Pour de nombreux observateurs, Jack Peñate était une des révélations des premiers frimas 2007. Il faut dire qu’XL Recording avait fait de l’endiablée « Split At Stars », en préambule de l’album qui tardait à sortir, un buzz percutant. Voilà pour le coup dans le rétro ; et force est de constater, à sa présence récurrente sur les ondes entre autres, que l’Anglais a bien passé l’hiver. Gageons que la musique frétillante de ce songwriter au ‘ñ’ ibérique et au visuel ‘peps’ nous conduira même jusqu’au plus chaud de l’été, sans lasser nos enceintes.
Après trois notes, on trouve l’album ‘énergique’, le premier refrain n’est pas encore arrivé que déjà on sait qu’il faudra trouver un autre qualificatif à ces coups de gratte frénétiques. Jack Peñate c’est un peu une heure de tachycardie, la douleur en moins ; une sorte de Space Mountain avec un soleil à la place de la lune qui sourit en fin de rails.
Difficile de catégoriser ce déchaînement sautillant : des allures rétro, de la pop bien ficelée, et du rockabilly dans les coins… ? L’artiste à ressorts invoque la ‘soul-indie’ : curieux comme les sonorités de l’album, sympathiques et d’un enthousiasme communicatif. A l’écoute on s’inquiète un peu d’imaginer un homme à l’allure pourtant saine se lancer dans une telle hystérie rythmique. En le voyant sur scène, sourires en rondeurs et chemise à carreaux, on va d’ailleurs jusqu’à douter de son humanité tant la condition physique impressionne. Qu’a-t-il bien pu arriver à ce type pour qu’il mette son existence aux enchères dans chaque accord ? Certains se plaisent à dire que tout vient de l’enfance et pour une fois on a envie d’y croire. Petit fils de l’auteur Marvyn Peake, le Londonien semble revendiquer à chaque seconde le précepte de son aïeul ‘To live at all is a miracle enough’. Et si on est content de pouvoir se recoiffer sur des morceaux plus apaisants tels l’ultime « When We Die », l’acharnement est thérapeutique et remplace au réveil toutes les oranges pressées et tous les cocktails vitaminés qui achalandent la devanture des pharmacies.
Ian est âgé de 36 ans. Ce jeune musicien est issu du sud de l’Angleterre. Un passionné du rock'n'roll qui s’est converti progressivement au blues. D’abord celui de son dieu : Muddy Waters. Puis de BB King, Albert Collins et Robert Cray. Après avoir séjourné en Allemagne, à Berlin, très exactement, il revient s'installer à Nottingham. Il y fonde son premier groupe qui enregistre un premier elpee : "Picture postcards". Il se forge déjà une solide réputation de chanteur/guitariste et de compositeur inspiré. Il émigre alors à Londres et monte son Ian Siegal Band. En 2002, il concocte "Standing in the morning", un opus qui ne paraîtra qu'en 2004, sur Taxim. Et en 2005, l'excellent "Meat & potatoes", déjà chez Nugene. Pour la circonstance, il bénéficie de la collaboration du gratteur notoire, Matt Schofield. La même année, il tourne en compagnie de Big Bill Morganfield, le fils de Muddy Waters. Ian possède une voix très expressive, puissante, capable de se débrouiller au sein de différents registres…
Ce nouvel opus s'ouvre par le généreux "Swagger", un véritable exercice de style qui met en exergue son potentiel vocal. Le son est excellent. La production de Matt Schofield met parfaitement en évidence les différents acteurs. Les cordes sont à l'avant plan ; mais également les percus. Quoique généreux, les accords du piano concédés par Johnny Henderson tapissent l’arrière-plan. A l’instar du précédent elpee. Ian adapte "Groundhog blues", un classique de John Lee Hooker. Il s’accompagne à la guitare acoustique. Constituée d’Andy Graham à la basse et de Nikolaj Bjerre aux drums, sa section rythmique abat un boulot remarquable. L’univers sonore demeure cependant très dépouillé. Les rôles de chaque intervenant sont parfaitement définis. Soutenue par les accents métalliques de la guitare, la voix semble libre comme l’air. "Catch 22" campe un blues du XXIème siècle. Largement amplifiée, la guitare libère un son poisseux. Le rythme soutient le chant dévastateur. La slide est gouailleuse. Le tempo imprimé rappelle le meilleur des Stones. Les cordes s'autorisent une sortie habile, âpre et menaçante à la fois. Ripoff Raskolnikov est un de ses amis. Un Hongrois. Il signe ici "Horse dream". La plage s'ouvre sur des cordes hispanisantes, avant de se muer en ballade acoustique. L'atmosphère baigne alors au sein d’une country, proche de Johnny Cash. Le timbre grave et posé de Siegal anime ce western musical. Très rythmé et fluide, l'orgue Hammond de Henderson est bien mis en exergue tout au long de "Stranger than a green dog". Cette plage constitue une réplique southern rock. Il rend hommage à son dieu du blues, Muddy Waters, sur "High horse". Lent et torride, ce blues lent semble sorti tout droit du southside de Chicago. Expressive, la voix de Ian est empreinte de passion et d’une grande sensibilité. Pour la circonstance, il a recours au bottleneck. Derrière les ivoires, Henderson incarne le rôle d'Otis Spann ou de Pinetop Perkins. Le batave Big Pete Vander Pluym se réserve l'harmonica et Schofield la guitare. Un bonheur de plus de sept minutes ! J'apprécie tout particulièrement la formule trio du Ian Siegal Band. Sa cohésion est impressionnante. A cet instant, il me rappelle Chris Duarte. Un autre trio, mais texan. Ils partagent une même philosophie de la complexité. Chaque instrument vient se greffer au sein d’une démarche authentiquement blues. A l’instar du généreux et particulièrement dense "High horse". Tout au long de l’œuvre, il règne un climat lugubre, mystérieux. Les répliques vocales accordées sur "God don't like ugly" demeurent vivaces et passionnées. "I can't believe you wanna leave" opère un changement radical de style. Une cover de Little Richard qui nous entraîne au cœur d’une atmosphère R&B allègre, réminiscente de
Les Klaxons ont décidé de se tourner vers de nouvelles sonorités. Le successeur de « Myths Of The Near Future », prévu pour septembre 2008, pourrait bien se retrouver dans les bacs Hip Hop et R’n’B. Le deuxième recueil du trio sera enregistré en compagnie du producteur hip hop Focus (Dr. Dré, The Game,…) et Tony Visconti, avant d’être mixé par James Ford (Simian Mobile Disco).
Les deftones ont annoncé que le successeur de « Saturday Night Wrist » sorti en 2006, s’intitulera « Eros ». Ce dernier devrait être bien plus atmosphérique que son prédécesseur. Sa sortie est prévue pour l’automne 2008. Mais les fans de la formation ne savent que trop bien qu’il est inutile de se fier à la première date annoncée…
Enregistré sous la houlette de Nick Raskulinecz, notamment responsable du son de Rush, la dernière galette de Coheed and Cambria ne peut que lui assurer un avenir radieux. C’est la sensation que nous avons éprouvée dès la première écoute de cette œuvre de metal mélodique mâtiné de punk rock et de prog, dont nous vous avons déjà amplement vanté les qualités ! On pouvait donc s’attendre, en ce soir béni, à ce qu’une assistance plus fournie s’active entre les murs du VK de Molenbeek. Une bonne moitié de la salle est comblée : une bien maigre récompense pour ce combo hors norme qui accordait à la Belgique un des cinq shows en club sur le Vieux Continent, avant de s’embarquer pour une tournée américaine pharaonique en compagnie de la grosse machine à hits Linkin Park. On s’étonne d’ailleurs de ce choix pour le moins curieux, tant la musique des Australiens se situe aux antipodes des rengaines commerciales de la bande à Chester Bennington!
