage de la britpop. Faut dire qu’à cette époque, on perd un peu de vue des bands comme Blur ou Primal Scream. Et c’est assez rapidement à Kasabian que revient le lourd héritage d’enfiler le costume de leader de la vague british.
Leur second essai, « Empire », reste un peu en-dedans, même s’il révèle quelques bons moments. Ce qui n’empêchera pas leur ascension. Mais c’est grâce à « West Ryder Pauper Lunatic Asylum », que le combo de Leicester va réellement cartonner. Et en 2010, les NME Awards vont lui décerner le prix suprême du meilleur album de 2010. Rien à dire, l’oscar du meilleur elpee et le titre de meilleure formation pop/rock sont largement mérités.
Dur dur donc de faire mieux ou tout au moins aussi bien lorsque la barre est placée si haut !
Mais depuis que Sergio Pizzorno est aux commandes de l’appareil, après le départ de Christopher Karloff en 2006, l’autre copilote du groupe, y’a qu’à demander ! Car deux ans plus tard, « Velociraptor » est le digne héritier du précédent opus. Kasabian a légèrement changé de cap depuis cette séparation. Tout laissait croire que le band filait droit vers les sommets ‘electro, hip-hop’ ou même’ house’, le binôme à sa tête. La modification du line up a également changé la donne quant à l’orientation musicale du combo.
Finies les plages lancinantes, obsédantes et complètement ‘allumées’. Place depuis trois ans à un rock indé beaucoup plus ‘propre’, plus accessible aux médias ‘tout public’. Kasabian ne renie pas pour autant son passé et de temps à autre transparaissent encore quelques traces de hip hop ou house. A l’inverse de leurs deux premières publications, « West Ryder Pauper Lunatic Asylum » et le derrnier « Velociraptor » se rapprochent plus de Pulp ou d’Oasis. En termes mélodiques, bien sûr.
« Let's Roll Just Like We Used To », « Days Are Forgotten » et « Goodbye Kiss » ouvrent le disque. Trois directs au foie qui vous mettent déjà KO. Mais il faut se relever et écouter les huit autres plages de ce quatrième opus. Rien à jeter, tout y est excellent, de la première à la dernière note. De la ballade aux relents arabisants d’« Acid Turkish Bath (Shelter From The Storm) », jusqu’aux rythmes endiablés électro de « Velociraptor ».
« Re-wired », successeur tout désigné de « Fire » mettra assurément le public en transe lors de la tournée qui, heureusement, passera à nos portes. A voir donc absolument le 23 février au Cirque Royal de Bruxelles ou le 28 du même mois au Zénith de Lille.
Pour les avoir vus en concert, il y a deux ans, je peux vous assurer que l’on ne sort pas indemne, après une prestation de la bande à Pizzorno, au sein de laquelle Tom Meighan, figure centrale, est capable de jouer autant avec son micro que son public.
En tout état de cause, « Velociraptor » tentera de rafler un second prix d’affilée et celui-ci ne ferait assurément pas tache aux côtés du premier trophée conquis en 2010. Et qui pourrait l’en empêcher ?
Depuis la publication de son dernier Ep, « Heretofore », sorti l’an dernier, on attendait impatiemment la suite des aventures de Megafaun. Faut dire que le folk de ces Yankees (NDR : ils sont originaire de Durham, en Caroline du Nord) est ouvert à l’expérimentation (« These Words »). Il flirte même parfois avec la prog ou le psychédélisme, sans pour autant négliger le sens mélodique de ses compos (« Real Slow »).
Les frères Cook et Joe Westerlund ont milité au sein du DeYarmond Edison, en compagnie de Justin Vernon. Tout comme lui, ils ont la belle et noble ambition de sortir le folk des sentiers battus. La très belle plage instrumentale « Isadora », trempée dans le free jazz et la plus soul « Everything » en sont les plus parfaites illustrations.
Les sessions d’enregistrement de cet elpee ont été réalisées dans une cabane, au fin fond du Wisconsin. La même au sein de laquelle Bon Iver avait concocté son premier long playing, disque qui lui avait permis d’atteindre le sommet des charts. Le nouvel essai du trio est de bonne facture, sans plus. Il y a bien quelques pépites, à l’instar du remarquable « Get Right », pour lequel Justin Vernon se charge de la guitare et dont la structure doit autant au Krautrock qu’au folk. Ou du plus classique « State/Meant », qui aurait pu figurer au répertoire de Neil Young. Cependant, l’album souffre de quelques faiblesses (le très léger « Hope You Know »). Ce qui n’empêche pas Megafaun, vu la liberté de ton qui le guide, de se poser en digne disciple de Wilco voire de My Morning Jacket…
Mercury Rev a donc décidé de rééditer son chef-d’œuvre de 1998, « Deserter’s songs », mais en version exclusivement instrumentale. Les arrangements et les orchestrations ont été étoffés, pour la circonstance. Du theremin, du mellotron et de l’orgue vintage ont ainsi été ajoutés. En outre, Suzanne Thorpe est revenue jouer de la flûte et David Fridmann met la main à la pâte. Les pistes ont été remasterisées. Mais rien à faire, sans la voix de Jonathan Donahue (NDR : qui se contente ici des cordes acoustiques), il manque une dimension. A la limite, ce type d’enregistrement pourrait servir d’excellente bande sonore pour un film. Pour fans exclusivement !
