Il semble que l’homme le plus rapide sur terre soit fan de The Very Best ! Le recordman du 100m a en effet invité le groupe à sa fête personnelle après les championnats du monde de Berlin. Le groupe y a interprété les chansons de leur prochain opus, “Warm Heart Of Africa”. Il ne vous restera plus qu’à courir (sprinter ?) le 14 septembre prochain chez votre disquaire pour vous le procurer ?
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/theverybestmyspace
Le troisième opus de Themselves, duo californien de hip-hop composé du rappeur Doseone (Adam Drucker) et du producteur Jel (Jeff Logan), paraîtra ce 19 octobre. Il s’intitulera « Crownsdown ». Et comme il fallait s’y attendre, plusieurs membres de Notwist ont participé aux sessions d’enregistrement. La formation se produira le 5 novembre au Botanique de Bruxelles et le 6/11 à De Kreun à Courtrai.
Tracklisting:
1. Back II Burn
2. Oversleeping
3. The Mark
4. Gangster Of Disbelief
5. Daxstrong
6. 6. You Ain’t It
7. Roman Is As Roman Does
8. Skinning The Drum
9. Deadcatclear II
10. Gold Teeth Will Roll
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/themselves
« Comme on est venus », c’est le titre du prochain album de Vaya Con Dios. Il devrait sortir cet automne. Tout ce qu’on sait jusqu’à présent, c’est qu’il sera interprété dans la langue de Molière et qu’un premier single devrait paraître sous peu.
Pour plus d’infos : http://www.vayacondios.info
Compagnon de Jack White au sein des Raconteurs, Brendan Benson, a publié un nouvel album sur Cooperative Music/V2. Le chanteur se produira en concert au Trix à Anvers, le 27 octobre et le lendemain au Botanique de Bruxelles, en octobre pour présenter la powerpop mélodique de son « My Old, Familiar Friend ».
Tracklisting
1. A Whole Lot Better
2. Eyes On The Horizon
3. Garbage Day
4. Gonowhere
5. Feel Like Taking You Home
6. You Make A Fool Out Of Me
7. Poised And Ready
8. Don't Wanna Talk
9. Misery
10. Lesson Learned
11. Borrow
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/brendanbenson
Massive Attack est de retour ! En effet les pionniers du trip-hop publieront un nouvel Ep le 5 octobre prochain. Intitulé « Splitting the atom », ce disque réunira 4 nouvelles chansons qui devraient ravir les nombreux fans de la bande à Robert Del Naja. Les sessions d’enregistrement ont bénéficié de la collaboration d’Horace Andy, de Martina Topley-Bird et de Tunde Adebimpe de TV On The Radio. L’album est lui prévu pour février 2010. Damon Albarn et Hope Sandoval ont été invités à participer à la confection de l’elpee. Le groupe se produira en concert au Lotto Arena le 24 octobre, à Forest National le lendemain, mais également les 10 et 11 novembre au Zénith de Paris et le 14 novembre au Zénith de Lille.
Pour plus d’infos : http://www.massiveattack.co.uk et http://www.myspace.com/massiveattack
Moins d’un an après avoir commis l’excellent « Turning Dragon », l’Anglais Clark remet le couvert. Responsable d’une imposante discographie tant en elpees qu’en maxis, l’électronicien est devenu en quelque sorte l’une des icônes du bidouillage électronique. Il est même considéré comme un véritable tortionnaire sonore, à l’instar de ses compatriotes Autechre et Aphex Twin. Si les compos de son précédent opus étaient particulièrement tranchantes, « Totems Flare » se distingue par un sens mélodique bien plus aiguisé. Mais cet aspect plus paisible n’empêche pas l’artiste de s’aventurer dans la saturation voire dans la déstructuration. D’ailleurs, ce nouvel elpee est toujours aussi incisif que « Turning Dragon », une œuvre pour laquelle on l’imaginait déjà au sommet de son art. « Totems Flare » démontre une nouvelle fois sa facilité à jongler avec un déluge de sonorités, sans jamais s’y noyer. Et cette maîtrise absolue qu’il affiche toujours après cinq albums est une belle preuve de son talent à l’état pur. « Totems Flare » est aussi une énorme claque pour tout amateur d’électronica déjantée ! A ne pas manquer !
Avant de s’emballer pour un combo, on devrait attendre la sortie de leur second album. Et cette remarque vient à nouveau de se vérifier, après avoir écouté le deuxième essai du duo énervé MSTRKRFT (NDR : prononcez Master Kraft). Les deux Canadiens avaient concocté, en 2007, le superbe « The Looks », un opus qui conférait un nouveau visage à l’électro. A cause des beats racés et des influences métalliques (NDR : ne pas oublier que Jesse F.Keeler était une des moitiés du duo Death From Above 1979). Un nouveau son venait de naître et tout semblait indiquer que l’aventure des Torontois était posée sur les bons rails. « Fist Of God » devait donc être le disque de leur consécration. Bernique ! Une véritable catastrophe ! Une bande sonore destinée à la Foire du Tuning ou aux grandes réunions des bourrins. Car bourrins, c’est un peu le terme le plus adéquat pour décrire les beats et rythmes imprimés tout au long de ce disque. Evidemment, la sortie de leur single « 1000 Cigarettes » aurait dû nous mettre la puce à l’oreille. Mais bon, on pouvait quand même un peu rêver. On se demande quand même si les deux électroniciens n’ont pas fait un mauvais choix en matière de collaborateurs, car ni John Legend, Nore, E-40, Isis ou encore Ghostface Killah ne semblent vraiment coller au style du tandem. Et ne correspondent probablement pas aux aspirations premières de MSTRKRFT. D’ailleurs, on ne peut pas dire que les interventions des invités relèvent réellement le niveau des compos. Après nous avoir légué un « The Looks » à la fois énergique et particulièrement subtil, MSTRKRFT n’est donc parvenu, sur ce « Fist Of God », qu’à nous gonfler à l’aide de sa techno primaire, grossière et irritante. Rien de tel pour dégrader son image !
Il aura fallu 3 longues années à Eternal Tears of Sorrow pour donner un successeur à « Before The Bleeding Sun ». Pourtant, l’attente en valait franchement la peine, car « Children of The Dark Waters », le nouvel album, nous ramène les Finlandais au plus haut de leur forme. Ceux qui ne connaissent pas le groupe auront quand même compris que vu le patronyme, Eternal Tears of Sorrow ne fait pas dans le léger ni l’humoristique.
EToS est tiraillé entre le Death Metal mélodique et le Gothic Symphonique, mais nous offre ici le meilleur des deux mondes en synthétisant les riffs violents et lead guitares subtiles du death metal mélodique et les orchestrations symphoniques du métal gothique. Le tout est rehaussé parfois de duels guitares/claviers apportant une saveur de progressif pas du tout désagréable. Pas de chanteuses soprano comme chez la plupart des pourfendeurs de gothique, mais quelques chœurs puissants qui n’auraient pas dépareillé sur un album de Tristania ou de Trail of Tears. Les vocaux death sont contrebalancés par la magnifique voix claire de Jarmo Kylmänen. Ci et là, quelques passages symphoniques rappellent le Black Metal torturé de Dimmu Borgir. La production claire et puissante est signée Mikko Karmila (Children of Bodom, Nightwish), tandis que l’artwork a été réalisé de main de maitre par Traviss Smith (Amorphis, Anathema, Tarja Turunen, Opeth, etc).
Eternal Tears of Sorrow produit ici son album le plus abouti depuis « A Virgin and a Whore » en 2001. Un must pour tous les fans de musique sombre, violente et mélodique.