Il est un peu plus de 21h30 lorsque l’intro acoustique du magnifique « No World for Tomorrow » ouvre le bal. Claudio Sanchez, le chanteur guitariste au timbre si particulier et ses sbires sont visiblement heureux de se produire devant un parterre tout entier dévoué à la cause de Coheed and Cambria.
Le combo évolue sur une scène dépouillée. Seul un back drop aux couleurs de l’avant dernier album, quelques effets de lumière, et deux choristes aux allures de sœurs siamoises égayent un décor pour le moins minimaliste. Mais les musicos affichent une forme olympique, le son est heavy à souhait, et les titres « Gravemakers » et « June Song » terrassent par leur puissance et leurs refrains taillés pour la scène. « A Favorhouse Atlantic » ainsi que « Ten Speed » nous replongent quelques années en arrière ; des titres déjà interprétés par les Aussies lors de leur passage presque anonyme au Pukkelpop 2005.
Mais le meilleur reste à venir ! « The Hound », pièce maîtresse du nouvel album, est interprétée de manière magistrale. La complicité entre les musiciens ne fait aucun doute, même si le jeu du batteur, qui dispose néanmoins d’un kit restreint, semble moins technique en live que sur plaque. La qualité de cette prestation repose en grande partie sur la dynamique qui règne sur la scène et sur la force d’une playlist ravageuse.
Même les siamoises qui ondulent fort généreusement restent crédibles et insufflent davantage de caractère à des compos aussi fortes que « Feathers » ou encore au single aussi rafraîchissant qu’irrésistible « The Running Free » dont les ‘Ho ho ho ho…’ sont repris en chœur par des fans comblés par cette performance de très bon ton. Nous n’assisterons malheureusement pas aux rappels accordés ce soir-là, et c’est l’esprit enivré de bonne musique que nous rallierons la Gare centrale, non sans avoir goûté à tout l’exotisme exaltant qui émane de la station Comte de Flandre un soir de janvier à l’heure du dernier train.
Organisation VK
Le 29 juillet 2006, Morrissey se produisait à l’AB pour un des meilleurs concerts auquel j’ai pu assister au cours de ces dernières années. Il faut avouer qu’à cette époque, on attendait son retour depuis belle lurette. Début 2007, il a donc programmé une mini-tournée en France. Périple qui est passé par la Laiterie de Strasbourg, la Coopérative de Mai de Clermont-Ferrand et l’Aéronef de Lille. Et passera encore par l’Olympia de Paris le 4 février prochain. Mais venons-en au set qu’il a accordé à l’Aéronef, ce samedi 19 janvier, devant un parterre archicomble. Et peuplé de nombreux néerlandophones et anglophones. C’était d’ailleurs sold out quelques jours après la mise en vente des tickets…
En première partie, Girl In A Coma s’est fendu d’une prestation d’honnête facture. Un trio texan, issu de San Antonio très exactement. Féminin aussi. Bénéficiant d’une section rythmique de poids (NDR : deux grandes amies par ailleurs), partagée respectivement entre Jenn Alva à la basse et Phanie Diaz aux drums (NDR : elles n’ont guère de chances de poser pour Playboy !) ainsi que sa sœur cadette –de huit années ! –Nina (NDR : oui, elle, est plutôt jolie !) Elle compose, joue de la guitare et chante d’une voix très expressive et particulièrement ample. Leur patronyme est inspiré d’une chanson des Smiths : « Girlfriend in a Coma », formation mythique à laquelle le combo voue une grande admiration, même si leur musique semble davantage marquée par les Pixies et Sleater/Kinney (également un trio féminin). Nerveuses et punkysantes, les chansons ne sont pas trop mal balancées, mais le son est encore un peu trop brouillon. Néanmoins, il faut avouer que la drummeuse assure sans le moindre complexe et les chansons sont particulièrement rafraîchissantes. Une chose est sûre, cette formation est à suivre de très près…
Girl in A Coma s’est produit devant un grand drap blanc déployé au premier tiers de la scène. Pas une situation idéale pour assurer le supporting act ; mais enfin… Cette toile va servir d’écran à toute une série de projections, dispensée avant la montée sur scène de la bande à Moz. Vont ainsi défiler des courts-métrages (à cette époque on ne parlait pas encore de clips) consacrés à des chansons interprétées par les héros de Morrissey : Sacha Distel, The New York Dolls, Vince Taylor, Brigitte Bardot, etc. En noir et blanc ! Sans oublier la référence à James Dean que l’on découvre en double effigie en arrière-plan, lorsque le rideau tombe. A cet instant on n’entend plus que de la musique d’opéra (Klaus Nomi ?), le temps que la formation débarque enfin sous les acclamations nourries de la foule scandant, depuis quelques minutes, des ‘Morrissey, Morrissey’, sur l’air d’une célèbre chanson d’étudiants grivoise…
Et le show démarre très fort par le « How soon is now ? » des Smiths, caractérisé par ses sonorités de guitare vibrato. Cinq musiciens tirés à quatre épingles –mais en chemise blanche et cravate– accompagnent la star. Qui n’hésite pas à enlever cette cravate dès le deuxième morceau ; la chemise à moitié hors du pantalon contrastant manifestement avec l’impeccable tenue du reste de l’équipe. On n’est pas le boss pour rien, même si trois des musiciens seront autorisés à venir de temps à autre le rejoindre sur le devant de la scène. Un line up constitué d’un bassiste (cironstanciellement contrebassiste), deux guitaristes, un drummer (impressionnant matos dont un gong et une énorme caisse) ainsi qu’un multi-instrumentiste jonglant allègrement entre la six cordes, les claviers (synthés et moog y compris) ou encore l’accordéon. Les balances manquent cependant de précision ; et il faudra attendre un bon quart d’heure avant que les réglages s’opèrent. Et ainsi bénéficier d’un son irréprochable. Morrissey semble de bonne humeur. Il improvise un jeu question réponses avec la foule en prêtant même son micro. Il dessine des cercles à l’aide du fil de ce microphone, un peu comme s’il maniait un lasso. A moins que ce ne soit un fouet ! Et en cadence. Il nous réserve plusieurs nouvelles chanson (NDR : elles devraient figurer sur son nouvel opus, un live, paraît-il ?). Et notamment « That’s how people grow up », « All you need is me », “Something squeezing my skull”, “I’m throwing my arms around Paris” et un remarquable et percussif “Mama lay softly on the riverbed”. Un des sommets du show ! Tout au long du spectacle plusieurs fans réussissent à monter sur scène. Certains se font vider en deux temps trois mouvements ; mais d’autres y parviennent et en profitent pour étreindre leur idole, qui semble particulièrement flatté de cette marque de sympathie (NDR : rien de tel pour gonfler son ego !). N’empêche quelle voix et quel charisme ! Lors des compos les plus populaires, ces aficionados reprennent en chœur les paroles des chansons. Parfois même, ils couvrent sa voix. Très surf, « The loop » frise le délire. Pour la ballade presque floydienne « Pigsty », le guitariste s’est mis à la clarinette. Tout comme lors de la nouvelle compo “I’m throwing my arms around Paris”, titre introduit par un interlude carillonnant intitulé « One day goodbye it will be farewell». Et le show s’achève par une interprétation d’« Irish B. English » qui enflamme littéralement l’audience.
Après une heure trente pile, bras-dessus, bras-dessous, les six artistes viennent saluer le public, comme un seul homme. Et nous reviennent lors d’un rappel au cours duquel ils n’interprèteront qu’un seul titre : le « Lost of the famous international playboys ». Mais la version est de toute beauté. Dès le morceau terminé, les lumières se rallument et la musique de fond calme les ardeurs. Il ne reviendra plus. Mais tout le monde est convaincu d’avoir passé une excellente soirée.
