Bijo est un musicien français dont le subtil mélange entre reggae roots et reggae revival est agrémenté de paroles des plus éloquentes d’un rap français.
« Longtime » retrace le chemin qu’il a parcouru en tant qu’artiste. Il est comparé à la navigation d’un pirate solitaire en quête de trésor. Il évoque le destin et les obstacles qu’il a laissés derrière lui sur cette route maritime qu’il emprunte. Son style reggae produit un groove proche du hip-hop. On ressent dans l’instrumentation des influences de L'entourloop ou encore de Damian Marley. Elle est signée Aurélien Combes (un ami de longue date de Bijo). Au-delà d’une omniprésence d’harmonie qui est une caractéristique marquée dans son approche musicale, son flow demeure laidback du début à la fin (tel Rakim et Yung Lean).
La vidéo de « Longtime » est disponible ici
Arthur H est de plus en plus surprenant et finit même par émerveiller.
Il a commencé à chanter plus haut sur l’album « Négresse blanche », son neuvième, paru en 2003. Mais c’est en 2018, sur le titre « La boxeuse amoureuse » de son elpee « Amour chien fou », sorti en 2018, qu’il transcende le genre, un mélange de voix grave et de voix aiguë tout en chantant davantage qu’à ses débuts.
Son style très jazz et fanfare des Balkans au départ, puis enrichi de recherches sonores et ouvert au rock est devenu de plus en plus mélodieux, de plus en plus accrocheur pour se diriger vers un monde qui n’a rien à envier à ceux des grands artistes de la chanson française. Son côté rugueux demeure mais avec ce petit quelque chose en plus.
Il est réjouissant de constater que cette manière de créer et d’interpréter appartient intégralement à son univers car elle procure une émotion puissante tant au niveau du sens que du son.
Son nouvel opus, sur lequel figure le single éponyme « La vie » (voir chronique ici)
https://www.musiczine.net/fr/chroniques/item/88535-la-vie-single-arthur-h.html
baigne dans la poésie. Réflexions brillantes sur notre condition humaine.
Les respirations, les silences, le piano et les cordes de Clément Ducal ont la part belle pour nous plonger à la fois dans les textes, mais également l’ambiance atmosphérique de son univers. On touche à l’essentiel.
Les douze titres de son opus nous immergent dans une tranche de vie, un road trip cosmique, nautique, … à l’influence de Debussy ou de Ravel, un côté fou à la Brigitte Fontaine en plus. Mêlant ce qu’il y a de plus sombre et de plus rayonnant. Un cocktail magnifique et détonnant !
Les chansons de ce disque ont été conçues en compagnie de Léonore Mercier, sa compagne, et Nicolas Repac.
L’artiste entame une tournée (pour les dates, c’est là)
https://www.arthur-h.net/concerts
au cours de laquelle vous aurez certainement l’occasion de l’applaudir.
On se réjouit du chemin de vie musical emprunté par Arthur H, sur lequel on chemine volontiers à ses côtés.
« De rouille et de sang » constitue le premier album de la formation montpelliéraine. Au sein du line up figurent des musicos qui ont manifestement de la bouteille. Dont deux guitaristes : Motch, ex-OTH (actif de 1978 à 1991) et Ludovic Crès, l’ancien gratteur des Naufragés. Et puis le drummer d’Electric Ducks, Fred Maggesi, ainsi que la chanteuse/bassiste Marielle Valenti, ex-Kotaké.
Découpé en 11 plages, cet opus se distingue par son contraste entre l’instrumentation énergique, agressive, et la voix mélodieuse, empreinte de sérénité de Marielle.
Des grattes quelque peu punkysantes alimentent « Paris Marylou ». Elle ses révèlent soignées tout au long de « Guérilla ». En fait, même lorsqu’elles adoptent un profil sauvage, elles n’altèrent ni n’assombrissent jamais les vocaux de la préposée au micro.
Les singles « Paris Marylou », « Sous La Dune » et le dernier « Tout Le Monde (Court) ») ont précédé la sortie du long playing.
Pas de temps mort entre les différentes pistes. Il n’est d’ailleurs pas conseillé d’écouter cet LP avant d’aller se coucher, le soir, mais plutôt le matin, au réveil, pour avoir la pêche toute la journée.
Contagieux, « J'ai Perdu mon Punk » opère un violent retour dans le passé. « Bruler les Gaz » sonne comme… Téléphone.
Signés Marielle, les textes –en français– abordent des thèmes variés, mais plutôt graves. Certains sont autobiographiques.
Marielle constitue la colonne vertébrale de la formation. C’est elle qui écrit toutes les chansons et elle s’en sort plutôt pas mal.
Du rock français hypervitaminé !
Retour aux bases ou plutôt à sa base, pour la talentueuse Agnès Gayraud ! La Féline consacre en effet son dernier et 4ème elpee à Tarbes, la ville pyrénéenne de son enfance, à travers une œuvre conceptuelle composée en compagnie du batteur François Virot, du guitariste Mocke Depret ainsi que des producteurs et mixeurs Xavier Thiry et Stéphane ‘Alf’ Briat.
La musique de La Féline est toujours aussi sophistiquée, voire difficile d’accès au premier abord vu l’absence de mélodie ‘facile’ (Yvette Horner et Boulevard des Airs sont également originaires de Tarbes, mais ici on n’est définitivement pas dans le même délire…) et des textes très littéraires. Elle décrit avec finesse sa jeunesse dans une ville de taille moyenne à travers des titres pop finement ciselés entre modernité et nostalgie. On peut ressentir la richesse de l’écriture –même si personnellement ses compositions un brin austères ne touchent pas votre serviteur– et un univers unique à la qualité indéniable.
Agé de 54 ans, Daan Stuyven, mieux connu sous son prénom, est un compositeur, chanteur, guitariste et acteur louvaniste. Son registre musical oscille du rock à l'électro, en passant par les ballades, qu’il interprète d’une voix de crooner, souvent en anglais, parfois en français. Son treizième elpee solo, « The Ride », est paru en novembre dernier. En parallèle à son parcours en solitaire, il compose des musiques de films, mais surtout drive Dead Man Ray, une formation fondée en 1997, au sein de laquelle militait, à ses débuts, Rudy Trouvé (dEUS).
Pas de première partie. Le concert commence à 20h30 précises et il est sold out depuis longtemps. Le fidèle backing group de Daan réunit toujours Isolde Lasoen (drums, percus), Jeroen Swinnen (claviers, synthés), Jean-François Assy (basse), Jo Hermans (trompette, bugle) et enfin, bonnet de couleur noire enfoncé sur le crâne, Geoffrey Burton (guitare). Vêtu d’un costume bleu ciel, d’une cravate noire et de baskets bleu foncé, Daan est chaussé de ses habituelles lunettes fumées sur le nez. Il s’accompagne à la guitare, tour à tour d’une semi acoustique d’un noir jais ou d’une électrique d’un bleu pétant.
