Le sous-titre de cet elpee "Live at the Fillmore Auditorium – San Francisco Nov 04-06, 1966" est sans équivoque. Oui nous sommes plongés au beau milieu des sixties. A une époque où la cité californienne de San Francisco est en pleine effervescence. La vague flower power, l'acid rock et la musique psychédélique connaissent leurs premiers soubresauts ; mais le blues n’est pas en reste. C'est ainsi que le Muddy Waters Blues Band monte sur les planches, trois soirées consécutives, du fameux Fillmore. Le vétéran chicagolais est soutenu par le remarquable harmoniciste Georges Smith, les guitaristes Luther ‘Georgia Boy’ Johnson et Sammy Lawhorn, le bassiste Mac Arnold ainsi que le drummer Francis Clay. Curieusement, le line up n’implique pas de pianiste. Et pour cause, Otis Spann n’avait pas encore était remplacé, même si la future participation de Pinetop Perkins était annoncée.
A l'époque, Waters venait de commettre un nouvel elpee : "Muddy, Brass & the Blues". Mais sur scène, il n'interprète aucun titre de ce disque, se concentrant sur son répertoire basé sur vingt années de blues au plus haut niveau. Les deux guitaristes se révélant plutôt discrets, c'est bien l'harmoniciste George Smith qui tire son épingle du jeu. Il le démontre dès le titre d’ouverture "Forty days and forty nights". Et confirme ce rôle lors de l’exécution du célèbre standard "I'm your hoochie coochie man". La prise de son est impeccable. Le timbre de Muddy est puissant et clair. Il est dans un grand jour. Excellent, Smith le talonne et se retrouve même à l'avant-plan. Autoritaire, la voix de Waters se muscle sur "Rock me". Il est très satisfait et fait quelque peu tinter son bottleneck pour annoncer un galopant "Baby please don't go", un morceau au cours duquel Smith opère une sortie féroce. Enfin, Muddy glisse son bottleneck au doigt pour y montrer toute sa dextérité. Et faire rugir à l'extrême sa slide. Il annonce ainsi un premier slow blues (NDR : la spécialité du roi du Chicago Southside !), le merveilleux "She moves me". Il est tellement dans son trip qu'il en oublie l’harmo de George. Heureusement à la seconde tentative, son souffle revient à la surface. La deuxième soirée est ponctuée par un "Got my mojo working" saignant!
La troisième date s'ouvre royalement par une de ses plus anciennes compositions : "You can't lose what you ain't never had". Pour la circonstance on entend distinctement le jeu de Lawhorn sur la première guitare et le groove libéré par la section rythmique. Trois titres ont déjà été interprétés la veille ; mais beaucoup moins réservée la guitare émerge nettement. "Thirteen highway" constitue la plus long plage, un slow blues vaporeux, évidemment, au cours duquel la slide du maître nous retourne complètement. Elle vous pénètre lentement avant de libérer ses saveurs… Quatre extraits de la première soirée figurent en fin de parcours. Tout d’abord l’inévitable "Hoochie coochie man", "Trouble no more (Someday baby)", une plage bien rythmée, ainsi que deux blues indolents certifiés conformes par Waters en personne : "Honey bee (Sail on)" et enfin "Long distance call". Une excellente tranche de blues urbain!
Après avoir fait sangloté le monde avec un premier essai éponyme et, surtout, le magnifique long métrage « Once », The Swell Season feront leur retour sur le devant de la scène dès le 29 septembre, jour de sortie de leur second recueil, « Strict Joy ». Arriveront-ils à égaler voire surpasser la beauté du premier ? La réponse sera livrée également en live par Glen Hansard (The Frames) et Marketa Irglova à l’Ancienne Belgique le 11 novembre prochain.
Low Rising
Feeling The Pull
In These Arms
The Rain
Fantasy Man
Paper Cup
High Horses
The Verb
I Have Loved You Wrong
Love That Conquers
Two Tongues
Back Broke
Le leader de Clap Your Hands Say Yeah se lance dans une aventure en solitaire. Alec Ounsworth publiera son premier essai sans ses camarades le 20 novembre. Il sera intitulé « Mo Beauty » et a reçu le concours des vétérans du blues et du jazz. Le recueil est majoritairement influencé par la Nouvelle Orléans. Clap Your Hands Say Yeah est actuellement en hiatus et cette nouvelle ne devrait pas forcément rassurer les fans de la formation.
Tracklist:
Modern Girl (…with scissors)
Bones In The Grave
Holy, Holy, Holy Moses (Song For New Orleans)
That Is Not My Home (After Bruegel)
Idiots In The Rain
South Philadelphia (Drug Days)
What Fun.
Me and You, Watson
Obscene Queen Bee #2
When You’ve No Eyes
Bradford Cox, leader de Deerhunter, prépare une suite à son projet Atlas Sound, dont le premier essai, « Let the blind lead those who can see but cannot feel » était sorti l’an dernier. Le successeur de ce dernier est intitulé « Logos » et atterira dans les bacs le 22 octobre. Il jouira de la participation de Noah Lennox alias Panda Bear (Animal Collective) et Laetitia Sadier (Stereolab).
Tracklist :
The Light That Failed
An Orchid
Walkabout (avec Noah Lennox)
Criminals
Attic Lights
Shelia
Quick Canal (avec Laetitia Sadier)
My Halo
Kid Klimax
Washington School
Logos
Jubal Kane est un trio drivé par le bassiste et guitariste slide BW ‘Buckwheat’ Carrigan. Avant de monter ce projet, il avait monté le Long Distance Call Blues Band, un combo responsable d’un elpee ‘live’, "Live blues" ; mais qui surtout s’était illustré lors du King Biscuit Blues d’Helena, un festival qui se déroule en Arkansas. C’était en novembre 2005. Il décide alors de changer de partenaires et s'attaque aussitôt à la confection d’un elpee studio. Intitulé "Flying high", il est paru en 2007. Le solide Pete Haycock, longtemps guitariste du Climax Blues Band, leur avait même apporté son concours pour une plage.
Groupe de scène par excellence, le line up de Jubal Kane implique le chanteur/harmoniciste Ace Anderson, le guitariste/chanteur Otis Thomas et l’âme du band, Buckwheat. Ce dernier opus a été immortalisé à l’Empty Glass Café de Charleston. En avril 2008. Lors de ce set, le combo avait reçu la collaboration du batteur Kurt Skirt. Les musiciens ont un fameux look. Lorsqu'ils enfourchent leur chopper rutilant, ils projettent une image fort proche de celle des purs texans ZZ Top! Ils ont de l'énergie à revendre et manifestent beaucoup d'enthousiasme. Leur musique ne se signale pas par sa subtilité, mais elle emporte tout sur son passage. Anderson a de sacrés poumons. Il les remplit à satiété avant de libérer des flots de notes incandescentes par l’intermédiaire de sa musique à bouche. Dommage que la formation ne puisse compter sur un vocaliste de classe ; un atout qui leur permettrait incontestablement de monter d’une division. La détermination manifestée et leur rage de jouer peut parfois évoquer Lester Butler, les Red Devils ou encore les Mama's Boys. Mais sans jamais leur emboîter le pas. N'empêche que la manière de souffler en se démenant d'Ace est impressionnante.
Leur répertoire touche un peu à tous les styles de blues. Le Chicago domine bien entendu le sujet. Ce qui n’empêche pas les compos d’opérer un crochet vers la Louisiane. A l’instar d’"Annie maybe" et "This harp", deux compos issues de leur répertoire, du "Scratch my back" de Slim Harpo ou encore, mais dans un autre style, du "Polk Salad Annie" ainsi qu’"I want my fleetwood back" de Tony Joe White.
