1. Dear God (sincerely M.O.F.)
2. Say Please
3. Whole Lotta Losin'
4. Temazcal
5. The Right Place
6. Baby Boomer
7. Man Named Truth
8. Goodway
9. Ahead of the Curve
10. Slow Down Jo
11. Losin Yo Head
12. Magic Marker
13. Map Of The World
14. The Sandman, the Brakeman and Me
15. His Master’s Voice
Le prochain opus de A Mountain Of One s’intitule « Institute Of Joy » et sera livré à l’appréciation du public le 14 septembre prochain via Pias. Le premier single qui en sera extrait est « Bones ».
Petit aperçu sur http://www.myspace.com/amountainofone
Tracklist :
Intro
Sky Is Folding
Bones
Lie Awake
Green
Highs Of The Sun
River Music
Pruple
In Our Lifetime
Ahead Of The Curve
Who By Fire
2009 a connu son lot de consécrations musicales, ses groupes-découvertes ou albums-révélations. Et pourtant, peu de revues sont consacrées au dernier long playing de Wild Beasts, sorti en 2009 chez Domino Records. Ce jeune quatuor nous vient tout droit d’une petite bourgade issue du nord-ouest de l’Angleterre, berceau par excellence du genre rock pop made in UK. Certes, comme tant de petits groupes partagés entre l’ennui du countryside et les décadences de la City, leurs débuts sont relativement banals : la formation se forme sur les bancs du lycée en 2002, enregistre sont premier Ep demo en 2004 et, une fois leur ‘A’ Level en poche et l’envie de percer en tête, ils vont s’installer dans la ville la plus proche… Leeds. Néanmoins, là où ils se distinguent parmi le bataclan des groupes montants, c’est dans la dimension mystique potentielle de leurs productions.
Leur premier elpee « Limbo, Panto » (2008, Domino Records), bien construit et digne de reconnaissance, avait déjà fait parlé de lui, entre autres pour son originalité et la crudité de ses textes. « Two Dances », sorti un an plus tard, a haussé les 4 petits Anglais sur la grande scène. L’album commence sagement, chauffe l’auditeur sans révéler d’emblée ses talents. Mais déjà, la voix exceptionnelle de Hayden Thorpe nous coupe le souffle –une voix opératique (contreténor) – dont le fausset irréprochable rappelle, dans un autre registre, Jimmy Somerville. Intrigués, on continue par l’envoûtant « Hooting & Howling », le premier single qui nous emmène dans son battement séduisant, avant « All The King’s Men », encore un single, où la mélodie est doublée par Tom Flemming (également à la guitare et au piano) et sa texture propre plus ténébreuse –le tout est simplement sublime. Car, et surtout, ces courbes chantées sont constamment soutenues par un groove convaincant. La région des lacs dont ils sont originaires se reflète sans doute dans leur musique : l’aspect agréablement aqueux de « Two Dancers (ii) », les effets cristallins de « When I’m Sleepy », le tout se liquéfie dans les vibratos de Thorpe. Le troisième single « We Still Got The Taste Dancin’ On Our Tongues » présente les mêmes qualités : exaltant, solide dans ses assises et haut en finesse. La batterie (Chris ‘Bert’ Talbot) se veut claire et pas excitée (« Two Dancers (i) »). Voix de feu sur rythme dansant et guitare indie (« Ben Little »), l’elpee audacieux, qu’on a du mal à référencier vu sa singularité, offre une musique aérienne.
Si le public est, à premier abord, timide lors des concerts, le groupe ne met pas longtemps à décoincer les oreilles et les esprits. La conclusion est sans réplique : oui, on aime ! On les veut au sommet très prochainement pour un succès qui, vu le début si consistant, est prêt de durer, on l’espère.
Holà Esperanzaaaaah! : dimanche, journée sportive!
Une journée sportive s’annonce, car l’affiche proposée ce jour est fertile en curiosités à voir et à écouter… De la Cour au Jardin, le sprint a commencé vers 15h et s’est arrêté à 00h30. Enchaînement d’artistes et de rythmes différents. Une richesse pour les oreilles. L’envie de faire quelques recherches supplémentaires sur des groupes comme Trio Joubran, Danakil ou Eva Ayllón.
Sous la grisaille qui coiffait le site, ce sont les frères Joubran (NDR : un trio !), épaulés par le percussionniste Youssef Hbeish, qui nous accueillent tout en douceur. Les trois musiciens jouent harmonieusement de l’oud (NDR : cette sorte de luth à manche court se rencontre surtout dans les pays arabes, mais également en Turquie, en Arménie et en Grèce). Reconnus internationalement pour la maîtrise de leur instrument et leurs talents d’improvisateurs, ils sont parvenus à nous flanquer un frisson tout au long de l’échine. Une sensibilité mêlée de poésie dans un cadre vallonné. Finalement, la petite brume qui nous enveloppait collait parfaitement à l’atmosphère du set.
Les Caricoles et les Noces de Zink ont assuré la relève. Placez dans un shaker, accordéon, cuivres et percussions ; agitez bien et vous obtiendrez instantanément un nectar revitalisant. La collaboration entre ces deux groupes est un antidote contre la morosité.
« Ethnophony » est le nom du premier album de Fredy Massamba. Sa sortie dans les bacs est prévue à l’automne de cette année. Ancien percussionniste de Zap Mama, son parcours musical se bonifie au gré des voyages et des rencontres. C’est ainsi que lors d’une escale à Dakar, le bassiste suisse Fred Hirschy lui propose de tenter un mélange entre leurs influences. Soit entre celles de l'Helvète, trempées dans le soul & jazz et du Belgo-congolais, évidemment ethniques. Portées par la voix chaude de Fredy, les paroles sont chantées en kikongo et en lingala. On est immédiatement porté par le rythme. Une bonne humeur se répand et quelques rayons de soleil percent même à travers les épais nuages.
Du reggae français ! Peu après leur entrée en scène, Danakil, nous démontre qu’il maîtrise parfaitement les tempos jamaïcains. Une identité propre. Leur reggae nu roots véhicule des textes qui dénoncent les travers d’une société en mutation. La section de cuivres vient appuyer le tandem basse/batterie pendant que le chanteur, Balik, transmet une énergie communicative. Malgré la pluie qui s’est abattue, leurs mélodies roots captivent les festivaliers. Ils sont d’ailleurs restés dans l’arène jusqu’à la fin du concert.
La reine et la légende de la musique afro-péruvienne était de passage en Europe. Peu de dates sur le Vieux Continent pour Eva Ayllón. Entourée par 7 musiciens, la reine de la musica creolla, est apparue rayonnante sur la scène Côté Jardin. La dame a fêté ses 30 ans de scène et le moins qu’on puisse dire en la voyant, c’est qu’au fil des années, elle prend toujours autant de plaisir à chanter, danser et communier avec le public. Et quand les musiciens se mettent à danser avec elle, il est impossible de rester de marbre à les regarder sans se mettre soi-même à bouger. Un honneur de pouvoir partager ce moment de musique latine en compagnie de la Tina Turner du Pérou.
Il tenait à figurer à l’édition 2009 du festival Esperanzah !; car pour lui cette participation avait ‘du sens’. Abd Al Malik joue avec les mots. Déjà comparé à Jacques Brel, ce magicien de la prose, slamme en partageant sa vision altruiste dans le but que les choses bougent. Et il y parvient ! Sa tête bien sur les épaules, sa musique séduit. Jazzyfiant, son style est parfois teinté de rock ou de hip hop. Ce généreux communicateur n’hésite pas à se poser et prendre le temps d’échanger ses idées. Si vous avez des a priori sur l’étiquette ‘rap’ qu’on lui colle, prenez le temps d’écouter son dernier single « C’est du lourd ». Votre jugement pourrait fort bien changer…
Le festival se clôture sur les couleurs verte, jaune et rouge arborées par Alborosie & Sheng Yeng Clan. Du 100% reggae chanté par un Italien pure souche qui a migré en Jamaïque, il y a quelques années. En musique, la magie naît souvent de mélanges improbables. Esperanzah ! l’a prouvé durant ce week-end. Les styles se chevauchent et les sons virevoltent. Qu’ils soient traditionnels ou modernes, la musique est sans frontière.