Le set s’ouvre par « Western », un long instrumental filmique de près de 5 minutes, sorte de Sergio Leone 2.0. Jean-François a empoigné un banjo. L’idée n’est pas mauvaise et nous entraîne à réaliser un petit voyage dans les grandes plaines des States, à moins que ce ne soit dans les Ardennes, du côté de Manhay, endroit choisi pour illustrer le titre d’un de ses long playings (NDR : Daan l'a initialement composé en 10 variations différentes pour ‘Rookie’, le premier film de Lieven Van Baelen, un drame qui se déroule sur et en dehors d'un circuit, mettant en scène des motos de course débridées et des cow-boys mélancoliques qui les chevauchent). Particulièrement électro, « Women And Children » est dynamisé par les percus d’Hermans (NDR : qui a alors abandonné sa trompette) et d’Isolde, alors que soutenue par cette dernière aux chœurs, Daan chante d’une voix de crooner. L’artiste ôte sa veste juste avant d’attaquer « 16 Men », puis sa cravate avant « Exes », car il a chaud. Ensuite, il relève les manches de sa chemise en signalant qu’il s’arrêtait là. Ce qui déclenche l’hilarité dans la foule. Il semble prendre du plaisir à se produire au Zik-Zak et déclare être content de remonter sur les planches. Jeroen nappe « Icon » de ses claviers, un autre extrait de « Simple » ; puis Isolde en accélère le tempo alors que Daan pose sa voix de baryton. Entre espoir et désespoir, « The Valley » compare la vie à un voyage dans une vallée où tantôt vous êtes seul, mais parfois vous êtes entouré de tous ceux que vous aimez.
Il serait injuste de ne pas signaler le rôle de Jo Hermans, dont les interventions aux cuivres sont toujours judicieuses. Et puis, c’est un excellent ambianceur, incitant régulièrement le public à frapper dans les mains et à se remuer. Il joint d’ailleurs souvent, le geste à la parole.
Daan nous réserve trois morceaux interprétés dans un français impeccable. Tout d’abord « Parfaits mensonges », au cours duquel il se révèle impérial. Mais également « La Crise », celle de la quarantaine, et « La Vraie Décadence ». Des plages issues de l’opus « Le franc Belge », publié en 2013. Des chansons d’amour qu’il chante à la manière du rockeur français, Dick Rivers. Puissant, « Victory » libère des sonorités singulièrement vintages. Et celles de « Be Loved » le sont tout autant, mais probablement produites par un orgue Hammond, elles donnent l’impression d’émaner d’une église (norvégienne ?).
Le set s’achève par l’électro « Best Days ». Jeroen en profite pour mettre le souk aux claviers.
Et toute l’équipe va encore nous accorder un rappel de 4 titres. Un régal de 75’ au cours duquel Daan aura interprété les 10 pistes du dernier opus, en modulant sa voix du grave à l’aigu, sans aucune difficulté.
Daan se produira à l’Ancienne Belgique le 26 avril prochain.
Setlist : « Western », « Women And Children », « 16 Men », « Exes », « Icon », « The Valley », « The Dancer », « Kill », « Parfaits mensonges », « La Crise », « La Vraie Décadence », « Victory », « Be Loved », « High », « Best Days ».
Rappel : « Morning Sun », « The Player », « Swedish Designer Drugs », « Housewife »
(Organisation : Ether Agency)
La deuxième pleine lune de 2023 s'est déroulée en ce début de semaine, l'occasion donc pour Peter Gabriel de publier un nouvel extrait de son futur album "i/o", intitulé "The Court (Dark-Side Mix)". Pour ce titre, Peter a été inspiré par le travail de NAMATI, dont la mission est de fournir aux gens du monde entier un accès à la justice qu'ils ne peuvent pas se permettre. ‘J'ai eu l'idée du refrain 'the court will rise', qui est devenu une forme libre, un texte impressionniste lié à la justice, mais il y a un sentiment d'urgence. Une grande partie de la vie est une lutte entre l'ordre et le chaos et, d'une certaine manière, la justice ou le système juridique est quelque chose que nous imposons pour essayer d'apporter un élément d'ordre au chaos. On en abuse souvent, c'est souvent injuste et discriminatoire, mais en même temps, c'est probablement un élément essentiel d'une société civilisée’. Le titre est accompagné d'une image de couverture représentant l'œuvre ‘The Burning of Lifting the Curse, 2022’ de l'artiste et sculpteur Tim Shaw.
"The Court (Dark-Side Mix)" est en écoute ici
Immaterial Possession a été créé par Cooper Holmes et Madeline Polites. Originaires d'Atlanta, ils partagent une histoire commune avec la scène musicale, théâtrale et artistique underground DIY d'Atlanta. Le duo s'est installé à Athens et a rapidement élargi son line up en engageant le batteur chevronné John Spiegel, puis Jeremy Kiran Fernandes, clarinettiste, claviériste et flûtiste qui a notamment milité au sein d’Olivia Tremor Control.
« Mercy Of The Crane Folk » constitue le deuxième elpee d’Immaterial Possession. Il sortira ce 5 mai 2023.
Il s'agit d'un voyage obsédant et immersif dans la psyché intérieure de ces devins nomades ; une soirée dansante sous acide dans un monde souterrain à demi-éclairé ; un séjour salubre qui ne ressemble à rien d'autre. Empreint de douceur et de sérénité, « Mercy Of The Crane Folk » évoque un lieu folklorique fantaisiste où, sans aucun doute, le mystérieux Crane Folk prospère.
Issu de ce futur album, « To the fete » est disponible sous forme de clip là
Nicholas Allbrook, le chanteur du groupe australien POND, publiera son quatrième album solo, « Manganese », ce 9 juin 2023.
Depuis le début de sa carrière artistique en 2005, il a mis la communauté et la collaboration au premier plan de sa méthode artistique.
Que ce soit dans le lyrisme poignant de ses projets musicaux en solo (Ganough, Wallis ou Fatuna/Wabi-Sabi) ou dans le style de production du dernier elpee de son groupe POND, « 9 », l’auteur-compositeur et multi-instrumentiste manifeste une profonde compréhension de l'expérience humaine et de l'importance de l'art dans la société moderne.
« Manganese » nous entraînera au sein d’un paysage de merveilles psyché-pop. Cet elpee reflète les aspirations d'un musicien qui a une symphonie dans sa poche arrière, l'histoire du rock d'Oz dans son rétroviseur et l'Australie moderne en ligne de mire.
Issu de cet LP, « Jacke » est disponible sous forme de clip, là
S’inscrivant dans une longue lignée d’auteurs de chansons classiques, de Scott Walker à Lee Hazlewood, Morrissey ou Pete Doherty, Caesar Spencer publiera son premier album, « Get Out Into Yourself », le 28 avril 2023.
Sur cet opus, il a décidé de rendre un hommage à la pop française. On retrouve sur le disque des invités de choix comme Jacqueline Taïeb, Jo Wedin, Jean Felzine, Gilles Tandy et Mareva Galanter.
Caesar Spencer a tout simplement décidé d'enregistrer l'album de pop de ses rêves. ‘Je voulais démontrer qu’en France, il y a une sophistication dans la créativité musicale qui n’existe nulle part ailleurs. Je prends mon univers anglo-saxon et je le déplace dans un contexte français avec tous les personnages qui vont avec. C’est à la fois étrange, et fascinant.’
Après avoir sorti un premier clip avec Jacqueline Taïeb (« Waiting for Sorrow », disponible ici, un second avec Jean Felzine et Jo Wedin (« Isn’t What Jimi said », à voir et écouter là); et il nous propose son troisième « When I Whisper In Your Ear », hommage à Serge Gainsbourg, mais également clin d’œil à l’univers musico-cinématographique d’Ennio Morricone et John Barry, qu’il interprète en compagnie de Mareva Galanter. Il est à découvrir ici
Fondé en 2022, Maple Paper est un groupe basé à Bruxelles qui puise ses influences dans le rock, le psychédélisme et la prog tout en ne négligeant pas les ambiances chill. L'improvisation est une part importante de son expérience immersive.