Le second cd s’ouvre par "Not fade away", un morceau qui s’éclate sur le Bo Diddley beat. L’énergie déborde à nouveau face aux roulements de Kurt, sur le "Going down" de Don Nix. Et la puissance s’impose tout au long de titres comme "Steam roller", "Willie Brown", le classique "Born in Chicago", un "High heel sneakers" décoiffant et la cover du "Reefer headed woman" d'Aerosmith! Près de deux heures et demie de musique pour une dizaine de dollars, vous en avez pour votre argent !
Narnia est l’un de ces groupes qui a tout pour réussir. D’excellents musiciens, un très bon chanteur dont le timbre fait tantôt penser à Ronnie James Dio, Tony Martin voire à Jorn Lande, et un guitariste soliste qui doit probablement faire des envieux. Cependant, le combo suédois n’a probablement pas dû passer dans les bureaux de Massacre Records le jour où on a distribué l'originalité !
« Course Of A Generation » constitue déjà le sixième album de ce combo pratiquant le White Métal, c'est-à-dire un Heavy Metal d’obédience catholique. Et, manifestement, le combo aurait bien besoin d’un petit coup de main du Grand Cornu pour mettre un peu de piment dans son sermon musical qui, si il est extrêmement bien joué, manque paradoxalement et cruellement d’âme !
Les dix chansons réunies sur cette mini-messe semblent avoir déjà été entendues mille fois. Et, comme à la messe, on s’ennuie ferme au bout de la troisième minute. Parfois, il ne suffit pas d’être un musicien doué pour écrire un bon album. Il faut aussi ce petit quelque chose que l’on appelle ‘l’inspiration’.
Gageons que quelques prières et quelques cierges allumés aideront Narnia à résoudre ce problème pour le septième album que vous pouvez déjà précommander au secrétariat de l’évêché.
Amen.
Against Me! est un groupe punk rock formé par Tom Gabel en 1997 alors qu’il n’avait que dix-sept ans. Une formation de punk rock américaine responsable de 4 albums à ce jour, dont « New Wave », le dernier en date, a été produit en 2007, par Butch Vig (NDR : déjà préposé à la mise en forme du célèbre « Nevermind » de Nirvana).
« The Original Cowboy » n’est pas un nouvel elpee, mais un Ep constitué de démos, non publiées à ce jour ; des morceaux qui ont servi de base à l’élaboration du second long playing d’Against Me ! : « As the Eternal Cowboy », paru en 2003.
Fat Wreck Records a eu la très bonne idée de sortir ces morceaux des oubliettes où ils croupissaient. Bien qu’ils aient été enregistrés en seulement quelques heures, les huit titres de cette demo sont d’excellente facture et libèrent une énergie punk rock à la fois primitive et mélodique.
Les textes d’Against Me ! sont chargés d’un humour corrosif comme en témoignent les titres des « Cliché Guevarra », « Unsubstantiated Rumors (are good enough for me to base my life on » ou « T.S.R. (This Shit Rules).
« The Original Cowboy » ne s’adresse pas seulement aux collectionneurs, mais aussi à tout amateur de punk rock mélodique. Un regret : la relative brièveté du disque, réduite à 22 petites minutes au chrono. Mais, après tout, il est préférable de savourer 22 minutes de qualité que de se farcir une heure de morceaux médiocres.
N’avez-vous jamais vécu de rêve musical insensé ? Voir Ozzy Osbourne et Ronnie James Dio chanter « War Pigs » en duo, écouter Slayer interpréter « Billy Jean » en compagnie de Michael Jackson ou encore entendre Glenn Hughes chanter sur le « Tarkus » d’Emerson Lake And Palmer ? L’actualité juridique de Black Sabbath a détruit toutes les chances de voir un jour mon premier rêve se réaliser ; et, si le second voit le jour, cela sera probablement quelque part en enfer. Mon troisième rêve lui, aussi incroyable que cela puisse paraître, s’est déjà concrétisé !
En 1998, Glenn Hughes (NDR : ex. Deep Purple, Trapeze, Black Sabbath, Phenomena, HTP et autres) se joint à Keith Emerson, le célèbre ‘E’ d’E.L.P. (Emerson Lake & Palmer) et au guitariste Marc Bonilla pour accorder une série de concerts (tous sold-out) sous le patronyme de Boys Club. Un enregistrement live de l’une de ces prestations était jusqu’ici diffusé au compte-gouttes sur le site internet de Keith Emerson. Edel music qui, depuis quelque temps, s’est spécialisé dans l’art de nous faire découvrir des enregistrements live rares et de qualité, a décidé, pour notre plus grand plaisir, de diffuser cette prestation exceptionnelle à plus grande échelle.
Bien sûr, le nom du projet, ‘Boys Club’, est vraiment stupide. Surtout pour une formation de ce standing. Mais ce « Live From California » est un album magique à conseiller à tout amateur de Rock Progressif et de Classic Rock. Le son est d’une incroyable limpidité pour un enregistrement live. La musique, souvent instrumentale, est menée par les envolées de clavier de Keith Emerson et les interventions magnifiques de Marc Bonilla à la guitare. Ce dernier, qui milite au sein du live band d’Emerson a aussi participé aux sessions d’enregistrement de certains albums de Glenn Hughes. Quand le besoin s’en fait sentir, Hughes vient poser son incroyable voix sur ces compositions où se mêlent le rock progressif cher à Emerson, bien sûr, mais aussi le jazz rock, la country, la musique classique et le hard rock. Entre quelques reprises (dont le « A Whiter Shade Of Pale » de Procol Harum que Hughes tient décidément très bien) et « Cover Me », un titre inédit composé uniquement pour cette tournée, le Boys Club interprète des classiques d’ELP dont l’énorme « Tarkus », le fin du fin du rock progressif. 18 minutes au compteur chantées par ‘The Voice Of Rock’ himself. Un régal pour les oreilles et à découvrir d’urgence.
Merci Edel Music.
Kurt Crandall est chanteur/harmoniciste. Il n'a plus un poil sur le caillou, mais ne manque pas de talent. Originaire de Richmond, en Virginie, il a énormément tourné au cours des dernières années. Tant en Amérique que sur les autres continents. Il a vécu brièvement à Washington DC, avant de s’installer plus au Sud. En Géorgie, très exactement où il sévit alors chez les Macon Blues All-stars. A l’instar de nombreux contemporains, il décide alors d’émigrer vers la Capitale du blues, Chicago. Il a alors l'occasion de jouer en compagnie de Dave Specter, Barrelhouse Chuck, Jimmy Sutton et quelques autres. Son premier elpee, "True Story", est paru en 2004 ; juste avant qu’il ne s’embarque pour une tournée européenne. Pendant quatre longues années, Kurt sillonne les routes du blues, sans trop se soucier de sa discographie. Finalement, il décide de graver son second opus. Enregistré à Chicago, il a bénéficié de la participation de la crème des musiciens de studio issus de Chicago et de Kansas City ; et en particulier Karl Angerer, le préposé à la guitare chez le Lee McBee Band. Mais aussi l'excellent pianiste de Kansas City, Mike Sedovic. Aux claviers. Sans oublier Jimmy Sutton (Mighty Blues Kings, Four Charms) à la basse. Les drums sont partagés entre deux Chicagolais : Mike Schlick (Dave Specter's Bluebirds) et Kenny Smith (Mississippi Heat, Cash Box Kings). Dick Shurman est responsable des notes consignées sur la pochette. Dick a acquis sa notoriété à travers ses productions. Il a ainsi mis en forme une multitude de disque ; dont ceux de Roy Buchanan, Johnny Winter, Charlie Musselwhite, Magic Slim et Albert Collins.