Mr Nande est un jeune bluesman danois. Il est à peine âgé de quarante ans, mais affiche déjà une belle carrière musicale. Après avoir écouté Sonny Terry et les deux Sonny Boy Williamson, il prend goût à l’harmonica. Il n’a alors que 16 ans. Il lui faut cependant un certain temps pour monter sa formation, Peter Nande and the Big Difference. A Copenhague, bien sûr. Nous sommes alors en 1998. Eponyme, leur premier elpee paraît en 2002. Le combo commence alors à se faire un nom en Europe. Malheureusement, en 2005, le combo se sépare. Peter veut goûter l'aventure américaine. Il est vrai qu'il a régulièrement participé à des concerts en compagnie d'harmonicistes notoires. Et notamment James Harman, RJ Mischo et Gary Primich. Mais c’est surtout au contact d’Harman que le courant passe. Et en mai 2006, Peter s'embarque pour la Californie, en entraînant son guitariste Ronni Busack-Boysen. James a tout prévu. Il a réservé le studio Oceanside de son ami Nathan James et réunit une jolie brochette de musiciens pour participer aux sessions, parmi lesquels figurent l’élégant pianiste de boogie woogie Carl Sonny Leyland ainsi qu’une excellente section rythmique réunissant le bassiste Buddy Clark et le drummer Hal Smith, notoires dans l’univers du jazz. La star du west coast blues, Junior Watson, est prévue pour épauler l'ensemble. C'est ainsi qu’est né cet opus. Sous-titré "California sessions Vol I", il est sorti en 2006. Enfin, hormis trois plages coécrites en compagnie d’Harman, Nande signe tous les morceaux.
Vaporeux, "Cat be gone" ouvre l’elpee. Un instrumental qui trempe dans le jazz traditionnel. Pas de basse, mais deux guitares aux tonalités contrastées : celle de Ronni et puis de l’invité de circonstance, Nathan James. Peter chante "I need a woman". Son timbre est ferme, mais un tantinet nasillard. La section rythmique libère un maximum de groove. Chicago shuffle, "Mover & shaker" bénéficie du concours des interventions éclatantes de Leyland au piano et de Busack-Boyen aux six cordes, dont le style jump semble parfaitement assimilé. Mr Nande se réserve "She's mad again" en solitaire. Il se concentre sur sa voix et ses deux harmonicas tout au long de cette compo qui évolue quelque part entre Sonny Terry et Howlin' Wolf. Un rythme de mambo introduit "Confessions of a workaholic". Peter chante à la manière d’Harman. Leyland et Nathan James se débrouillent parfaitement dans ce registre funky. Puissant, "Snollygoster" constitue un des meilleurs morceaux de l’opus. Un instrumental au cours duquel le souffle du leader est magique, alors que Busack-Boysen se met dans la peau d'Elmore James. Epatant ! "Ol' sleepyhead" emprunte le rythme du ska. Carl siège derrière l'orgue. Au sommet de sa forme, Jr Watson dispense un solo intégrant partiellement le thème de "Santa Claus is coming to town". James Harman chante le très dépouillé "Kiss me now". Les tonalités de la musique à bouche concédées par Peter sont graves, proches du meilleur Sonny Boy Williamson II. James Michael Tempo se charge des percus. Léger, traditionnel mais suranné, "King of bad excuses" est parcouru par le piano roadhouse de Leyland et caressé par les balais de Smith. Découpé par un tempo saccadé et illuminé par la guitare sur le fil du rasoir de Mr Watson, "Mr Nice" évolue dans un registre proche de la Nouvelle-Orléans. Superbe ballade lente, "Lucky charm" est parfumé par les swamps de la Louisiane. Peter chante d'une voix nasillarde devant les arpèges des ivoires de Carl Sonny. Une superbe plage qui procède paradoxalement de la nonchalance et de la parcimonie de l’instrumentation, et notamment des cordes de Watson. Harman a surnommé Nande, "Big Boy Pete". Il a participé à l’écriture de la plage finale, "Big Boy boogie". Soutenue par la section rythmique veloutée et balayée par les escapades successives de Ronni, Carl et Junior, ce morceau campe un blues d’excellente facture.
Entre-temps, Peter a monté son Peter Nande Band pour tourner en Europe. Au sein du line up on retrouve Ronni aux cordes, Peter Lapiki aux claviers, Henrik Poulsen à la basse et Soren Poulsen aux drums. Et l’an dernier il a commis une suite à l’elpee chroniqué ; un opus qui porte bien évidemment le titre de "California sessions Vol 2", dont on reparlera d’ici quelques semaines, ainsi qu’un autre elpee intitulé "Jellybean baby". Prolifique le Nande !
Peu d’infos au sujet d’Alabama Mike Benjamin. Il est bien originaire de Tallageda, dans l'Alabama, où il est né en 1964. Et vit actuellement à Berkeley, en Californie. Producteur, mais aussi drummer, Scott Silveira est un de ces fureteurs constamment à la recherche de talents cachés. C’est donc lui qui a découvert l’énigmatique Mike. Et qui l’a invité à entrer en studio. Vu le talent de cet artiste, les collaborateurs se sont bousculés au portillon pour participer aux sessions d’enregistrement. Car cet elpee est hors norme. La plume de Benjamin est prolifique. Il signe sept des onze plages de "Day to day". Il puise essentiellement son inspiration dans le bon vieux blues urbain et électrique du Chicago des fifties. Presque une ligne de conduite. Par la puissance et le ton grave de sa voix, Mike peut nous rappeler Elmore James, Buddy Guy, mais aussi le Taj Mahal des débuts. De nombreux musiciens notoires issus de la baie de San Francisco ont donc tenu à participer à la confection de cet elpee.
Jon Lawton tout d’abord. Excellent gratteur, il est particulièrement à l'aise sur la slide. Il s’est forgé une réputation sous le sobriquet de Little Johnny, à la tête de son groupe, The Giants, un combo responsable à ce jour de 5 elpees. Il a également milité chez les Pontiax, pour lesquels il a participé à la confection d’un long playing chez Parsifal. Il est présent sur huit titres. Et c’est sa slide qui introduit le leader sur "Day to day". Le son est primaire, poisseux, dépouillé. On ressent l’empreinte et le style d'Elmore James. La voix de Mike transperce et envoûte. Une remarquable entrée en matière. Cette slide est toujours bien présente lors de la cover très personnelle du "Death letter blues" de Son House. Elle occupe tout l'espace, ne concédant du terrain qu’à la voix autoritaire de Mike, dont le timbre rappelle étrangement le Taj Mahal des sixties (NDR : pensez à son opus éponyme paru en 1968). "Naggin'" baigne dans le pur funk. Lawton est intenable. Il est soutenu par Scott Brenson, dont les cordes rythmiques sont triturées par la pédale wah wah. "Lay my money down" campe un boogie intransigeant. Charles Wheal a longtemps sévi au sein du band de Mark Hummel. Comme guitariste. Mais il y a quelques années, il a décidé de fonder sa propre formation. Toutes en swing, les cordes de Wheal sont d'une pureté éclatante sur le "Strange angels" d'Elmore James. Wheal mène également la barque sur "I've been rocked", un shuffle puissant, torride, au cours duquel le talentueux John Nemeth tire son épingle du jeu à l'harmonica. Sid Morris a également côtoyé Mark Hummel. Il est devenu le pianiste de Catfish and the Crawdaddies. Ses interventions aux ivoires sont parfaites tout au long du blues lent "Religion". Guitariste, Steve Freund a forgé sa réputation, chez lui, à Chicago. Il réside aujourd’hui dans la baie de San Francisco. Il participe à deux des meilleures plages de l’elpee. Tout d’abord le "Too many cooks' de Willie Dixon, une compo popularisée jadis par Robert Cray. Les cordes de Freund sont limpides, alors que Scott Brenton est passé à l'harmonica. Et c’est cette même équipe qui attaque le "Knockin' at your door" d'Elmore James, un Chicago blues de haut niveau! RJ Mischo est sans conteste un des meilleurs harmonicistes contemporains. Il s’est également établi du côté de San Francisco. D’origine anglaise, Steve Gannon est un guitariste talentueux ; mais il ne jouit pas d’une grande notoriété en Europe. Ces deux musiciens sont impliqués sur deux morceaux. C’est-à-dire "Somethin' on my mind", un blues lent irrésistible, caractérisé par les sorties de Mischo, de Gannon à la slide et de Chris Burns au piano (NDR : un collaborateur d'Eric Bibb), alors que Steve se charge de la rythmique derrière Lawton. Enfin, Gannon se réserve la slide sur "Sara Brown", le titre qui achève le cd. Superbe album de blues, "Day to day" ne peut qu’emporter vos suffrages. Depuis, Alabama Mike a monté sa propre formation. Ce formidable vocaliste a ainsi réuni le guitariste Jon Lawton, l’harmoniciste/guitariste Scott Brenton et le pianiste Sid Morris au sein de son 3rd Degree. On attend donc impatiemment la suite de ses aventures…
Curieuse démarche promotionnelle pour Kyle’s Dancing Method que d’envoyer aux médias un CD enregistré en 2007 en précisant qu’il est différent de la musique pratiquée actuellement. Pourtant, l’album est bon et on se prend à espérer que leur style musical n’a pas trop changé car ce serait dommage. Curieux mélange de punk, de rock alternatif, de screamo, de grunge et même de métal, l’album « Pictures » est une petite bombe (NDR : à retardement, puisqu’il aura fallu deux ans pour qu’elle nous pète à la figure).