Ancien gagnant du concours ‘Tremplin’, sous le patronyme SPKT, le trio sortira son premier elpee, « Clouds are falling », ce 25 février 2023.
Son premier clip consacré à « Why Do People Feel Lonely ? » est toujours disponible ici. A première écoute, cette compo semble naviguer quelque part entre Pink Floyd et Mazzy Star…
La release party se déroulera ce 24 février, Villa Montald à Woluwe-Saint-Lambert (plus d’infos là)
Au-delà de Pluton, au-delà de notre système solaire, en route pour rejoindre un nouveau paradis.
C'est le chemin d’un papa et de ses deux filles dans un décor fantastique qui nous fait oublier la dure réalité des choses ; la maman qui danse déjà dans les étoiles et notre mère à tous, la terre, qui se meurt également. C’est une histoire à double sens, pleine de douceur, d’amour infini et d’espoir.
Le premier elpee de Guillaume de Lophem, "Clé", paraîtra en novembre 2023. En attendant, il nous en propose son premier single, "Paradis perdu".
La release party se déroulera le 18 novembre 2023. L'endroit de concert vous sera confirmé lors de la sortie de son deuxième single "Y a-t-il de la vie sur Mars", prévu pour mars 2023.
Pour écouter Paradis perdu, c’est là
Meg Myers sortira son nouvel elpee, « TZIA », ce 24 mars 2023. Ce sera son troisième. Le premier single issu de l'album, "ME", est un titre paradoxalement à la fois optimiste et angoissant qui met en valeur le lyrisme de Meg.
Elle a choisi "ME" pour donner le ton de l'album, déclarant : ‘J'ai écrit "ME" parce que j'avais besoin de clarté sur ce que je ressentais à propos de ma relation à l'époque, et l'écriture est l'une de mes formes de thérapie les plus puissantes et la façon dont je reçois des messages du divin. Cela faisait longtemps que j'écrivais des chansons moroses, mais j'ai ressenti le besoin de jouer quelque chose de plus optimiste, plus angoissant et plus funky à la guitare. J'ai eu une révélation majeure en l'écrivant, j'ai réalisé que tout ce que j'avais cherché chez un partenaire était déjà en moi. Cela peut paraître cliché, mais c'était un moment très fort où j'ai enfin pu voir la profondeur de mon être’.
« TZIA » retrace un moment d'éveil émotionnel, sexuel et spirituel dans des éclats de puissance brute, d'ajustements électroniques, d'expérimentations alternatives et de pop percutante. Meg a consacré la majeure partie de la dernière décennie à se libérer.
Le clip consacré à "ME" est disponible là
Le nouvel elpee d’Echo Beatty, "Vision Glitch", paraîtra le 3 mars 2023. Il s’agira de son troisième.
"Vision Glitch" nous entraîne à travers un monde où la réalité et les rêves se heurtent. Grâce à un mélange unique de guitares audacieuses et granuleuses qui alimentent des mélodies infectieuses recouvertes d'éléments doux et chaleureux, Echo Beatty crée un son distinct dans le rock indépendant et la pop alternative. L'album est un mélange de flashbacks, de déjà vus, de séquences de rêves, de réflexions, de visions et de souhaits, mêlant passé, présent et futur dans un seul et même glitch. L’opus été mixé à LA par Omar Yakar Jr, qui a déjà travaillé avec The War on Drugs, Warpaint et Perfume Genius.
En attendant la sortie de cet LP, une session ‘live’ de "The silence", titre d’ouverture de ce futur long playing, est disponible ici.
Le mélange de roots rock et d'americana de Jimmy Diamond consacre des moments fugaces comme un grand feu rituel. C'est le lot de Jim Zwinselman, Ruud Gielen et Floris Poessé. La base d'opération du trio n'est pas une métropole frénétique comme Amsterdam, mais plutôt la région d'Overijssel, à Lemele très exactement, où la tranquillité fait ressortir la gravité de l'environnement. La symphonie des grenouilles et des grillons la nuit, le bruissement des plantes dans la brise, le doux grondement des moteurs de tracteurs au loin : dans de tels endroits, tout ce que vous absorbez est naturellement décuplé.
Contrairement à l'habitat terrestre de Jimmy Diamond, la genèse de la formation est, pour être franc, digne d'un conte de fées. Grâce à son tour manager commun, il a été choisi pour devenir le backing group de tournée européenne de Strand Of Oaks. En la personne du compositeur principal Timothy Showalter, le band a immédiatement trouvé un parent spirituel, un mentor et un grand fan. C'est d'ailleurs Showalter qui, sans le savoir, a inventé le patronyme du combo lors d'une étape de la tournée au Montenegro bayside, en attribuant à Zwinselman un nom monténégrin. Jimmy Diamond sonnait bien... suffisamment pour que l’appellation reste.
Le nouvel album de Jimmy Diamond paraîtra ce 15 mars. Il s’intitulera « You radiate ». Ce sera son second. En attendant, son single, « In the dark » est toujours disponible là
En concert
16/02/2023 De Casino, Sint-Niklaas (support Ruben Block)
09/03/2023 Cactus Club, Bruges (première partie de Ghost Woman)
23/03/2023 Trix, Anvers (concert de lancement)
Le Programme
Au fil rouge : Angèle et Blaise
19h : Harby Folk - musique et chansons folk traditionnelles du Harby
19h25 : Philippe Lebrun chante Jules Beaucarne
19h45 : Olivier Loin - www.olivierloin.be - auteur compositeur interprète
20h : Thierry Delnatte et Bruno – chansons (Youtube : Thierry Delnatte)
20h20 : Chansons polissonnes par Bernadette et Ernest Fougnies
20h35 : Les Cousinekes - chansons flamandes par un trio tournaisien
20h50 : Duo Maud et Matthieu
21h10 : Les Seutises – Une coloc’ Rue de Seutin à Schaerbeek sort de son salon pour tenter la scène (chant, guitare, sax, flûte…)
21h35 : ENTRACTE : TAPACH' NOCTURNE dans la cour au milieu des braseros
22h10 : The Rebeats – reprise Groovy
22h40 : KAPO 15 – 6 anciens Cokotteurs du KAPODASTRE (Kot à Projets de LLN)
23h15 : Joachim Wannyn - auteur compositeur interprète –
Chemin du Harby 3. 7750 Anseroeul
https://fr-fr.facebook.com/harbyfarmfestival/
Bien que fondé en 2012, Crows n’a publié son deuxième opus, « Beware believers » (NDR : pour lire ou relire la chronique, c’est ici
) qu’en août de l’an dernier. Un album qui faisait suite à « Silver tongues », paru en 2019. Le quatuor londonien s’inscrit dans la nouvelle mouvance du rock britannique, à l’instar de The Murder Capital, IDLES, Fontaines DC, Shame et TV Priest. En outre, il jouit d’une solide réputation ‘live’, en Grande-Bretagne. Il se produisait au club de l’Aéronef, ce samedi 11 févier. Plus ou moins 250 personnes pour accueillir le band ! La salle est donc bien remplie.
C’est la formation australienne Clamm qui assure le supporting act. Ce trio power punk avait accordé un set particulièrement brillant lors de son passage au festival Leffingeleuren, en 2022. En outre, sur disque, quoique sauvage, (deux albums à son actif, « Beseech me » en 2021 et « Care » en 2002), sa musique tient la route. Depuis, la formation a subi quelques modifications de line up. La bassiste, Maisie Everett, a cédé le relais à Stella Rennex, pour se concentrer pleinement sur son groupe, Belair Lip Bombs. Mais cette dernière ne participe pas à la tournée européenne. Elle est remplacée par un autre musicien. Enfin, le drummer, Miles Harding, n’a pas fait le déplacement, non plus. C’est Alan Jones, le bassiste de la première heure, qui siège derrière les fûts.