Retrouvez tous les groupes cités sur leurs pages personnelles :
(Voir aussi notre section photos)
Holà Esperanzaaaaah ! : samedi, la bonne humeur contagieuse.
Les groupes se succèdent. L’affiche se veut festive et populaire en proposant des groupes comme La Chiva Gantiva et Bandabarlo. L’Afrique de l’Ouest est également très présente ce samedi. Et Bassekou Kouyaté & Ngoni Ba ainsi que Tiken Jah Fakoly en sont les plus belles illustrations.
Programmée en début d’après-midi, La Chiva Gantiva a mis le feu aux poudres. Son énergie s’est propagée auprès de tous les festivaliers présents dans la cour. Dès le premier morceau, le public est au taquet. Une base punk-latino. Une section cuivre en fureur. Le groupe bruxellois regorge de stratagèmes pour faire danser son auditoire. La mise en scène est soignée, les musiciens complémentaires et la complicité remarquable. A suivre de près !
Dans le même registre, la Bandabardó incite à remuer et à bouger tout son corps. Ce groupe italien est né en 1993 et sillonne les routes d’Italie et d’Europe sans relâche. La Bandabarló, c’est une bande de copains connue dans toute la botte. Ils sont la référence en matière de fête. Leur but : faire chanter (‘même si on chante faux’), inciter à danser, et surtout, jouer de la musique pour sourire. De vrais troubadours aux allures baba-cool qui n’hésitent pas à imaginer des mises en scène théâtrales pour soutenir les textes de leur répertoire.
Un autre voyage. Sur un autre continent, Bassekou Kouyaté et Ngoni Ba imposent le respect et attirent l’attention. En habits traditionnels du Mali, c’est avec une grande élégance que Bassekou, sa femme Ami Sacko et le quartette Ngoni Ba nous invitent à explorer les trésors dont la musique traditionnelle d’Afrique de l’Ouest foisonne. La singularité du groupe est la maîtrise d’une petite guitare mandingue, appelée N’Goni. Leur blues plutôt roots est caressé par la gracieuse voix d’Ami Sacko. Les rythmes maliens sont entraînants et touchent l’âme à sa source. C’est un peu comme si ces ingrédients raffinés étaient en nous depuis la nuit des temps et se réveillaient à l’écoute de ces instruments ancestraux. Un rapport à l’autre, à la nature et aux traditions qui se transmet à travers la virtuosité du groupe.
Témoin de l’évolution sociale et politique de son pays (la Côté d’Ivoire), Tiken Jah Fakoly pointe du doigt les oppressions et les injustices dont sont victime le peuple africain. Un reggae engagé dont les textes et les messages souvent incisifs sont destinés à éveiller les consciences du public. Sur les traces d’Alpha Blondie, ce rasta ivoirien dissipe ses bonnes ondes depuis plus de 15 ans. Il chante sa révolte, et samedi soir, Côté Jardin, on peut dire que le public était très réceptif. Cinq ans que le programmateur voulait le voir jouer dans le cadre du festival !
Des odeurs d’épices (du monde) flottaient dans l’air. Pour clôturer cette journée, ceux qui avaient encore de l’énergie sont allés sauter sur des airs de rap musette. Java a, paraît-il, pour devise ‘Sexe, accordéon et alcool’. Inutile d’en dire plus. La fin de soirée a dû être chaude !
Retrouvez tous les groupes cités sur leurs pages personnelles :
(voir aussi notre section photos)
Holà Esperanzaaaaah!
Chaque premier week-end du mois d’août, à l’intérieur des hauts murs de l’enceinte de l’abbaye de Floreffe, l’espace est occupé par des citoyens du monde. Nous. Festivaliers, bénévoles et organisateurs. Eux. Musiciens, artistes et autres saltimbanques. Originaires du terroir ou de terres plus éloignées. Ensemble, on se mélange, on découvre et on partage.
Carrefour des Musiques du Monde, Esperanzah ! se définit comme un festival des musiques nomades, engagées et plurielles. Fidèle à ses valeurs, l’année 2009 s’est clôturée dimanche par un bilan très positif. Invitation à un parcours non exhaustif de l’ambiance et des groupes qui ont permis à cette édition de se traduire en un moment de convivialité et de découvertes.
Quelques têtes d’affiche, incontournables telles Charlie Winston ou Abd Al Malik pour aguicher celles et ceux qui n’oseraient pas s’aventurer sur les traces d’un festival dont la priorité vise surtout la découverte de talents. Les invités ont tous conscience des valeurs humanitaires du projet. L’esprit du festival et son identité artistique sont étroitement liés. Le résultat engendre une programmation ouverte au monde et à la solidarité.
Vendredi, sous le soleil.
Les campeurs s’installent, le public prend possession des lieux. Pour ouvrir les festivités, Domguè et son complice Doctor Pimp tentent de secouer les premiers arrivés. Sans trop y parvenir. Leur cocktail –voix gutturale, sax et ‘groove box’– ne parvient pas à réveiller l’ensemble des spectateurs. Il faut dire que des shoots d’électro à 15h, c’est surprenant et surtout trop tôt !
Hindi Zahra est une chanteuse née au Maroc. Son folk est teinté de blues, juste. Elle a déjà partagé l’affiche de Suzanne Vega et de Yaël Naïm. Sa musique est douce et aérienne ; mais elle manque peut-être encore de force. Et surtout de charisme. Une identité à développer pour faire jaillir l’étincelle. Elle est néanmoins promise à un futur certainement très prometteur.
L’après-midi était jusque là fort calme. Mais l’arrivée sur la scène Côté Cour de Firewater va enfin attiser l’ambiance. A l’origine du projet, Tod Ashley. Ulcéré à l’époque, par la réélection de Bush, ce citoyen américain a fui l’étroitesse politique de son pays, en voyageant pendant 3 années. Durant ce périple il a rencontré des musiciens du monde et opéré des collaborations pour nourrir sa musique. Son set world-punk jubilatoire est soutenu par Yuval Gabay, un percussionniste acrobate et endiablé… Leur dernier album, « The Golden Hour », (2008) est sans aucun doute un concentré vitaminé à avoir sous la main pour les barbecues animés de cet été.
Surfant sur des vagues free-jazz, funk et soul, Anthony Joseph a provoqué les déhanchements de la foule. Flanqué de son Spasm Band, ce guerrier du verbe, poète envoûtant, nous transporte tout en légèreté vers les sables chauds de Trinidad. Un groove hypnotique sur les traces de Fellah Kuti ! Anthony Joseph, sa voix caverneuse et sa bouteille de rhum (NDR : jamais très loin) est parvenu à faire grimper la température de plusieurs degrés. Le public bouillonne et s’agite. La fête ne fait que commencer !
SoCalled ou quand modernité se marie aux sons tziganes. Celle et ceux qui apprécient les mélanges incongrus entre hip hop, jazz, electro et gipsy ont aimé. Personnellement, la prestation de leur leader, Josh Dolgin, ne m’a pas convaincue.
La nuit tombe sur le somptueux décor de l’abbaye. Avant de prendre le bain de foule qui attend Charlie Winston, un passage furtif du côté de la 3e scène s’impose. Podium quelque peu négligé mais qui regorge pourtant de très bons groupes belges. Le Wild Boar & Bull Brass Band est un exemple en matière de combinaison de styles. Des musiciens jazzy s’adonnent à cœur joie sur des rythmes hip hop. Un mélange original, explosif et décapant.