Signé Lucky Millinder, "Shorty's got to go" nous plonge immédiatement dans le passé. Quelque part entre la fin des 40s et le début des 50s. Lorsque le R&B en gestation était alors largement imbibé de swing. Lucky fréquentait beaucoup le Cotton Club et le Savoy Ballroom de New York. Crandall nous restitue parfaitement l'ambiance de ce style, témoignage du passé. Son jeu sur l'instrument chromatique est remarquablement articulé. Il est adroitement secondé par Sedovic aux ivoires. Un maître du style. Il poursuit dans le même registre pour ficeler son "Speak up" et "Pets ain't people". Ce swing d’une grande pureté est entretenu par les ivoires de Mike ainsi que les chœurs masculins, presque doowop. D’une grande intensité, "Get wrong with me" est le fruit d’un duo vocal intimiste entre Kurt et Miss Myra Taylor (NDR : âgée de 91 ans, cette chanteuse de jazz nous vient de Kansas City). Jazz, l’accompagnement est d’une rare discrétion, mais aussi d’une grande efficacité. Kurt entraîne régulièrement ses musiciens vers l’axe Chicago, pour y réaliser du bien bel ouvrage. A l’instar du virevoltant "Boogy fool", un titre issu de la plume de Snooky Pryor. L’homogénéité de l’ensemble est impressionnante. Les solistes tirent facilement leur épingle du jeu ; et en particulier Kurt et Karl au cordes. Leur toucher de guitare rappelle même les maîtres californiens du jump! La reprise du "Dissatisfied" de Sonny Boy Williamson II est excellente. Tout comme "Spider in my stew", une compo écrite par Willie Dixon et popularisée par Buster Benton. Et le slow blues, "Take my love", ne l’est pas moins. Imprimé sur un mid tempo, "Late night rendezvous" campe un superbe Chicago blues. Crandall est souvent comparé au regretté William Clarke. Son jeu sur l'instrument chromatique conjugue également énergie et subtilité. Et il le démontre sur les deux instrumentaux, "Gourmet ice" et "Hypomanic". Kurt est également susceptible de nous surprendre en attaquant du pur rock'n'roll. Et le dévastateur "Annie" en est la plus belle illustration. De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Barroom light". Imprimé sur un tempo enlevé, cette plage met en exergue le talent au piano roadhouse de Sedovic, mais adresse en même temps un clin d’œil à l’harmoniciste Sonny Boy II.
Brandissons fièrement le drapeau de l’éclectisme ! Car, un pur métalleux doit se pouvoir se montrer particulièrement tolérant pour digérer la deuxième livraison de cette formation britannique. On se souvient d’un premier album complètement barré, patchwork de hard core, d’électro et de trance. Quatre ans plus tard, leur « Take to the Skies » est certifié disque d’or outre-Manche.
Les géniteurs de la ‘nintendocore’ ont donc décidé de remettre le couvert en partant du principe que ‘tout est permis’. Plus virulent que le précédent elpee, « Common Dreads » reprend les frénétiques éléments trance et y incorporant quelques touches punk, un soupçon d’electronica, quelques riffs de metal et même des sonorités dub et reggae. Notons que l’artwork de cette déroutante plaque s’assimile aisément à l’imagerie rastafari. Malgré le mixage opéré par Andy Gray, réputé pour son travail accompli chez Korn et U2, l’espace sonore ne laisse pas beaucoup de place à la guitare. Une pilule plutôt difficile à avaler pour celles et ceux qui considèrent le hard core metal et la dance comme deux expressions inconciliables. Les autres –on pense au public de Dour et des Ardentes notamment– se réjouiront de ce condensé de basses fréquences sur l’ensemble des titres, des percussions finement couchées sur « Hectic », de l’apport de cuivres et même d’une flûte aux accents jazzy sur un « The Jester » aux superbes arrangements. Les voix sont tantôt hurlées, tantôt chantées. On a même droit à du ‘spoken word’ ! Bourré de gimmicks synthétiques intersidéraux et de bidouillages en tout genre, « Common Dreads » excelle dans l’ultra crossover, mais est loin d’être facile d’accès. Il ne révèle en effet aucun titre direct sur les 15 plages que compte l’opus. On imagine que sur scène, le tracklisting de combo originaire de St Albans, pour le moins iconoclaste, devrait prendre une toute autre dimension. Pas vraiment pour les fans de Motörhead…
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 4 mai, la première série propose ceux concoctés entre 1971 et 1976.
Et tout d’abord un de leurs chefs-d’œuvre : « Sticky fingers ». Oui, oui, celui dont la pochette avait été imaginée par Andy Warhol, montrant le haut d’un jean avec une véritable fermeture-éclair incorporée. Pour enregistrer cet opus, le groupe avait reçu le concours du pianiste Nicky Hopkins, de Ry Cooder (NDR : sur « Sister Morphine », dont une partie des lyrics avait été écrits par Marianne Faithfull) ainsi que de Bobby Keys et Jim Price aux cuivres. Et puis c’est l’elpee sur lequel figure le fameux single « Brown Sugar ». Parmi les autres titres on épinglera la superbe ballade « Wild horses », le très groovy « Bitch », « Dead Flowers » et la cover du bluesman Mississipi Fred Mc Dowell, « You gotta move ». Mick Taylor, le nouveau guitariste, apporte une touche plus blues à certaines compos. Et ce disque va devenir la référence en matière de stoner. A cause de cette fameuse ligne rythmique imaginée par Richards… D’où le qualificatif, vous vous en doutez…
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 8 juin, la seconde série propose ceux concoctés entre 1978 et 1982.
De cet album pour lequel les Stones ont reçu le concours de Chuck Leavell et Sly Dunbar, on ne parlera que de du titre maître (« Undercover (of the night) ») dont le clip sera censuré pour ses scènes de violence. A propos de violence, ils auraient mieux fait d’en injecter dans leurs compos qui, hormis le final « It must be hell » (NDR : plus proche de l’esprit stoner), semblent manifestement destinées à la bande FM. Un comble pour un groupe qui a toujours incarné une attitude de rock’n’roll dominée par le défi, la rébellion et l’insoumission. En fait, la séparation est de plus en plus à l’ordre du jour, une impression qui va perdurer de 1983 à 1989 ; et puis Mick Jagger envisage d’enregistrer son premier elpee solo, qui paraîtra en 1985 (« She’s the boss »). Cet échec va donc précipiter les Stones dans l’expectative. Et aussi leurs fans…
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 4 mai, la première série propose ceux concoctés entre 1971 et 1976.
Mick Taylor parti, les Stones lui cherchent un remplaçant pour se charger de la rythmique. Ce sera finalement l’ex-Faces Ron Wood qui va décrocher le job. Faut dire qu’au début, il est un peu considéré comme la cinquième roue du char. D’ailleurs, tout au long de cet opus, plusieurs guitaristes le suppléent. Dont Harvey Mandel de Canned Heat. Notamment sur le morceau d’ouverture, le funky "Hot Stuff". Et puis Wayne Perkins. Inévitablement, après le séjour de la bande à Jagger en Jamaïque, il fallait s’attendre à des incursions dans le reggae. C’est le cas lors de la cover du "Cherry Oh Baby" d’Eric Donaldson et plus imperceptiblement sur le voluptueux et très funkysant "Hey Negrita". Un blues, mais cuivré : « Melody ». Et puis un nouveau slow tubesque : « Fool to cry ». Excellent pour la drague, à l’époque, mais vraiment pas transcendant. Et puis en finale, un excellent stoner : « Crazy mama ». Dont on ne parle que trop rarement.