Tout un remue-ménage qui explique, sans aucun doute, le manque de cohésion de l’ensemble. Les titres sont courts et écrasants. Finalement, seul Jack Summers, le chanteur/guitariste tente de tracer le fil rouge d’une expression sonore monocorde, assourdissante et dont les mélodies devaient certainement se cacher sous un mur de bruit. 45’ de set, c’était même beaucoup trop long pour nos pauvres portugaises…
Pour les photos, c’est là
Place ensuite à Crows. Un quatuor réunissant le batteur Sam Lister, le guitariste (NDR : barbu et une veste en jeans sur le dos), Steve Gossard, le bassiste Jith Amarasinghe (NDR : il a un petit air à la Jamel Debbouze) et le chanteur James Cox. Qui se sert de deux microphones : un ordinaire et un astatique. Tantôt séparément, tantôt ensemble. Et quand il tient leurs supports en main, on a l’impression qu’il se prépare à s’élancer sur une piste de ski…
Le concert s’ouvre par « Silver tongues », le titre maître du premier long playing. Lancinante, imprimée sur un tempo tribal dans l’esprit des Cramps, cette compo est abrasée par le delay et le fuzz dispensés par la gratte de Steve. James Cox descend dans le public pendant le plus punk « Garden of England », un morceau au cours duquel, sa voix est particulièrement réverbérée. Manifestement, son charisme a de quoi impressionner. Régulièrement, il balbutie quelques mots en français, du style ‘Ça va ?’. Dès « Wednesday’s child », martelé d’une frappe sèche par Sam, le public commence à déménager au sein des premiers rangs. La ligne de basse devient caoutchouteuse tout au long de l’hypnotique « Slowly separate », et le spectre de la bande à feu Lux Interior se remet à planer. « Only time » emprunte le rythme d’un convoi ferroviaire lancé à toute allure. « Closer still » s’avère plus lourd et puissant. Le guitariste ôte sa veste avant que le band n’attaque le fiévreux « Healing ». Puis, Crows nous réserve une toute nouvelle compo, qui évolue sur un mid tempo. « The Itch » alterne passages plus calmes et périodes explosives. C’est alors que Cox emprunte certaines intonations à Mark Burgess (The Chameleons). Et pour le spectateur, difficile de se détourner les yeux de ce showman.
Point d’orgue du set, le syncopé « Room 156 » est carrément hanté par le « What we all want » de Gang of Four, un morceau que pilote le drumming martial et percutant de Sam. La foule devant le podium est de plus en plus houleuse. Et un intrépide se lance dans le crowdsurfing. Un tempo similaire contamine le tout aussi fameux « Hang me high », un titre que le gratteur charge de fuzz. La ligne de basse rebondissante conduit l’hymnique et parfois psychédélique, « SNAX ». D’abord rock’n’roll, « Chain of being » adopte progressivement un rythme infernal soutenu par les accords de basse indus et traversé d’éclats de sixcordes spatiaux.
Le rappel, « Pray », sera attaqué dans la foulée. Ce single décapant date de 2015 ; et particulièrement sauvage, il ressuscite les Stooges cuvée 1970 (« Fun house » et tout particulièrement son « Down in the street »).
Entre post punk, funk blanc, psychédélisme et garage, Crows a accordé, ce soir, un superbe concert !
Pour les photos, c’est ici
(Organisation : Aéronef)
Photos Ludovic Vandenweghe
Petite Noir est le projet du musicien et artiste congolais Yannick Ilunga. Né en Belgique, élevé en Afrique du Sud, Ilunga est l'architecte de la Noirwave, un mouvement musical et culturel qui puise son énergie créatrice dans l'esthétique punk et l'identité fragmentée de la diaspora africaine à travers le monde.
Petite Noir annonce la sortie de son nouvel album, « MotherFather », son deuxième, un disque qui fait suite à « La Vie Est Belle/Life Is Beautiful », paru en 2015.
Aujourd'hui, il publie un nouveau single, « Blurry » en featuring avec son amie zambienne Sampa The Great qui prête sa superbe voix le temps d'un couplet. Le tout est mis en image de manière minimaliste et frappante par Hector Aponysus.
« MotherFather » révèle également un sous-titre : ‘L'obscurité est parfois réconfortante’. Comme l'explique Petite Noir : ‘Il s'agit de traverser l'obscurité pour y trouver une renaissance. Parce que les périodes sombres sont nécessaires pour nous faire grandir’. Le disque décrit une période d'énormes bouleversements personnels dans la vie de Ilunga, retraçant les vieilles cicatrices du racisme qu'il a connu en grandissant à Johannesburg. Au fil des dix titres qui composent l'album, il navigue entre joie et douleur, douceur et abrasion, et montre que la vie est plus riche quand les deux sont présents.
En se débattant avec ces questions existentielles et spirituelles, le son de « MotherFather » a pris un tournant presque biblique, à parts égales avec le paradis et le feu de l'enfer.
Lors des sessions d’enregistrement, l’artiste a reçu le concours de Sampa The Great, du musicien de jazz floridien Theo Croker et des productions de Dave Sitek (TV On The Radio), CID RIM, Moshik Kop, Tropics et Futura.
La vidéo de « Blurry » est à découvrir ici
La sortie de l’album est prévue pour le 14 avril 2023
RIVE dévoile un titre grandiose, féministe et poétique, premier extrait de l'album, "Collision", qui sortira le 21 avril 2023 !
Juliette, la chanteuse, nous appelle à "Rêver grand", à réaliser nos rêves. L’enjeu est féministe puisque les femmes ont du mal à se permettre d’avoir de l’ambition pour elles-mêmes.
Par son aspect grandiloquent et orchestral, la production musicale appuie le coté extraordinaire de pouvoir vivre selon ses aspirations les plus profondes.
Le morceau est accompagné d'un clip, qui met en place un monde onirique, où se côtoient réalité et rêve. Des esprits se promènent dans une ville endormie, traversent plaines et vallées avant le lever du jour. Ces créatures magiques sont les totems des femmes qui construisent leur destinée.
Après un premier opus, "Narcose" (2019), qui a permis à RIVE de s’imposer dans des festivals prestigieux en Belgique et à l’étranger, le duo bruxellois, réunissant la chanteuse Juliette Bossé et le producteur Kévin Brieuc, est donc de retour pour un second LP.
Toujours en français dans le texte, les paroles des onze morceaux explorent et mettent à jour les contradictions de chacun·e, en lien avec les enjeux contemporains. Redessiner les contours de la relation amoureuse, réaffirmer et repenser sa liberté, se permettre, alors qu’on est une femme, de ‘rêver grand’, partir et conquérir de nouveaux territoires, sont autant de thématiques abordées.
La production, dans la lignée de "Narcose", garde son originalité en donnant la part belle à l’orchestration pour mieux contraster avec la voix douce et sensible de Juliette.
Mixé par Lionel Capouillez (Stromae), ce deuxième elpee se veut accessible, dynamique et élégant. En témoigne le choix des artistes invité·es en featuring : le pianiste Sofiane Pamart et la chanteuse suisse Sandor.