Après une intro morbide et spatiale de deux minutes, « Cleaning Session » nous est craché à la face comme un glaviot punk aux vocaux hurlés à la manière screamo. Rien ne prépare donc au superbe titre suivant « Hoboes Stone My Car » qui est probablement le meilleur morceau de l’album. A cause de son riff lourd et répétitif et ses vocaux plus mâchouillés que chantés, dont on imagine facilement une transposition hymnique sur les planches. La suite n’est pas moins surprenante puisque c’est vers le rock alternatif des premiers Smashing Pumpkins teinté d’une touche mélancolique de Nirvana que nous emmènent « Afterschool Snack » et « Scenery », les deux titres suivants. Si jusque là, les ambiances musicales sont variées, il existe pourtant une constante chez KDM, c’est la qualité des ‘lead’ guitares, chose plutôt rare à entendre sur un album s’inspirant de la musique des nineties. Le second titre le plus intéressant de l’album est probablement « Saint John ». Plutôt violent, il pourrait très bien servir d’illustration sonore à un film de Tarentino. « Padded Room » nous ramène dans le petit monde de Kurt Cobain tandis que « Profit Rules » nous fait passer du punk au métal en trois minutes chrono. Pour terminer, l’acoustique « Match girls Blues » calme le jeu et nous aide à retrouver nos esprits le temps d’enfoncer une nouvelle fois la touche ‘play’ de notre lecteur Cd ; car forcément, une seule écoute ne suffit pas. Vivement la suite.
Il fallait bien que cette situation se produise un jour. En effet, les Pays-Bas viennent d’accoucher d’un groupe qui n’émarge pas au ‘gothic métal à chanteuse’ mais au punk rock sautillant et rigolo (NDLR : il y a quand même eu Gruppo Sportivo au cours de la seconde moitié des seventies).
The Apers est un groupe de Rotterdam influencé par les Ramones, Television et les Idiots. Il a réussi l'exploit d'être signé par le label californien Asianmanrecords. "You Are Only As Strong As The Table You Dance On" est le cinquième album de ces cracheurs de glaviots édulcorés. Il ne faut pas s'attendre à une grande révolution dans le petit monde des keupons ; car, même en y posant une tranche de gouda, le punk rock moderne sent toujours très fort le cheeseburger californien. On n'est donc pas très loin de Green Day, The Offspring ou Blink 182. Du bon punk rock alimenté par des mélodies pop et suscitant une bonne dose de rigolade. Le tout manque un peu d'authenticité ; mais c'est bien foutu et plein d’humour au niveau des lyrics. On passe un bon moment, sans trop se casser la tête. Que demander de plus ? Après tout, tout le monde ne peut pas être original.
Finalement, même après avoir fouillé le net et la page qui leur est consacrée sur le site d’aka music, on ne connaît pas grand-chose de Hit By The Train. On sait qu’ils sont Belges, sont quatre, viennent d’horizons musicaux différents et ne sont probablement pas de jeunes premiers. C’est à peu près tout. Vous conviendrez que c’est un peu léger pour faire une chronique. Cette fouille du web nous aura quand même permis de découvrir ce site original qu’est : http://www.akamusic.com qui permet à de jeunes (et moins jeunes apparemment) artistes de se faire connaître et surtout produire par leurs fans. Suivant un principe de plus en plus répandu sur la toile, il est demandé à l’aficionado de délier le cordon de sa bourse pour contribuer au financement de l’album d’un artiste en qui il croit.
Il semblerait que Hit By The Train ait été assez convainquant pour que 169 producteurs internautes parviennent à réunir la somme de 15.000 Euros afin de lui permettre d’entrer en studio et d’enregistrer cet Ep. Il faut bien avouer que ces 169 as du paiement sécurisé ont eu énormément de flair, car les trois titres proposés sur cet EP par nos quatre Belges sont d’une qualité indéniable. Il n’est pas aisé de définir le style d’un groupe en trois titres seulement, mais, ‘Pop Rock Mature de Qualité’ est probablement une appellation qui se rapproche de la vérité.
« Massala Girl », le premier titre, est basé sur un riff de guitare assez lourd, presque hard rock. En outre, il est rehaussé de quelques touches de cithare qui collent bien aux lyrics. « Anylonger », le second morceau est un peu plus sombre où guitare, basse et vocaux mélancoliques vous amènent aux portes du désespoir. « Lover », comme son nom l’indique, est une chanson d’amour, lente et pleine d’émotion. Le plus grand atout de Hit By The Train est la voix chaude et envoûtante de Jim Nerip. Son timbre vocal, à des années lumières de ce qui se fait en pop/rock, donne une couleur tout à fait originale à la musique du combo.
Si comme moi, vous appréciez cette ‘bande annonce’, il ne vous reste plus qu’à surfer sur akamusic.com muni de votre carte de crédit pour aider Hit By The Train à financer le ‘long métrage’ qui est déjà en préparation. A découvrir d’urgence.
‘De la destruction naît la création’ (Johnny Rotten)… Et Jarvis Cocker aime tremper sa plume créatrice et sarcastique dans l’acide corrosif du chaos.
C’est en 2006 que « Jarvis », premier album solo du chanteur britannique, met un terme définitif à l’aventure tourmentée et sinueuse de Pulp. Trois ans plus tard, « Further Complications » naît des cendres du divorce entre le prince de la britpop Jarvis Branson Cocker et la styliste Camille Bidault Waddington.