Pour le mélomane lambda, Gary Numan se résume à « Are 'Friends' Electric? » et « Cars », deux titres qui l’avaient rendu célèbre, lors de son aventure Tubeway Army d’abord, puis dès sa première expérience en solo. Nous étions alors à la fin des années 70. Et il va devenir une référence incontournable dans le domaine de l’indus, influençant tant Marilyn Mansun que Nine Inch Nails. Si on ne va plus beaucoup entendre parler de lui, ce n’est pas faute d’essayer, puisque ce « Dead son rising » constitue déjà son 21ème album. Et il faut reconnaître qu’ils sont quasi tous passé inaperçus. Faut dire que l’artiste souffre d’une forme d’autisme et qu’en outre, de précurseur, il est passé au stade de disciple. De qui ? Ben de Trent Treznor, celui qui le considérait à l’origine comme maître.
« Dead son rising » est un opus qui réunit des démos issues des sessions d’enregistrement de « Pure » (2000) et « Jagged » (2006). Ce dernier elpee avait été mis en forme par Ade Fenton, à l’époque, devenant par la même occasion son proche collaborateur. Et c’est à nouveau le cas pour ce « Dead son rising », auquel il participe activement, comme ce le sera encore lors de la sortie du prochain long playing de Numan, « Splinter ».
« Dead son rising » est partagé entre titres atmosphériques, introspectifs, monochromes, parfois instrumentaux (le plus souvent semi-acoustiques) et compos dont la rage froide et électrique est alimentée par des riffs de guitare ténébreux, des claviers métalliques et des programmations distordues, mais aussi hantée par la voix fragile de Gary (« Big noise transmission », « Dead sun rising », « When the sky bleeds, he will come », « For the rest of my life »). Un opus plutôt bien torché, mais pas révolutionnaire…
Née artistiquement parlant en 1993, lorsqu’elle interprète le magnifique « La solitudine » et qu’elle remporte le prix du meilleur espoir au festival de San Remo, la belle Italienne en est déjà à la publication de son onzième album en l’espace de dix-huit années, à seulement 37 ans !
Force est de reconnaître que la seule Transalpine de l'histoire à avoir remporté un ‘Grammy Award’ et deux ‘Latin Grammy Awards’, vieillit très bien et ce, à tous points de vue… Suffit de jeter un œil sur quelques clichés qui lui sont consacrés sur Google pour en être convaincu. La réussite musicale, couplée à un physique plus qu’avantageux lui ouvrent bien des portes ; et lui permet notamment de décrocher quelques collaborations de la meilleure veine : Hélène Segara, Michael Bublé, Johnny mais aussi Ray Charles et l’immense Pavarotti, entre autres.
Disputant à Eros Ramazotti le titre de n°1 de la chanson pop autochtone, elle atteint son objectif en se produisant, un soir de juin en 2007, devant plus de 70 000 spectateurs dans le stade de San Siro, à Milan. Tous les records sont battus et la belle de trôner au faîte de la hiérarchie…
Laura Pausini revient après deux ans de silence consacrés à sa vie privée dont quasi aucune info ne transparaît dans la presse. Son nouvel opus, « Inedito » est chaleureusement accueilli dès avant sa sortie officielle, le single « Benvenuto » s’installant immédiatement au sommet des charts, dans son pays.
Deux ans mis à profit pour peaufiner quatorze plages dans le calme de sa maison milanaise. Changeant ainsi ses habitudes où, sautant d’un avion à l’autre pour des tournées gigantesques, elle profitait de ces déplacements pour écrire et composer les chansons de l’album qui allait succéder à celui qu’elle présentait sur scène au même moment.
Pour la circonstance, la plantureuse trentenaire a pris son temps et bien lui a pris. Elle a eu l’occasion de mûrir ses chansons, de demander la collaboration de sa sœur Silvia sur « Nel Primo Sguardo », de demander à Ivano Fossati d’apporter son concours à « Troppo Tempo » et de composer un duo avec Gianna Nannini pour « Inedito », futur numéro un au hit-parade italien.
Rien de bien original à se mettre sous la dent, si ce n’est une bonne série de ballades bien chaloupées, dansantes et en sus, très bien orchestrées. De la toute bonne variété italienne, tout ce que j’aime !
Et oui, Eros Ramazotti, Zucchero, Gianna Nannini ou encore Umberto Tozzi me font toujours le même effet. La plus jolie langue du monde mise en musique de façon ensoleillée ne peut que me mettre de bonne humeur.
Chacun son truc!
Pete and the Pirates livrent une nouvelle bataille et tentent leur second abordage intitulé « One Thousand Pictures ». Il fait suite au très réjouissant « Little Death », réalisé en 2008. Verdict ? Tous les amoureux de la pop de qualité ne pourront que baisser pavillon sous les coups de canon tirés par les flibustiers de Reading…
Quelque part entre Interpol (« United »), Supergrass (« Little Gun »), The Last Shadow Puppets (« Come to the Bar ») et The Coral (« Cold Black Kitty »), la musique de ce jeune équipage britannique mouille dans un pop/rock au très fort potentiel mélodique, alimenté par des guitares bavardes et épiques. Et le reste de l’opus est tout aussi transcendant. Que ce soit le bouleversant « Washing Powder », l’hymnique « United » ou « Shotgun », morceau irrésistible digne des White Lies. Très expressive dans ses intonations glacées et martiales, la voix de Thomas Sanders rappelle celle de Ian Curtis. D’autant plus que sombres et torturés, les textes sont vraiment bien torchés. Quant à la production, elle a été confiée à Brendan Lynch (Paul Weller, Primal Scream), une mise en forme qui apporte davantage de profondeur à l’ensemble. Un seul reproche ? La longueur de l’elpee. Les trois dernières pistes, sont d’ailleurs totalement dispensables et en les éliminant, cette œuvre devenait parfaite.