Le clip d’animation consacré à "Rêver grand" est disponible là
Après avoir gravé "Pages" un titre rock psyché, inspiré des années 60, l'auteur-compositeur-interprète danois Alex Vargas change de registre et propose une ballade soft-rock à la saveur délicate et mélancolique. Intitulée "Meant To Be Together", elle précède la sortie de "Big Big Machine" son troisième elpee solo, prévue pour le 3 mars 2023.
Doté d'une rare capacité à traduire les relations humaines complexes en chansons dramatiques avec une justesse remarquable, Vargas décrit, dans "Meant To Be Together", les émotions liées à une rupture unilatérale.
En centrant l'arrangement sur son timbre de baryton profond et élégant, qu’il accompagne d'une guitare acoustique et enrichit progressivement d'une instrumentation complète composée d'une guitare principale, d'un clavier et d'une batterie, Vargas illustre le niveau de libération émotionnelle nécessaire pour surmonter un amour non partagé.
‘Il s'agit de se séparer de quelqu'un sans vraiment comprendre pourquoi ça a mal tourné’, résume Vargas à propos de la chanson. ‘On a l'impression de ne pas avoir pu se faire entendre avant que la situation ne nous échappe’. Sur "Meant To Be Together", Vargas défend l'idée qu'un terrain de jeu inégal est voué à l'échec et que chacun mérite une chance équitable.
En attendant la sortie de cet opus, la session live de "Mama, I've Been Dying" est toujours disponible ici
Personnage aussi décalé que créatif, Lucie Sue sort son premier album. Entre rock 90’s, indie anglais et alternatif américain, « To Sing In French » est le manifeste d'une hyperactive de la musique. Neuf titres que Lucie Sue accompagne d'un clip pour le morceau éponyme.
« To Sing in French » car oui, Lucie chante en anglais. ‘Pourquoi ne pas se ranger du côté des quotas ? Tout simplement ‘because j’ai pas envie’.
L’intensité, la rugosité et la richesse du songwriting à l’anglo-saxonne de Lucie Sue tendent à démontrer que l’on peut lier la musique classique au rock sans pour autant se perdre dans le lyrisme pompeux.
Cette enfant du Top50, bercée par les groupes britishs des 90’s, s’évade au son de L7, Metallica, ou encore PJ Harvey, après ses cours de violoncelle au conservatoire National de Lyon.
Si l’on retrouve les influences de ces derniers dans les chansons de Lucie Sue, on se laisse surprendre par le spectre largement varié de son univers musical qui n’hésite pas à sauter de passages abrupts en ronronnements de violoncelle. Et tout ceci se retrouvera désormais sur disque !
Le clip du titre maître, « To Sing In French » est à découvrir ici
Le patronyme du groupe est une référence évidente à Bowie comme le point de départ d’une réflexion artistique, sensible, tourmentée et foisonnante de références à la culture pop.
La vision dystopique punk et poétique de Diamond Dog commence à prendre forme en 2020 et se concrétise lorsque le groupe est au complet, en 2021. L’écriture et l’interprétation des morceaux puisent leur identité dans les origines de la new wave de la toute fin des 70’s.
Ainsi sa musique résonne sur des titres rythmés, dansants, propulsés dans un écrin vaporeux aux sonorités synthétiques où le chorus règne en maitre.
Le quatuor originaire de Dijon, emmené par un chant lead incarné et viscéral, s’exprime ainsi sur scène à travers une atmosphère incandescente empreinte de la fureur des Cramps, des mélodies romantiques de Liszt, de la poésie de Kipling ou du cinéma de Lynch. Le premier album « Usual chronicles » sortira au printemps 2023.
Pour en savoir plus, le clip de « Usuals chronicles », titre maître du futur opus, est disponible là.
Trio bruxellois incandescent, Goodbye Fortune Tellers propose un rock aux accents garage assaisonné selon l’humeur, drivé par des guitares fuzz lo-fi d’où s’extirpent des mélodies vocales pop obsédantes.
A l’instar de son patronyme contrasté, et dans une approche défaitiste proche du post-punk, le groupe rompt avec une vision du prévisible, et dit adieu aux illusions conscientes.
Dans un sillon d’ambiances glamoureusement sinistres, Goodbye Fortune Tellers prédit un drame, une histoire qui ne pourra pas bien se terminer.
Après avoir arpenté la ville nocturne tout au long de son obsédant premier single “City Lights”, Goodbye Fortune Tellers sillonne le côté sombre de l’être humain sur son deuxième titre “Lies”, porté par des guitares encore plus lourdes et un bridge épique, presque westernien.
“Lies” est en écoute là
Tramhaus, la sensation post-punk néerlandaise, a sorti un Ep intitulé "Rotterdam", le 3 novembre 2022.
L'EP recèle quatre titres qui se sont développés de manière organique au cours de l'année dernière, à la fois sur et en dehors de la scène. Quatre chansons criardes et explosives sur la colère et la frustration vécues dans la vie personnelle et dans la société, ainsi que sur des sujets plus introspectifs. Du groove répétitif de "Amour Amour" au versatile "Marwan" qui, lentement mais inévitablement, se transforme en une explosion, inévitablement dans un final bruyant, jusqu'aux cascades furieuses et dissonantes de la finale "Seduction, Destruction".
Le nouvel Ep symbolise les changements continus que nous vivons, tant au niveau individuel que collectif.
Le clip de "The Goat" est disponible là.
Personnage aussi décalé que créatif, Lucie Sue sort son premier album. Entre rock 90’s, indie anglais et alternatif américain, « To Sing In French » est le manifeste d'une hyperactive de la musique. Neuf titres que Lucie Sue accompagne d'un clip pour le morceau éponyme.
« To Sing in French » car oui, Lucie chante en anglais. ‘Pourquoi ne pas se ranger du côté des quotas ? Tout simplement ‘because j’ai pas envie’.
L’intensité, la rugosité et la richesse du songwriting à l’anglo-saxonne de Lucie Sue tendent à démontrer que l’on peut lier la musique classique au rock sans pour autant se perdre dans le lyrisme pompeux.
Cette enfant du Top50, bercée par les groupes britishs des 90’s, s’évade au son de L7, Metallica, ou encore PJ Harvey, après ses cours de violoncelle au conservatoire National de Lyon.
Si l’on retrouve les influences de ces derniers dans les chansons de Lucie Sue, on se laisse surprendre par le spectre largement varié de son univers musical qui n’hésite pas à sauter de passages abrupts en ronronnements de violoncelle. Et tout ceci se retrouvera désormais sur disque !
Le clip du titre maître, « To Sing In French » est à découvrir ici
Le second elpee de Sandor, "La Médaille" est paru ce 3 février 2022. Il fait suite à l’Ep "Bar de Nuit" (2017) et à un opus éponyme, sorti en 2019.
Sur ce long playing, l'autrice-compositrice-interprète et musicienne suisse livre 10 nouveaux titres.
Une écriture toujours aussi poétique et profonde, mais un univers moins sombre et mélancolique à l'instar du single et titre maître, "La Médaille", au cours duquel elle hausse le tempo, ose une rythmique plus enjouée.
Le clip est à découvrir là
Sur cet opus figure "Amour Propre", un morceau aux messages pluriels qui a servi de BO au podcast de RTS "Voyage au Gouinistan" réalisé par Christine Gonzales et Aurélie Cuttat.
Il parle d’une part, de notre rapport de dépendance aux réseaux sociaux, du regard des autres, et d’autre part, du rapport qu'elle entretient avec la musique, un monde merveilleux mais parfois impitoyable. Une histoire d'amour-haine aussi autour de la difficulté de s'échapper d'une relation toxique.