Tracklisting
How soon is now ? (The Smiths – Meat is murder)
The first of the gang to die (Morrissey – You are the Quarry)
I just want to see the boy happy (Morrissey – Ringleaders of the tormentors)
That’s how people grow up (nouvelle compo)
Stop me if you think you’ve heard this one before (The Smiths - Strangeways, Here We Come)
All you nee is me (nouvelle compo)
The national front disco (Morrissey – Your arsenal)
Something is squeezing my skull (nouvelle compo)
Billy Budd (Morrissey – Vauxhall and I)
The loop (Morrissey – Ep 5 titres The Loop)
Death of a disco dancer (The Smiths – Strangeways here we come)
Life is a pigsty – (Morrissey – Ringleader of the tormentor)
I’m throwing my arms around Paris (nouvelle compo)
Why don’t you find out yourself ? (Morrissey – Vauxhall and I)
Mama lay softly on the riverbed (nouvelle compo)
Sister I’m a poet ( Morrissey – The world of Morrissey – compile singles, etc.)
One day goodbye it will be farewell (interlude)
Stretch out and wait (The Smiths – Louder than bombs)
Irish Blood – English heart (Morrissey – You are the Quarry)
Rappel
Last of the famous international playboys (Morrissey – single – sur la compile Bona Drag)
Organisation A Gauche de La Lune
Suite a de graves problèmes de santé, Chris Rea avait, au cours des dernières années, mis la pédale douce. Ce qui ne l’a pas empêché de continuer à composer et surtout de sortir des albums. Dernièrement, il a monté le projet "The Fabulous Hofner Bluenotes", en hommage à la légendaire guitare blues des années 60. Et dans la foulée sorti un box intitulé "The Return of the Fabulous Hofner Bluenotes", recelant pas moins de 20 compos orignales. Et une nouvelle tournée mondiale est programmée. Elle passera par le Lotto Arena d’Anvers ce 11 mars.
Tracklisting :
Disc: 1
1. I Can't Wait For Love - Fabulous Hofner Blue Notes
2. Big Wave - Fabulous Hofner Blue Notes
3. Don't Give Your Ace Away - Fabulous Hofner Blue Notes
4. Renaissance Blues - Fabulous Hofner Blue Notes
5. Let's Get Carried Away - Fabulous Hofner Blue Notes
6. Legacy Blues - Fabulous Hofner Blue Notes
7. Don't Tell Me About The Blues - Fabulous Hofner Blue Notes
8. If I Keep My Faith In You - Fabulous Hofner Blue Notes
9. Shadow Of A Fool - Fabulous Hofner Blue Notes
10. Rock 'n' Roll Tonight - Fabulous Hofner Blue Notes
11. I Will Be With You - Fabulous Hofner Blue Notes
Disc: 2
1. Twister - Fabulous Hofner Blue Notes
2. When The Truth Comes Out - Fabulous Hofner Blue Notes
3. Because It's You - Fabulous Hofner Blue Notes
4. Looking Glass Blues - Fabulous Hofner Blue Notes
5. Blues For Janice - Fabulous Hofner Blue Notes
6. Till The End Of Time - Fabulous Hofner Blue Notes
7. Skylark Blues - Fabulous Hofner Blue Notes
8. Which Part Of The Painting Made - Fabulous Hofner Blue Notes
9. Days I Spent With You (Song For Bella) - Fabulous Hofner Blue Notes
10. Yes I Do - Fabulous Hofner Blue Notes
Disc: 3
1. Dirty New Town - Delmonts
2. 008 Jimmy Bond - Delmonts
3. India Arab - Delmonts
4. BB Was A Comanche - Delmonts
5. Theme From The Pink Guitar - Delmonts
6. Russian Roulette - Delmonts
7. Black Wave Hero's - Delmonts
8. Andorra Star Blues - Delmonts
9. Gippo Euro - Delmonts
10. Power Of Love - Delmonts
11. Big Storm Coming - Delmonts
12. Race Fever Blues - Delmonts
13. It's Behind You - Delmonts
14. French Football - Delmonts
15. Green Shirt Blues (For George Russell) - Delmonts
16. Blue Miles - Delmonts
Pour plus d’infos : http://www.chrisrea.com
Ex-leader des Test Icicles, la formation ‘hype’ au succès le plus bref de l’histoire du rock, Dev Hynes revient aux commandes de Lightspeed Champion, un projet radicalement différent. L’Américano-britannique de 22 printemps délaisse la dance-punk pour se diriger vers un horizon beaucoup plus folk et un peu moins accessible. A priori déconcertant et laborieux, « Falling Off The Lavender Bridge » est de ces ouvrages qui s’apprivoisent lentement mais sûrement. A condition de ne pas se laisser rebuter par les intitulés des morceaux, presque aussi grotesques que la moumoute du jeune homme (« All To Shit », « Everybody I Know Is Listening To Crunk », « Let The Bitches Die », « Devil Tricks For A Bitch »).
Premier recueil de Lightspeed Champion, « Falling Off The Lavender Bridge » s’ouvre sur le splendide « Galaxy Of The Lost » aux fins accents d’americana. Devonte Hynes s’y paie les délicates vocalises de Emmy The Great, artiste folk britannique dont les chœurs, repartis sur plusieurs morceaux du disque, donnent une profondeur indéniable à l’ensemble. Cette dernière côtoie quelques membres de Tilly and The Wall (« Midnight Surprise » et l’incontournable « I Could Have Done This Myself ») mais également le grand Tim Kasher, chef de file de Cursive et The Good Life, sur l’impeccable « Tell Me What It Worth ».
Les vocalises de Hynes ont beau être proches de celles de Kele Okereke (Bloc Party) et Murray Lightburn (The Dears), Lightspeed Champion s’adresse principalement aux fans de Bright Eyes et The Good Life. Encore plus fort que la mouture originale de ce « Falling Off The Lavender Bridge », son édition limitée recèle quatre reprises qui valent le détour (« Never Meant To Hurt You » des Good Shoes, « Souvenirs » de Patrick Wolf, « Flesh Failures » de la comédie musicale ‘Hair’ et, surtout, le « Xanadu » d’Olivia Newton John). Souhaitons à Lightspeed Champion une carrière amplement plus longue et fructueuse que celle des relativement peu regrettés Test Icicles.
Ils sont malins ces petits Anglais là. « A Guide To Love, Loss & Desperation », premier essai de The Wombats, est la preuve que l’on peut faire du ‘déjà-entendu’ de manière intelligente, sans casser les couilles aux auditeurs. Pour les Wombats, il aura suffit de quelques petites compositions plus qu’entraînantes et de quelques paroles cocasses pour se frayer un chemin qui mène à la liste des formations ‘hype’ incontournables. Ceux qui pensent que la Brit Pop a épuisé toutes ses ressources seront bien surpris par la facilité avec laquelle les tubes de la formation originaire de Liverpool s’immiscent dans le cortex cérébral. Des morceaux tels que « Kill The Director », « Moving To New York » ou encore le génial hymne à la joie, « Let’s Dance To Joy Division », s’agrippent aux tympans comme des sangsues et poursuivent leurs victimes de l’aube au crépuscule. L’exercice est certes très ado mais le trio s’y prend avec un tel brio que même les plus récalcitrants ne peuvent que succomber aux treize farces de ce guide incontestablement instantané mais également indispensable.
Deux ans après leur excellent second essai, « Alchimie », les Rouennais de Bad Joke nous proposent un disque enregistré en public, principalement à Angoulême, fin 2006 début 2007. En une petite heure, le quintet, qui brille par son absence sur les planches belges, balance à l’assistance un délicieux mélange hybride de dub et de hip hop enrichi de quelques pointes de rock et de drum’n’bass. Les incontournables « T-Rex », « Leitmotiv » et « L’œuf Story » prennent dans ce « Live 2006/07 » une dimension encore plus électrique et intense que leur version studio. Ce qui donne une véritable raison d’être au disque ‘live’ d’une formation gagnant à se faire connaître. Petit bémol, cette intensité ne se libère qu’à la seule condition de mettre le son de la sono ou de ses écouteurs au maximum, la qualité de production de ce « Live 2006/07 » se révélant assez moyenne. Les amateurs du Peuple de l’Herbe, d’EZ3kiel ou encore d’Asian Dub Foundation succomberont sans mal aux beats corrosifs de Bad Joke.