Le très attendu et séduisant Charlie entre en scène à 22h tapante. Des fans féminines sont au bord de l’évanouissement et s’époumonent à la vue du charmant jeune-homme. Comparativement aux Nuits Botanique, le début du concert manque d’énergie. Les premiers morceaux s’enchaînent sans manifester beaucoup de dynamisme… L’homme au chapeau serait-il fatigué ce soir ? Il lui faudra d’ailleurs ¾ d’heure avant de parvenir à s’imprégner des lieux et enfin nous offrir une prestation digne de ce nom. Les rappels font tout oublier. L’incroyable Benjamin Edwards souffle dans son harmonica. Charlie Winston invite une petite fille du public à monter sur les planches pour exécuter quelques pas de danse. Le tout devient magique. Le sourire aux lèvres, l’audience est rassasiée.
Caravan Palace clôturait la journée. Cette formation parisienne participe à une multitude de festivals d’été. Son concept est aussi très particulier. Une rencontre entre jazz manouche des années 30 et electro moderne. Un brin dément, le sextet est rôdé et semble laisser peu de place à l’improvisation. La chanteuse, Zoé Colotis, ajoute une touche très glamour à l’ensemble. C’est surprenant et plutôt intriguant mais on finit vite par décrocher. Cette mode de poser de l’electro sur de la musique traditionnelle, c’est festif et joyeux. Par contre, on s’en lasse vite aussi.
Une première journée très éclectique, marquée par Firewater, Anthony Joseph et Charlie Winston. Le lendemain, d’autres nouvelles surprises. Vite ! Dodo !
Retrouvez tous les groupes cités sur leurs pages personnelles :
(voir également notre section photos)
Le décès de Michael Jackson s’est traduit par la sortie d’innombrables ‘best of’ et autres compiles consacrées à la star défunte. La version inédite de « I’ll Be There » des Jackson Five en est un exemple concret. Sortie en version digitale, la chanson culte a spécialement été remixée en hommage au Roi de la pop. Cette version inédite devrait donc plaire aux fans de la première heure. Pour la circonstance, la batterie et les synthés ont été supprimés ; et ce sont les voix, la guitare et la basse qui ont été mis au premier plan pour une version certes ‘feu de camp’ mais qui montre surtout la profondeur étonnante du timbre de Michael, alors âgé seulement de 10 ans ! De quoi laisser sans voix. Un album complet devrait suivre…
Benjamin Biolay, musicien et artiste total, sortira son nouvel album intitulé « La Superbe », le 19 octobre 2009 chez naïve, sa nouvelle maison artistique. L’univers visuel a été confié au studio M/M, fidèles collaborateurs depuis « Négatif » et en charge des créations graphiques pour Bjork, Madonna et Beck, entre autres. Le titre « La Superbe » qui ouvrira l’album, sera offert en téléchargement dans sa version album dés le 24 juillet sur http://www.benjaminbiolay.com. Benjamin Biolay présentera l’album « La Superbe » sur la scène du Casino de Paris les 5 et 6 février 2010 . Une tournée en France et à l’étranger (Europe, US, Amérique du Sud, Asie…) s’ensuivra tout au long de l’année 2010.
(d’après communiqué de presse)
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/benjaminbiolay
Après avoir commis l’excellent « Maths And English », Dizzee Rascal nous promet son nouvel opus avant l'automne. Ce sera son second. En attendant, le Briton nous fait languir en alignant les singles. Après avoir édité « Holiday » feat Chromeo, un disque produit par Calvin Harris et « Dance Wiv Me » feat Calvin Harris, Rascal se fend d’un autre duo étonnant, en compagnie du hitmaker et DJ américain Armand Van Helden ! Et le résultat a de quoi enthousiasmer. Faut dire que son « Dance Wiv Me » était un véritable régal. Et dans la logique des événements, cette deuxième galette ne pouvait décevoir. « Bonkers » prouve donc bien que Rascal est au sommet de sa forme et qu’il permet aussi la renaissance de Van Helden, responsable de l’écriture de la musique de cette véritable tuerie ! Gros beats de techno américaine, voix enflammée du super emcee, « Bonkers » est le tube de l’été. Une énorme claque ! Les deux trublions nous réservent ici trois versions dont une dub. De quoi nous mettre l’eau à la bouche, en attendant la sortie du très attendu « Tongue 'N' Cheek », prévue pour le 7 septembre…
Quoique considéré comme un des fondateurs du mouvement post-rock américain, Tortoise pratique une musique plus proche du prog et du krautrock que des autres formations auxquelles les médias font référence, quand on parle du style. Pensez à Mogwai ou à Godspeed You! Black Emperor, par exemple. En fait, la musique de cet ensemble chicagolais puise également son inspiration dans le jazz, le dub et la musique électronique. Et c’est cet ensemble de références qui la rend post-rock.
Doug McCombs et Johan McEntire sont les fers de lance de la formation. Ce dernier est même devenu un ingénieur du son particulièrement notoire. Les deux personnages multiplient également les projets et les collaborations. Et cycliquement reviennent vers Tortoise. Ainsi, leur dernier opus, « It's All Around You » remontait déjà à 2004. Si à leurs débuts, j’estimais leur démarche fort intéressante (NDR : pensez à l’elpee éponyme paru en 1994 et « Millions Now Living Will Never Die », deux ans plus tard), leurs élucubrations sonores s’égarent de plus en plus vers un math/prog que le mouvement punk aurait pris un malin plaisir à trucider, s’il était né à la fin des 70’s. Help Johnny Rotten !
Stefano Longhi est l’un des managers du label Scarlet Records. Il est aussi le batteur d’Allhelluja qu’il a fondé en compagnie du guitariste Massimo Gajer et du bassiste Roberto Gelli (Gory Blister). En 2003. Pour tenir le micro, il a fait appel au célèbre danois Jacob Bredahl (Hatesphere). Ce line-up enregistre deux albums : « Inferno Museum » en 2005 et « Pain is the Game » en 2006.
2009 est l’année du grand retour pour Allelluja. Bredahl, retourné dans son Danemark natal, il a cédé le relais à pas moins de deux vocalistes : GL Perotti du groupe trash Extrema et Trevor de la formation death métal Sadist. Gajer, quant à lui, laissé la place de six-cordiste à Tommy Massara, un autre membre d’Extrema. C’est donc une nouvelle mouture du groupe cent pour cent italienne qui enregistre cette année un « Breath Your Soul » hyper décapant.
Bien que les Transalpins aiment qualifier leur musique de stoner, nous sommes bien loin ici des ambiances enfumées de Monster Magnet ou de Kyuss. Allhelluja préfère probablement la consommation de stéroïdes à celle de champignons qui font planer. En effet, le ‘stoner’ des Italiens est tellement musclé qu’il côtoie le death old school et le trash metal. Nous sommes souvent plus proches d’Entombed et de Pantera que des Queens Of The Stone Age.
Bref, « Breath Your Soul » est un album bien gras et lourd, comme on les aime, aux riffs carrés et à la batterie rageuse. Quelques petites innovations sont à noter tout de même, comme les chœurs ‘gospel’ sur « Step By Step » ou les chants de moines tibétains (enfin il me semble) sur « The Bible Babylon ».
En plus des douze compositions originales, l’elpee recèle trois excellentes reprises : le prévisible mais toutefois excellent « Into the Void » de Black Sabbath, celle du « 21st century schizoïd man » de King Krimson et le terrible « Profondo Rosso » de Goblin (un titre extrait d’une bande originale d’un film de Dario Argento).