Elle nous emmène ensuite vers des versants new wave, presque industriels ("Oui Amen", "Amen" ou encore l'entêtant "Molosse"), s'essaye à un style plus urbain avec 'les limites de ton intelligence' ou virevolte sur une mélodie gainsbourgienne tout au long de "Les peupliers".
Un album complet, audacieux et puissant…
Asia est une jeune bruxelloise de 23 printemps. Très tôt, elle compose des chansons sur sa guitare. Elle croise aussi la route du musicien et producteur Marco Locurcio qui l'encadre et l'aide à baliser sa musique. À transformer la bedroom artist en autrice-compositrice-interprète et à compiler le tout sur un premier Ep intitulé "Choked Up" qui paraît en 2019.
Grâce au titre « Church », qui lui sert d'ambassadeur, elle se fait repérer et passe sur la très prisée chaîne américaine de radio NPR dans le programme ‘All Songs Considered’ et réussit à placer d'autres morceaux sur des médias alternatifs comme EARMILK.
Elle digère ensuite ces premières percées, passe du temps à composer la suite et revient aujourd'hui avec un premier album intitulé "Metamorphosis". Un elpee réunissant 10 plages, comme autant de caresses auditives que la jeune femme aime toujours susurrer aux oreilles de ses auditeurs. Des changements de vie, des caps à passer, des étapes à franchir qu'elle aime dépeindre de son timbre de voix si singulier.
Premier extrait de celui-ci, « Vitriol » (en version ‘live’, ici
https://www.youtube.com/watch?v=cbxWmD4T6eM&t=57s
) dépeint un week-end durant lequel elle a vu, elle a su que rien ne serait plus pareil après. Comme si elle avait passé au vitriol certaines dynamiques et qu'il était temps pour elle de perdre sa peau tel un serpent, de muer, d'avancer et de laisser derrière elle certaines choses à jamais.
Le clip consacré à « Church », titre extrait de son premier Ep, « Asia », lui a permis de faire cybervoyager le projet outre-Atlantique, et il est à découvrir là
Depuis ses débuts en 2019, Sainte Barbe a pour objectif d'explorer de multiples genres musicaux à travers le prisme de la musique électronique. Il utilise ses guitares, son piano et sa basse et y mélange différentes sonorités qu'il a pu trouver sur son chemin. Il est très certainement un scientifique de la musique qui expérimente et veut pousser la French Touch au-delà de ses frontières connues.
Afin d'élargir son spectre musical, Sainte Barbe s'est lancé le défi de sortir une nouvelle chanson chaque semaine pendant un an : ‘Sainte Barbe Weekly’, qui s'est terminé ce vendredi 27/01/2023.
Grâce à cette immersion musicale hors du commun, Sainte Barbe a trouvé de nombreuses façons d'explorer et d'ajouter à sa palette musicale de nouvelles sonorités tels que le jazz, la néo soul, l'indie rock, la disco house et même la musique classique.
Cette performance hebdomadaire inhabituelle a été mentalement et physiquement difficile mais a définitivement transformé Sainte Barbe en un producteur de musique atypique et aguerri. Tout au long du défi, il a publié 52 tracks et en a sélectionné aujourd’hui 30 pour créer trois nouveaux albums.
Ceux-ci sortiront en mars, avril et mai 2023.
▪ 03 Mars 2023 : « Galactic II »
▪ 07 Avril 2023 : « Change the Rules »
▪ 05 Mai 2023 : « Chasing the Sun »
« Soleil Lunaire » (feat. Alexis Muratti) est en écoute là
Entre l’Afrique et la Belgique, Marie-Pierra Kakoma, aka Lous & The Yakuza, a vécu plusieurs vies. Auteure-compositrice-chanteuse, elle s’est construite sur des contrastes qui font la richesse de ses morceaux. Des chansons pop à la fois bouleversantes et lumineuses, aux textes percutants, sensibles, et engagés. En 2019, les planètes s’alignaient pour un bel envol : une création durant les 41èmes Trans Musicales de Rennes, l’accueil du titre « Dilemme », puis la sortie de l’elpee « Gore », à l’automne 2020. Autour d’elle alors, quelques (très bons) génies gravitent : le batteur/producteur espagnol, El Guincho (El Mal Querer De Rosalía), le rappeur, beatmaker et ingénieur du son belge, Krisy (DeLaFuentes) et un pote à Damso : Ponko (prod. Hamza). Deux ans plus tard, son second opus « Iota » propulse l’artiste sur la scène internationale.
Elle a grandi entre la République démocratique du Congo, le Rwanda et la Belgique. Son enfance a été perturbée par la guerre. Elle a été séparée de ses parents. Parmi ses autres intérêts, Kakoma est obsédée par l'art japonais ; son habitude est de dessiner ses propres pochettes de disques. Le patronyme de groupe (The Yakuza) adresse un clin d'œil au syndicat du crime japonais. Elle a connu la rue et son inconfort ; elle y a été agressée. Par la suite, elle a enchainé différents petits boulots et passait de temps en temps les nuits dans un petit studio d’enregistrement. Ce qui lui a permis d’enregistrer des tas de chansons. Elle est également mannequin et égérie de Louis Vuitton et Chloé. Elle a assuré les premières parties d’Alicia Keys, de Coldplay et de Gorillaz aux States. Elle a été surnommée –sans doute un peu trop facilement– la Beyoncé belge.
Elle se produisait donc ce mardi 7 février à l’Ancienne Belgique de Bruxelles. Le concert est sold out depuis longtemps.
La première partie est assurée par un certain Rea. Artiste multi-casquettes, Rea est à la fois graphiste, peintre, danseur, grapheur, beatmaker, producteur et enfin rappeur : la liste est longue. En effet, Rea ne se laisse pas enfermer dans une catégorie. Son univers musical est à son image, peuplé d’influences rap, r&b et new wave, et le tout est parsemé de sonorités congolaises. Ses premiers titres, « Amoroso » et « Therapy », sortis tous deux en 2021, cumulent à eux deux, de nombreux streams sur la toile.
Début des hostilités à 19h55 précise, Rea est seul sur les planches. Sauf pour la dernière compo au cours de laquelle deux rappeurs viennent l’épauler au micro. Quelques minutes après le set décomplexé et étonnant de Rea, le duo revient sur scène pour interpréter deux morceaux. Apparemment, le supporting act était découpé en deux parties…
Pour les photos, c’est ici
Une estrade est posée au centre du podium afin d’accueillir les musiciens : un drummer, deux claviéristes dont un des deux abandonne régulièrement son instrument pour empoigner une basse ou une guitare. Trois escaliers placés de chaque côté, permettent à Lous d’y accéder. Elle se consacre uniquement au chant.
Elle débarque les jambes serties dans des bottes noires de type cuissardes, sur un long manteau noir descendant très bas. Ce manteau s’ouvre pendant « La Money », laissant apparaître un body noir et une jupe portefeuille blanche sur un short noir. Elle réfléchit et déclare en anglais et surtout en français que la pénurie d'argent gâche une relation.
Elle ouvre le set par « Ciel », qu’elle interprète d’une voix à la fois belle, impérieuse et maîtrisée. Avant « Takata », elle va se délester de ses bottes pour chausser des baskets de couleur noire. Elle en explique la raison : un problème récent de paralysie des jambes. Elle est souvent plantée sur son estrade, mais vient parfois au contact des premiers rangs pour les inciter à bouger. Car la foule est plutôt statique, même si elle est acquise à sa cause. Faut dire que sa voix est relativement monocorde et n’incite pas à l’enthousiasme. Il faudra d’ailleurs attendre plusieurs morceaux avant que l’auditoire commence à se dandiner, et notamment lorsque le drummer donne des impulsions électro à certains morceaux. A épingler, quand même, l’agilité des doigts du claviériste sur ses ivoires.