R.E.M. a donc décidé de mette fin à son aventure en septembre 2011. Après 31 ans d’existence et l’enregistrement de 15 albums. Ben faudra donc s’attendre à la publication de compiles en tous genres, dans le futur. Et la première vient de nous tomber dessus. Elle est double et épingle 40 titres issus de leur répertoire, dont trois inédits, « A Month of Saturdays », « We All Go Back To Where We Belong », et « Hallelujah », concoctés lors des sessions d’enregistrement de leur dernier elpee, « Collapse Into Now », sous la houlette de Jacknife Lee.
Pour la première fois, le recueil puise aussi bien dans le répertoire issu des années I.R.S. (leurs débuts) que réservé à Warner Bros (NDR : à partir de 1988 !). Tous leurs singles y sont et dans l’ordre chronologique. Et chaque chanson, fait l’objet, au sein du booklet, d’un commentaire avisé. Ne pas oublier que même si elle est devenue de plus en plus accessible au fil du temps, la musique de la formation issue d’Athens (NDR : un quartet jusqu’en 1998) a toujours véhiculé des lyrics engagés, pour la plupart sociopolitiques ou encore destinés à dénoncer le fondamentalisme religieux.
Après avoir gravé « The Boxer », un premier LP sans grand intérêt, Kele Okereke revient à la charge en publiant « The Hunter », un Ep qui ne sert strictement à rien. Le chanteur de Bloc Party essaie de faire dans la dentelle, mais sans se soucier des détails. Aucun des sept morceaux de ce mini-album n’apporte une plus-value quelconque à sa première œuvre.
Au contraire, le Briton semble avoir compilé les compositions qui avaient été rejetées au premier tour tant elles manquent de saveur. La ribambelle de coproducteurs et collaborateurs, parmi lesquels on retrouve XXXChange, Sub Focus et Fred Falke, ne parviennent même pas à sauver la plaque. On a même droit à du sous-Katy B sur le morceau d’ouverture, « What Did I Do? ». Kele tente d’y catapulter la carrière d’une certaine Lucy Taylor, à coup de Dubstep pourave. Un effort inutile dont il aurait tout aussi bien pu se passer.
Pour fêter ses 10 années d’existence, Ladytron a donc décidé de sortir une compile. Bien qu’ayant choisi pour patronyme le titre d’une chanson de Roxy Music, la formation liverpuldienne, partagée entre deux filles et deux gars, pratique une électro-pop dansante, très marquée par les eighties, aussi bien la new que la cold wave. Ils ont essentiellement recours aux synthés analogiques, et leurs lyrics souvent obscurs parlent de situations de la vie quotidienne, des textes parfois interprétés dans la langue de Mira Aroyo, Bulgare d’origine.
Le recueil propose 17 pistes, dont la plupart des hits du quatuor, et deux inédits. Soit le single « Ace Of Hz » (NDR : une piste peu molle des guiboles !) et une chouette cover du « Little Black Angel » de Death In June. Un ‘best’ of à conseiller aux Djs qui privilégient les soirées 80’s
Le nouvel album de Chris Isaak rend hommage aux années dorées du Memphis Sun Studio et aux artistes visionnaires qui y ont entamé leur carrière, guidés par Sam Phillips.
Produit par Isaak en personne, « Beyond The Sun » a été enregistré essentiellement au Sun, en compagnie de son propre groupe. Pour la circonstance, il a également reçu le concours de Memphis ‘Cowboy’ Jack Clement, un parolier, musicien et producteur qui a collaboré avec la plupart des grands noms qui ont fréquenté le célèbre studio.
Tout au long de cet opus, Chris tente de faire revivre la magie des classiques signés Elvis Presley, Johnny Cash, Roy Orbison, Carl Perkins et Jerry Lee Lewis, tout se réappropriant les compos.
L’elpee sera disponible dès le 20 janvier.
Pour célébrer l’anniversaire de la sortie, en 1971, du dernier elpee des Doors, « L.A. Woman », sur lequel figurent les titres emblématiques « L.A. Woman », « Love Her Madly » et « Riders On The Storm », le label Rhino a décidé de sortir ce chef d’œuvre sous la forme d’un double album. Baptisé « The L.A. Woman 40th Anniversary », il sera enrichi, notamment, d’un titre totalement inédit qui s’intitule “She Smells So Nice”, un morceau découvert récemment par le producteur Bruce Botnick, alors qu’il écoutait les cassettes des sessions d’enregistrement du disque…
Les fans du légendaire groupe de rock s'en réjouissent déjà…
Icône irlandaise qui a vendu des millions de disques, au cours de ses déjà 25 ans de carrière, Sinead O'Connor publiera son 9ème album, “How About I Be Me (and You Be You)”, le 20 février, sur le label One Little Indian. Certaines chansons de l’album sont signées John Grant.
Tracklisting:
4th And Vine
Reason With Me
Old Lady
Take Off Your Shoes
Back Where You Belong
The Wolf Is Getting Married
Queen Of Denmark/
Very Far From Home
I Had A Baby
V.I.P.
Mademoiselle Nineteen, alias Juliette Wathieu, publiera son premier album, fin février 2012. D’abord engagée comme choriste, alors qu’elle était à peine majeure, lors de la tournée Phantom feat. Lio, elle a imposée sa frange chez Freaksville.