La scène rock de Brooklyn est particulièrement féconde et propose régulièrement son lot de nouveaux talents novateurs et déconcertants (NDR : les excellents Ex-Models, par exemple). Pour la circonstance, elle a accouché d’un nouveau quintet psyché/rock/pop/glam (NDR : dont le line up réunit Will Roan, Simon O'Connor, Doc Laaxo, Matt Abeysekera & Don Devore) sensible à l’idéologie hippie, mais paradoxalement et indéniablement inspiré par la vague néoromantique qui a sévi au cours des 80’s (NDR : pensez à Brian Ferry, OMD, Talk Talk et même à Spandau Ballet…) ainsi que la pop britannique des 90’s (NDR : tout particulièrement Pulp et Suede). De quoi vous faire une petite idée du style musical en présence sur leur premier opus, même s’il est nécessaire de placer toutes ces références sur un dénominateur commun : l’accessibilité.
Affublés de lunettes de soleil –même la nuit– ces potes de MGMT aiment poser pour la presse torses-nus et le corps peinturluré. Et franchement c’est le genre d’attitude qui m’agace. D’autant plus que composé de jeunes musiciens bourrés de talent, le groupe s’entête à pasticher la pop ou à formater le rock ; dans le but, je suppose, de nous en mettre plein la vue au lieu des oreilles. Bref, en privilégiant la forme sur le fond, le combo a oublié les règles essentielles pour réussir un album : la créativité et la personnalité.
Pourtant, chez Amazing Baby le sens mélodique est inné ; en outre, leurs harmonies vocales sont particulièrement soignées. Des qualités bien mises en évidence sur « Bayonets », « Kankra » ou encore « Headdress », plages qui s’inscrivent ans l’esprit du « Different Class » de la bande à Jarvis Cocker, paru en 1995. A contrario, « Pump Yr Brakes », un morceau au cours duquel les pédales fuzz sont poussées dans leurs derniers retranchements, lorgne davantage vers un rock pâteux, chaotique et indigeste.
Le célèbre district new-yorkais nous avait pourtant habitués à mieux. La pollution commence peut être à contaminer l’air de Brooklyn. Pourvu qu’elle n’asphyxie pas l’imagination si riche et créative rencontrée dans ce coin de New-York. Bref, revenons à cet Amazing Baby qui a tout intérêt à se remettre en question et surtout manifester un peu plus d’audace, s’il ne veut pas disparaître, aussi vite qu’il est apparu…
American Steel et votre serviteur n’avons vraiment pas la même conception du punk. J’ai probablement tort, puisque ce sont eux les punks et votre chroniqueur le pauvre hardeux appréciant, de temps à autre, de se prendre un glaviot anarchique en pleine face. Pourtant, il faut vraiment creuser profond pour déceler un esprit punk dans la pop rock édulcorée balancée par American Steel sur « Dear Friends and Gentle Hearts ». Et, si glaviot il y a, il est parfumé au bonbon à la fraise.
American Steel est un groupe punk rock formé en 1995. A Oakland, en Californie. Il est déjà responsable de cinq albums à ce jour. « Dear Friends And Gentle Hearts » est leur second opus paru chez le label Fat Wreck Chords (distribué chez nous par Sonic RendezVous). Le punk rock des Californiens se veut mélodique et dansant. Trop mélodique à mon goût pour pouvoir être vraiment punk. On est ici beaucoup plus proche de la pop rock que du punk. Certains titres sont accrocheurs et évoquent davantage les Beach Boys que les Dead Kennedys. Le propos de certaines chansons est sombre et contestataire ; cependant, il est déclamé d’une manière si dépourvue de violence qu’il n’a pas vraiment d’impact sur les esprits.
« Dear Friends And Gentle Hearts » est donc un album gentil et tristounet. Parfait pour d’anciens punks désirant un peu de mélodie tout en gardant l’impression de rester anarchiques ou pour de nouveaux punks qui trouvent Blink 182 trop violent et Green Day pas assez triste.
Formé en 1989 à San Francisco par l’excentrique David Freel, « Swell », pour ses 20 ans, change de nom et dégrossit la formation l’espace d’un album. C’est sous le nom de Be My Weapon que David Freel (chant/guitare) et Ron Burns (batterie) gravissent les montagnes de l’Oregon, en août 2008, pour accoucher de « March/2009 ». Album qui sort sous le label personnel du chanteur pSychosPecificMusic, en mai 2009. Amplement reconnus comme l’un des piliers du rock alternatif américain, tout comme Grandaddy et Lambchop, les Californiens suscitent de nouveau notre curiosité en produisant ou plutôt en extrayant de leurs gisements mêmes de vertige, au cœur des profondeurs, une magnifique pépite folk rock à dix éclats. Dix facettes plus brillantes les unes que les autres.
L’élégance et la sobriété de la pochette nous rappelle cependant que l’âme de Swell est bien présente tout au long de ce dernier elpee. On y retrouve, en effet, les atmosphères intimistes et minimalistes, parfois presque glaciales, du groupe. Des mélodies sombres et pures, soutenues par une batterie solide et virevoltante, mais surtout couvertes d’une voix caverneuse et déprimée, héritée de Lou Reed. C’est la nuit lumineuse, dans toute sa nudité, au cœur du givre de l’hiver. Resplendissante d’abstraction et immuable. Espace sombre sillonné de lueurs infinitésimales. Un son folk rock souillé d’une lo-fi produisant ce grain roots (« The Exits »). L’ensemble nous offre des mélodies simples mais obsédantes et oppressantes (« Bad Bad Bad »).
De cet opus subtilement dépouillé exhale une essence profonde dont tout le corps frissonne. Celle d’un songwriter d’un incontestable talent qui charge le son, mais comme une arme à feu, des munitions éminemment émotives que livrent ses paroles ironiques et décalées. Cette voix sincère, lucide, chante les éloges de la torpeur de vivre, nous jette quelques brindilles d’existence douloureuse qui s’illuminent d’étincelles d’espoir (« Love is just so overrated »). Quelques mots pour les maux !
« March/2009 » prend alors la forme d’un livre de contes qui caresse les oreilles de ses 10 récits contant la vie et la mort, la lumière et l’obscurité, le miel et le fiel…
Le talent fou d’auteur/compositeur/interprète de David Freel et ses airs fragiles et désespérés touchent l’âme et éclairent le versant sombre de nos vies. Notre face cachée de lune se révèle.
Un album chaudement recommandé pour bercer vos longues nuits d’hiver au coin du feu.
‘Go where new experiences await you’. L’invitation est signée Black Dice. Et lorsqu’on connaît les expériences opérées par ce trio originaire de Brooklyn, on est en droit de se poser la question de savoir s’il est bien judicieux de le suivre. Parce que j’invite les amateurs d’électro carré dont les beats sont toujours parfaitement en phase, de passer leur chemin. En effet, contrairement au titre de ce nouvel opus, « Repo » n’est pas de tout repos et seuls les plus téméraires oseront affronter cette galette gorgée de saturations et de contretemps. Des expérimentations sonores uniques en leur genre que ces Newyorkais mènent depuis leur formation, en 1997.
Dès leurs débuts chez DFA, Black Dice a suscité une forme de respect. Notamment en concoctant des titres tels que « Smiling Off », « Cone Toaster » ou encore « Endless Happiness ». Un respect qui s’est depuis mué en influence. Notamment pour un groupe comme Animal Collective. Black Dice est même devenu une référence en matière d’électro noise ; et cette neuvième rondelle (déjà !) en est une parfaite démonstration. Réunissant 14 titres oscillant de 30 secondes à 6 minutes, cet elpee regorge de surprises. Au menu : compos déstructurées par des samples et des boîtes à rythmes, balayées de guitares distordues, grinçantes, venimeuses et raffinées par l’électronique. Sans oublier la fanfare version techno primitive, les bruitages foudroyants et les remarquables bidouillages sonores ! Bref, après neuf albums, Black Dice ne se réveille toujours pas de son cauchemar et ça, c’est vraiment cool !