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 8 juin, la troisième série propose 5 elpees concoctés entre 1985 et 2005.
En 1986, Mick Jagger et Keith Richards se supportent de moins en moins. Et pourtant, contrat oblige, les Stones entrent en studio. Des parties vocales provisoires sont enregistrées par les chanteurs de rhythm'n'blues Bobby Womack et Don Covay, à l’initiative de Richards. Jagger n’en a rien à cirer et refait les voix définitives. En fait, ces fameuses sessions se déroulent dans un climat détestable. Les deux leaders ne se croisent même plus. Certains titres sont enregistrés par la section rythmique des X-Pensives Winos de Keith Richards, c’est-à-dire Steve Jordan aux drums et Charley Drayton à la basse. Et Jagger vient poser sa voix dessus. Bill Wyman et Charlie Watts sont aux abonnés absents. Pourtant, et c’est incroyable, le disque tient la route. La coproduction réalisée par Steve Lillywhite y est peut-être pour quelque chose. A moins que ce ne soit la tension entretenue entre Mick et Keith. Car plutôt que de les détruire, elle semble les stimuler.
La Télécaster de Richards pète des flammes sur l’intro du furieux « One hit (to the body) ». Sur la cover du « Harlem Shuffle » de Bob & Earl, Jagger semble évacuer toute sa hargne. En fait, cette hargne, il la crache sur presque tous les morceaux qu’il interprète. Depuis « Hold back » à « Fight », en passant par le titre maître. Même sur les deux boogies : le relativement moins impétueux « Winning ugly » et le très impétueux « Hard it with me » (NDR : il n’existe pas encore de version concoctée par l’Experimental Tropic Blues Band ; mais à mon humble avis, elle est très envisageable) ainsi que « Back to zero », une plage sculptée dans le funk blanc. Bref, la plupart des titres de l’elpee baignent dans le même jus. Parce qu’il y a quand même deux morceaux calmes. Une ballade ("Sleep Tonight") et un reggae ("Too Rude"), tous deux chantés et écrits par Richards. L’elpee s’achève par un boogie instrumental de 33 secondes qui rend hommage à Ian Stewart, disparu alors depuis peu.
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 8 juin, la seconde série propose ceux concoctés entre 1978 et 1982.
Pas vraiment le meilleur elpee des Stones. Mick est en instance de divorce. Keith s’enfonce dans l’héroïnomanie. Et ca se ressent sur le disque. Il recèle plusieurs titres funkysants à la limite du disco, dont l’intro « Dance (pt1) », le hit et titre maître « Emotional Rescue » que chante Mick d’un falsetto à la Patrick Juvet et l’insipide « She’s so cold ». Il y a bien « Where the boys go » qui émarge au rock’n roll ; mais la mélodie ne a parvient pas à accrocher. Seul « Down in the hole », slow crapuleux, superbement souligné par un harmonica poussiéreux, sort un peu du lot. En fait, on a l’impression que le groupe a essayé de faire un remake de « Some girls ». Sans jamais y parvenir. Dispensable !
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 4 mai, la première série propose ceux concoctés entre 1971 et 1976.
Paru en 1973, « Goats heads soup » est considéré comme un album auto-parodique. Disons surtout qu’après « Sticky fingers », il marque une forme de déclin. Keith Richards est alors déjà dépendant à l’héroïne. Les sessions d’enregistrement se déroulent à Kingston en Jamaïque, où Keith s’est acheté une maison. C’est l’époque au cours de laquelle le reggae se popularise en Europe. L’opus recèle quand même plusieurs ballades, dont « Angie », futur slow planétaire. On épinglera quand même les excellents « Dancing with Mr. D » et « Hide your love », un blues sur lequel Mick Taylor étale toutes les facettes de son talent à la rythmique ainsi que l’autre hit « Star, star, star », que je ne suis jamais vraiment parvenu à accrocher.
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 4 mai, la première série propose ceux concoctés entre 1971 et 1976.
Enregistré à Munich, « It's Only Rock'n'Roll » prélude la future orientation des Stones. Elle sera davantage soul. Et la cover « Ain’t too proud to beg » des Temptations ainsi que la remarquable finale (NDR : 6’33 quand même !) « Fingerprint File » en sont les plus belles illustrations. Sinon pour le reste, hormis le titre maître ouvertement ‘glam’ et l’inévitable blues, « Short and curlies », qui bénéficie du concours de Ian Stewart au piano, on reste quand même sur sa faim. A l’issue de l’enregistrement de cet elpee, Mick Taylor quitte le navire, pour retrouver ses racines blues et jazz.
La bande à Jagger ayant quitté EMI en juillet 2008, tout le catalogue des Stones est donc aujourd’hui regroupé chez Universal. L’occasion était donc belle de rééditer une partie de celui-ci après remasterisation. Soit les disques parus entre 1971 et 2005. Parue le 8 juin, la seconde série propose ceux concoctés entre 1978 et 1982.
Keith Richards qui vit à New York évite un emprisonnement pour détention d’héroïne, au Canada. Mick est partagé entre NY et Paris, alors que Wood vit à Los Angeles. Ron est enfin totalement intégré dans le line up. On est en plein explosion punk et les Stones veulent montrer qu’ils savent encore jouer du rock’n roll. Du vrai, du tatoué ! Du r’n’r bourré d’énergie, comme ils n’avaient plus consommé depuis longtemps. Bien sûr, il y a quelques ratés. Dont l’adaptation peu convaincante du « Just my imagination (running away with me) » des Temptations, le country "Far Away Eyes", et puis leur nouveau single « Miss You ». Un énorme hit qui va faire danser la planète entière. Mais contaminé par le disco. Chacun ses goûts ! Sugar Blue apporte son concours aux sessions d’enregistrement. Et lorsqu’il souffle dans son harmonica, il faut avouer que ses interventions sont torrides. Le groupe a choisi un blues salace et misogyne pour titre maître ; mais en général leurs morceaux sont trempés dans le rock nerveux, malsain et groovy. Du Rolling Stones comme on l’aime. Que ce soit « When the whip comes down », « Lies », l’ironique « Respectable » ou en finale un « Shattered » au refrain totalement envoûtant. « Beast of burden » constitue cependant, le meilleur morceau de l’œuvre. Un titre mid tempo dont les subtilités sont bien mises en évidence, suite à cette remasterisation.
Que l’on se passe le mot. On s’emmerde comme des rats morts chez The Skygreen Leopards. Les intentions de Donovan Quinn et Glenn Donaldson, organisateurs de la petite sauterie, ont beau être louables, il est difficile de ne pas se sentir floués. Annoncé comme une ‘perspective unique dans la magie de la pop psychédélique’, « Gorgeous Johnny » est, en réalité, un véritable naufrage dans la soupe pop aux accents pseudo-folk.
La voix pleurnicharde de Quinn pose un frein indélogeable à l’écoute de l’ensemble du recueil. Quant aux mélodies, elles semblent tout simplement empruntées à une bonne douzaine d’artistes plus inspirés, comme Devendra Banhart ou Sufjan Stevens, pour ne citer qu’eux. Ratage complet.
« Riceboy Sleeps » est le premier opus de Jónsi & Alex, alias Jónsi Birgisson, tête pensante de Sigur Rós, et Alex Somers, petit ami du premier. L’œuvre fait la part belle à l’ambient et sera disponible dès ce 20 juillet, notamment dans une édition limitée donnant l’eau à la bouche.