La vie sentimentale du dandy britannique, émaillée de ses 8 ans de glamour parisien, ne nous intéresserait que très modérément si elle n’avait marqué de stigmates profonds, le second opus. A l’image d’un journal intime, les textes écrits en une année ombragent la plume drôle et caustique du songwriter et la teintent d’amertume (« Leftovers ») et de nostalgie (« I Never Said I Was Deep » ou « Hold Still »). L’impulsion créative n’est cependant pas toujours un gage de qualité artistique surtout lorsqu’on désire changer de registre et s’aventurer sur d’autres sentiers musicaux. Et il précise sous le couvert d’excuse : ‘Je n’ai pas vraiment changé depuis l’enfance, le noyau dur est toujours le même, mais on évolue. On peut même empirer’. Sarcastique ou réaliste ? Reste à « Further Complications » à s’exprimer.
Plus de 30 ans après la naissance de Pulp, l’enfant de Sheffield renie sa muse et se métamorphose. L’espace d’un album, il descend, condescend aux accents garage-rock. Il explique ce changement de ton comme un désir profond d’abandonner cette image de leader charismatique et narcissique pour se mettre davantage au service et à l’écoute du groupe. Paradoxalement, aucun projet solo n’a jamais été à ce point tourné vers ses musiciens : ‘[…] Dans le bus, alors qu’on était en tournée pour mon disque précédent, ils me montraient ce qu’ils savaient jouer et ont fait mon éducation en matière rock, moi qui avais toujours un peu méprisé cette musique. Il ne faut pas oublier que quand j’étais très jeune en Angleterre, il fallait choisir son camp entre le rock et le punk. J’avais choisi le punk’.
En y ajoutant la collaboration du producteur californien Steve Albini (Nirvana, PJ Harvey, Pixies, Mogwai…), on obtient un rock brut qui n’oublie jamais d’envoyer le bois (« Fuckingsong » ou « Caucasian Blues ») !
L’opus peut se scinder en deux prismes basiques : rock puissant et rock épuisant ! Les titres d’introduction s’ouvrent à des pistes au rock ‘testostéroné’ et conventionnel. Une rythmique simple et répétitive (« Further Complications » et « Angela »), des guitares lourdes aux solos prévisibles (« Pilchards ») viennent meubler les trois premières plages. Univers qui ressemble davantage à celui d’Elvis Costello qu’à celui du talentueux leader charismatique de Pulp. La voix et l’interprétation, magnifiques, de Jarvis viennent fort heureusement sauver les meubles. Tessiture caméléonne qui épouse à merveille tous les genres qu’elle effleure.
Le second prisme ne nous bouscule pas plus que le premier. Overdose de miel ! Il coule, il en découle d’abondantes compos mélodieuses et sirupeuses. Le genre de chanson qu’on a l’impression de connaître depuis toujours et… que l’on sait depuis longtemps. Entre les slows assommants (« I Never Said I Was Deep ») et les lettres de rupture (« Hold Still »). Là, la voix de Jarvis Cocker ne peut plus rien y faire surtout lorsqu’elle mue en celle de Bowie (« Leftovers », « Slush »…).
Si l’on insère le spectre d’Iggy Pop qui plane sur une grande partie de l’elpee, l’exercice ressemble davantage à l’œuvre d’un grand enfant gâté qui aurait décidé de s’amuser à imiter ses idoles. Plagiat astucieux ou influences savamment orchestrées ? « Further Complications » souffre cruellement d’identité.
Seule ombre d’originalité, une ‘discosong’ en clôture de l’album. « You’re In My Eyes » déstabilise, détonne et nous sert un curieux cocktail plutôt réussi entre Issac Hayes, Barry White et Pulp. Surprenant !
Finalement, un Jarvis en pantoufles qui nous lance quelques bombes rock facilement exploitables sur scène, lieu où le dandy pop excelle ! Quant à « Further Complications », voilà certainement un disque qui ne fera pas date !
Paru en mai dernier, « Intimacy Remixed » est demeuré longtemps dans ma pile de disques à chroniquer. Et pour cause, je souhaitais absolument écouter l’album original avant de me mettre à l’ouvrage. Entre-temps j’ai assisté au concert de Bloc Party lors du Main Square Festival d’Arras. Leur très belle prestation m’a alors poussé à me pencher sur « Intimacy », plus rapidement que prévu…
Une évidence s’impose d’emblée à l’écoute de cet elpee ! Sa modernité. Bloc Party personnifie, selon moi, idéalement la musique de cette fin de décade. Entre rock et électro ; avec une liberté et une originalité totale, les Anglais ont inventé un nouveau son bien plus émancipé des influences, que la plupart des autres groupes actuels. L’exercice de remixes s’imposait donc. Laisser aux artistes électro du moment remodeler cette musique moderne et très rythmique ne pouvait que provoquer des étincelles ! Bloc Party avait cependant déjà laissé son elpee précédent, « Silent Alarm », aux mains des remixeurs. Pour un résultat plus qu’honnête (NDR : notamment chez Automato, M83 et Four Tet). Verdict à l’écoute des 13 morceaux de cet « Intimacy Remixed » ? Honorable. Inégal, surtout.
Et pour cause, si certains artistes comme We Have Band (« Halo ») ou Armand Van Helden (« Signs », c’est aussi le premier single) s’en tirent haut la main, ce dernier en parvenant à rendre plus obscur ce titre déjà bien mélancolique, d’autres se sont carrément plantés. Mogwai se débrouille également relativement bien dans sa version apaisante de « Biko » alors que les Villains parviennent à insuffler une chouette intensité électro à « Ares ». Parmi les points positifs, on épinglera encore la très longue adaptation dub (NDR : elle s’étale sur plus de 7 minutes, alors que l’originale dépasse à peine les 3 minutes) de « Trojan Horse » réalisée par John B. Mais le désastre nous vient de Banjo Or Freakout qui massacre carrément « Ion Square », un des plus beaux morceaux de l’opus.
Bref, pas la peine de comparer les versions de ce disque avec celle d’« Intimacy ». Il s’agit tout simplement d’une bonne récréation électro, sans plus. Dont les plages sont essentiellement destinées à être diffusées lors des soirées… électro. Enfin c’est tout ce qu’on espère, car cet « Intimacy Remixed » constitue en effet la transition parfaite entre la salle de concert rock et la piste de danse.
La charmante Serbe est aujourd’hui âgée de 33 ans. Depuis son expérience américaine et son contrat signé chez Electro Groove, elle semble avoir atteint la pleine maturité. « Blind for Love » fait donc suite à "Still making history". Paru en 2007, il avait fort bien marché. Le nouvel opus a de nouveau été enregistré sous la houlette de David Z. Hormis une seule plage, Ana signe ou cosigne tous les titres. Elle est soutenue par sa section rythmique habituelle, composée de Ronald Jonker et Andrew Thomas, ainsi que par Mike Finnigan et Tony Braunagel, deux membres du Phantom Blues Band.
