Avi Buffalo est une formation californienne qui a publié son premier elpee en 2010. A l’époque, son leader, Avi Zahner-Isenberg, n’avait que 19 ans. Depuis, hormis l’un ou l’autre travail de production, il s’était montré plus que discret. Le combo vient donc de graver son second opus. Et manifestement, le songwriter n’a rien perdu de son art à torcher des pépites pop-rock. L’opus a d’ailleurs reçu d’excellentes critiques de la part de la presse spécialisée. Et deuxième bonne nouvelle, l’Américain se produisait, ce mercredi 15 octobre, dans l’intimité de la Rotonde du Botanique…
Après une première partie assurée par une jeune Belge répondant au nom de Leonore, place à la tête d’affiche. Le backing group d’Avi réunit une drummeuse, un claviériste et un bassiste. Armé de sa guitare, Zahner-Isenberg s’installe au centre du podium. A vue de nez la moyenne d'âge du combo de doit pas dépasser les 25 printemps. Pourtant, les musicos ont l'air à l'aise et dès leur entrée en scène, n’hésitent pas à discuter avec leur public. Malheureusement, les deux premiers morceaux sont perturbés par une sonorisation pas encore au point. Les claviers sont trop mis en évidence alors que la guitare et la voix passent quasi inaperçues. Et même si au fil du set, le son va s’améliorer, il ne sera jamais totalement parfait. Pourtant, au bout d’une vingtaine de minutes, Avi a déjà démontré ses talents de guitariste. Ses doigts se baladent sur le manche avec une aisance impressionnante. C'est d'autant plus flagrant lorsqu'il entame en solo un morceau de son premier opus (« Summer Cum ») sur lequel un arpège d'une efficacité remarquable est exécuté. Il attaque ensuite deux titres à la sèche, uniquement épaulé par son claviériste. Mais le charme n’opère pas et on est finalement heureux de voir revenir les autres membres du band. La set list se consacre essentiellement au dernier elpee ; et peu à peu, l’auditoire commence à ressentir une certaine frustration. Pas que la qualité des titres soit en cause. D’ailleurs les mélodies son solides, et Avi maîtrise parfaitement son sujet. Par contre, hormis le claviériste –qui impressionne par sa dextérité sur les touches de son instrument– la section rythmique fait un peu pâle figure. Le bassiste n’est pas un prodige, mais il assume plus ou moins correctement son job. C’est plutôt la drummeuse qui est à la traîne. Désinvolte, lymphatique, elle se contente de caresser ses fûts. Résultat des courses, elle ne parvient pas à communiquer le moindre dynamisme aux compos. Ses acolytes ont beau se décarcasser, rien n'y fait, la mayonnaise ne prend pas et l’auditoire perd progressivement son enthousiasme.
Quand on quitte la salle, on reste sur un sentiment mi-figue, mi-raisin, convaincu que les morceaux –excellents sur disque, je le rappelle– auraient pu atteindre une autre dimension, si le backing group avait été à la hauteur. On réécoutera volontiers la discographie d’Avi Buffalo, mais on réfléchira à deux fois, avant d’aller le voir en concert. Ou tout au moins, on se renseignera sur les musicos qui accompagnent Zahner-Isenberg…
(Organisation : Botanique)
Ce vendredi 18 juillet, les R’tardataires ont ouvert le festival des Franfofolies sur la scène ' Ice Watch' du Village FrancoFou. Pas un challenge facile. Mais ils s’en sont bien tirés. Il y avait du peuple et la prestation a été bien accueillie. Les R'tardataires ont été lauréats du ‘Franc'Off’ et finaliste de la ‘Biennale de la Chanson Française’, en 2013. Une belle carte de visite. A l’issue du concert, Cédric et Max, les deux vocalistes ont accepté de nous accorder un entretien. Rendez-vous pris dans le hall de l'Hôtel Radisson Blu Palace de Spa, et pas question d’être en retard…
Les R’tardataires qui intitulent leur album « Mieux Vaut Tard que Jamais », c’est un peu un poncif ?
Cédric Chiappe (Céd) : Il faut bien qu'on arrive un jour. Les R'tardataires, c'est bien. Etre en retard, c'est beau. A un certain moment, il faut qu'on arrive. Et puis tout le monde est concerné. Aussi bien toi que moi. Il vaut mieux tard que jamais...
Maxime Lacroix (Max) : Ce titre, nous l’avions choisi, un an et demi avant sa sortie. On a déduit que dans le contexte, il n'était pas mal du tout.
Quelques mots sur votre parcours ?
Céd : Nous avons démarré en 2010. On a enregistré un album démo tous les deux. Nous avions déjà adopté le style qui allait devenir celui des R'tardataires. Mais on voulait immédiatement bosser en compagnie de musiciens. Pendant trois ans, on a beaucoup tourné à Liège. Ce qui nous a permis de réunir une bonne base de fans. Et puis, on a eu la chance de gagner deux ou trois concours : La Biennale de La Chanson Française et les Franc'Offs qui nous ont permis de nous produire, aujourd'hui. On a joué aux Ardentes, la semaine dernière Nous partons à Montréal pour le ‘coup de coeur francophone’, en novembre. Parcours simplifié, mais non moins beau.