The Butcher Shop est un projet monté par Tex Perkins, à la fin des années 80. Né en 1964, Perkins est un chanteur/guitariste/compositeur australien qui a milité au sein d’une multitude de formations dont Tex Deadly & the Dums Dums, Beast Of Bourbons (NDR : le line up originel impliquait Perkins, Spencer Jones, James Baker, Kim Salmon et Boris Sudjovic), The Cruel Sea, Thug, James Baker Experience, Salamander Jim (en compagnie de Kim Salmon des Scientists et Richard Ploog de The Church), Dark Horses, Tex, Don and Charlie, etc.. Mais venons-en à The Butcher Shop. En fait, l’idée de monter cette formation est née en 1983, lorsque le Gun Club tournait en Australie. Le guitariste et le drummer avaient décidé de rentrer aux States, abandonnant pour l’occasion Jeffrey Lee Pierce, Patricia Morrison et Kid Congo Powers, à leur triste sort. Pour pouvoir continuer le périple, le trio a alors remplacé les deux démissionnaires par les locaux Spencer P. Jones et Billy Pommer Jr.. Et la suite de la tournée a été un triomphe aussi inattendu qu’inespéré. Spencer, Kid et Tex sont devenus des amis et ont promis d’enregistrer un jour ensemble. Un an plus tard, Gun Club avait splitté, et Kid a écrit à Tex pour le rejoindre à Londres afin de se lancer dans l’aventure The Fur Bible. Une aventure éphémère, puisque trois mois plus tard, Tex s’est rendu compte qu’il faisait fausse route et est retourné aux Antipodes. C’est à cette époque que Kid a rejoint les Bad Seeds de Nick Cave. En 1988, les Bad Seeds sont atterris en Australie pour une nouvelle tournée. Et fatalement, Spencer, Kid et Tex se sont retrouvés. Le temps de recruter un bassiste et un drummer du coin et le projet The Butcher Shop était né. En deux temps mouvement le quintet a donc enregistré un Ep sous la houlette de Tony Cohen. Et puis les destinées se sont à nouveau séparées. Début 1990, la formation va dénicher de nouveaux collaborateurs, partir en tournée et enregistrer un album : « Pump action ». L’histoire n’ira pas plus loin. C’est cet Ep et l’elpee qui sont réunis sur ce cd. Si vous aimez le garage typiquement australien (NDR : les groupes cités ci-dessus sont d’ailleurs des références de choix), ces 14 plages sauvages, implacables et ténébreuses sont un véritable régal.
Issue de Dallas, cette formation est constituée de solides pointures. Le chanteur James Buck est ainsi épaulé par le guitariste Mark Pollock, le claviériste Tim Alexander (Asleep At The Wheel), le drummer Chris Hunter et le bassiste Roy Dukes. Fondé en 1986, Cold Blue Steel pratique ce qu’on appelle de la roadhouse music ; c’est-à-dire un mélange de blues, de boogie et de shuffles. Encore que le combo n’hésite pas à inclure dans son répertoire du rock'n'roll inspiré des 50s et de la country & western. Leur premier opus, "Drivin' to Mexico", ne date que de 1997.
“Headed out of Memphis” a été enregistré entre Dallas et Memphis. Il s’ouvre par "Monkey's uncle". Du pur rock'n'roll alimenté par les riffs de Pollock. Boogie bien nerveux, le titre maître est dédié à la gloire du King de Memphis, Elvis Presley. James chante d’une voix rocailleuse. Son timbre oscille entre celui de Wolfman Jack et de Billy Gibbons (ZZ Top). "Hollywood blonde" adresse manifestement un clin d'œil à Marylin Monroe. Dynamisé par le piano sautillant d'Alexander, c’est un autre rock'n'roll franc et direct. Superbe blues lent, "Just got it from Dallas" libère beaucoup d'intensité. Pollock se réserve un solo grandiose. Découpées au rasoir, les notes sont vives, largement amplifiées. Dès qu’il en a l’occasion, Buck réplique au chant. Et ses inflexions sont menaçantes. Le CBS n’a guère le temps de souffler, puisqu’il s'engage à nouveau sur les routes, lors d’un instrumental sauvage intitulé "Wideglide" ; une plage sans doute inspirée du grand Freddie King, même si l’attaque est plus franche. Une chose est sûre, c’est une nouvelle invitation à se remuer les fesses sur la piste de danse. Les musiciens ont manifestement plus d'une corde à leur arc. Ils reprennent le classique "No more doggin", en jump style. Pollock joue en rythmique. Invités, les Cold Blue Steel horns entretiennent cette trame swing, alors que Mark s’autorise un nouvel envol, tout en finesse. Très dansant, "I think I'm going crazy" fait la fête aux cuivres. Ce pur R&B évolue dans un registre assez proche des T-Birds de la bonne époque! Très sixties, "Big time operator" est sculpté dans du rock instantané. Nous ne sommes pas tellement loin ici des Flamin' Groovies. "You and my money" creuse dans la même veine. L'orgue de Tim Alexander écume légèrement pour le transformer en pop délicate. Simple dans sa conception, "Shufflin' little lady" est un rock blues shuffle captivant. La rythmique est binaire. Le piano tapisse l'arrière-plan. Les cordes parviennent à se libérer. Timidement, d’abord. Avant de nous envoûter. "Month of Sundays" opère un nouveau changement de tempo. Une ballade aux accents exotiques. Les percussions donnent le ton. L'orgue Hammond imprègne l'ensemble. Pollock peut enfin signer un remarquable solo. Un exercice de style sans doute inspiré par Carlos Santana, tout en préservant sa spécificité. De très bonne facture, cet elpee s’achève par "We're outta here". James Buck chante furieusement ce boogie jump particulièrement dynamique et très participatif. Les cuivres et le piano virevoltent. Tous les musiciens participent vocalement au refrain…
Détachés de l’effervescente scène pop anglaise, The Coral emprunte des sentiers ombragés, mais classieux. A l’exception du faible « Nightfreak and the Sons of Becker » (2003), la qualité a fait son chemin tout au long de leurs 5 albums ; et au sein de cette riche discographie, « Roots and echoes » ne fait pas pâle figure. L’instrumentation est toujours aussi impeccable, le rythme soutenu, l’intention louable. Coral s’expose, sans masque, sans compromis ; légèrement country, même si on sait combien la formule ne séduit pas le grand public ; souvent suranné, dans ce psychédélisme d’inspiration Echo and the Bunnymen ; fluide et prévisible, selon une formule couplet-refrain qui ne s’en cache pas. Mais si parfois, on est tenté de voir ce potentiel prendre une tournure plus tortueuse ou impromptue, c’est précisément dans cette intégrité et cette fidélité placide que The Coral prend tout son sens. Une libération des contraintes commerciales, permise notamment par la tutelle généreuse de Noël Gallagher. Séduit par les 7 jeunes de Liverpool depuis leurs débuts, il les trouve sans le sou et au bord de la scission (suite aux tergiversions du guitariste), et leur offre les clefs de son studio pendant la tournée d’Oasis. Pas d’empressement donc, ce qui permet une fois de plus aux jeunes d’assumer avec assurance et maturité leur étrange country psyché 60’s. Enregistré en prise directe – dans l’esprit d’une jam-session -, Roots and echoes permet en plus de s’épancher dans une atmosphère vintage qui vient parfaire son caractère authentique. Léger regret cependant au souvenir des quelques étincelles de « Magic and medicine » (2004) immédiatement conquérantes. Ce dernier album, dans son refus du compromis, suscite la curiosité plutôt que l’ivresse. Il est avant tout de ces albums qui suggèrent, dénotent et interpellent.