Elle démarre en force par "Nothing personal". Une compo très rythmée, enrichie par les cuivres de Joe Sublett et Darrell Leonard, au cours de laquelle elle force quelque peu sa voix. Imprimé sur un tempo fort proche, "Wrong woman" évacue également une belle dose d’agressivité. Pourtant sa voix ne la cantonne pas au rôle qu’on voudrait lui attribuer, de ‘mauvaise femme’. Ses intonations sont purement et simplement travaillées. Lors de ce morceau plutôt pop dans la sonorité, la féline demoiselle s’autorise une sortie autoritaire sur les cordes. Acoustique, "Steal me away" est ciselé par les sonorités d’un bottleneck et tapissé de chœurs féminins. "Blind for love" est une ballade douce et tendre. Tout comme "More real". Très réussie, cette dernière se révèle cependant beaucoup plus atmosphérique. Elle est même satinée par les interventions discrètes mais efficaces du piano électrique de Braunagel. "Putting out the APB" marque le retour à un blues rock plus conventionnel. Ana libère enfin sa slide. Elle se met alors à rugir de plaisir et d'effroi au même moment! Elle revient enfin dans un univers nettement plus blues tout au long de "Get back home to you". Sa voix est plus présente. Elle vit alors sa musique. La section de cuivres est à la fête. Jazzyfiant, "The only reason" démontre que Miss Popovic jouit d’un réel talent de gratteuse. Elle a manifestement du style et de la créativité. "Dirty dozens" baigne également dans ce climat subtil. Mais c'est dans l'exercice de la slide qu'elle se montre la plus brillante. Et "Part of me" ainsi que la reprise du "Need your love" de D. Murdock en sont les plus belles illustrations. Une flamme dans le regard, Ana referme cet elpee par "Blues for M", un blues généreux. La libération des cordes est ici un réel bonheur qui s'est bien fait attendre…
S’il m’est arrivé –pas très souvent d’ailleurs– de rédiger une critique négative, c’est plus parce que je n’adhérais pas au style que par volonté de descendre un artiste en flammes. Au sein de chaque opus, même si je n’apprécie guère son contenu, il y a toujours un point positif à déceler et à mettre en évidence. Pour Passe Montage, il en va différemment ; car je pense sincèrement que ce groupe est nul et le seul point positif à relever sur ce « Oh ! My Satan », est sa durée : 20 minutes.
On peut lire de nombreuses infos sur le net au sujet de Passe Montagne. Leur musique y est qualifiée de « Math Rock », « Punk », « Noise Rock », « Arty », « Rock Minimaliste ». Il y aurait même de l’AC/DC ou du Led Zeppelin dans certaines de leurs compos. Il faudrait arrêter de se foutre de la gueule du monde. Y en a marre de ces groupes qui font tout et n’importe quoi et que l’on nous décrit comme géniaux. Et si par hasard, on vient à les trouver nuls, c’est que l’on a rien compris à leur art.
La cassette de répétition d’un groupe débutant qui cherche ses marques, c’est ce que j’entends en écoutant ce Cd. 12 titres instrumentaux et brouillons. Des riffs sans queues ni têtes qui partent dans tous les sens sans vraiment créer d’harmonie. « Math Rock » ? Tout cela n’a pas l’air vraiment réfléchi. « Led Zeppelin » ? « AC/DC » ? Mais où bon sang ? De l’art minimaliste ? Sûrement ! Mais, comme la plupart des gens à l’heure actuelle, mon budget est lui aussi minimaliste, et plutôt que d’acheter ce disque qui ne sert à rien, je préfère investir mon argent dans un album qui en vaut vraiment la peine.
Carl Sonny Leyland est un pianiste qui jouit d’une solide réputation. Il est né en 1965. A Southampton, en Angleterre. A l'origine, il était pianiste de boogie woogie. Il a ainsi débuté au sein de la formation de son concitoyen, Bob Pearce. Il s'est depuis largement exposé à une foultitude de styles. Depuis le blues au jazz, en passant par le R&B et le rock'n'roll. Il s’est établi aux States, en 1988. A la Nouvelle Orléans d'abord. Avant d’émigrer à Orange, près de Los Angeles. En 1995. Il compte une imposante discographie à son actif. Essentiellement instrumentale, elle était à l’origine concentrée sur le boogie woogie. Les titres de ses premiers elpees sont révélateurs : "I like boogie woogie" en 94, "From boogie to rock'n'roll" en 95, "Boogie and blues" et "They call me the boogie woogie man" en 96. Son dernier opus remonte à 2007. Intitulé "Back in the alley", il constituait un exercice solitaire. Il faisait suite à "The Carl Sonny Leyland Trio meets Nathan James and Ben Hernandez", paru l’année précédente. Pour concocter « A Chicago session », il a reçu le concours des Modern Sounds, une formation chicagolaise, réunissant le guitariste Joel Paterson, le bassiste Beau Sample et le drummer Alex Hall. Un peu jaunie, la pochette du Cd ressemble à celle d’un vieux 33 tours de blues. La photo des acteurs a été prise en noir et blanc. Et puis comme sur un vinyle, le tracklisting est divisé en deux faces.
L’elpee s’ouvre par le "BVD blues" de Roosevelt Sykes. La voix assurée de Carl me rappelle quelque peu celle du regretté pianiste issu de la Nouvelle Orléans, Champion Jack Dupree. La plage est, ma foi, fort classique, mais bien exécutée, dans l’esprit de véritables esthètes. L’opus embraie par un boogie woogie percutant ; en l’occurrence le "Rockin' the house" de Memphis Slim. La technique du pianiste est stupéfiante. Un instrumentiste hors pair ! La section rythmique assure. Joel Paterson est un gratteur de très grande classe et Beau, à la contrebasse, n'est pas non plus un manchot. Instrumental, "Struttin' with some BBQ" baigne dans le pur jazz. Extraordinaires, les interventions à la six cordes prêtent au western swing. Sonny chante autoritairement "Teddy bear blues", un slow blues au cours duquel Paterson (NDR : s’il est né à Madison, dans le Wisconsin, il vit depuis plusieurs années à Chicago) se distingue une nouvelle fois. Son toucher est envoûtant. Sa dextérité époustouflante. Impressionnant ! Instrumentaux, "Hindustan" et "Lazy river" sont largement imbibés de jazz. Un jazz manouche qui met en exergue les accents tout en légèreté de la section rythmique. Signé Piano Red, "Rockin' with Red" est imprimé sur un tempo enlevé, rock’n roll, et libère à nouveau beaucoup de puissance. Impeccable, "Careless love" campe le blues lent de circonstance. Enfin, cette Chicago session s’achève dans le boogie woogie. Un hommage à l’endroit où l’elpee a été enregistré : "Bernie's place", un haut lieu du jazz sur Lake Shore Drive. Impeccable, cet opus a été immortalisé en une seule après-midi de décembre 2007.
Patron du label Ventrella, Joel Paterson vient de commettre un double cd, flanqué des Modern Sounds, une formation qui vient de se voir coller l’étiquette de ‘Best jazz act’. Intitulé "Hold it fellas"/"Stomp stomp", cette œuvre se focalise tout au long du premier disque sur le rockabilly et blues, et le second, jazz et swing.
« Le grand voyage » constitue déjà le troisième album de ce groupe hutois. Il fait suite à « #1 », paru en 2004 et « Seul en vie », en 2006. Le nouvel opus lorgne de plus en plus clairement vers une pop psychédélique à la française. Donc lisse et radiophonique. Les compos sont truffées de guitares, arrangements de cordes (NDR : discrets mais élégants, il faut l’admettre) et sonorités néo-vintage assez proprettes. D’ailleurs, mellotrons, moogs et orgues ‘Hammond’ donnent en effet l’impression de sortir d’un clavier numérique à modélisation analogique. Instrumentation électronique mais aussi plus ‘classique’ (NDR : dont les inévitables accès de guitares triturés par les pédales wah wah) se mêlent à un fatras de loops pour organiser un grand voyage psychédélique aux accents musicalement (trop) corrects. Hormis « Lucifer Sam », emprunté à Pink Floyd, les lyrics sont interprétés dans la langue de Molière. La production est parfaite. Faut dire que les musiciens sont de redoutables techniciens. Mais cette mise en forme est tellement lustrée, qu’elle finit par rendre les compos trop semblables. En m’empêchant véritablement de ‘triper’. Deux exceptions confirment cependant la règle. Tout d’abord « La raison vacille », morceau au cours duquel l’Américain Tommi Zender (NDR : il est responsable de trois albums à ce jour, dont deux sous son patronyme) vient donner un coup de guitare et « Respire pour deux », une chanson qui bénéficie de la participation de Karin Clercq, pour un duo vocal particulièrement réussi, rappelant quelque part le échanges opérés autrefois par Dominique A et Françoise Breut. Sans quoi, le reste de l’elpee, baigne un peu trop, malgré ses références ‘pinkfloydesques’, dans la ‘variétoche’…
Pas étonnant que ce groupe originaire de Chicago reste confiné dans le milieu underground, malgré près de 25 ans d’existence et 16 albums à son actif. Et pour cause, sa musique est particulièrement hermétique. Enfin, à premier abord. Car il serait dommage de passer à côté de Cheer Accident et de son dernier méfait : « Fear Draws Misfortune ». En fait, si sa solution sonore est difficile d’accès, elle n’en est pas moins exceptionnelle.