L’ami Zakk Wylde s’endormirait-il sur ses lauriers ? Il y a déjà 3 ans que le soliste d’Ozzy Osbourne nous a servi « Shot In Hell », son médiocre dernier album concocté en compagnie de Black Label Society. Trois ans que ses fans attendent qu’il veuille bien rectifier le tir en leur offrant enfin un opus à la hauteur de son talent. Peine perdue, « Skullage » est une nouvelle désillusion.
Quatre ans à peine après avoir sorti le best of « Kings Of Damnation 98-04 », Wylde édite cette année une nouvelle compilation intitulée « Skullage ». Celle-ci ne fait cependant pas vraiment double emploi avec « Kings Of Damnation », puisque seulement 2 titres sont communs aux deux disques. Toutefois, deux compiles en si peu de temps traduisent quelque peu le manque d’inspiration.
Bien qu’il paraisse sous le nom de Black Label Society, « Skullage » reprend des morceaux de toute la carrière du bucheron six-cordiste. En plus de deux plages issues de chaque album de BLS, on retrouve « Machine Gun Man », un titre extrait de l’elpee de Pride Of Glory (NDR : la première escapade de Wylde sans Osbourne) et « Dead As Yesterday » tiré de « Book Of Shadows », son album solo. Ajoutez-y quatre live acoustiques inédits pour attirer l’attention du fan déjà détenteur de l’intégrale du groupe et vous obtenez un nouvel opus réalisé à moindre frais. Pas très jolie cette méthode, Monsieur Wylde.
Allez, ne faisons pas la fine bouche ; car, un album moyen du grand Zakk, c’est quand même de très haut niveau. Le métal graisseux, mâtiné de rock sudiste et de lead guitares suintantes de feeling fait toujours mouche. Quel plaisir, d’ailleurs, de réécouter les « Doomsday Jesus », « Stillborn » ou « Suicide Messiah ».
« Skullage » est donc une bonne carte de visite pour celles et ceux qui ne connaissent pas encore la musique de Zakk Wilde ; les autres devront décider si ces 4 morceaux acoustiques immortalisés live suffisent à justifier une nouvelle dépense en cette période de crise.
Ce qui frappe dès le premier morceau de cet album, c’est la virtuosité de Charlène Juarez –alias Chat– au piano. Pas étonnant quand on sait qu’elle a suivi une longue et brillante formation de pianiste classique. Alors pourquoi ne pas s’être lancée dans ce créneau ? Parce qu’en séjournant à Londres, elle y a découvert la pop. De Radiohead à Bowie, en passant par les Doors et le Velvet (NDR : toujours les classiques!) Elle écrit ses propres chansons. Mais il aura fallu attendre d’être repérée par un label portugais sur son MySpace et la rencontre avec Joseph Chédid et Henri Blanc-Francard pour que les événements se précipitent. Et cette « Folie douce » a été enregistrée dans le Labo M, celui de Mathieu Chédid, le frère de Joseph. Si les deux protagonistes ont participé aux sessions d’enregistrement, Albin de La Simone et Pierre Cohen sont également de la partie.
Découpé en 13 fragments, cet opus communique une excellente impression sur les premiers morceaux de l’album. L’inévitable « Alice », le pétillant « Harmony », le très ‘M’ « Maman », le versatile et plus électrique « Les petites choses » ainsi que le syncopé « R ». Arpèges d’ivoires virevoltants, arrangements judicieux et soignés ainsi que textes qui correspondent bien au monde contemporain vécu par une jeune fille de son âge, même si parfois ils peuvent parfois sembler puérils, alimentent sa muse. Bref, tout baigne. Et elle mérite alors bien les compliments flatteurs réservés par la presse hexagonale qui la compare à Camille ou Emilie Simon. Il y a même un titre dans la langue de Shakespeare : « It’s so cold ». Problème, c’est que passé ces premiers morceaux, une lassitude commence à s’installer. Désolé, mais j’ai toujours appelé un chat, un chat… Chat a du timbre, mais manque de registre. Et en optant pour un minimalisme mélancolique, essentiellement tramé sur son piano et sa voix, ses chansons commencent à lasser. Dommage. Un mini elpee aurait suffi.
Ces deux musiciens peuvent se targuer d’avoir vécu une carrière extraordinaire. Et pour cause, il y a 45 ans qu’ils roulent leur bosse dans l’univers de la pop, du rock et du blues.
Dès ses débuts, Clapton est déjà surnommé le ‘God’ de la guitare. Il a transité par les Yardbirds, les Bluesbreakers de John Mayall avant de fonder le trio Cream. En 66. Trois ans plus tard, il monte Blind Faith, le premier super-groupe dont l’existence sera cependant éphémère. Steve Winwood participe cependant à cette aventure. Clapton embraie ensuite par les projets Delanay & Bonnie, Derek & the Dominoes, avant de finalement se lancer dans une carrière en solitaire. Et avec succès.
Winwood a fait ses premiers pas dans l’univers de la musique, alors qu’il avait à peine 15 ans. Au sein du Spencer Davis Group. Il fonde ensuite Traffic avant de rejoindre Clapton, Ginger Baker et Rick Grech au sein de Blind Faith. A plusieurs reprises, il va tenter de relancer Traffic ; même si sa carrière personnelle peut être considérée comme fructueuse.
Lors d’une des dernières tournées d’Eric et de son band, Winwood est invité à monter sur les planches. Nous sommes alors en février 2008. Une collaboration qu’il va apporter trois soirées consécutives, au Madison Square Garden de New York. Comme les vibrations sont excellentes, les deux musiciens décident de partir ensemble pour un nouveau périple. En 2009. Une aventure qui vient de s’achever en juin dernier. Et d’être immortalisée sur un double compact-disc d’une durée de deux heures. De quoi ravir les aficionados des deux sexagénaires.
Pour la circonstance, Eric et Steve sont épaulés par le bassite Willie Weeks, le claviériste Chris Stainton et le drummer Ian Thomas. Le tracklisting réunit des titres issus du répertoire de Blind Faith, de Traffic ainsi que quelques compos signées JJ Cale et Jimi Hendrix. Les deux stars se sont bien partagé l'affiche! Si fin 69, l’histoire de Blind Faith s’est conclue par un échec, Eric et Steve n'ont pas oublié ce bref épisode. D’ailleurs, ils interprètent quatre des six plages issues du seul et unique album, dont en ouverture, une excellente version de "Had to cry today". Winwood est aux vocaux, alors que Clapton se réserve un premier envol tout en concédant au passage un duel aux cordes en compagnie de son partenaire. Le tandem chante en chœur le "Low down" de JJ Cale. Steve chante vigoureusement le solide "Them changes". Issue de la plume de Buddy Miles, cette plage figurait sur l'elpee du Band of Gypsies de Jimi Hendrix. Clapton est euphorique. Il injecte une certaine agressivité dans sa voix pour attaquer "Forever man", un morceau extrait de son opus "Behind the sun", paru en 1985. "Sleeping in the ground" est un blues concocté par le regretté Sam Myers. Ce fragment figurait au répertoire de Blind Faith. Un titre que le combo avait d’ailleurs joué lors de leur tout premier concert, accordé au London Hyde Park. C’était en juin 1969, devant plus de cent mille personnes. La paire chante le superbe "Presence of the Lord", une compo caractérisée par ses changements de rythmes. Sans doute la meilleure chanson de Blind Faith. Et on a encore droit au "Well all right" de Buddy Holly ainsi qu’à "Can't find my way home".