Signé chez le désormais fameux label de Gilles Peterson, Brownswood Recordings, Elan Mehler Quartet distille un jazz contemplatif laissant une grande place à l’improvisation. Ce qui donne à l’ensemble une spontanéité et un charme engageants. Découvert par Peterson dans un piano-bar en Suisse, Elan Mehler et ses trois musiciens donnent naissance sur ce « Scheme For Thought » à un condensé de chaleur artificielle qui donne tout son sens au terme musique de chambre. A la fois déstructuré (« The Pale 45’s ») et circonspect (« Ruby D », « Auntie-Biotics »), ce premier essai étale, sans le moindre frottement de caisses, des influences allant de Debussy à Bill Evans en passant par Miles Davis. Peut-être faudra-t-il quelques écoutes à l’oreille novice pour apprécier pleinement les ressources de ce joli disque mais nul doute que celle-ci succombera tôt ou tard au charme de ce « Scheme For Thought ». Les amateurs, eux, seront pleinement satisfaits.
« Snow » constitue le premier album solo du chanteur/compositeur/guitariste des Meat Puppets. Un disque paru en 2006, dont vous n’avez probablement jamais entendu parler. Un opus au cours duquel il fait la part belle à la musique acoustique, même s’il y intègre, de manière parcimonieuse, un zeste d’instrumentation électrique, voire même parfois psychédélique. Et le résultat est plutôt séduisant. Certains parleront d’americana, d’autres de neo-americana ou encore d’alt country. Une chose est sûre, « Snow » constitue une bonne bouffée d’air frais. Pour enregistrer ce cd, Curt a reçu le concours de quelques collaborateurs, parmi lesquels on retrouve Pete Anderson, personnage qui avait notamment produit l’album de Meat Puppets, « Forbidden Places ». En 1991. Et également certains disques de Moot Davis, Dwigt Yoakam et Lucinda Williams. Mais il ne se contente pas de mettre en forme l’elpee, participant même activement à l’instrumentation. Et puis le joueur de pedal steel, Bob ‘Boo’ Bernstein, ainsi que le trompettiste Lee Thornberg. Ce dernier cuivre de manière très jazzyfiante le capricieux « Light bulb ». Et les neuf autres plages ne manquent pas de charme. Depuis la nouvelle version de « Golden lies » (NDR : elle figurait sur l’opus éponyme des Meat Puppets, en 2000), à la valse apalache « Movin’ on », en passant par l’élégant « Snow », que balaie une mandoline pétillante, un « Beautiful weapon » adressant un clin d’œil au Paisley Underground, le ‘rootsy’ « Box of limes’, l’énigmatique et excellent « Gold », caractérisé par ses six cordes jouées en picking, cette basse acoustique aventureuse et un violoncelle baroque ainsi qu’« In bone », titre imprégné de claviers fluides et éclaboussé d’accès d’électricité aussi fugitifs que savoureux, réminiscents de Buffalo Springfield. Sans oublier les morceaux plus countrysants enrichis par la slide de Bob. Kirkwood se charge, bien sûr, des vocaux. Et de son timbre gémissant, chaleureux, il traite à nouveau les thèmes qui lui sont chers : le désert et l’imagerie excentrique.
Jello Biafra et Thurston Moore apprécient tout particulièrement cette formation suédoise dont la naissance remonte quand même à 1981. Particulièrement branchés sur le punk garage des sixties, à leurs débuts (Sonics, Shadows Of Knight, Rocky Erikson & The 13th Floor Elevators) mais également par des groupes comme le Blue Oyster Cult, les Ramones, les Stooges, Gun Club ou encore Johnny Thunders, les Nomads privilégiaient, à l’origine, les reprises de morceaux souvent inconnus de leurs maîtres. En 1986, ils avaient d’ailleurs concocté une version assez remarquable du « This ain’t the summer of love » de B.O.C.. Mais au fil du temps, le groupe va commencer à travailler son propre répertoire. Si leur discographie manque singulièrement de relief, il faut reconnaître que le groupe jouit d’une réputation de groupe ‘live’ particulièrement flatteuse. Même en 2007. C’est d’ailleurs ce que tente de nous démontrer ce Dvd, immortalisé au Gruta77 de Madrid, lors d’un set accordé dans le cadre de leur 25ème anniversaire d’existence. Il recèle en outre quelques bonus tracks dont un enregistrement ‘live’ filmé en 1985. C'est-à-dire à lorsque Frank Minarik, le claviériste (NDR : il a sévi au sein du line up entre 84 et 93), y était impliqué. Et manifestement, à cette époque, il apportait ce petit plus qui manque aujourd’hui aux Nomads. La sonorité du clavier était complètement pourrie, mais rendait la musique plus fluide, plus groovy, plus excitante. Plus garage, si vous préférez. Vous voyez ce que je veux dire…
Fondé en 1988, ce groupe américain s’est autoproclamé ‘le plus grand groupe de rock'n roll du monde’. Ce qui ne l’a pas empêché d’opérer une incursion dans la country en 1997. Et de pratiquer ce style de musique, quand ils en a le loisir. Etonnant quand on sait qu’à l’origine, ce quatuor s’inspirait surtout de Motorhead, Van Halen, AC/DC et des Ramones. Tout en abordant des thèmes aussi machistes que les drogues, l'alcool, les bastons, les longues échappées en bagnole, les décibels et les femmes faciles… Et en véhiculant une imagerie satirico-satanique. Mais en pensant émarger au hard rock, le combo va être étiqueté punk. Et par un curieux retournement de situation, il va incarner le groupe punk qui s’est enfoncé le plus loin dans le territoire de la country. Bref, sans le savoir, les Supersuckers ont quand même réussi un fameux challenge : réconcilier le punk, le hard, le rock’n’roll, la pop et la country...
Ce Dvd est consacré à un set accordé en Espagne (très exactement au Pays Basque) en 2007. Vingt trois morceaux enrichis de quatre bonus tracks immortalisés la même année en Serbie. La voix rocailleuse d’Eddie Spaghetti balise ce rock’n roll dont l’intensité électrique graissée au gasoil est recrachée virilement par les amplis. L’humour et l’attitude sont bien au rendez-vous. Les clichés aussi. Et paradoxalement, c’est cet ensemble de spécificités, à premier abord sans grand intérêt, qui leur a paradoxalement permis de devenir un groupe culte.
Sur ce dixième album, le maître de l’électro-soul s’est laissé séduire par la chaleur des beats afro. Accompagné par le trio nigérian Kabu Kabu –dont le percussionniste de Fela Kuti–, la formation jazz finlandaise s’enrobe de magie. Sensualité et efficacité se sont acoquinées pour acheminer l’expérience musicale parfois ardue de Jimi Tenor vers l’évidence et le compromis afro. Les opposants à l’easy-listening pourront ainsi y regretter les explosions à l’accoutumée bien plus désorganisées et tordues. Celles qui ont fait le génie d’un « Intervision » (1997) ou la grandiloquence de « Out of nowhere » (2000). Celles qui, d’ailleurs, lui ont peut-être valu le remerciement des labels Warp et Kitty-Yo.
Plus prévisible, « Joystone » n’est pas pour autant un album conventionnel. Le mode free-jazz nourrit son légendaire bouillonnement perpétuel ; seule véritable métamorphose, le clin d’oeil de Jimi Tenor ne puise cette fois pas dans l’expérience de sons incongrus mais dans la soul eighties, effleurée de kitsch. Les cuivres sont brûlants, les claviers fébriles, les mélodies lascives sont murmurées du bout des lèvres. Appel à la séduction. Joystone agit comme une douce étreinte que rien ne semble pouvoir troubler.