Cheer Accident réunit un noyau dur de 3 instrumentistes : Thymme Jones (batterie, claviers, trompette, vocaux), Jeff Libersher (basse, guitare, trompette, vocaux) et Alex Perkolup (basse, guitare) auxquels viennent se greffer 15 musiciens additionnels (NDR : qui se partagent violons, violoncelles, flûtes, saxophones, clarinettes, trompettes, trombones, tubas et chœurs) pour déconstruire le rock tel qu’on le connait et créer une forme alambiquée de musique alliant le progressif, le jazz rock, l’art rock, le krautrock et le rock d’avant-garde. « Fear Draws Misfortune » est un disque virulent où forniquent Magma, Frank Zappa et King Crimson. Les sections de cuivres dissonantes se mélangent à des vocaux qui sont l’antithèse de ce que l’on a l’habitude d’entendre dans le monde du rock. Carla Kihlstedt de Sleepytime Gorilla Museum, assure les parties de violon (et certains vocaux), preuve s’il en est que les déjantés ont fait cause commune sur ce disque pour nous offrir quelque chose d’absolument unique. « Fear Draws Misfortune » est un disque moderne, mais qui aurait très bien pu paraître au cours des seventies, à l’époque où le rock n’était pas encore tout à fais soumis aux canevas actuels et où tout était encore possible. A écouter avec une très grande ouverture d’esprit. De l’art. Du vrai !
La reine du Rock n’ roll sera immortalisée sur un DVD dès le 28 septembre ! Il réunira 20 morceaux interprétés en 'live', lors de sa tournée mondiale accomplie en 2008 et s’intitulera ‘Tina Tuner’s 50th Anniversary Concert Tour’ de 2008 . Les fans présents au Sportpaleis d’Anvers vont bientôt pouvoir se remémorer l’évènement…
Tracklisting :
1. Steamy Windows
2. Typical Male
3. River Deep, Mountain High
4. What You Get Is What You See
5. Better Be Good To Me
6. Acid Queen
7. What's Love Got To Do With It
8. Private Dancer
9. We Don't Need Another Hero
10. Help
11. Let's Stay Together
12. Undercover Agent For The Blues
13. I Can't Stand The Rain
14. Jumping Jack Flash/It's Only Rock N Roll
15. Golden Eye
16. Addicted To Love
17. The Best
18. Proud Mary
19. Nutbush City Limits
20. Be Tender With Me Baby
La nouvelle sensation du moment ! Sise quelque part entre les Pixies, Kills et Cure, leur pop minimaliste intègre également des éléments de dubstep et de R&B. Leur premier album sera disponible sur Young Tricks dès le 14 septembre. D’ici là, ouvrez grands les yeux et les oreilles lorsque vous découvrirez les clips de « Crystalised » et « Basic Space » postés sur YouTube.
http://www.youtube.com/watch?v=Pib8eYDSFEI
http://www.youtube.com/watch?v=kHZVGqqf3gg&feature=related
Rendez-vous pris dès maintenant au Botanique le 11 Octobre…
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/thexx
Génie folk, Justin Vernon est surtout connu pour sa formation Bon Iver. Mais il développe aussi d’autres projets. Ainsi, avant de fonder son quartet, il militait déjà au sein de Volcano Choir en compagnie de potes, dans le Wisconsin ; en l’occurrence Jon Mueller, Chris Rosenau, Jim Schoenecker et Daniel Spack. L’équipe publiera un album le 21 septembre prochain. Et suivant les infos reçues, la musique naviguerait quelque part entre celle de David Sylvian, Steve Reich, Mahalia Jackson et Tom Waits. A découvrir… et probablement apprécier ! Du gospel de chambre pour amoureux du folk.
Tracklisting :
Husks And Shells
Seeplymouth
Island, IS
Dote
And Gather
Mbira In The Morass
Cool Knowledge
Still
Youlogy
Pour plus d’infos : http://www.jagjaguwar.com/artist.php?name=volcanochoir
Le trio post-rock de Manchester Longcut publie son 2ème album ce 5 octobre, chez Melodic. Il fait suite au très acclamé “A Call And Response”. « Open Hearts » a été enregistré et produit par David Jones de Nine Black Alps et devrait s’avérer plus pop que son prédécesseur. Le groupe a décidé de quitter Sony pour disposer de plus de liberté dans leur création.
Tracklisting:
01 Out At The Roots
02 Something Inside
03 Tell You So
04 Evil Dance
05 You Can Always Have More
06 Open Hearts
07 At Any Time
08 Mary Bloody Sunshine
09 Repeated
10 Boom
11 The Last Ones Here
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/thelongcut
Le groupe belge The Hickey Underworld aime faire parler de lui. Déjà très connu en Flandre, leur nom risque de faire le tour d’Europe avec leur nouveau clip ! Afin d’illustrer leur morceau « Blonde Fire », la formation a réalisé une vidéo avec en vedette : l’Ermite Creatif, sa Copine A Poil et un Batteur Incapable d’Effacer son Sourire Débile. Proche du cauchemar éveillé, il a été réalisé par Joe Vanhoutteghem. Si certains qualifient le clip de ‘dégueulasse’ d’autres le trouve juste drôle et poétique ! A vous de juger ! ‘Noir et tordu à vous en faire souiller votre slip et à rendre l'œuvre de Chris Cunningham aussi joyeuse et inoffensive que Beatrix Potter, « Blonde Fire » est un diamant brut de power-pop grungy post-hardcore qui évoque les Strokes traînant avec Fugazi’ (d’après TimeOut UK)
Pour voir le clip : http://www.dailymotion.com/user/naiverecords/video/xa4chl_the-hickey-underworld-blonde-fire-v_music
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/thehickeyunderworldmusic
Chanteur de soul/blues, Charles Wilson est originaire de Chicago. C’est le neveu du fameux bluesman Little Milton Campbell. Il s'est forgé une certaine réputation sur le circuit du southern soul. Son premier single date de 1964. Et son premier elpee de 1991. Intitulé "Blues in the key of C", il est paru chez Ichiban. Il aligne ensuite plusieurs opus sur le label Eecko, avant de fonder son propre label, Wilson Records. Il grave pourtant "If heartaches were nickels", pour la célèbre écurie blues Delmark, un long playing concocté en compagnie de son oncle Little Milton et du guitariste Carl Weathersby. Ce qui va lui permettre de décrocher une nomination aux W.C Handy pour le meilleur album de soul blues paru en 2005. Après avoir édité deux elpees chez CDS, il a décidé d’opérer son retour dans le giron du blues en signant chez Severn.