Tout au long du titre « Quelle Importance ? », extrait de son nouvel opus, elle révèle une pop dont la magie est puisée dans les sixties (cordes, guitares twang, reverb sur la voix, batterie spécifique et basse étouffée). Pas étonnant, quand ont sait que son père est musicien et qu’elle a été biberonnée aux harmonies de cette époque. Les lyrics sont signés Jacques Duvall et les compos, Benjamin Schoos mieux connu sous le pseudonyme Miam Monster Miam.
Comme Lio avant elle, Juliette devient l’égérie de Duvall et partage un duo sur « Chagrin de Beauté » à ses côtés, sur l'album « Expert En Désespoir ».
http://www.mademoisellenineteen.com
L’artiste folk américaine Laura Gibson publiera « La Grande », son nouvel album, le 16 janvier prochain.
La vidéo de « Milk Heavy » ainsi que titre maître de cet opus (NDR : morceau téléchargeable gratuitement), sont dès aujourd’hui à découvrir sur le net.
http://www.youtube.com/watch?v=cMnjFPFwYgQ
http://soundcloud.com/cityslang/laura-gibson-la-grande
Elle se produira, en outre, au Botanique de Bruxelles le 20 janvier 2012.
Tracklisting:
1. La Grande
2. Milk Heavy, Pollen Eyed
3. Lion/Lamb
4. Skin Warming Skin
5. The Rushing Dark
6. Red Moon
7. Crow/Swallow
8. The Fire
9. Time Is Not
10. Feather Lungs
Pour célébrer le 150ème anniversaire de la naissance de Georges Méliès, Air a été invité à sonoriser un nouvel extrait du film « Le Voyage dans la Lune », restauré en couleurs.
Le CD et le DVD seront disponibles dès le 6 février.
http://www.npr.org/blogs/allsongs/2011/12/08/143170071/first-watch-air-parade?sc=fb&cc=fmp
CD
1 Astronomic Club
2 Seven Stars
3 Retour sur terre
4 Parade
5 Moon Fever
6 Sonic Armada
7 Who Am I Know?
8 Décollage
9 Cosmic Trip
10 Homme lune
11 Lava
Depuis le grandiose « The Arrogance of Ignorance », commis par Ocean of Sadness en 2008, votre serviteur n’avait plus pris de véritable claque, en matière de metal estampillé Belgique. Le premier véritable album de Zero Gravity en est une, et pas des moindre (2 démos sont à leur actif). Un petit bijou de metal progressif empreint de grandes références. Quel meilleur exemple, pour convaincre les plus endurcis, que ce redoutable « Second Betrayal » ?
Déclinée en deux parties, l’œuvre évoque Rush ; une patte qui reste imprimée jusqu’au final « Life Formula ». On pense aussi à Porcupine Tree et bien entendu à Dream Theater, mais là où ces derniers se confondent souvent dans une débauche de technique, Zero Gravity met sa virtuosité au service de la qualité des morceaux. Les harmonies vocales sont riches, le lead vocal précis. Les claviers et les guitares judicieusement mis en exergue. Les interventions aux drums, précises. Normal, quand on sait que le cogneur de service n’est autre que Pieter Belmans, un musico surdoué qui a fait ses armes au sein de la formation de death metal Axamenta. Bref, l’ensemble affiche une maîtrise absolue.
S’étalant sur 10’, « Inner Ruins » nous invite à entrer dans le vif du sujet. Une plage hargneuse, sporadiquement traversée par une double pédale, mais parfaitement structurée. La prestation du chanteur est impressionnante. Et l’elpee regorge de pépites. Parmi lesquelles j’épinglerai « Blind Into The Stare », une compo qui bénéficie d’un fabuleux travail au niveau des percussions mais aussi de la surprenante superposition de voix. Et le reste ne maque pas d’allure. Que du bonheur ! Un album magistral, royal et éblouissant de classe.
Rendez-vous dans le top 20 metal de l’année 2011 !
De nationalité écossaise, Rudi Zygaldo est un producteur notoire dans l’univers du dubstep. Sur son album, il est parvenu à donner une coloration personnelle à ce genre, grâce à une approche plus pop de son écriture (« Manuscripts don’t Burn ») ; mais également en puisant ses influences tant chez Frank Zappa (« Missa Per Brevis »), John Carpenter (« Filthy Logic’s Weird ») que dans la musique issue de l’Europe de l’Est ou même classique. Ses vocaux androgynes rappellent David Bowie. Accessible, contemporain et riche à la fois, « Great Western Laymen » pêche cependant par la durée de certaines de ses compos (« The Man in the Duck »).
Fidèle à son image (jetez un œil à la pochette) de gendre idéal, Bénabar, chanteur à texte qui ne se prend pas trop au sérieux, nous propose son sixième album studio. Une impression de déjà vu et même de déjà entendu nous saute immédiatement aux yeux ou aux oreilles (de préférence) à l’écoute des treize plages des « Bénéfices du doute ».
‘On ne change pas une équipe qui gagne’ argumente souvent l’entraîneur d’une équipe de foot. Ben pourquoi adopterait-il une autre formule, notre Barnabé ? Il a visiblement déniché une excellente recette, qui plaît depuis une petite quinzaine d’années, aux amateurs de chanson française ‘intéressante’.
Côté textes, les thèmes sont récurrents sans être ennuyeux. Des événements de la vie quotidienne. Les traits caractéristiques de notre société. La description de certaines étapes de la vie : la naissance, l’amour, la séparation, la mort... Mais le principal atout dont dispose Bénabar, c’est son art à aborder des sujets parfois graves, sur un ton léger.