Winwood a retenu quelques morceaux du répertoire de Traffic, dont l'intéressant instrumental "Glad". Ses accords de piano jazzyfiants pétillent face à l'orgue de Stainton (NDR : un ex-membre du Grease Band de Joe Cocker). Le subtil "Pearly Queen", ensuite. Et enfin, le doux et lent "No face, no name, no number", une chanson qu’il interprète en injectant une fameuse dose d'émotion.
De son côté, Clapton se fend d’une reprise du célèbre slow blues "Double trouble" d'Otis Rush. Son envolée aux cordes est magique. Puis embraie par son succès acquis chez Derek and the Dominoes, "Tell the truth".
Le second cd s’ouvre et se referme par des compositions de JJ Cale : "After midnight" et "Cocaine". Clapton est à la fête! Les deux têtes d'affiche se réservent quelques instants en solitaire. Eric Clapton lors du "Rambling on my mind" de Robert Johnson, qu’il exécute en acoustique. Et Stevie Winwood pour s’attaquer à l'orgue au "Georgia on my mind" de Ray Charles. Le duo n’a pas oublié leur ami disparu, Jimi Hendrix ; et lui rendent un hommage. Tout d’abord à travers une cover très réussie de "Little wing" et puis une version de plus de 16 minutes de "Voodoo Chile". Enfin, Winwood se réserve une de ses meilleures compos, "Dear Mr Fantasy", un morceau au cours duquel il se montre fin gratteur. Ce double album est excellent ; et il démontre toute l’étendue du talent de ces deux artistes qui sont parvenus à traverser plusieurs générations, tout en suscitant le respect…
M.I.A., Santigold, Imani Coppola et consorts n’ont qu’à bien se tenir. La nouvelle petite teigne black de la scène ‘pop-rock-electro-et-tout-le-bazar’ s’appelle Ebony Bones! et elle va tout casser. Après avoir fait ses armes au sein du casting d’un soap britannique (« Family Affairs ») durant huit années consécutives, la jeune femme a décidé de lâcher l’affaire pour se consacrer à sa musique. Une sage décision qui lui permet, manifestement, de décrocher le rôle de sa vie au sein du label Sunday Best (Dan Le Sac vs. Scoobius Pip, Dub Pistols, etc.). Personnage haut en technicolor, Miss Bones, de son vrai nom Ebony Thomas, délivre un premier travail en bonne et due forme, alliant profondeur, légèreté, hargne et allégresse.
Ebony Bones! aime les guitares tranchantes et les cymbales frétillantes. Après une introduction ‘décoiffante’ (« W.A.R.R.I.O.R. »), la Londonienne fait un petit tour sans complexe du côté de The Rapture (« We Know All About You », « The Muzik ») pour ensuite emprunter quelques notes aux Yeah Yeah Yeahs (« Guess We’ll Always Have NY »). Mais Miss Bones sait également se montrer authentique lorsqu’elle donne tout son sens au terme ‘DIY’ (l’entêtante afro-beat de « Don’t Fart On My Heart »). Vu la succession de tubes estivaux imparables, « Bones Of My Bones » est bien placé pour devenir le carton de l’été.
Ebony Bones! sera présente au Pukkelpop cette année et, d’après les échos de ses concerts français, il s’agira probablement –pour celles et ceux qui auront la chance d’y être– de l’un des rendez-vous du festival à ne surtout pas manquer.
Tiens, Mark Olivier Everett a rejoint la confrérie des barbus. Même qu’il est occupé de faire concurrence à celles portées par les membres de ZZ Top (NDR : ils ne l’ont pas rasée ?) D’ailleurs lors du premier titre de ce septième opus d’Eels, « Prizefighter », il nous propose un blues bien enlevé, bien électrique, en insistant sur l’aspect rauque de sa voix. Et récidive sur le sauvage « Tremendous dynamite », un peu dans l’esprit des Doors. Car si le nouvel opus recèle plusieurs ballades, dont certaines sont vraiment superbes (NDR : le single « That look you give that guy », le tendre et voluptueux « In my dreams », « The longing » interprété dans l’esprit d’« Electro-Shock Blues » et le bouleversant « All the beautiful things »), il propose des compos bien nerveuses (NDR : le déchaîné « Lilac breeze » ainsi que le plus électro « Fresh blood » –l’autre single– plage ténébreuse, introspective, dont le groove rappelle le meilleur de Beck, sans oublier l’abrasif « What’s a fella gotta do », attaqué dans l’esprit d’un Sebadoh) sans pourtant jamais se départir de son sens mélodique contagieux. Tout n’est pas parfait, mais dans l’ensemble, cet album tient bien la route. Côté lyrics, Mark soulève une réflexion sur le désir, un dessein susceptible d’emprisonner les âmes et de les détruire. Décidemment, il est toujours aussi inspiré par les questions existentielles…
Au sein de ce trio britannique, milite le guitariste/mandoliniste/bassiste Simon Swarbrick (également préposé aux cordes), le cousin de Dave Swarbrick, ex-violoniste de Fairport Convention. Et puis un certain Richard Hammond, également six-cordiste (NDR : la sèche !), mais surtout remarquable chanteur dont le timbre campe un hybride entre Guy Garvey (Elbow) et Thom Yorke (Radiohead), mais en moins dramatique. Le line up est complété par Andy Trim aux drums. Cet opus est paru début 2007, mais vient seulement d’être distribué officiellement en Europe. Si vous êtes inconditionnel de la britpop, vous ne pouvez passer à côté de cette œuvre. Les spectres d’Elbow et de Radiohead y planent constamment ; mais également des Doves. Ainsi que d’Unbelievable Truth (NDR : le groupe d’Andy Yorke, le frère de Thom), pour les sous-courants acoustiques. Rien que le morceau d’entrée, enrichi d’arrangements symphoniques somptueux et dynamisé par une section rythmique pulsante vous en met plein la vue (NDR : et les oreilles). Des arrangements audacieux, immaculés, parfois électro, qui enveloppent les mélodies sinueuses, mélancoliques, d’une subtile brume atmosphérique. Sans oublier une production d’un raffinement et d’une précision extrêmes. Comment un album de cette trempe a-t-il pu passer complètement inaperçu ?
Après avoir édité un mini-album autoproduit en 2004, The Fatales nous propose son premier elpee : « Great Surround ». Le quatuor new-yorkais s’est offert les services d’Andy LeMaster (Bright Eyes, PacificUV, Azure-Ray) pour produire son premier opus à Athens, en Géorgie (USA).
Marqué par la new-wave des 80’s, The Fatales est responsable d’une solution sonore cold wave sans faille et d’une netteté surprenante. Vacillant dans un genre musical qui a tendance à se mordre la queue, The Fatales innove. Aux influences culturelles d’inspiration européenne, les quatre Etasuniens élaborent un projet entre new new-wave et peinture impressionniste. Leurs coups de pinceau sonores se voilent d’arrangements subtils de cordes et d’habillages électroniques vaporeux et oniriques. Les guitares, vertigineuses et aériennes, survolent les brumeuses falaises britanniques. Se posent imperceptiblement. A la limite de l’audible. Sur une toile primitive flamande, se cristallisent enfin.
Ces sortilèges nous fascinent et nous égarent sur des chemins de neige ou encore de brume. Comme lorsque le duo batterie-piano rencontré sur « Old Painter » nous invite à fouler, juste du bout des yeux, les paysages très dépouillés et mélancoliques du peintre impressionniste belge Valerius De Saedeleer (illustration de la pochette). Les amoureux du septième art ne seront pas en reste. Quand les Américains décident de revisiter la culture étasunienne, ils s’attaquent aux atmosphères intrigantes et hypnotiques de David Lynch. « Stadtpark », « City en Route » ou le très éthéré « Violette » s’imprègnent largement de la bande son de Twin Peaks.