Jónsi & Alex proposent « Boy 1904 » en téléchargement gratuit sur le site officiel du duo, ainsi que le streaming des vidéos des morceaux « All The Big Trees » et « Daniel In The Sea ». Pour choper tout ça : http://www.jonsiandalex.com/
Il arrive de tomber éperdument amoureux d’une femme. Quelle que soit la compagnie du moment, c’est à elle que l’on pense et avec elle que l’on a envie d’être. « A New Saint Session », le nouvel album d’Iris Corporation me fait à peu près le même effet. Généralement, quand la chronique d’un album est terminée, je range le Cd et je passe à un autre. Il en va un peu différemment pour ce « A New Saint Session ». Et pour cause, je ne retire ce disque de ma platine qu’à regret. Quel que soit l’album à chroniquer, c’est toujours celui-là que j’ai envie d’écouter ; et c’est vers lui que je reviens inlassablement dès que l’occasion se présente. Il faut que je commence à me surveiller ; car mon fils (âgé de quatre ans), pourtant pas intéressé par le rock pour un sou, commence à fredonner « I am The Greed Man » et mon épouse me regarde d’un air compatissant en me jetant : ‘T’aime bien ce truc hein ?’ Et bien oui, j’aime Iris Corporation, et je pense sincèrement que ce groupe mérite une attention toute particulière ! D’ailleurs, en général peu enthousiaste pour réaliser des interviews, je me suis laissé tenter par le challenge. Et John Iris, le leader de ce combo exceptionnel, a accepté de bonne grâce, de répondre à mes questions…
Pour commencer, pourrais-tu présenter Iris Corporation ?
Iris Corporation est un trio originaire d'Albi dans le sud de la France. Il est composé de Thibaut Gluchowski, Will De La Perez et John Iris. Notre musique est clairement orientée rock ; mais un rock teinté de musiques du monde. En fait, l'expression ‘World Rock’ semble ainsi le mieux définir son esprit.
A l’écoute de « A New Saint Session » et de son mélange d’électrique et d’acoustique, d’ambiances orientales et de vocaux haut-perchés, on pense immédiatement à Led Zeppelin ; pourtant, aucune de vos chansons ne ressemble vraiment à un titre de groupe de Robert Plant et Jimmy Page. Led Zep fait il vraiment partie de vos influences ?
Notre cheminement artistique résulte vraiment d'une envie de rapprocher des cultures à priori très différentes. Led Zeppelin a montré la voie sur quelques uns de leurs titres et reste une référence majeure pour de très nombreux groupes, y compris le nôtre. Mais nos influences sont tout autant occidentales qu'orientales. Ce métissage et beaucoup de recherches personnelles donnent cette couleur particulière à notre musique.
Quelles sont les autres formations qui vous ont inspiré ? Avec quelle musique avez-vous grandi ?
On peut citer Rabih Abou Khalil, Radiohead, Munir Bashir, Jeff Buckley, Chemirani, Massive Attack, Pink Floyd, Natacha Atlas, Rage Against The Machine et bien d'autres... Globalement, le rock des années 70 et 90 et les musiques improvisées du monde entier.
D’où vient ce côté oriental qui transparaît dans certains de vos titres comme « Highest Love » et « HeartH » ?
Les sonorités orientales sont petit à petit devenues une base de nos compositions. Les ambiances y sont très profondes et sensuelles. De telles associations m'ont toujours fasciné dans des titres comme "I Don't Know" de Noa ou "Friends" de Led Zeppelin. Nous avons donc creusé afin d'intégrer des éléments World dans le rock traditionnel.
Si, comme on l’a dit plus haut, votre musique évoque Led Zeppelin, votre son est cependant très actuel et diffère totalement des formations issues des seventies. Te sens-tu plus proche d’ensembles récents comme The Answer ou Witchcraft qui tentent de retrouver le son vintage des années 70 ?
Le travail de The Answer et Witchcraft est remarquable en bien des points. Mais à vrai dire, nous nous soucions peu de la mode vintage. Nous apprécions par contre beaucoup des groupes comme The Mars Volta ou Queens Of The Stone Age qui tout en conservant un respect immense envers leurs aînés sont capables d’amener une couleur nouvelle.
Pourrais-tu expliquer le titre de l’album : « A new Saint Session » ?
Le titre est un jeu de mots : "A New Sensation" - "Une Nouvelle Sensation". Il synthétise les thèmes abordés dans nos textes : le côté ‘nouveau’ nécessaire à l'évolution de nos sociétés, la prise de conscience de ce qui est objectivement ‘Saint’ dans un sens non religieux et permet la vie, comme notre écosystème. Il intègre aussi la notion du début d'un mode de pensée respectant enfin l'environnement et l’Homme.
Tes textes sont très critiques à l’égard de la société actuelle et des ravages causés par la science des hommes sur la nature. Crois-tu qu’il est un devoir pour les artistes d’ouvrir les yeux du public sur certains problèmes de notre monde ?
Si l'art permet de faire avancer et admettre l’idée que les modèles de fonctionnement de nos sociétés devraient être basés sur le partage afin de permettre à l'homme de vivre en harmonie, alors il ne faut pas hésiter ! Quant à la science, elle peut être la meilleure et la pire des choses. Einstein regrettait que ses découvertes aient amené la bombe atomique. Tout est une question de conscience. L'Humanité doit garder une éthique pour ne pas jouer avec le feu sans pour autant empêcher son évolution.
Certains de tes textes comme « Highest Love » ou « Sun Dog » semblent critiquer ouvertement la religion. Crois-tu que les religions ne sont qu’une autre manière d’abuser de la crédibilité des gens ?
L'histoire révèle des dérives dues à la religion, de la terre plate aux intégrismes de tout temps. La religion souvent dicte des réponses à des questions métaphysiques en les faisant passer pour un savoir. Chacun a une personnalité, une ‘âme’, et un parcours différents liés aux traditions, à la culture et à ses facultés. La religion a souvent confisqué des domaines laissés vides par la connaissance. Trop souvent certaines propagent la peur du lendemain pour en retirer du pouvoir. Mais ce n'est que mon humble avis et n'enlève aucune force à la foi individuelle.
L’artwork de votre album est absolument magnifique. Peux-tu nous parler de Nicolas Senegas, l’artiste qui l’a réalisé ? Comment en êtes-vous venus à travailler avec lui ? Lui avez-vous donné des directives bien précises ou a-t-il travaillé en solitaire ?
Nous sommes effectivement très fiers du travail réalisé par Nicolas Senegas. Nous nous connaissons depuis une dizaine d'années et son univers nous a toujours séduits. Il a merveilleusement cerné les textes et la musique de l'album pour réaliser une iconographie splendide ! Du cœur représentant l'amour et le partage aux symboles mystiques récents ou anciens. C'est un graphiste et photographe hors pair qui travaille sur ses clichés d'une manière unique. J’en profite pour laisser ici l'adresse de son site MySpace : http://www.myspace.com/infotographie. A visiter, c'est du pur bonheur !
Votre album a été masterisé par Michel Geiss qui a travaillé avec Jean-Michel Jarre, Michel Jonaz, Michel Sardou, Catherine Lara, Trust, Lio, Marc Lavoine, Patrick Bruel et Laurent Voulzy. Ce concours explique-t-il la qualité exceptionnelle du son de « A New Saint Session » ? Comment avez-vous été amenés à travailler avec lui ?
Michel Geiss est une rencontre importante pour nous. C'est un ami commun qui nous a mis en contact et son travail au niveau du mastering a fait preuve d'une efficacité et d'un respect du son originel sans défaut. Nous avons passé beaucoup de temps au mixage de l'album, pour peaufiner chaque détail et obtenir un son en même temps puissant et aéré. Un mastering trop radical aurait écrasé l'espace sonore. Michel a trouvé le parfait compromis. C'est un grand professionnel qui développe encore un peu plus la valeur artistique du projet qu'il masterise. Ce qui n'est souvent qu'une étape purement mathématique et technique devient un embellissement supplémentaire.