Pour la circonstance, il a reçu le concours de la crème des musiciens locaux ; et en particulier le guitariste Monster Mike Welsh, le claviériste Benjie Porecki ainsi que le bassiste Steve Gomes et le drummer Robb Stupka. Episodiquement, l’équipe est épaulée par une imposante section de cuivres et de cordes. Les références vocales de Charles sont plutôt solides, puisqu’il cite Bobby Blue Bland, Otis Redding, Sam Cooke et Nat King Cole parmi ses maîtres…
L'album s'ouvre dans le pur southern blues ; et ce n’est pas une surprise. En l’occurrence le "Where my baby went" de Don Robey, issu du répertoire de Bobby Blue Bland. La voix de Wilson est d’une grande pureté. Elle est taillée pour ce répertoire tout en nuances. Un répertoire dont l’homogénéité impressionne. Tant les arrangements de cuivres, de chœurs et de cordes. L’osmose s’opère naturellement, mais ne laisse guère de place aux prouesses instrumentales. De bonne facture, les compos sont mises au service des cordes vocales de l'artiste. Et je pense tout particulièrement à "Someone must have taught you", "I want to shout about it", deux morceaux issus de la plume de Steve Gomes et "Troubled child". L’opus recèle également une reprise rythmée, mais empreinte de douceur du célèbre "Is this love" de Bob Marley. Mais le meilleur moment de l’elpee procède de la cover du "Somebody's tears" de Denise Lasalle. Une compo qui rend hommage à son oncle Little Milton. Sa voix richement texturée s'épanouit devant l'orgue Hammond de Porecki. Et Mike Welsh se permet une de ses rares sorties en solitaire. Cependant, il manifeste un maximum de retenue tout en injectant une fameuse dose de sensibilité dans son intervention. Il se rappelle encore à notre bon souvenir, lors de la finale, "Put something into it". Dans le style, cet opus est impeccable…
Ce n’est pas normal. Depuis quelque temps, la France Rock’n’roll nous inonde d’excellents disques. Il doit se passer un truc pas très catholique du côté de chez nos voisins du sud. Le mariage de leur président à une artiste serait-il une source d’inspiration ? Allez savoir ! Toujours est-il que les excellentes surprises fusent des six coins de l’Hexagone. (NDR : Quoi ? Vous n’avez toujours pas jeté une oreille sur l’album d’Iris Corporation, de Banane Metalik ou encore l’Ep d’Antihype ? Il va falloir vous secouer un peu !) Et, début septembre, les Fransquillons remettent le couvert en nous balançant dans les pattes un groupe de Limoges qui pourrait bien casser autre chose que de la porcelaine.
7 Weeks, est le nom de ce gang formé en 2006. Plutôt éloigné du style de nos autres découvertes récentes, c’est vers le Stoner Metal burné qu’il nous emmène tout au long de cet « All Channels Off », son tout nouvel album. Enfin, ‘stoner’, c’est la bio qui le dit ; parce qu’une oreille avertie, y détectera bien davantage. C’est vrai, les influences de Queens Of The Stone Age (ou de Kyuss, son ancêtre) sont très présentes. Les guitares ne mentent pas, il y a bien du stoner dans l’air. Cependant, nos amis français ne se contentent pas de nous balancer du riff lourd et enfumé comme se contenterait un groupe suivant aveuglément les canons du style. Non, les 7 Weeks injectent dans leurs compos du rythme, du groove et un zeste de violence. Ce Cd donne plus envie de s’éclater en concert que de se morfondre seul dans une douleur intérieure. C’est particulièrement évident sur « All Channels Off », le titre d’ouverture de l’album, dont le rythme évoquerait presque la musique d’un Red Hot Chili Peppers mariné dans le plomb en fusion. Ce côté funk (pas trop quand même) plombé au gros riff qui tache trahit des relents de Kings’X. A cause du chant de Julien Bernard, d’abord. Mais aussi du travail opéré sur les harmonies vocales. Sensiblement proches de celles que nous réservent habituellement Doug Pinnick et Ty Tabor au sein du combo texan. Ajoutez quand même dans le jeu de quilles un peu de rock ultra-burné à la Mötörhead, et vous aurez bonne idée du stoner façon 7 weeks.
Comme rien ne semble avoir été laissé au hasard, la production a été confiée à Shankra de No One Is Innocent qui s’est débrouillé comme un chef pour que le résultat soit particulièrement costaud. Ce Cd démontre à nouveau que, petit à petit, la France avance vers le firmament du rock. Ce n’est pas normal je vous dis !
Bubble Trap est un quatuor réunissant le chanteur/claviériste Sébastien Boutry, le guitariste Gérard Hermans, le bassiste Lionel Baurain et le batteur Stéphane Derwidué. Responsable d’une première démo en 2004 (« Soap for memories ») et d’un premier single deux ans plus tard (« Jay/I’am nothing »), le quatuor montois s’est énormément investi pour sortir son premier album. Toute l’année 2008 leur a même été nécessaire pour le boucler. Finalement, cet elpee tant attendu est paru au cours du printemps de cette année. Il s’intitule « Compromise » et porte bien son titre, puisque les morceaux campent un compromis entre une multitude d’influences, parmi lesquelles la pop mélancolique (NDR : celle de Novastar, en particulier) et le rock progressif (NDR : les membres du groupe doivent probablement posséder toute la discographie de Pink Floyd et d’Archive) semblent se révéler les plus flagrantes. Interprétées dans la langue de Shakespeare, les 13 compos témoignent d’un travail de mise en forme particulièrement soigné. Notamment au niveau des harmonies vocales. Pourtant, on a parfois l’impression que le timbre de Sébastien, campe un Anthony Kiedis (Red Hot Chili Peppers) qui aurait choppé la grippe (NDR : pourvu que ce ne soit pas la H1N1 !). Ce qui n’empêche pas les chansons d’être hyper léchées, résolument radiophoniques, donc extrêmement accessibles. Sensation accentuée par la présence d’une majorité de morceaux calmes.
Félicitations à cette bande d’amis bien sympathiques pour leur travail d’autoproduction, une expérience qu’ils ont acquise au fil des nombreux concerts accordés au cours des 2 dernières années et puis en manifestant une grande application dans la confection de leur premier essai. Maintenant, faudra que le combo cherche à se forger un style bien personnel, s’il ne veut pas passer à la ‘Bubble’ Trap. Cinq ans c’est long, mais à force de patience on peut y arriver… Bon courage !
Originaire de San Francisco, Gail Muldrow fêtera bientôt ses 55 ans. Elle chante, mais se débrouille aussi très bien tant à la guitare, aux claviers, aux percus qu’à la basse. Une multi-instrumentiste quoi ! Son timbre vocal peut rappeler tantôt Aretha Franklin, Etta James ou encore Gladys Knight, alors que son jeu de cordes semble hérité de Jimi Hendrix, de Jimmy Page voire d’Albert Collins. Pas très banal, il faut le reconnaître. A l’âge de 17 ans, Sly Stone l’invite à rejoindre le Family Stone Band. Elle emprunte cependant un pseudo : Cousin Gale. Et épouse le profil funk de la formation. Elle va également militer au sein du Graham Central Station et du Johnny Otis Show, avant de consacrer davantage de temps à sa carrière individuelle. En enregistrant notamment toute une série d’elpees. Dont le premier, "Cleen spirit", remonte à 2003. Une œuvre campant un savoureux mélange de blues, funk, rock et R&B. Suite à une tournée accomplie en Italie, elle intègre l'agence de promotion italienne Feelin' Good. Ce qui lui permet d’enregistrer "It's my life". En 2007. Puis deux opus immortalisés en public. Le "Live at Jazz & Blues Festival, Rapperswil-Jona" ainsi que "Raw Live & Cool". Devenue l'égérie de l'agence italienne, elle remet le couvert en juillet 2007. Pour mettre en boîte cet opus, elle a bénéficié du concours d’une solide équipe transalpine. Tano Ro à la production ainsi que Tiziano Galli au mixing et à la guitare. Mais aussi d’une brochette de musiciens huppés issus de la scène de San Francisco. Et notamment le Ford Blues Band, c’est-à-dire le drummer Patrick Ford, le bassiste Dewayne Pate et l’harmoniciste Andy Just.