Attaquée en piano/voix, sa version du « Under the skin » de Frank Sinatra est superbe. « Kisé » évoque une liaison passionnée, mais imprudente. Lous y intègre l'anglais au français comme s'il n’existait pas de déconnexion. Dans le refrain, au lieu de ‘À deux dans le moshpit, aux pieds nos Yeezys’, elle s’autorise ‘Ensemble dans le moshpit, Yeezys on our feet’ (NDR : en fait, Yeezys est la ligne de chaussures Adidas conçue par Kanye West). Sur disque, elle est accompagnée par Damso, sur « Lubie ». Elle nous en livre une version dépouillée, empreinte de douceur, mais magnifique.
23 morceaux enfilés, en 75 minutes ! La setlist de Lous & The Yakuza a quasiment visité les plages de ses deux albums « Gore » et puis surtout son dernier, « Iota ».
Finalement ce sont les compos les plus cool, parfois teintée de soul ou de jazz qui ont marqué les esprits…
Pour les photos, c’est là
Setlist : « Ciel », « La Money », « Takata », « Interpol », « Tout Est Gore », « Dans La Hess », « Kisé », « Handle Me », « Bon Acteur », « Courant D'Air », « Under My Skin » (Frank Sinatra cover), « Lubie », « Je Ne Sais Pas », « Laisse-Moi », « Autodéfense », « Trésor », « Solo », « Yuzu Balade », « Hiroshima », « Monsters », « Téléphone Sonne », « Amigo ».
Rappel : « Dilemme »
(Organisation : Ancienne Belgique et Live Nation)
RORI n’est pas une inconnue dans l’univers musical, puisqu’elle était l’un des binômes de Beffroi, groupe qui a rencontré un succès populaire et critique. Mais l’aventure a pris fin à la mort de Valentin Vincent, fin 2017, des suites d’une longue maladie.
Après une inévitable reconstruction, la jeune femme s’est remise à rêver à une carrière musicale.
En choisissant de se produire en solo, elle emprunte désormais des versants pop, rock ou même funky tout en s’essayant à la langue de Voltaire afin de creuser un peu plus le sillon des émotions.
« Docteur » et ses larges passages n’est qu’un échantillon d’une palette de compos percutantes grâce auxquelles RORI s’exulte à libérer un mal-être.
Touchante et la sensibilité à fleur de peau, RORI a accordé, à Musiczine, une interview le jour de la sortie d’un Ep qui risque de faire couler beaucoup d’encre.
Analyse !
Camille, tu as milité au sein de Beffroi, une formation qui a connu pas mal de succès. Une aventure qui s’est achevée au décès de Valentin Vincent, à la suite d’une longue maladie. Comment s’est déroulée la période de transition entre Beffroi et RORI ?
Bizarrement, ça s’est bien passé. Tout s’est déroulé à mon rythme. De manière très naturelle. J’ai pris le temps de voir ce que j’avais envie de faire et de raconter. Durant cette période, j’ai également connu quelques expériences, mais toutes n’ont pas réussi.
Ce nouveau projet constitue finalement une forme de résilience…
Oui, on peut dire ça ! Mais pas que ! C’est l’envie de poursuivre un but, de trouver ce que j’avais envie de faire et comprendre ce qui me parlait le plus. Mais surtout de le trouver. Je dirais que c’est ça qui m’a conduit dans cette direction.
Ta musique est teintée de différentes couleurs. On y croise de la pop, du rock et même du funk. Est-ce que proposer quelque chose à la fois d’éclectique et multiple, ne risque-t-il pas de te disperser dans des genres parfois opposés ?
Non, je ne crois pas ! J’estime qu’il est plus enrichissant, y compris en ce qui me concerne, de varier les couleurs dans les chansons. J’écoute tellement de musiques et de styles différents que la manière d’avoir conçu cet Ep me correspond totalement. Finalement, le produit rendu possède une certaine homogénéité.
Un Ep quatre titres sort ce jour. Dans quel état d’esprit te sens-tu ?
Ça va plutôt bien ! J’avoue que j’étais un peu stressée, mais très contente d’avoir pu enfin sortir un Ep, en lieu et place d’un seul titre, comme l’année dernière. Le sentiment qui domine aujourd’hui est d’être parvenue à réaliser quelque chose de nettement plus concret.
Jusqu’ici tu chantais en anglais. Tu optes maintenant pour français. Cette nouvelle option te permet-elle de mieux te raconter et d’aller davantage dans les émotions ?
Tout à fait ! C’est d’ailleurs la raison pour laquelle j’avais le choix, jusqu’à présent, de ne pas chanter en français. L’anglais est un refuge qui permet de s’y cacher en quelque sorte. La langue française est plus riche. Elle permet d’être plus précise lorsqu’il s’agit de faire passer certaines émotions. Je suis contente d’avoir eu le courage de chanter dans ma langue maternelle.
On observe d’ailleurs aujourd’hui un retour de la langue de Molière chez pas mal de groupes ou artistes (Grand Blanc, Flavien Berger, Paradis, Feu! Chatterton, Perez…) A ton avis, quelle est la raison de cette décomplexion ?
Il y encore quelques années, un certain style d’écriture dominait. Il s’agissait d’un genre qui ne parlait pas nécessairement au plus grand nombre. J’écoutais de la chanson française très classique, mais je ne comprenais pas nécessairement le message que l’artiste souhaitait communiquer. Ce qui est intéressant aujourd’hui, c’est qu’on a éclaté cette façon de voir les choses. On se libère davantage sur ce que l’on a envie d’exprimer et la manière dont on a envie de l’exprimer.
« Docteur » a comptabilisé plus de 3 000 000 de streams. Une compo en français, peu de gens le savent, mais à la base, elle a été composée en anglais...
C’est exact, cette chanson était, au départ, écrite en anglais. Nous avions une session au Pays-Bas. Les Néerlandais ne parlant pas le français. Donc nous l’avons proposée en anglais. Je l’ai traduite. Tout comme « Ma place ». Je travaille encore de cette manière. Perso, il est plus facile pour moi de composer des mélodies en me servant de cette langue. Il s’agit juste d’une question d’habitude. En fin de compte, cette méthode de travail fonctionne et j’en suis très contente.
Tes chansons abordent des sujets personnels. « Docteur » met en exergue ce sentiment de se sentir différente. Alors qu’hier, cette différence te rongeait, aujourd’hui tu sembles la cultiver et en faire ta plus grande qualité.
Je ne crois pas cultiver cette différence. Nous sommes différents. Je n’ai ni l’envie, ni le sentiment de porter cet étendard. J’exprime, dans cette chanson, le fait d’être complètement perdue face à un entourage qui, lui, avait fixé des objectifs précis. Je ne me sentais pas du tout en phase avec cette situation. C’est ce côté différent que je souligne.
La santé mentale reste un sujet dont l’industrie musicale s’empare de plus en plus, à l’instar de Mustii qui rend hommage à son oncle atteint de schizophrénie, sur son dernier album, de Stromae pour « Enfer » ou encore de Selah Sue sur « Pills ».