Iris Corporation semble être ton bébé puisque tu portes pour nom de famille Iris. Es-tu le compositeur principal du groupe ou laisses-tu Thibaut et Will participer à l’élaboration de vos titres ?
Notre fonctionnement est très ouvert. Nous avons fait appel à quelques musiciens additionnels pour les percussions ou les chœurs. Tout apport extérieur est souvent accompagné de richesses supplémentaires. Il en est de même pour le fonctionnement interne au groupe. Chacun est libre de développer ses parties comme il le conçoit. Même si je suis le moteur du groupe, les titres sont généralement composés ensemble.
Considères-tu Iris Corporation comme un groupe français ? Que penses-tu de l’évolution de la scène Hard Rock et Métal française de ces dernières années ? Ne trouves-tu pas que les Français gagnent une crédibilité musicale qu’ils n’avaient pas avant ?
Iris Corporation est bien entendu un groupe français. Et vu le succès de groupes comme Gojira ou Watcha aux États-Unis, il n'y a plus vraiment de crainte à avoir par rapport à cette situation. Certes, l'attitude des médias et maisons de disques françaises nous laissent un peu dubitatif quant à leur volonté ou capacité à promouvoir ou signer des groupes jouissant d’un vrai potentiel international. Le vieux complexe d'infériorité par rapport aux Anglo-saxons n'existe plus que chez eux. De nombreux groupes hexagonaux ont évidemment ce potentiel et explosent de l'autre coté de l'Atlantique dés qu'ils sont un peu soutenus.
Pourtant, en étant d’origine américaine, ne penses-tu pas qu’Iris Corporation aurait plus de facilité à percer aux États-Unis qu’en Europe ?
Ma nationalité est bien française même si je me sens beaucoup plus un citoyen du monde. Mais nous sommes effectivement plus diffusés aux Etats-Unis qu'en France et il suffirait de peu de choses pour que nous puissions toucher un public beaucoup plus large chez nos amis d'outre-Atlantique. Heureusement, le web existe et nous permet d'être de plus en plus visibles dans le monde entier.
L’album d’Iris Corporation est-il distribué internationalement ? Comment peut-on se le procurer en Belgique ?
Le label qui travaille avec nous, Muzikom, est associatif. Il travaille remarquablement mais ne dispose pas d'une puissance financière égale à celle d'un label international. Néanmoins, l'album est distribué internationalement par Musea, On peut donc se le procurer sur leur site : http://www.musearecords.com
Je rappelle ses références : Iris Corporation - A New Saint Session - Muzikom/Ref MZK08 Distribution Musea.
Pour la version mp3, il est aussi disponible en téléchargement sur Itunes, Fnac, Virgin, Amazon, Rhapsody, Orange, SFR, Vodafone, Napster, Nokia...
Les téléchargements sont aussi possibles sur notre page MySpace où nous serons aussi ravis d'accueillir tous ceux qui apprécient notre démarche artistique : http://www.myspace.com/iriscorporation
Bien que le festival n’ait pas atteint le sold out cette année, il n’en est pas loin. Ce sont en effet 140.000 spectateurs qui se sont pressés sur la Plaine de la Machine à feu, soit 35.000 par jour, juste en-dessous de la capacité maximale du site, limitée à 36.000 personnes.
Et les chiffres de fréquentation n’étaient pas la seule raison de se réjouir des organisateurs qui, du coup, affichaient un large sourire lors de la conférence de presse. Et en parlant de presse, la couverture du festival a été très importante, vu la présence de 850 journalistes dont 500 Belges, 200 Français, 50 Néerlandais et 40 Britanniques. Mais aussi quelques Australiens, Canadiens, Suisses, Tchèques, Allemands, Estoniens, Espagnols, Grecs, Grand-ducaux, Polonais, Réunionnais et Etasuniens.
Le dimanche est généralement le jour du festival au cours duquel l’affiche est la plus alléchante. Ce qui explique la présence d’un plus grand nombre de spectateurs. Enfin, c’était le cas lors des éditions antérieures. Mais cette année la règle a changé ; il faut d’ailleurs bien avouer que la programmation était bien plus intéressante, le jeudi, vendredi et samedi…
Et en évoquant les éditions précédentes, revenons-en à la troisième. Celle qui s’est déroulée en 1991. En pleine explosion du rock alternatif. A cette époque l’affiche réunissait quasi-exclusivement de groupes belges et français issus de ce mouvement ; et en particulier les artistes issus du label ‘Boucherie productions’. Les Wampas s’y produisaient. Et 20 ans plus tard, ils sont de retour à Dour. Leur recette n’a pas changé. Didier Wampas chante toujours aussi faux. Il se démène comme une rock star. Se mêle régulièrement à la foule, allant jusqu’à embrasser des spectateurs pendant de longues minutes. Mais la recette fait mouche. Leur discographie est passée en revue : depuis leur elpee paru en 1993, « Les Wampas vous aime » jusqu’au dernier opus, « Les Wampas sont la preuve que Dieu existe », sans oublier leur single provocateur « Universal » (NDR : provocateur, vu que le combo vient de signer chez la major). Le public passe un bon moment, le show des Wampas se prêtant idéalement à l’ambiance d’un festival. Mais il y a des groupes bien plus novateurs à Dour, ce dimanche ; et notamment The Horrors.
Lors de leur dernier passage à Dour, The Horrors était considéré comme l’un des hypes du moment. Faut dire que le NME avait une nouvelle fois mis la gomme. Enluminée d’une déco aussi kitsch qu’inutile, leur prestation n’était même pas digne d’un film de série B. Une grosse daube, quoi ! Heureusement le band a fait d’énormes progrès et l’a prouvé sur le podium du Club circuit-Marquee. Devant un public moins dense, mais plus attentif que celui des Wampas, les Londoniens vont nous dispenser une pop, certes largement inspirée des 80’s (NDR : pensez à Joy Division et Echo and the Bunnymen) ; mais exempte de revivalisme, comme certains ensembles contemporains ont trop tendance à abuser. Faris Badwan, le chanteur, n’a plus besoin de se maquiller, ni de grimacer outrancièrement. Il manifeste un véritable charisme, digne de Bobbie Gillepsie voire du défunt Ian Curtis. A mon humble avis, les prochains épisodes de The Horrors risquent de devenir fort intéressants. Une bonne raison pour suivre leur carrière de très près.
Autre groupe qui monte : Caribou. Comme son patronyme le suggère, il est issu d’Amérique du Nord. Du Canada très exactement. Paru en 2007, « Andorra », avait été plébiscité par plusieurs rédacteurs de Musiczine (dont votre serviteur) comme un des meilleurs albums de cet exercice. Et sur scène, la bande à Dan Snaith confirme tout le bien qu’on pensait d’elle. Un kaléidoscope hypnotique est projeté sur un écran derrière le groupe, histoire de mieux nous plonger dans leur univers psychédélique. Deux batteurs sont placés face-à-face en avant-plan de la scène. Pas très habituel comme disposition. Leur musique évolue quelque part entre celle de Tortoise et d’Ozric Tentacles. Et à l’écoute de morceaux comme « Yeti » ou « Sandy », on est au bord de l’envoûtement. Car si leur style est plutôt singulier, le band possède un don pour flatter l’oreille. Une découverte, assurément !