Cette formation anglaise est responsable d’une musique mélangeant subtilement rockabilly, swing et blues. Elle compte deux leaders. Tout d’abord le guitariste Martin Vowles, qui a milité chez les Nightporters. Ensuite le chanteur/guitariste Vince Lee, ex-guide de son Big Combo. Les deux personnages sont parvenus à débaucher ; chacun de leur côté, un de leurs anciens comparses. En l’occurrence Al Wallis, le bassiste du Big Combo, et Kevin Crowe le drummer des Nightporters. Depuis 2003, les Wildcards sillonnent les routes. En novembre 2004, ils avaient concocté un excellent album : "On fire!". Et en octobre 2006, ils avaient accompagné le regretté harmoniciste texan, Gary Primich, lors de sa dernière tournée européenne. Le présent elpee est d'ailleurs légitimement dédié à la mémoire de Gary.
La section rythmique ouvre la première plage, "Hang me out to dry". Le tandem est rapidement rejoint par les deux guitares, qui font cracher les deux haut-parleurs. La voix de Vince est convaincante tout au long de cette tranche de rockabilly, marquée par les deux guitares déjantées qui croisent le fer. Une excellente entrée en matière ! "Fool's advice" pénètre au sein de l’atmosphère suffocante des swamps louisianais. La guitare réverbérée de Lee nous plante au cœur de ce décor lugubre. Le tempo reste vif. Vince chante avant que les cordes ne se libèrent pour notre plus grande joie. Ces gars ont manifestement déjà une solide et longue expérience derrière eux. Du vécu, si vous préférez. Et cela se sent. Tout en ne desserrant pas l'étreinte, nos Wildcards s'engagent sur le rythme du calypso. "Hell" porte bien les stigmates de l'enfer. Les cordes de Vince sont loquaces mais ne dérapent jamais. Il ne se réserve, d’ailleurs pas la moindre seconde de répit. Cette plage avait été enregistrée par les Squirrel not Zippers. La reprise de l'intemporel "St James infirmary" accorde une première pause dans le rythme. Bien rendue par la sonorité des cordes, cette marche funéraire est empreinte d'une infinie tristesse. Mais soudain, on assiste à un changement radical d’ambiance. La joie éclate dans les rues de la Nouvelle Orleans. La section rythmique imprime un rythme soutenu. Elle est rapidement rejointe par le duo de guitares. La voix de Lee est exaltée et profonde. Paul Harris a été invité à siéger derrière l'orgue Hammond pour tapisser le décor sonore de la ballade délicate "Lucky, rich and happy". Des flots de swing inondent la déferlante du rythme pour aborder le "Run Joe" de Louis Jordan. A nouveau, l'exotisme du calypso refait surface pour faire revivre ce R&B participatif, dont la naissance remonte à un demi-siècle. Tous les musiciens participent aux vocaux. Les chœurs de ce collectif continuent sur leur lancée en contribuant à l’adaptation de l'irrésistible "Drunk". Caractérisée par son rythme hypnotique, cette compo est signée Joe Liggins. La cover du "Hoodoo preacher" de Gary Primich constitue un des sommets de l'elpee. Tant d’un point de vue musical qu’émotionnel. Il n'y manque que l'harmonica du Texan. Le timbre de Lee est profond et graveleux. Les guitaristes sont au sommet de leur art. Tout particulièrement Vince sur sa Silvertone Espanada. Balisé par les percus, le rythme frénétique évoque les envolées de Howlin' Wolf. Percutant et déjanté, "Raising hell" est un titre assez court. Un rockabilly au cours duquel les cordes métalliques sont indéfectibles alors que la trame des percus est assurée par un Crowe démoniaque. Instrumental, "The future of the blues" s'enfonce encore plus dans la démesure et la folie… D’excellente facture, ce disque s’achève par un blues de l'impossible. Vince chante cette plage contaminée par un rythme cubain. Les percus sont donc complexes. La sonorité dispensée par l'orgue Hammond est étrange. Ce type de compo colle finalement très bien au style des Wildcarts. A cause de leur souci constant de privilégier l’audace et l’expérimentation. Pour la circonstance, les deux gratteurs se lancent dans une dernière épopée magique. On accordera donc le prix de l'originalité à ces Wildcards.
La veuve de Kurt Cobain, la turbulente Courtney Love vient de choisir l’acteur qui incarnera son défunt mari au grand écran. Le film « Heavier Than Heaven », qui retrace la vie du leader de Nirvana sur base de l’autobiographie écrite par Charles Cross, aura donc en vedette Ryan Gosling, vu récemment dans « Half Nelson ». La chanteuse voudrait également que son rôle soit interprété par Scarlett Johansson, rien que ça. Le tournage risque fort d’être explosif puisque Love, productrice exécutive du projet, compte bien planter ses griffes et ‘donner des conseils’sur le set durant toute la durée du tournage.
Coldplay prospekt
Le nouvel album de Coldplay et successeur du très bon « XY » est attendu pour le 29 mai et s’intitulera « Prospekt ». Produit par Brian Eno, le disque comptera 11 morceaux.
Tracklist :
“Famous Old Painters”
“Glass Of Water”
“Lost!”
“Cemeteries of London”
“Violet Hill”
“Poppy Fields”
“42”
“Yes!”
“Leftrightleftright”
“Rainy Day”
“Prospeckt’s March”
Le 11 février paraîtra « American Gothic », un EP de 4 titres acoustiques des Smashing Pumpkins. Enregistré lors de la tournée britannique du groupe, il contiendra les morceaux « Pox », « The Rose March », « Sunkissed » et « Again, Again, Again (The Crux) ». De quoi patienter un peu avant la venue des Pumpkins à Forest National ce 19 février.
Les nominés pour les Brit Awards, qui comme leur nom l’indique, récompensent les meilleurs artistes britanniques de l’année écoulée, viennent d’être annoncés. La cérémonie aura lieu le 20 février à Londres.
Révélation :
Bat For Lashes, Kate Nash, Klaxons, Leona Lewis, Mika
Meilleur artiste masculin:
Jamie T, Mark Ronson, Mika, Newton Faulkner, Richard Hawley
Meilleure artiste féminine :
Bat For Lashes, Kate Nash, KT Tunstall, Leona Lewis, PJ Harvey
Meilleur groupe :
Arctic Monkeys, Editors, Kaiser Chiefs, Take That, Girls Aloud
Meilleur groupe live :
Arctic Monkeys, Kaiser Chiefs, Klaxons, Muse, Take That
Meilleur album :
Leona Lewis « Spirit », Mark Ronson « Version », Arctic Monkeys « Favourite Worst Nightmare », Mika « Life In Cartoon Motion », Take That « Beautiful World ».
Meilleur single :
The Hoosiers « Worried About Ray », James Blunt « 1973 », Kaiser Chiefs « Ruby », Kate Nash « Foundations », Leona Lewis « Bleeding Love », Mark Ronson & Amy Winehouse « Valerie », Mika « Grace Kelly », Mutya Buena « Real Girl », Sugababes « About You Now », Take That « Shine »
Meilleur artiste masculin international :
Bruce Springsteen, Kanye West, Rufus Wainwright, Timbaland
Meilleure artiste féminine internationale :
Alicia Keys, Björk, Feist, Kylie Minogue, Rihanna
Meilleur groupe international :
Arcade Fire, Eagles, Foo Fighters, Kings Of Leon, The White Stripes
Meilleur album international :
Arcade Fire « Neon Bible », Eagles « Long Road Out Of Eden », Foo Fighters « Echoes, Silence, Patience and Grace », Kings Of Leon « Because Of The Times », Kylie Minogue « X »
Plus d’infos : http://www.brits.co.uk
Björk vient une nouvelle fois de prouver son amour profond pour les photographes. Celle qui avait agressé un journaliste en 1996 vient de remettre le couvert pour la seconde fois en Australie. Fraîchement débarquée de l’avion, la chanteuse islandaise a été accueillie par quelques flashs impromptus d’un photographe qui aura tôt fait de le regretter. En effet, Björk s’est précipité sur l’intrus tandis qu’il se retirait pour l’agresser. Le photographe s’en est tiré sans grand mal. Petite mais costaude !