A vrai dire, je n’ai pas cette impression. Ces thématiques existent depuis la nuit des temps. Les chansons que j’ai écoutées ont toujours été très personnelles. A titre d’exemple, je citerais Amy Winehouse ou encore les Beatles. Je crois que la seule différence est qu’aujourd’hui, l’espace pour partager son ressenti est plus important. On s’identifie peut-être plus facilement et on se sent concerné plus rapidement.
Justement, en abordant les problèmes de santé mentale, n’y a-t-il pas un risque d’en faire un absolu ?
Non, je ne crois pas. Je partage juste ma vie et les événements que j’ai traversés. Finalement tout le monde expérimente la même chose, mais à des degrés divers.
A l’avenir, pourrais-tu imaginer raconter des histoires fictionnelles ?
Oui, tout-à-fait. La volonté est d’expérimenter un peu plus l’écriture et voir ce que je peux sortir d’autre. Je m’y exerce en ce moment en m’inspirant notamment de films, de livres ou encore de rencontres.
Le choix de RORI comme nom de scène, ne permet-il pas aussi de dissocier l’artiste de Camille, la jeune femme que tu es ?
Effectivement, ce choix m’aide beaucoup et renforce ma confiance lors des concerts ou des interviews. Lorsque je suis RORI, j’arbore alors une casquette professionnelle, même si je n’aime pas trop ce terme. Je fais ce que j’ai à faire pour pouvoir accomplir mon travail correctement. Pour moi, un nom de scène assure une forme de protection, un peu comme ceux qui portent un costume dans l’exercice de leur métier.
Véritable autodidacte, tu bénéficies aussi des conseils avisés et de l’expérience d’Hadrien Lavogez.
Je travaille tout le temps avec lui. Il m’apprend énormément. Nous nous sommes rencontrés lors d’un concert. Nous avons pas mal discuté. J’aimais beaucoup sa manière de travailler. Il s’agit d’un vrai musicien, il connaît donc parfaitement son sujet. C’est ce que je cherchais à développer. Je lui ai envoyé un message, il a répondu positivement. On a commencé par une session, puis une autre en studio et la magie a opéré. On a continué à bosser ensemble, à tenter des expériences, à les rater et à recommencer.
Tu as tourné cet été dernier. De nouvelles dates sont bookées pour les prochains festivals. Mais en octobre, tu as eu l’occasion de ‘teaser’ tes nouvelles compos à l’AB, un endroit mythique en Belgique, ce qui n’est pas rien…
C’était une expérience très impressionnante. L’Ancienne Belgique a vu défiler tellement d’artistes que j’aime ou que j’ai découverts. C’est une salle qui offre une très bonne acoustique aussi. Pouvoir jouer dans de telles conditions procure évidemment beaucoup de plaisir. Il existe aussi ce sentiment que se produire devant un public donne plus de sens parce qu’avec les réseaux et plateformes de streaming, on ne voit que des chiffres, ce qui ne permet pas de percevoir la manière dont la musique touche les uns et les autres. C’est un sentiment assez étrange. J’ai présenté des morceaux qui n’étaient pas encore sortis. J’étais stressée, mais dès que je suis montée sur scène, tout s’est dissipé rapidement car le public a été réceptif.
Justement, tu as choisi la formule ‘groupe’. Hadrien t’accompagne sur les planches, mais aussi Pierrick Destrebecq qui a notamment milité chez Recorders, Abel Caine ou encore en compagnie de Mat Bastard. Une formule nécessaire pour donner une coloration plus rock aux compos ?
C’était une volonté de ma part. En concert, j’aime être soutenue par de vrais musiciens. J’ai rencontré Pierrick par l’intermédiaire d’Hadrien. Ils se connaissaient depuis des années. Ils ont tous les deux fréquenté l’école ‘Jazzstudio’ à Anvers. C’est un très bon batteur. Lorsque tu montes un groupe, il faut généralement du temps avant que la connexion s’établisse entre les membres. Ici, elles se sont mises en place beaucoup plus naturellement. Il ne me restait qu’à prendre le train en marche, ce qui ne m’a posé aucune difficulté.
Être accompagnée de musiciens est un luxe. Mon rêve a toujours été de pouvoir me passer des outils informatiques et de toutes ces machines lorsque je me produis en live. Aujourd’hui, nous sommes trois, mais la formule pourrait encore évoluer afin de pouvoir retrouver davantage cet esprit à l’ancienne.
Tu as terminé tes études en graphisme. Comment te projettes-tu professionnellement ? Est-ce que la musique constitue une réelle ambition ou s’agit-il juste d’une opportunité ?
J’ai toujours rêvé de faire de la musique. J’ai suivi des études en attendant de pouvoir faire autre chose. La musique est une priorité et il n’y qu’elle qui compte en ce moment…
Écouter la musique de Francesca Fulmini, c'est comme rentrer à la maison après une longue journée pluvieuse et se débarrasser simultanément de ses vêtements mouillés et des soucis de la journée...
Sa cadence chaleureuse vous enveloppe dans une étreinte teintée de jazz et de soul et offre une retraite loin du monde extérieur. C’est elle la sœur dont vous avez besoin pour venir vous chercher et vous donner une vérification de la réalité qui affirme la vie lorsque des doutes commencent à s'infiltrer, mais aussi celle qui comprend fermement votre chagrin d'amour.
La voix unique de la chanteuse peut être attribuée à ses racines belges, néerlandaises et italiennes. Le folk et le blues, qui lui sont présentés par un oncle, servent de base à son écriture brute et intimiste. De manière peu conventionnelle, c'est son père italien de 50 ans qui l'a initiée au RnB et le reste appartient à l'histoire.
Roy Ayers, D'Angelo, Erykah Badu, James Blake et Frank Ocean sont ses plus grandes inspirations.
C'est avec ces forces que Francesca Fulmini a enregistré « Slow Brew », son premier Ep. Un disque découpé en 6 titres nonchalants, chaleureux et réfléchis.
Cette chanteuse, auteure-compositrice et multi-instrumentiste prouve sans effort sa valeur et ne vous quittera certainement pas des yeux et des oreilles...
Le clip consacré à « No Rules » est disponible là
La tête dans les nuages, Cloudie nous invite dans son univers coloré, pétillant et rêveur. Mais ne vous faites guère d’illusions : son monde n'est pas tout rose !
Derrière sa musique enjouée et positive, aux touches de nostalgie, cette jeune artiste belge de 24 ans aborde avec subtilité des sujets tels que l’anxiété, la lassitude, le désir ou encore, le manque de confiance en soi. Cloudie trouve sa place dans la pop francophone, aux notes urbaines et de variétés.
La jeune artiste originaire de Liège s’inspire des artistes de la scène pop américaine d’aujourd’hui comme Billie Eilish, Sasha Alex Sloan, Lolo Zouai et Bea Miller mais est également influencée par de nombreux artistes francophones comme Louane et Angèle en passant par Orelsan, Tessae ou encore Poupie.
Sa musique rafraîchissante est colorée de notes urbaines, folk, variétés et latines. Elle nous fait passer de l’amour à la tristesse et de la joie à la douleur. Cloudie nous offre un savoureux mélange de toutes les petites émotions qui lui passent par la tête.
Plus jeune, Cloudie se forme à la rigueur du chant lyrique à la maitrise de l’Opéra Royal de Wallonie (Liège). Elle décide alors d’apprendre la guitare et le clavier, en autodidacte, pour se lancer dans la composition. Perfectionniste et touche à tout, elle apprendra plus tard la production afin de composer, écrire et co-produire son premier Ep, dont la sortie est prévue pour l’hiver 2023.
« Pacwoman », son second single, est disponible sous forme de clip, là
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