Le fidèle animateur de Pure FM, Pompon, s’est multiplié tout au long de cette édition du festival, passant d’une scène à l’autre, pour introduire et présenter bon nombre de groupes. ‘Bon, ben le festival touche à sa fin’, déclare-t-il depuis le Club circuit Marquee. Il est alors 23h, ‘Et profitez-en, car c’est le dernier concert vraiment rock de ce festival’. Car lors de cette édition 2009, passé minuit voire 1h du mat’, il n’y a plus de concert rock. Place alors aux clubbers et amateurs d’éclectro qui prennent alors le relais de la programmation. Une bonne raison pour profiter de la prestation du dernier combo purement rock’n’roll qui foule les planches à Dour. En l’occurrence Boss Hog. A la tête de ce groupe on retrouve l’inusable Jon Spencer (NDR : c’est un habitué du festival, même s’il s’y est souvent illustré en compagnie de groupes différents) et la sulfureuse Cristina Martinez. La mise en route est laborieuse. Mais lorsque Christina se lâche, le show commence à s’enflammer. A charge de Jon de la suivre dans ses délires. Le service technique a du boulot et doit régulièrement intervenir pour rebrancher micros et amplis. Lors de leur show, ils vont nous dispenser une remarquable version de leur single « Whiteout », digne du « Mean machine » des Cramps. Fortement typée ‘Rock garage’, l’audience est ravie. On se serait presque cru revenu à l’époque de Fonzie dans la série « Happy days ».
Un petit crochet par la Magic tent cependant s’impose. Elle est ultra-bondée. Il y a même des spectateurs agglutinés une bonne dizaine de mètres à l’extérieur du chapiteau. Soldout est l’objet de cette affluence. Il mérite donc bien son nom ! Le duo bruxellois est à l’affiche de plusieurs festivals, cet été. Et y rencontre un large succès, à chaque fois. Et vu leur évolution scénique acquise au fil des années, il faut reconnaître que ce succès est mérité. Longue vie à Soldout !
Il est minuit et le festival touche déjà à sa fin pour votre serviteur. Comme précisé ci-dessus, plus aucun concert rock n’est à se mettre sous la dent (NDR ou plus exactement dans le tuyau de l’oreille). Néanmoins, par conscience professionnelle, je décide d’aller assister au set d’une des têtes d’affiche de ce festival. Elle se produit sur la grande scène : Aphex Twin (+ Hecker). Incontestablement, vu le peuple entassé devant la Last Arena, elle atteint le record incontesté de popularité. L’affiche a été dévoilée très progressivement et plus tardivement que lors des précédentes éditions. Mais la participation d’Aphex Twin a été annoncée très tôt. De quoi réjouir les fans d’électro. C’est que Richard David James (de son vrai nom) possède déjà un long parcours derrière lui. A 20 ans à peine, il cofondait le label Rephlex Records, et rencontrait la reconnaissance internationale en éditant « ...I Care Because You Do ». C’était en 1995. Et décrochait un énorme hit en concoctant le single « Windowlicker ». En 99. Depuis, il n’était plus vraiment sur le devant de la scène électro, mais prenait un malin plaisir à brouiller les pistes, changeant tantôt de label ou de même de nom. En ce dimanche, il en a remis une couche. Il a recours à un son surround et sa techno est revisitée voire complexifiée. Ce qui n’empêche pas les basses et les changements brusques de rythmes de faire vibrer la foule. Et en ce qui me concerne, de parvenir à me maintenir éveillé encore quelques instants.
En repassant par le stand presse, j’ai fortuitement eu l’occasion de rencontrer Rigo Pex, du groupe Meneo. De quoi quitter le festival sur une bonne note. Il m’explique son parcours surchargé en festivals qui le conduit d’Amérique du Sud à l’Espagne. Il me décrit sa musique électro comme étant inspirée des bons vieux jeux vidéo bien vintage. Intriguant… Mais mon interlocuteur ne se produit qu’à 3h30. Il m’interroge d’ailleurs sur la nature du public encore présent à ce moment-là. Mais à cette heure, je suis HS. Il faudra donc reporter la vision de ce show fort prometteur à une autre fois. Car pour être capable de suivre un maximum de groupes, parmi les 200 programmés, étalés sur 4 jours, de midi à 5 heures du mat’, il serait peut-être judicieux de prévoir l’an prochain deux rédacteurs, dont un spécialiste de l’électro, vu l’importance croissante que prend ce style. Un appel du pied est adressé à la cellule presse de Dour…
(voir aussi notre rubrique photos)
La nouvelle est tombée comme un cheveu dans la soupe : Mattie Safer, bassiste et seconde voix de The Rapture a quitté ses camarades pour de bon. Le claviériste Gabe Andruzzi a déclaré que le rigolo de la bande avait déjà décidé de faire ses bagages en avril dernier. Que l’on se rassure, les trois membres qui restent de The Rapture travaillent sur un nouvel ouvrage et ne comptent donc pas s’arrêter là.
La fatigue commencerait-elle à gagner les festivaliers, en ce 3ème jour ? Une chose est sûre, en cette fin d’après-midi, le site est relativement clairsemé. A contrario, le camping grouille de jeunes essayant, tant bien que mal, de récupérer des folies nocturnes. Mais je ne m’en plaindrai pas ; car cette situation me permet d’apprécier les concerts au sein d’un environnement plus paisible qui réunit de véritables mélomanes, motivés par la présence de groupes talentueux en devenir…
Et tout d’abord O’death. Il se produit sous la tente de la Petite maison dans la Prairie. « O’death » c’est à l’origine une ancienne chanson mythique, presque spirituelle née aux USA. Cette compo traditionnelle figurait au répertoire du célèbre chanteur folk Ralph Stanley. En quelque sorte, il lui avait rendu vie. Mais ce titre a aussi servi de fil conducteur à une partie du film de George Clooney, « O’Brother ». Et cette perception de l’Amérique profonde hante la prestation du groupe. Leur musique est enracinée dans la country, le bluegrass et le rythm’n’swing. Le violoniste bondit littéralement sur les planches. Ses attaques à l’archet sont virevoltantes. Le chanteur/guitariste, Greg Jamie, occupe une position plus centrale. Il est régulièrement soutenu aux vocaux par Gabe Darling, partagé entre le banjo et d’ukulélé. Et la mayonnaise prend instantanément. Le podium commence sérieusement à vibrer. Les amateurs de folk, rejoints rapidement par les (nombreux) fans des Dropkick Murphys, lancent d’interminables pogos. Un engouement provoqué par une diffusion phénoménale de ce qu’on appelle les ‘good vibes’… Si vous souhaitez en savoir davantage sur cette formation, je vous invite à (re)lire la review que Bernard avait rédigée, lors de leur passage à l’Aéronef de Lille, ainsi que l’interview que le sextet lui avait accordée, avant ce concert. C’était en février dernier.
Par contre, pas sûr que notre rédac’ chef soit particulièrement heureux en lisant ce qui suit. Ni la majorité des collaborateurs de Musiczine, d’ailleurs. Parce que les Dodos y font l’unanimité. Personnellement, j’ai été séduit par les petites perles indie-rock de leur troisième opus, « Visiter » (NDR : le quatrième, « Time to die » sortira début septembre). Parce que leurs mélodies y soufflent comme un vent frais et rafraîchissant. Mais leur prestation accordée à Dour ne m’a pas du tout convaincu. Le changement de style était-il trop brutal après le set d’O’death ? Ou les commentaires flatteurs recueillis lors de leurs derniers passages chez nous, m’avaient-ils communiqué trop d’espérances. Toujours est-il que leur concert ne m’a guère enthousiasmé. A l’instar de leur tracklisting, que le trio m’a paru interpréter sans manifester beaucoup de passion (NDLR : lors leur interview accordée à Musiczine début décembre 2008, Meric et Logan avaient confié qu’ils n’aimaient pas trop se produire dans les festivals ; ce qui peut expliquer ce phénomène). Espérons que le retour dans une salle plus intimiste comme celle du Bota (NDR : le 8 septembre) ou de l’Aéronef à Lille (NDR : le 17 novembre) leur permettra de remettre les pendules à l’heure.