Un peu plus de trois cents personnes s’étaient déplacées ce mercredi 9 janvier au Bota pour assister au concert du quintet suédois Cult Of Luna ; une prestation précédée par celle de deux autres formations, l’une anglaise, l’autre belge.
C’est le groupe anglais Bossk qui ouvre le bal. Sur fond de murs de guitares distordus, sa mécanique rythmique est efficace. Tantôt lancinante, tantôt percutante. Issue du Kent (Angleterre), cette très jeune formation est fascinée par le monde de ‘Star Wars’ (Bossk, c’est le méchant hybride homoreptilien qui apparaît dans le film ; d’ailleurs, les membres du groupe participent à de véritables jeux de rôle dédiés à cette épopée cinématographique). Bossk va dispenser, durant un peu moins d’une demi-heure, un répertoire postcore privilégiant une structure musicale instrumentale et atmosphérique oscillant entre les envolées d’un Explosions in the Sky et celle de Mogwai. Un set d’excellente facture, à la hauteur de son premier EP « 1 », distribué en 2006 par le label QnotQ. Les mélodies suggèrent parfois, et à notre grande surprise, des références de la scène noisy pop anglaise (NDR : osons citer Ride !) ou américaine (Jesus and Mary Chain !) ainsi que le son métallique et lourd d’Isis. C’est pourtant lorsqu’il tente d’intégrer au son métallique des références incontournables de l’underground britannique qu’il se révèle le plus intéressant. Du britcore ? Pourquoi pas ! Ce type d’expérimentation doit faire grincer les dents des aficionados les plus puristes du métal ; mais également ravir celles et ceux qui attendent vainement un sursaut créatif du rock anglais, gangréné depuis trop longtemps par le business et le marketing. Il y a néanmoins quelques bémols. Tout d’abord lorsque les compositions et le show se rapprochent trop dangereusement de leurs repères Neurosis et Isis. Pas très original. Ou encore lorsqu’en fin de set une relative monotonie commence s’installer. Sans oublier un manque de justesse et parfois de relief entre les morceaux. Des imperfections probablement dues à la jeunesse de ce projet que l’on souhaite voir progresser, dans un futur proche…
Ce sont ensuite les décibels de Blutch, trio bleu blanc belge déversés dans la plus pure tradition du doom-sludge-stoner, qui envahissent l’espace de l’Orangerie. Responsable d’un troisième album « Materia », sorti en 2006, et bénéficiant du support de quelques hautes cylindrées comme les Young Gods, le combo montois acquiert petit à petit une notoriété que nous étions impatient de voir mis sur le grill. Le look est ténébreux. La voix lourde et écorchée. Lancinants et torturés, les riffs sont parfois taillés sur une même note durant plusieurs minutes. Et découpée sur une rythmique hyper lente, la structure n’est pas sans nous rappeler celle de Black Sabbath. Excellent dans leur style, dixit les amateurs du métal ‘down-tempo’, Blutch concèdera une prestation efficace et consistante d’une trentaine de minutes, sans susciter le consensus auprès d’une audience composée de convaincus, d’enchantés et d’agacés.
Il est 22 heures lorsque le public belge découvre enfin Cult of Luna. Un show amorcé en catimini, par le titre « Dim », issu du dernier album « Somewhere Along the Highway ». Le ton est alors délicat et satiné. En regardant le look des musiciens du groupes -cinq bouilles d’elfes on ne peut plus scandinaves- pas un seul profane n’imaginerait alors assister au concert d’une locomotive du métal progressif d’Europe du Nord ! Le temps de s’immerger dans un univers mélodieux, atmosphérique, post-rock et psychédélique digne d’Explosions in the Sky, et le son lourd et puissant caractéristique du groupe commence déjà à se libérer. Inévitablement on pense aux deux premiers albums du combo : « Cult of Luna » (2001) et « The Beyond » (2003). Et pourtant, aucun morceau de ces deux premiers elpees ne sera joué au cours de cette soirée. Les riffs assassins et percutants sont commis par les deux guitaristes, Erick Olofsson et surtout le leader Johannes Persson. Arborant une panoplie de tatouages qui feraient pâlir de jalousie plus d’un Michael Scofield, Johannes assume seul les vocaux durant plus d’un quart d’heure, avant d’être rejoint sur scène par le très charismatique chanteur Klas Rydberg. Nous sommes alors en plein cœur d’un des titres icones du groupe « Leave me here » (« Salvation », 2004), qui ouvre véritablement les hostilités. On assiste alors à un incessant ballet entre chants menaçants et écorchés, rythmiques complexes et murs de guitares explosifs, agressifs et sombres. Les accords adoptent parfois un profil plus atmosphérique et mélodique, virevoltant çà et là dans le royaume du ‘shoegaze’ (My Bloody Valentine, Slowdive), du psychédélisme tribal (Apse), du post hardcore (Isis, Neurosis, Jesu, Pelican) ou du postrock. Se succèdent ensuite « Adrift », « Back to the chapel town », « Echoes » et « Finland », quatre autres chefs-d’œuvre du post hardcore, interprétés à la perfection par le quintet. Mais c’est peut-être dans la perfection que croupit la faiblesse du set assuré de manière parfois trop ‘mécanique’. En outre, Cult of Luna ne communique pas avec son public, entretenant une image glaciale et mystérieuse. Certains adorent, d’autres beaucoup moins. Après cinquante minutes, « Dead man » clôture néanmoins un set efficace et plaisant. Les Suédois quittent alors définitivement les planches du Bota, sans se retourner. Un show superbe, dense, mais un peu court !
Organisation Botanique
Un peu plus de trois cents personnes s’étaient déplacées ce mercredi 9 janvier au Bota pour assister au concert du quintet suédois Cult Of Luna ; une prestation précédée par celle de deux autres formations, l’une anglaise, l’autre belge.
C’est le groupe anglais Bossk qui ouvre le bal. Sur fond de murs de guitares distordus, sa mécanique rythmique est efficace. Tantôt lancinante, tantôt percutante. Issue du Kent (Angleterre), cette très jeune formation est fascinée par le monde de ‘Star Wars’ (Bossk, c’est le méchant hybride homoreptilien qui apparaît dans le film ; d’ailleurs, les membres du groupe participent à de véritables jeux de rôle dédiés à cette épopée cinématographique). Bossk va dispenser, durant un peu moins d’une demi-heure, un répertoire postcore privilégiant une structure musicale instrumentale et atmosphérique oscillant entre les envolées d’un Explosions in the Sky et celle de Mogwai. Un set d’excellente facture, à la hauteur de son premier EP « 1 », distribué en 2006 par le label QnotQ. Les mélodies suggèrent parfois, et à notre grande surprise, des références de la scène noisy pop anglaise (NDR : osons citer Ride !) ou américaine (Jesus and Mary Chain !) ainsi que le son métallique et lourd d’Isis. C’est pourtant lorsqu’il tente d’intégrer au son métallique des références incontournables de l’underground britannique qu’il se révèle le plus intéressant. Du britcore ? Pourquoi pas ! Ce type d’expérimentation doit faire grincer les dents des aficionados les plus puristes du métal ; mais également ravir celles et ceux qui attendent vainement un sursaut créatif du rock anglais, gangréné depuis trop longtemps par le business et le marketing. Il y a néanmoins quelques bémols. Tout d’abord lorsque les compositions et le show se rapprochent trop dangereusement de leurs repères Neurosis et Isis. Pas très original. Ou encore lorsqu’en fin de set une relative monotonie commence s’installer. Sans oublier un manque de justesse et parfois de relief entre les morceaux. Des imperfections probablement dues à la jeunesse de ce projet que l’on souhaite voir progresser, dans un futur proche…
Ce sont ensuite les décibels de Blutch, trio bleu blanc belge déversés dans la plus pure tradition du doom-sludge-stoner, qui envahissent l’espace de l’Orangerie. Responsable d’un troisième album « Materia », sorti en 2006, et bénéficiant du support de quelques hautes cylindrées comme les Young Gods, le combo montois acquiert petit à petit une notoriété que nous étions impatient de voir mis sur le grill. Le look est ténébreux. La voix lourde et écorchée. Lancinants et torturés, les riffs sont parfois taillés sur une même note durant plusieurs minutes. Et découpée sur une rythmique hyper lente, la structure n’est pas sans nous rappeler celle de Black Sabbath. Excellent dans leur style, dixit les amateurs du métal ‘down-tempo’, Blutch concèdera une prestation efficace et consistante d’une trentaine de minutes, sans susciter le consensus auprès d’une audience composée de convaincus, d’enchantés et d’agacés.