Côté musique, l’accent est pour la circonstance placé sur les cordes : guitares acoustiques, contrebasse et banjo font bon ménage avec l’harmonica et les cuivres, même si les trompettes sont bien moins présentes qu’auparavant. Bien ficelé, le tout donne un résultat très agréable, un soupçon country, un rien jazzy.
Ecouter un album de Bénabar, c’est s’assurer une bonne grosse demi-heure de bonne humeur, mais également l’occasion de se regarder dans un miroir. Car ces mots nous concernent, nous parlent tout en parlant de nous… Bénabar, c’est un peu la caméra invisible qui nous filme dans notre quotidien, révèle notre face cachée ou que l’on cache peut-être volontairement.
C’est sans doute cet aspect dérangeant qui explique pourquoi cet artiste reste toujours un peu ‘mal aimé’ ou négligé par celles et ceux qui lui reprochent d’être un ‘petit Renaud bien gentil, bien propre sur lui’…
« Les bénéfices du doute » s’avère néanmoins plaisant. Il a au moins le mérite de démontrer que l’auteur/compositeur/interprète n’est pas encore au bout du rouleau, qu’il en garde encore sous la pédale.
Pas de doute, on n’a pas ici l’album de l’année 2011 mais un bon petit disque très agréable à écouter.
Rien de bien neuf à se mettre sous la dent (NDLR : dans le tuyau de l’oreille ?) mais on épinglera quelques titres dont « Politiquement correct », « L’agneau », « Alors, c’est ma vie » ou « Quelle histoire » qui sont autant de jolies chansons, bien rythmées et pleines de bon sens. Ce qui n’est quand-même pas si mal.
Danger Mouse (Gorillaz, Beck, Gnarls Barkley, Broken Bells, etc.) était de retour derrière les manettes lors de l’enregistrement du septième opus des Black Keys. En outre, le claviériste Brian Burton semble avoir définitivement intégré le line up du groupe américain. Quoiqu’il en soit, le duo d’Akron (NDR : c’est dans l’Ohio) vient de pondre un remarquable elpee. Ah oui, on lui reprochera certainement une mise en forme trop léchée. Mais finalement, c’est certainement le secret de la réussite de cet opus. En fait, c’est un peu comme si le fruit de la rencontre entre The Cream et The Clash avait été sophistiqué à l’excès pour le rendre glam. Dans l’esprit de T.Rex. Pas toutes les compos, mais plus de la moitié de l’elpee. Le falsetto de Dan Auerbach n’a jamais été aussi ‘bolanesque’. Il est même parfois enrobé de chœurs très caractéristiques. Et les riffs de gratte spasmodiques entretiennent parfaitement ce climat. Les mélodies sont hymniques, contagieuses. Le disque regorge de hits potentiels. Parfois légèrement teintés de funk, de soul ‘motownesque’ voire de britpop 60’s. Mais sans jamais tomber dans la mièvrerie FM. Quant aux lyrics, ils traitent des relations amoureuses, et en particulier de la jalousie, du désir, de l’abandon et du chagrin, mais sous une forme humoristique. Définitivement mon album de l’année !
Quatrième opus pour Camille dont l’entame risque de heurter plus d’un mélomane. « Aujourd’hui », qui est le plus beau jour de sa vie (?), fait sans aucun doute référence à sa maternité toute récente. Ok, on peut bien imaginer le plaisir de devenir maman, mais pas de quoi en faire tout un plat (fade en plus) non plus. Passée cette ‘épreuve’, on entre dans le vif du sujet. Soutenue par son quatuor à cordes, un piano et une guitare, Camille revient à de meilleurs sentiments. « L’étourderie » et « Allez allez allez » en sont certainement les plus belles illustrations. Terminées les complaintes en angliche ? Que nenni ! Camille s’était un peu fourvoyée sur son album précédent. Mais, dès la quatrième plage, « Music Hole », interprété quasi-intégralement dans la langue de Shakespeare, elle tente à nouveau une percée en osant « Wet boy », qui démontre que la chanson française peut tout aussi efficacement se décliner dans un autre idiome. Suffit d’avoir le talent pour. Et visiblement, Camille n’en manque pas, notamment après avoir retrouvé « Le fil » de ses idées, c’est-à-dire le meilleur opus publié à ce jour, celui qui trace la ligne directrice de son œuvre…
« She was » et surtout « Mars is no fun » devraient convaincre les plus sceptiques. Oui, la chanson française a de l’avenir outre-Manche ! C’est sur la piste suivante, « Le berger », que Camille étale au mieux ses performances vocales. Une voix pleine de créativité et de douceur qui n’a besoin de rien ou quasi comme support pour dire des mots tellement justes.
« Bubble lady » et « Ilo Veyou » laissent déborder une imagination un peu folle, débridée, une liberté d’expression qui ne demandait qu’à sortir des tripes de cette jeune Parisienne. Car c’est vraiment d’art qu’il faut parler. Camille se lâche. Rien ne lui fait peur. Même la petite comptine « Message » ou le génial « La France » dont le texte à la mords-moi le nœud et sa déglingue d’après-guerre super ringarde fait mouche. Elle n’a peur de rien la belle !
On fera l’impasse sur un « My man is … » sans intérêt et « Pleasure », deux plages qui manquent tous deux de cette petite touche de délicatesse et de musicalité. Visiblement, elles ne servent qu’à boucler l’album !