Cependant, la musique de The Fatales reste avant tout un héritage new-wave mis en abîme. Ainsi, « Evergreen », en ouverture de l’album, nous plonge très vite dans un univers proche de celui d’And Also The Trees. Univers où l’on rencontre aussi le spectre de Robert Smith qui hante la perspective, le clivage des roches, la ligne d’horizon. « Darkened Country » en témoigne par sa flagrante analogie avec « A Forest » de The Cure.
Quant à la voix brumeuse de Wayne Switzer (chant/guitare/clavier), elle coïncide souvent avec celle des britanniques Tom Smith (The Editors) et Paul Banks (Interpol) et nous étonne lorsqu’elle se heurte parfois et se froisse sous le choc de celle de Morrissey sur « Vanishing Act ».
The Fatales nous propose globalement une douce mais vénéneuse cold wave qui s’éloigne des sentiers battus et se distingue tant par la diversité de ses références artistiques que par la qualité et l’originalité de ses arrangements. Les ambiances introspectives et mélancoliques raviront certainement les amoureux du genre qui se conforteront délicieusement à l’écoute de ce premier opus.
Bah alors ? Qu’est ce qu’il lui arrive au petit Richard Melville ? Quelqu’un lui aurait marché sur les pieds sans présenter ses excuses ? Quoi qu’il en soit, Moby est triste et le fait savoir haut et fort. « Wait For Me », le neuvième recueil du bonhomme tourne le dos au dancefloor. Celui que l’on croyait réconcilié avec les beats dansants (« Last Night », 2008) fait un petit retour en arrière et se concentre sur l’aspect ‘ambient’ de ses vieux travaux. Le New-yorkais mise à fond sur le spleen, allant jusqu’à flirter avec le « Music For Airports » de Brian Eno. Mais sans atteindre le brio de ce dernier.
« Wait For Me » contient probablement quelques unes des meilleures et des plus intenses compositions jamais écrites par son géniteur (« Pale Horses », « Shot in the Back Of The Head », « Wait For Me », …) Mais Moby est également enclin à se laisser aller à une emphase irritante, notamment lorsqu’il nappe ses morceaux d’une couche dégoulinante de cordes synthétiques aux sonorités souvent similaires. Un peu comme s’il cherchait à y poser un leitmotiv qui, au final, n’apporte pas grand-chose à l’ensemble. A condition d’oublier ces quelques titres superflus, « Wait For Me » s’écoute tranquillement allongé sur le gazon, les yeux rivés sur les étoiles. Une chose est sûre, Moby n’est jamais aussi bon que dans la sobriété et loin de la pop.
Cet album est paru en novembre 2007, mais il vient seulement de bénéficier d’une distribution officielle chez nous. Et si « Heads on fire » ne constitue pas le premier elpee de cette formation établie à New-York, je vous promets bien du plaisir si vous cherchez à savoir combien de disques elle en a concocté depuis ses débuts. Certains ont même été pressés à un maximum de 50 exemplaires ! Julian Cope les apprécie tout particulièrement. Non seulement il les avait invités à assurer le supporting act d’une de ses tournées, mais il avait remixé les morceaux de ce « Heads on fire » sur un vinyle. En évoquant le nom du leader du mythique et défunt Teardrop Explodes, vous pensez inévitablement au psychédélisme. Et vous avez tout à fait raison. Un psychédélisme éclaboussé de space métal, de garage et de krautrock. Puisant plus que probablement ses influences chez les Warlocks, Hawkwind circa « In search of Space », les Stooges époque « Funhouse » ainsi que Can.
Découpé en 6 morceaux, Heads on fire » recèle une plage de plus de 26 minutes : « Don’t be afraid ». Véritable pièce centrale de l’opus échafaudée sur un crescendo lancinant, elle est entrecoupée d’un interlude stratosphérique, avant d’en revenir au thème initial, comme beaucoup de groupes du style opéraient au tout début des seventies. Sans quoi groove lancinant, implacable, féroce, tempo hypnotique, tentaculaire (NDR : parfois plus enlevé, comme lors de la plage finale « Eternity »), ligne de basse distordue, guitares bourdonnantes, triturées par les pédales wah wah ou cosmiques, synthés tourbillonnants et vocaux éthérés, réverbérés, ténébreux, trament la densité de cette expression sonore qui recherche constamment l’harmonie entre l’ambiance et le chaos ; mais surtout est sensée reproduire un voyage hallucinogène dans l’espace et le temps…
Keith Emerson, du haut de ses 65 ans, n’a vraiment plus rien à prouver. Et à qui que ce soit. Leader en son temps d’une des formations rock progressives les plus influentes des seventies (je ne vous ferai pas l’affront de vous la citer), il est aussi (à l’instar de Jon Lord) l’un des meilleurs claviéristes rock de sa génération. L’Anglais est capable de s’immiscer dans tous les styles : Jazz, Rock, Classique, Progressif, Blues, Classique. A l’écoute de son nouvel opus, « Keith Emerson Band Featuring Marc Bonilla », deux mots viennent immédiatement à l’esprit : ‘Ouais, Bof’.
Je le répète, Emerson peut tout jouer ; et, sur cet album, il ne s’en prive pas. Progressif, Jazz, Ballades, Pop, Rock, Musique d’église, Classique, tout y passe. Cependant, cette diversité nuit beaucoup à l’homogénéité de l’elpee. On a l’impression d’être en présence d’une démonstration de talent du style : ‘Je peux tout faire, et je le prouve’. Bien sûr, instrumentalement c’est parfait parfait. Fignolé jusqu’au dernier détail. Comme il fallait s’y attendre, les claviers se réservent l’essentiel de l’espace sonore : Grand Piano de Concert, Orgue Hammond, Synthé Moog, Harmonium, Synthé Korg. Pas un seul instrument à clavier ne passe pas sous les doigts agiles du virtuose britannique. Les guitares sont assurées par Marc Bonilla, comme pour l’album de Boys Club (Emerson, Hughes et Bonilla) sorti récemment. Il faut avouer que le bonhomme s’y entend pour délivrer des soli magiques qui collent parfaitement à la musique d’Emerson. La batterie est assurée de main de maître par Gregg Bissonette (ex- David Lee Roth, Joe Satriani, Frank Zappa) et la basse par le requin de studio Bob Birch.
Ce Cd est certainement un must pour tous les fans d’Emerson et une grande leçon pour tous les claviéristes en herbe. Cependant, il n’est probablement pas le meilleur moyen de découvrir la musique d’Emerson. Tout autre album d’ELP ferait bien mieux l’affaire.
Nous sommes à l’Ouest du Texas. Bien loin des grandes cités comme Dallas et Houston. Plus exactement dans une petite bourgade sise dans l’Amérique profonde. Répondant au nom de Lubbock. L'atmosphère y est calme. Propice à la préservation du folk et de la country. Y sévissent alors trois auteurs/compositeurs impliqués dans une communauté. Qui s’exprime à travers un projet commun : les Flatlanders. Né en 1972, il a permis à l’ensemble de se produire au festival folk de Kerrville ; mais s’est rapidement disloqué. L’année suivante, pour être plus précis. Trois des piliers, Jimmie Dale Gilmore, Joe Ely et Butch Hancock se lancent alors dans des carrières individuelles. Et trouvent même la voie du succès.
Pourtant, au cours des 90’s, les trois artistes décident de se réunir à nouveau. Sous ce fameux patronyme de Flatlanders. Et finalement enregistrent un elpee en 2002 : "Now again", chez New West. Puis "Wheels of fortune" en 2004. Le label en profite alors pour exhumer des bandes ‘live’ immortalisées à leurs débuts, dans un honky tonk d'Austin, et les grave sur un cd la même année. Il s’intitule "Live 72" !