Il est 22 heures lorsque le public belge découvre enfin Cult of Luna. Un show amorcé en catimini, par le titre « Dim », issu du dernier album « Somewhere Along the Highway ». Le ton est alors délicat et satiné. En regardant le look des musiciens du groupes -cinq bouilles d’elfes on ne peut plus scandinaves- pas un seul profane n’imaginerait alors assister au concert d’une locomotive du métal progressif d’Europe du Nord ! Le temps de s’immerger dans un univers mélodieux, atmosphérique, post-rock et psychédélique digne d’Explosions in the Sky, et le son lourd et puissant caractéristique du groupe commence déjà à se libérer. Inévitablement on pense aux deux premiers albums du combo : « Cult of Luna » (2001) et « The Beyond » (2003). Et pourtant, aucun morceau de ces deux premiers elpees ne sera joué au cours de cette soirée. Les riffs assassins et percutants sont commis par les deux guitaristes, Erick Olofsson et surtout le leader Johannes Persson. Arborant une panoplie de tatouages qui feraient pâlir de jalousie plus d’un Michael Scofield, Johannes assume seul les vocaux durant plus d’un quart d’heure, avant d’être rejoint sur scène par le très charismatique chanteur Klas Rydberg. Nous sommes alors en plein cœur d’un des titres icones du groupe « Leave me here » (« Salvation », 2004), qui ouvre véritablement les hostilités. On assiste alors à un incessant ballet entre chants menaçants et écorchés, rythmiques complexes et murs de guitares explosifs, agressifs et sombres. Les accords adoptent parfois un profil plus atmosphérique et mélodique, virevoltant çà et là dans le royaume du ‘shoegaze’ (My Bloody Valentine, Slowdive), du psychédélisme tribal (Apse), du post hardcore (Isis, Neurosis, Jesu, Pelican) ou du postrock. Se succèdent ensuite « Adrift », « Back to the chapel town », « Echoes » et « Finland », quatre autres chefs-d’œuvre du post hardcore, interprétés à la perfection par le quintet. Mais c’est peut-être dans la perfection que croupit la faiblesse du set assuré de manière parfois trop ‘mécanique’. En outre, Cult of Luna ne communique pas avec son public, entretenant une image glaciale et mystérieuse. Certains adorent, d’autres beaucoup moins. Après cinquante minutes, « Dead man » clôture néanmoins un set efficace et plaisant. Les Suédois quittent alors définitivement les planches du Bota, sans se retourner. Un show superbe, dense, mais un peu court !
Organisation Botanique
Un Dvd live consacré à Christina Aguilera sortira le 1er février. Intitulé " Back to Basics - Live and Down Under ", il relate sa tournée accomplie en juillet dernier…
Tracklisting :
Intro: Back To Basics
Ain’t No Other Man
Back In The Day
Understand
Come On Over
Slow Down Baby
Still Dirrty
I Got Trouble
Makes Me Wanna Pray
What A Girl Wants
Oh Mother
Enter The Circus
Welcome
Dirrty
Candyman
Nasty Naughty Boy
Hurt
Lady Marmalade
Encore: Thank You
Beautiful
Fighter
Pour plus d’infos : http://www.christinacenter.net
« Spleen et idéal » constitue le premier projet à sortir sous la bannière du nouveau label Gibraltar, porté par Abd al Malik puis nourri par la présence de Bi'lin, Wallen, les NAP, Hamcho, Mattéo Falkone et un spécial guest de choix : Ali.
Il aura fallu attendre la naissance de Béni Snassen pour rendre à la culture du collectif Rap ses lettres de noblesse. La diversité artistique de ses membres rappelle celle des groupes constituant la confédération tribale des Béni Snassen, dans l'oriental marocain; en effet, ce territoire montagneux accueille depuis des siècles des tribus bien distinctes revendiquant pourtant leur unité, n'hésitant pas à exprimer leur désaccord leur résistance toujours avec respect, honneur et bravoure ce qui d'ailleurs valut à un char français de porter le nom de Béni Snassen durant la deuxième guerre mondiale. Tous les artistes du collectif se retrouvent autour de ses valeurs de chevalerie universelle comme autour d'une source intarissable d'inspiration qui nous rappelle à tous, notre soif d'idéal.
Béni Snassen c'est la réconciliation de la forme et du fond, chaque plume et chaque flow, aussi différent qu'ils puissent être les uns des autres, lorsqu'ils se mettent au service de l'un ça n'est jamais au détriment de l'autre. La présence de Renaud Létang (Feist, Gonzales, Katerine), mixeur et arrangeur de l'album est bien la preuve que purisme et ouverture font très bon ménage lorsqu'ils se mettent au seul service de la qualité artistique. Chaque morceau produit par Bilal, dans un souci d'originalité désarmante est un univers nouveau sur lequel chaque artiste exprime le sien, entre spleen et idéal.
Serait-ce le premier album Hip Hop humaniste? L'approche artistique de ces chevaliers des temps modernes ne nous laisse guerre entendre autre chose. C'est une belle histoire qui commence là, le genre de récit épique où ce n'est pas l'issue du combat qui importe mais le combat lui même. (d’après communiqué de presse)
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/benisnassen et http://www.benisnassen.com
Tracklisting
1/ Beni Snassen - Beni Snassen feat. Beni Snassen
2/ Ô combien (te fais pas d'bile) - Beni Snassen feat. Wallen et Abd Al Malik
3/ Besoin d'oxygène - Beni Snassen feat. Abd Al Malik
4/ Spleen & idéal - Beni Snassen feat. Mattéo Falkone et Abd Al Malik
5/ Requiem - Beni Snassen feat. Les N.A.P
6/ Bil’in - Beni Snassen feat. Bil’ In
7/ A nous seuls - Beni Snassen feat. Abd Al Malik et Wallen
8/ Benef' benef' - Beni Snassen feat. Mattéo Falkone
9/ Mauvaises graines - Beni Snassen feat. Les N.A.P
10/ Parabellum - Beni Snassen feat. Bi'lin
11/ La mentale - Beni Snassen feat. Hamcho
12/ Etre ou ne pas être - Beni Snassen feat. Mattéo Falkone
13/ Gémeaux - Beni Snassen feat.Hamcho et Mattéo Falkone
14/ Dramatique - Beni Snassen feat. Ali
Bonus t rack - L’unique - Beni Snassen – Abd Al Malik - Ali
Le clip de « Spleen et idéal » :
http://www.youtube.com/watch?v=S_DjXMr_67Q
http://www.wat.tv/playlist/660434/video/792055/beni-snassen-spleen-ideal.html
Nederlands 
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