« Le banquet » plage phare (la meilleure ?), illumine une vengeance baroque. C’est à titre personnel, la meilleure de ce quatrième ouvrage et de loin. On est face à un résumé parfait des qualités de la jeune maman : poésie, créativité, sensualité, musicalité. « Tout dit » en quinzième position (deux de trop ?) clôture ce nouvel elpee qui réconciliera Camille et son public qui l’avait un peu, et à juste titre, boudée lors de sa ‘sortie’ précédente.
Même si l’ensemble semble manquer un peu de cohérence vu l’empilage des styles, quelques titres valent largement le détour. Créativité, finesse et humour sont ici au rendez-vous.
Maintenant qu’elle a renoué avec « Le fil », prions pour qu’elle ne le perde plus…
« The Conformist » est un album tout en retenue, au diapason de la voix du jeune Thomas Barlett. Relativement sage aussi.
Agé de vingt-sept ans, le pianiste possède déjà une belle carte de visite. Et pour cause, il peut notamment se targuer d’avoir bossé en compagnie de Rufus Wainwright, Yoko Ono et même des musiciens de The National.
Empreint d’une grande sensibilité, son album baigne au sein d’une atmosphère ouatée. Recueil de chansons d’amours brisés et de rêves manqués aux battements de cœur ralentis, cet elpee, non dénué de grâce, s’avère malgré tout somme toute assez ennuyeux sur la longueur.
Entouré de collaborateurs au service de sa cause (une grande partie de The National, Norah Jones, Samuel Tear aka Sam Amidon ou encore Nico Mulhy en accordeur de cordes, pour ne citer qu’eux), le talentueux pianiste développe des ambiances feutrées sur lesquelles sa voix délicate vient se poser, comme une plume portée par le vent.
Mais ce manque d’entrain est aussi le défaut de cet opus, car trop homogène d’un bout à l’autre. Drôle d’idée d’ailleurs, d’intituler une compo « Hurricane », dont la faible accélération du pouls nous plonge dans une douceur quelque peu amorphe.
Le genre de disque qui s’écoute aux chandelles, un verre de vin sous les papilles, un feu crépitant sous les pupilles.
Vingt années plus tard, les Feelies publient un nouvel opus. Glenn Mercer et Bill Million les deux chanteurs/guitaristes sont les derniers survivants du line up original. Ce sont aussi les deux piliers du groupe. Dave Weckerman, Brenda Sauter et Stan Demeski les avaient rejoints en 1986, avant que la formation ne sépare en 1991, et pour un bon bout de temps.
Responsable de deux albums culte (« Crazy Rhythms » en 1980 et « The good earth » en 1986 »), The Feelies a influencé une multitude de groupes, parmi lesquels, on épinglera surtout REM (NDR : c’est d’ailleurs Peter Buck qui a produit leur deuxième elpee) et Yo La Tengo. Le combo du New Jersey, de son côté, reconnaissait pour références majeures, le Velvet Underground et les Modern Lovers.
Alors que leur musique reposait sur des textures en boucles et en arpèges de guitares électriques et acoustiques, sur des rythmiques fluides et mouvantes, un peu comme chez les Pastels en Grande-Bretagne, la formation américaine va être assimilée au mouvement new wave. Malgré les excellentes critiques, le groupe ne récoltera qu’un succès confidentiel.
Les Feelies nous proposent donc un nouvel LP en 2011. Mais qu’est ce qui a changé en près de deux décennies ? Pas grand-chose. L’aisance mélodique est toujours aussi évidente. Le ton est sans doute moins ténébreux. Les harmonies sont, en général, davantage ensoleillées, même si l’ombre du Velvet plane toujours ; « Again today » est même carrément hanté par Lou Reed. Résultat des courses, l’opus baigne dans un climat de sérénité qu’on ne leur connaissait pas. En 13 compositions, le quintet nous offre des morceaux entraînants, nerveux, raffinés, mais également downtempo (« Blue skies »), à la beauté mélancolique (« Morning comes »), presque ‘pixiesque’ (« Time is right »), aux guitares claires (« Here before ») et scintillantes (NDR : digne d’Orange Juice, « Change your mind » nous réserve une belle envolée en fin de parcours). Imprimé sur un tempo obsessionnel, « On an on » aurait pu figurer au répertoire des Dandy Warhols. Un album tout simplement intemporel !
C’est le genre de disque dont presque personne n’entendra parler (sauf vous) et qui ne manquera à personne. Et pourtant, « For Centuries » n’est pas un album de mauvaise facture. Juste un essai passe-partout dénué de la moindre étincelle.
Collaboration entre Chadwick Donald Bidwell de Ral Partha Vogelbacher et Dee Kesler de Three More Shallows (qui ?), Fops explore des thèmes aussi variés que le carnage de créatures sans défense ou les états (unis) d’âme d’un président contemplant sa vie en pleine chute vertigineuse.
Cet elpee, dont la principale originalité est d’avoir été édité en format cassette (NDR : ah, ce goût passéiste pour les technologies vintage) est loin d’être désagréable à écouter. Il n’évite pas certaines longueurs inutiles (« Ronald Wilson Reagan », dernier titre de ce long playing dépasse quand même les vingt minutes !), mais reste un honnête essai, immanquablement voué à l’oubli.
Personne ne devrait s’en plaindre.