« Hills and valleys » regorge de très jolies ballades. Dans le style, elles sont impeccables. Et les vocaux limpides. L’elpee s’ouvre par "Homeland refugee", une compo dont le charme est entretenu par les guitares acoustiques et l'accordéon de Joel Guzman. Un piano à bretelles toujours au poste lors du "Wishing for a rainbow". L'ambiance est parfois allègre, transportée par cette bonhomie tex mex ; à l’instar de "Borderless love" et "No way I'll never need you". Dans un esprit plus éclectique, "Just about time" est sculpté dans un rock'n'roll léger, balisé par les accords de piano sautillants dispensés par Bukka Allen. Country/rock, "The way we are" respire la grande classe. Joe Ely chante deux de ses excellentes compositions : le doux "There's never been" et le puissant "Love's own chains". Les arrangements accrochent instantanément l’oreille. La guitare à douze cordes de Rob Gjersoe et la pedal steel de Lloyd Maines participent activement à cette opération de séduction. Maines milite, habituellement, au sein du groupe d’Ely. Pour la circonstance, il assure aussi la production. Les Flatlanders rendent hommage à Woody Guthrie en adaptant son "Sowing on the mountain". Une vision très personnelle plongée dans une ambiance allègre, entretenue par le violon de Marite Maguire, le banjo et la mandoline. Et dans le style, cet elpee est une réussite.
Les Blue Watusis, c'est avant tout l'association de deux musiciens chicagolais : le chanteur/harmoniciste/saxophoniste Frank Raven et le chanteur/harmoniciste/guitariste Jim Desmond. Deux partenaires qui se partagent l’écriture depuis le début des 90’s. Au sein de la Cité des Vents, Franck est considéré comme un vétéran de la scène blues. Il drive également son propre groupe : le Franck Raven Band. Frank et Jim sont très prolifiques. Ils ont commis, toujours ensemble, trois elpees sous le patronyme de Raven Desmond Songs, et quatre sous celui des Blue Watusis, des disques immortalisés en public : "Live at Lounge Ax", "Chicago the blues today" (NDR : tous deux édités en 2006) et déjà "Welcome to the House of the Blues" en 92.
Sous-titré "The best of the Blue Watusis Vol 1", ce “Chicago Real and Live” compile les long-playings "Chicago the blues today" et "Live at Lounge Ax"! Lors des sessions d’enregistrement de ces deux disques, le tandem avait reçu le concours de leur ami guitariste Lee d'Budda, du bassiste Tom Susala et du drummer John Slattery. La musique des Watusis est particulièrement énergique. Leur force de frappe est comparable à celle dispensée par les groupes punk. Mais leur solution sonore me fait surtout penser aux débuts de Nine Below Zero, un combo qui a sévi sur la scène britannique, il y a déjà trente ans. Caractéristique principale de leur line up : le front de deux harmonicistes.
Et dès l’ouverture du cd, la rencontre entre les deux souffleurs est percutante. Les deux harmonicas virevoltent tout au long de ce puissant "Chicago the blues today", face aux solides riffs rythmiques libérés par la guitare. Imprimés sur un tempo sauvage, "Toy money" et "Youth is wasted on the young blues" arrachent tout sur leur passage. L'atmosphère se calme enfin. Il est vrai que le propos est grave : "Lost my job, lost my baby & I'm workin' on my mind". Trois morceaux ont été immortalisés unplugged, en direct, pour la radio WLUP : "Slow walkin' slider", "Just want it now" et à nouveau "Chicago the Blues today". Jim chante "Ax murder Mama", un bon blues lent au cours duquel Frank lui répond à coups de sax. Tous ces enregistrements datent de la période sise entre 1992 et 1994.
Les sept derniers titres ont également été enregistrés en ‘live’. Au Lounge Ax, très exactement. Etablie dans le quartier de Lincoln Park à Chicago, cette salle a programmé des concerts entre 1987 et 2000. On reconduit pratiquement le même schéma que pour le studio. A nouveau la formation, et notamment les deux leaders, manifeste ici une énergie et un dynamisme débordants. Un seul slow blues: "Welcome to the House of the Blues".
Dave Alvin est surtout connu pour ses Blasters, une formation qu’il avait montée dès 1979, en compagnie de son frère Phil. Originaires de Downey, en Californie, les frangins se partageaient alors chant et guitares. "American music" constitue leur tout premier elpee. Il remonte à 1980. Ce groupe mythique était devenu notoire dans les milieux des passionnés du rockabilly et de la country. Il impliquait le pianiste Gene Taylor (Fabulous Thunderbirds) et le saxophoniste Steve Berlin (Los Lobos). Au cours des dernières années, Dave avait monté un backing band répondant au patronyme de The Guilty Men. Malheureusement Chris Gaffney, leur accordéoniste, allait décéder des suites d’un cancer. (NDR : ce dernier avait également côtoyé Dave Gonzales chez les Hacienda Brothers).
Automne dernier, Alvin se produit en compagnie d’une formation féminine. A San Francisco. Les réactions sont enthousiastes. Ce qui explique le départ de cette nouvelle aventure. Concrétisée par cet opus! Elles sont sept et se produisent sous le patronyme des Guilty Women. Très douées, elles sont établies à Austin, au Texas. Et réunissent Cindy Cashdollar à la steel, la lap steel et le dobro (NDR : elle milite également chez Asleep at the Wheel), Nina Gerber aux guitares électriques, Laurie Lewis au violon et à la mandoline, Christy McWilson au chant, Sara Brown à la basse, Ama Farris au violon et Lisa Pankratz aux drums.
Le Cd s'ouvre par "Marie Marie" (NDR : l’histoire d’une femme coupable), un titre phare chez les Blasters. Bien rythmé, il nous invite à participer à une fête country cajun. Le combo chante à l'unisson (NDR : y compris Dave) alors que les accents métalliques d'une pedal steel déchirent l’univers sonore. Violon sémillant et accordéon allègre se conjuguent dans la bonne humeur. Une compo qui fleure bon la Louisiane lointaine. Caractérisé par son swing omniprésent, le bluesy "California's burning" évolue tout en rythme, une compo irradiée par la lap steel de la talentueuse Cindy. Ballade sombre, "Downney girl" est hantée par les chœurs discrets mais lumineux de la troupe féminine. Une voix hoquète. Elle est taillée pour la country. C’est celle de Miss McWilson qui se fend d’un "Weight of the world" raffiné par la guitare en picking de Miss Nina. "Boss of the blues" rend hommage à Big Joe Turner, le roi du blues de Kansas City. Du pur western swing. Le violon enchante. Invitée, Marcia Ballbrille brille aux ivoires, pendant que les cordes métalliques de Cindy découpent la mélodie. L’opus recèle d’excellentes ballades. Dont "Anyway", une compo magnifiée par les cordes de la charmante blonde Cashdollar. "Potter's field" également. Alimentée par les ravissantes voix de ces drôles de dames. Et enfin "These times we're living in". Les dames remettent le couvert sur "River under the road". Le dobro de Cindy est divin et le violon de Laurie saisissant. Dave épanche toute sa tristesse en chantant "These times we're living in", une sensation accentuée par les accords bouleversants dispensés par le dobro. Beau à pleurer! Blues voire r&b balisent l’histoire de "Nana and Jimi". Nana, la maman de Dave, avait assisté à un concert de Jimi Hendrix, dans une atmosphère swamp blues… Si la cover du "Don't make promises" de Tim Hardin ne manque pas d’allure, la finale met un point d’orgue à cet elpee. Et pour cause, le traditionnel "Que sera, sera" parvient à mélanger habilement swing, rockabilly, roadhouse et folk. Dave joue de la sèche en picking. La voix de Christy est gémissante. Violon et piano manœuvrent habilement. Epatant !
Nederlands 
Français 