Vu la copieuse affiche proposée par le festival de Dour, on épingle toujours des noms que l’on ne connait ni d’Eve ni d’Adam. Mais que certains amis journalistes nous conseillent d’aller voir et entendre ; et à qui on fait entièrement confiance, dans un esprit d’ouverture et de découverte. Esser est l’un de ces illustres inconnus. Il se produit au Dance Hall. Ben Esser en est le leader. Il est entouré de quatre collaborateurs. Non content d’emprunter leur look aux New Kids On The Block, la formation dispense un synthé pop digne des boys bands de la fin des 80’s voire du début des 90’s. On a même plutôt tendance à en rire. D’ailleurs, il faut une bonne dose de second degré pour apprécier le spectacle proposé par ces 5 jeunes gens. Pourtant, le début de parcours est tellement déroutant, qu’on finit par accrocher. Le temps de quelques titres du moins ; car une fois l’effet de surprise passé, on a plutôt envie d’aller voir ailleurs ce qui se passe…
Chez Gong par exemple. Une des plus anciennes communautés hippies. Ces vétérans de la prog avant-gardiste et du free jazz valent également le coup d’œil. Sorte d’hybride entre Iggy Pop et notre Julos Beaucarne national, leur chanteur Daevid Allen est un personnage à lui seul. Il a quand même 70 balais. Et les autres membres qui l’accompagnent dépassent allégrement les 60 ans. C’est d’ailleurs au cours de la première moitié des 70’s que le combo a rencontré le plus de succès. Commettant même un elpee incontournable en 1973, « The Flying Teapot » (NDR : la pochette est enrichie de dessins réalisés et de poèmes rédigés par Allen dans l’esprit de la BD underground de l’époque). Les morceaux sont très longs et élaborés. Et ils s’adressent à un public averti…
Après ces phénomènes de foire, la suite de l’affiche est bien plus consistante. Et pour cause, 65daysofstatic va bientôt monter sur le podium de la Petite maison dans la Prairie. Le plus intéressant chez ce groupe de Sheffield, ce sont les surprises. Elles sont même systématiques. Lors de leur dernier passage à Dour (NDR : c’était en 2007) le groupe avait éliminé les claviers pour mettre en exergue l’aspect électrique de leur musique. Et je vous jure, les riffs de guitare avaient littéralement déchiré ! Pour ce nouveau show, la boîte à rythmes est plus présente, et le son brut est atténué par des samples électro. De quoi semer un peu plus la confusion. Pourtant, aussi disparates puissent-ils être, les différents éléments s’emboîtent parfaitement. Le plancher se remet à vibrer. Les headbangings sont lancés (NDR : pas étonnant que la nuque soit douloureuse, en fin de la journée). Leur set s’est même achevé par un « Radio protector » impressionnant. Le morceau s’ébroue paisiblement sur des accords de piano dramatiques. Puis la batterie et les riffs de guitare s’immiscent furtivement dans la solution sonore qui monte en crescendo, avant de se libérer dans une somptueuse déflagration finale. Un pur régal ! Coldplay aurait tout intérêt à en prendre de la graine…
Dropkick Murphys se produit sur la grande scène. Le band de Boston attire la toute grande foule. Dont de nombreux aficionados qui arborent des tee-shirts aux couleurs de l’Irlande. Mais c’est ici que le bât blesse ; car cette dans cette formation, il n’y a pas d’Irlandais. Même pas d’Ecossais ! Mais des Yankees. Et cela se ressent. Bien sûr, ils entament leur set par un air traditionnel joué à la cornemuse. Et pour briser la lassitude provoquée par une succession de titres punk/hardcore, ils entonnent le traditionnel « Wild Rover », que le public reprend en chœur (NDR : la version des Dubliners est antérieure). Malheureusement, le tracklisting composé de morceaux ne dépassant pas les 3 minutes souffre de refrains un peu trop simplistes. Ce qui n’empêche pas la foule de remuer allègrement et même de pogoter frénétiquement. Difficile néanmoins de s’enthousiasmer face à un ensemble qui souffre d’une telle carence d’originalité et qui, de toute évidence, aura bien du mal à atteindre un jour la cheville de maîtres du genre comme les Pogues voire les Real McKenzies.
La foule se densifie devant le podium de la Last Arena. Les Pet Shop Boys vont s’y produire. En voilà une tête d’affiche plutôt atypique pour Dour. Ce type d’artiste est en général programmé dans le cadre de manifestations comme celle des Lokerse Feesten ; mais il faut croire que l’agenda du combo, coincé entre quelques grands festivals anglais, l’Olympia à Paris et un concert à Tel Aviv, correspondait sans doute mieux à celui du festival borain. Et puis en sachant que la bande Neil Tennant et Chris Lowe se rendait ensuite au Mexique et au Canada, avant de revenir au Lotto Arena d’Anvers, le 15 décembre, les organisateurs avaient le droit de manifester une certaine fierté d’être parvenu à convaincre le duo anglais de débarquer sur ses terres. En outre, le décor mis en place sur la grande scène accentue cette impression d’exclusivité. Les vedettes se font attendre. C’est connu. Il y a même une musique de fond pour faire patienter le public. Néanmoins, dès l’entrée en scène des Pet Shop Boys, on est fasciné par leur light show. Des lumières sont projetées sur un muret de cubes. Impressionnant ! Musicalement, la prise de risque est cependant très limitée, puisque le band ouvre le tracklisting par un de ses plus gros tubes : « Heart ». Neil est au centre. A peine visible derrière ses claviers, Chris s’est posté côté droit. Et deux choristes sont plantées à gauche. Le décor est renouvelé à plusieurs reprises. Les tenues de scène défilent. Les chorégraphies fluctuent. De quoi conserver tout l’intérêt d’un grand spectacle. Les singles se succèdent : « Love, etc... », « Go West », « Always On My Mind », etc. Bref, un show fort agréable pour une tête d’affiche ; surtout quand on sait que les têtes d’affiche sont plutôt rares à Dour.
Avant de vider les lieux, pourquoi ne pas jeter un dernier coup d’œil dans la Petite maison dans la Prairie pour y admirer la grande fanfare d’I’m from Barcelona ? Bien qu’elle ne soit pas catalane, mais suédoise (NDR : de Jönköping), la formation ressemble à une véritable auberge espagnole. Il ya une quinzaine de musiciens. Une large section de cuivres, des choristes, des percussionnistes et des guitaristes. Et on ne sait toujours pas où donner de la tête devant cette troupe. Cependant, Emanuel Lundgren (NDR : c’est le leader !) veille au grain ; et tel un chef d’orchestre, il veille tout particulièrement à l’harmonie de l’ensemble. Résultat des courses : l’ambiance est aussi à la fête tant sur scène que dans le public.
Mais il est déjà 1 heure du mat’. La fatigue commence à gagner du terrain et l’emporte sur mon envie de scander ‘I'm gonna sing this song with all of my friends and we're I'm from Barcelona’ ; aussi je décide de quitter le site, histoire de revenir en pleine forme le lendemain.
(voir également la section photos)
Le formidable duo The Dodos propose son prochain recueil, « Time To Die » en intégrale et en streaming sur un site consacré spécialement à l’œuvre. Il vous y est également possible d’y télécharger gratuitement le titre « Fables ». « Time To Die » est prévu dans les bacs pour le 31 août.
NB: Pour écouter l'œuvre, il suffit de souscrire à la newsletter du duo.
Nederlands 
Français 