Troisième opus pour cette formation londonienne qui n’a toujours pas bonne presse chez elle. Et on ne sait d’ailleurs toujours pas trop pourquoi. Pour mettre en forme cet elpee, Richard John Archer a décidé de se charger de la coproduction ; à charge de Stuart Price (Killers, Madonna), Grey Kurstin (Lily Allen) ou Alan Moulder (Depeche Mode, Jesus & Mary Chain, My Bloody Valentine, etc.) de lui filer un coup de main, suivant les morceaux et le studio d’enregistrement.
Première constatation, la formation insulaire n’a rien perdu de son sens inné de la mélodie contagieuse, hymnique. Elle continue de mêler, à des degrés divers, pop, rock et soul, ska, punk, trip hop, reggae et dub, dans un style très britannique. Mais si la plupart des influences semblent parfaitement digérées, la house semble avoir repris le dessus. Et cette sensation est amplifiée par un recours plus conséquent à l’électro (NDR : pensez à New Order). Ce qui rend les compositions particulièrement dansantes (NDR : cette basse pulsante !) Un peu dans l’esprit des ensembles mancuniens du début des 90’s comme Happy Mondays ou EMF. Ou alors reggae/dub. A l’instar de « Stay alive », nous rappelant que Hard-Fi reconnaît The Clash comme référence majeure. On évitera cependant l’avant-dernière plage, « Sweat », sorte de croisement improbable entre Air et Pet Shop Boys, pour ne retenir que l’impression générale laissée par cet album. Et elle est bonne. Alors Paul Oakenfold derrière les manettes, pour le prochain long playing ?
Après le relatif succès récolté par ses singles « Yeah » et « The L Word », la Turco-américaine Deniz Kurtel a décidé de publier son premier album chez Crosstown Rebels. Militant chez Wolf + Lamb, artiste conceptuelle (avec des LEDs) et sculpteuse, Deniz se révèle tout au long de ce « Music Watching Over Me », productrice talentueuse. Outre ses hits destinés aux dancefloors (« The L Word », « Best Of »), elle excelle tant dans l’univers du dubstep (« Trust ») que de l’électro rock (« Vagabond ») ; passant d’un style à l’autre ou les agrégeant sans aucune difficulté. Parfait pour vos soirées branchées…
Espérons que « N1veau » ne soit pas le dernier album à chroniquer par votre serviteur, en 2011, sans quoi, cet exercice me laisserait un ultime goût des plus amers en bouche ! Pourquoi donc ? Tout simplement parce que la première livraison de la Belge Labiur est stérile. Sous des contours ‘second degré’, Labiur aligne des textes inconsistants qu’elle imprime sur des beats ‘Nintendo’ potables ou irritants, selon, qui ne m’ont d’ailleurs pas permis d’aller au-delà du minimum syndical de trois écoutes. La jeune artiste verviétoise cherche à nous fourguer un mix improbable entre Yelle, TTC et Billy The Kick… La démarche aurait un petit aspect décalé. C’est ce que j’ai essayé de comprendre ; mais les rimes sont d’une telle indigence et tout simplement pas drôles. Même le supposé ‘single’ « Belle Journée » est à oublier au plus vite (‘C’est une belle journée… j’ai vomi chez les voisins, hin hin hin’) La palme du ridicule ? Elle revient au titre « Syndrome du Canapé », dont les paroles atteignent le sommet de la consternation (‘Moi la télé j’aime ça sur tout quand y a Kho-Lanta’)… Un conseil, passez votre chemin !
Plus connu sous le pseudo de Robert Miles, Robert Concina, est Suisse. « Thirteen » constitue son cinquième opus, un disque paru sur sa propre structure, S:alt. Courtisé pour ses talents de (co)producteur, ce musicien a rencontré un énorme succès, au cours des années 90, en provoquant une rencontre, entre la dream-house et le chill-out, à l’aide de la guitare acoustique.
Cet artiste a vendu plus de 14 millions d’albums à travers le monde. Et a publié des singles imparables, dont le fameux hit « Children ». Depuis, il a décidé d’embrasser de nouveaux horizons sonores. Et notamment en ouvrant l’électro au jazz et à la prog.
« Thirteen » baigne au sein d’une atmosphère, ma foi, fort cinématographique. Vangelis et le Floyd me viennent ainsi directement à l’esprit, malgré ce concept électro auquel participe Robert Fripp. Electro-prog, plus exactement (« Afterglow », « The Wolf »), le plus souvent basé sur la répétition, comme lors des célèbres « Frippertronics » du Roi Pourpre…
En 2009, un cancer des os a été détecté chez le drummer David Rogers-Berry (NDR : pas la première épreuve pour le gars, puisqu’il a perdu sa fiancée, victime d’une rupture d’anévrisme, en 2007). Il a donc dû suivre une chimiothérapie. Qui à premier abord semble avoir porté ses fruits, puisqu’il est reparti en tournée avec ses potes, et puis a participé à l’enregistrement du troisième album du groupe, « Outside ». Ce qui explique sans doute, les thèmes développés tout au long de cet opus. Reflétés par les titres des compos (« Ghost Head », « Black Dress », « Don't Come Back », etc.) Encore que si le climat est plutôt sombre, la mort est une source de motivation. Greg Jamie, le chanteur/guitariste a d’ailleurs déclaré ‘Nous ne sommes pas ici pour longtemps ; et nous ferions mieux de faire quelque chose de notre vie, de la manière la plus intense possible’. C’est dans cet état d’esprit que la formation monte sur les planches, lors d’un set susceptible de s’achever dans l’anarchie la plus totale. Mais en studio, les morceaux sont nettement plus élaborés, soignés aussi ; et lorsqu’ils dérapent dans le chaos, ils se révèlent bien plus organisés qu’ils ne laissent supposer (« lamar »).