L’ouverture baigne manifestement dans le blues. Cette version dynamique de "You're so fine", vivifiée par la voix séduisante, puissante de Gail, est soutenue par les interventions d’Andy Just. Déterminé, il est au sommet de sa forme et souffle judicieusement dans son instrument. La première sortie aux cordes est concise, mais parfaite. La voix de Miss Mojo est élimée par ses multiples apparitions sur les planches. Ce qui inévitablement confère à la dame une fameuse présence scénique. Et "Moving on down the line" en est une belle illustration ; un morceau au cours duquel Just est omniprésent. Il semble avoir mangé du lion et se montre très souvent à son avantage. Quel plaisir de réentendre ce souffleur de grand talent. Qui multiplie les phrases assassines sur sa musique à bouche lors du blues lent "Along about midnight", une plage au cours de laquelle Gail se déchaîne aux vocaux. Son timbre a du vécu. Et la guitare suit cet organe à la trace. La cover du "Still a fool" de Muddy Waters est particulièrement énergique. Abordée à la manière de son vieil ami Howlin' Wolf, cette reprise est tramée sur une rythmique frénétique et hypnotique. "Peace of mind" change de registre. On retrouve les mêmes acteurs pour ce titre plus rock, Patrick Ford se chargeant de canaliser l'ensemble de ses drums. Une ballade légère : "Love sickness" ; avant un retour au Chicago blues plus classique. Tout d’abord "Got my mind back", dominée par la slide de Gail. Puis "Dope smoking blues", un shuffle parfaitement assimilé. Et pour cause ce petit bout de femme maîtrise bien son sujet, pendant qu’à ses côtés, Just est décidément insatiable. Une véritable lame de fond dévaste "Never enough". Andy Just se révèle boulimique en matière d'overblowing sur ce boogie, avant qu’extravertie, la guitare ne prenne le relais. Impressionnant ! D’excellente facture, cet opus s’achève sous les éclairs du rocker "T for Trouble". Une prestation 5 étoiles pour le tandem Gail Mojo Muldrow/Andy Just…
The New Christs vient de fêter son vingt-cinquième anniversaire d’existence cette année. Enfin, si on ne tient pas compte des multiples pauses que le combo aussie s’est accordé au cours de ces trois décennies. Encore qu’en matière de longévité, seul le chanteur et membre fondateur Rob Younger, est toujours au poste. Faut dire que le personnage a milité au sein de toute une série de formations, dont les mythiques Radio Birdman. Tout comme le bassiste, Jim Dickson (NDR : il figure au sein du line up, quand même, depuis 1989), qui a également et notamment sévi chez les Barracudas, Passengers, Deniz Tek Group. Trois nouveaux membres ont donc intégré le band, en 2006. Mais on ne va pas faire un inventaire de cette scène antipodale, en perpétuelle ébullition, sinon on va y passer la journée.
Venons-en donc au septième album studio des New Christs. Très électrique, il intègre épisodiquement des séquencde claviers vintage. Faut dire qu’en général, les deux gratteurs mettent la gomme. Et la conjugaison de riffs effilés, ‘crépitants’, saignants, rugissants, décapants, sauvages mais bigrement efficaces entretiennent une intensité blanche digne du southern rock de Lynyrd Skynyrd, du garage des débuts des Stooges, tout en préservant un sens mélodique beaucoup plus proche du punk que du metal (NDR : pensez à Leather Nun, mais en plus furieux). D’ailleurs la voix de crooner bouleversante, parfois déclamatoire, souvent au bord de la rupture de Younger, responsable de lyrics ambitieux, corrobore cette impression. Et on n’oubliera pas la section rythmique aussi solide que puissante. En outre, il ne faut pas oublier que ce band est une influence majeure pour The Hives, The White Stripes ou encore The Jon Spencer Blues Explosion. Une exception dans le tracklisting, « Psych nurse », un morceau enrichi d’accès de piano, mais surtout d’une section de cuivres. Et je dois avouer que si la première écoute de l’elpee m’avait laissé une impression plutôt mitigée, la seconde m’a complètement rassuré sur le potentiel de cette légende toujours bien vivante. Et pourtant, quand ils se produisent en concert chez nous, ils attirent rarement plus de 100 personnes. Faudrait peut-être qu’ils pensent à organiser une distribution miraculeuse de pain et de poissons…
Arriéré : drôle d’idée de choisir un tel patronyme ! Pas vraiment de quoi vous donner l’envie d’écouter sa discographie. Impressionnante, pourtant. A moins d’être un grand fan de Priba 2000… Car humour et musique ne font pas toujours bon ménage. Vu les circonstances, j’ai volontairement ‘retardé’ l’écoute de cet album. Or, en me jetant à l’eau, je dois avouer avoir été agréablement surpris. Alors que je m’attendais à devoir me farcir un punk primaire et humoristique, c’est plutôt du côté de la pop hyper mélodique que l’expression sonore baigne. Mais en y injectant quelques accès de punk yankee (NDR : pensez aux Ramones) et de heavy metal inspiré d’Iron Maiden !
Jay Lee Lindsey est un artiste prolifique. Il compte une cinquantaine d’elpees et d’Eps à son actif, alors qu’il n’est âgé que de 28 ans. Mais avant de pouvoir cerner son parcours, une petite parenthèse biographique s’impose. La carrière de Jay débute alors qu’il n’a encore que 15 ans. Fan de Rocket From The Crypt, il décide de composer au retour d’un de leurs concerts auquel il vient d’assister. A tout hasard, il envoie une démo au label Goner Records. Et le boss de l’écurie, Eric Friedl, tombe immédiatement sous le charme de la maquette. Il le signe sur le champ ! Eric fonde ensuite les Reatards, puis s’investit chez The Lost Sounds en compagnie de Rich Crook et Alicja Trout. Le projet commence à l’absorber de plus en plus. Leur musique est même comparée à celle des Screamers. Mais le gang se sépare néanmoins assez rapidement. Une situation pas trop préoccupante, puisque Friedl s’est investi dans une multitude d’autres aventures. Dont The Bad Time, The Final Solution, Shattered Records ou encore Angry Angles. Il n’entame réellement sa carrière solo, sous cet alias ridicule, qu’en 2006. Il enregistre alors l’album « Blood Vision ». Ce qui lui permet d’être remarqué et surtout signé chez le célèbre label indie new-yorkais Matador. La nouvelle écurie de Sonic Youth compile ses singles. Une belle opportunité pour partir en tournée à travers le monde ; un périple qui lui permet ainsi de ciseler son imposant répertoire…
La musique de Reatard se révèle bien plus paisible sur disque. Un fameux contraste par rapport à ses shows. Il a ainsi avoué vouloir rendre ses enregistrements studio plus accessibles, tout en cherchant à conserver l’énergie de ses prestations en ‘live’. « Watch Me Fall » réunit 12 morceaux, dont quelques pépites de pop-punk particulièrement savoureuses. Et je pense tout particulièrement à « Wounded » et « It Ain’t Gonna Save Me ». Un aspect résolument mélodique qui constitue un tournant dans la carrière du natif de Memphis. Dommage que les lyrics soient aussi ésotériques ; parce que suivant les médias anglo-saxons, ils méritent une attention toute particulière…
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