Leur folk teinté de bluegrass et d’americana, qui doit autant à Sixteen Horsepower qu’à Tom Waits, n’est jamais minimaliste. Banjo, violon, ukulélé, guitare sèche, basse, drums et percus en tous genres alimentent leurs compos. Et sur « Outside », le band a décidé de s’ouvrir à de nouvelles références. Dont la musique balkanique ainsi que le klezmer (NDR : sans oublier qu’en ‘live’, leur expression sonore flirte également parfois avec le métal). Enfin, en final, sur l’étrange « The lake departed », on retrouve cet esprit vaudou, appalachien, peut-être hanté par Screamin’ Jay Hawkins, lors d’une marche funèbre qui se mue en carnaval gothique.
Fidèle au label Mint, The Pack a.d. persiste et signe son quatrième long-playing, sur l’écurie canadienne. Depuis sa signature en 2008 (Tintype et Funeral Mixtape), le duo féminin a choisi pour seule devise : ‘toujours plus haut et toujours plus loin.’
C’est pourtant en octobre 2010 que Platinum s’associe à Mint pour assurer la sortie française de son troisième album, « We Kill Computers ». Un opus qui cimentera la place du groupe de Vancouver à la pointe de la musique indépendante de leur pays. Critiques élogieuses et nominations sont au rendez-vous (The Best 20 bands of Vancouver Independent Music Scene, The Western canadian Music Award…)
Réputé pour balancer des blues tribaux et du punk-rock garage crade d’une efficacité redoutable à travers l’Amérique du Nord et l’Europe, le duo monte encore d’un ton et se présente plus brutal et plus dur qu’il ne l’a jamais été. Une formation réunissant Maya Miller (Batterie) et Becky Black (chant/guitare) qui n’échappe pas aux comparaisons faciles avec les Black Keys et les White Stripes. Avis aux amateurs du sans chichis !
Conséquent à sa devise ‘toujours plus haut, toujours plus loin’, The Pack a.d. ne montre aucun signe de faiblesse et revient pour un quatrième elpee, « Unpersons », produit par le fameux Jim Diamond (Electric 6, The Detroit Cobras). Une formule que l’on retrouve aussitôt sur les trois premiers titres (« Sirens », « Haunt You » et « Lights ») à la batterie marteau-pilon et aux riffs costauds qui flirtent avec le métal. Un treize titres reposant toujours sur de solides bases punk-rock garage (« 8 »), mais en alternant parfois morceaux plus lents (« Seasick ») et compos plus profondes, plus blasées, légèrement saupoudrées de blues (« Take » et « Pieces »).
The Pack a.d n’offre rien d’exceptionnel, ni de révolutionnaire, mais une musique brute, directe et efficace. Une éclipse sonore sincère et sans prétention. Bref, un duo qui colle parfaitement au dicton ‘mieux vaut un groupe nerveux qu’un collectif mou du genou’. Surtout s’il est susceptible de secouer le cerveau reptilien de tout amateur rock ’n’roll sorti du garage.
Fruit défendu de l’union entre Prolapse et The Fall, dans la couche des Gang Of Four, il était un philosophe de l’absurde qui dans sa besace, trimbalait les réponses au sens de la vie.
Si vous mourrez d’envie de connaître le quotidien de Jack White ou Courtney Love dans leurs pénates respective (« Heroes At Home) ou rêvez de découvrir la discographie cachée de Nietzsche (« God Is Dead So I Listen To Radiohead »), ce disque est destiné à trôner fièrement dans votre grille-pain, voire éventuellement dans un recoin de votre esprit malheureusement incompris du reste du monde.
Dans un monde perclus d’idiomes frelatés où l’ascension sociale induit une pléthore d’actes voués à l’usurpation des pouvoirs éminemment confiés aux plus iconoclastes, la musique s’érige en sauveur des fesses.
« It Means Nothing So It Means Nothing ». Vous êtes prévenus!
Onzième album pour le duo berlinois réunissant Ronald Lippok (To Rococo Rot) et Bernd Jestram.
Prévu au départ de sa conception, voici deux ans, pour être un Space Opéra, cette armada de vaisseaux planants pousse un cran plus loin les limites d’un univers en perpétuelle extension sans tomber dans les travers d’une quelconque présomption souvent induite par le genre ‘concept album’.
Equilibre subtil entre compositions évidentes et une certaine forme d’Intelligencia dénudée de tout apparat prétentieux, la musique de Tarwater entraîne l’auditeur dans son sillage céleste depuis 1995 et un paquet d’années lumières. Toujours curieux d’explorer plus avant sa propre galaxie, ce groupe est intrinsèquement honnête dans sa démarche.
Ainsi « Sato Sato » est la première tentative en allemand dans le texte. Le texte est emprunté à DAF sur son gigantesque album « Alles Ist Gut », mais est utilisé de manière rythmique (la phonétique servant ici d’instrument à part entière). Ce qui apporte à l’écoute une perception diamétralement différente du morceau original ; encore qu’on ne puisse pas vraiment parler de reprise…
La collaboration des deux lascars dans le domaine du théâtre et du cinéma leur a permis de développer une conception propre à la musique et cet « Inside The Ships » qui dresse un pont entre les codes en vigueur dans ces domaines spécifiques et la musique Pop.
Voyage interne plus que spatial, cet album est peut-être le meilleur du groupe à ce jour. Une franche réussite.
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