On en arrive inévitablement à vos influences musicales ?
Céd : Le rap français, bien sûr. Le reggae, le ragga.
Max : Pour les autres musiciens du groupe : le funk, le rock, le jazz.
Dans vos textes vous avez constamment recours à la dérision. Et puis ils sont décalés. C’est une ligne de conduite ?
Céd : Oui, ce besoin de dérision est essentiel. Dès la première démo, nous nous en servions déjà. Nous essayons d’aborder les événements au second degré. Comme j’essaie de le faire maintenant. Et c’est un gros effort. Les textes sont donc volontairement décalés. Nous abordons des sujets sérieux sous cet angle. C'est notre kiff.
Des exemples ?
Céd : Les textes ? C'est de la merde. Sinon, franchement, on raconte la vie de tous les jours. Des mammys qu’on place dans les maisons de retraite, qu’on oublie et laisse mourir dans les homes. Des sans-abri, dont tout le monde s'en fout. Des martiens qui décident de passer leurs vacances sur la terre. Des filles qui sont belles au naturel. Des trucs parfois sans importance qui nous font bien rire. Tout ce qui nous passe par l’esprit et susceptible de faire une bonne chanson.
Max : De tout et de rien. De la folie des glandeurs. Des soirées ‘mousse’.
Votre clip « 22, fais tourner », est plutôt drôle ? D'où vous est venu l'idée du scénario ?
Céd : Pas pour remuer la merde. La réalité reste la réalité et la police n'est pas toujours... On caricature à mort. C'est à cause des décisions gouvernementales que les policiers se retrouvent parfois dans des situations délicates. On le remarque au quotidien. C’est un problème que nous dénonçons. Et que nous étalons au grand jour…
Max : Au départ, notre intention n’est pas de pleurer sur notre triste sort. Ce n’est pas la police, mais plutôt le système que l'on caricature. Et ensuite, comme les flics incarnent le système, ils deviennent les boucs émissaires…
Vous utilisez également la toile et surtout les réseaux sociaux, pour communiquer ? Est-ce, pour vous, un maillon essentiel dans le processus de promo ?
Céd : Quand tu fais un clip aujourd’hui, il est très facile de le poster sur internet.
Max : Pour nous, non. Mais si tu veux un max de visibilité, tu n'as pas le choix. Il n'y a pas d'autre moyen aussi efficace. Tu dois faire ta propre pub via Internet. Et gérer ta promo. Tu passes par Facebook et c'est parti. Avant, ce n’était pas le cas. Ce qui change tout pour un groupe.
Prince vous aimez ?
Max : Un tout petit peu.
Et le rappeur Makyzard ?
Céd : Ah oui que l'on connaît ! C'est tout bon. On avait partagé une petite scène avec lui au Live and Stage à Chênée. Après son set on s’était un peu lancé dans l’exercice du free style. Il est terrible ce gars et en plus il crée de la très bonne musique. Son guitariste est un vrai malade mental. Il n'y a pas que lui d'ailleurs. Ses musiciens sont hors pairs. Il chope des mots qui viennent du public et les transforme en chanson. Nous avons un peu perdu cette discipline. Mais il n’est pas dit qu’on n’y reviendra pas. Quand tu explores ce créneau, tu participes à la culture hip hop. Improviser sur des mots en ‘live’, c’est très difficile à réaliser…
Sur les planches, vous libérez de l’énergie positive, non ?
Céd : Absolument ; on met toute notre énergie négative dans nos chaussures et puis on y va. Oui, à fond. Le but est de se marrer. Sur scène, devant la foule, on n'a pas envie de débarquer comme des mollassons. On souhaite que ça pète. Et en même temps, on se fait plaisir. On cherche à chauffer la foule et qu’elle jumpe avec nous. On n’est pas du genre à interpréter des chansons tristes destinées à faire pleurer les gens. Ce n'est pas notre style. Même dans les textes, on positive. La scène, c'est primordial pour nous !
Max : Good Vibrations. Le délire général du groupe c'est qu'il faut positiver un peu.
Après les Ardentes, vous ouvrez les Francos à 13h00, un joli défi pour vous ?
Céd : Oui un vendredi, c'est un challenge et on a bien relevé le défi. Du moins, je pense. Il y avait du monde malgré la chaleur. Il y avait du soleil et nos compos ont apporté au public un certain réconfort.
Votre rap est coloré, métissé, même. C’est dans l’esprit de notre musique ?
Céd : Sympa comme réflexion. C'est le but aussi. Toujours sur une base hip hop, mais bien colorée.
Max : En fait, ce feeling reflète les influences des autres musiciens. Que ce soit du reggae, ska, du latino ou de la drum&bass, quand on se lance, c’est à fond les manettes…
Quels sont vos trois albums de chevet ?
Céd : « L'Ecole du Micro d'Argent » d’IAM, le premier de Féfé, « Les Jeunes A La Retraite » et « X Raisons » de Saïan Supa.
Max : Idem que Céd. Celui de Raggasonic aussi.
Le concert qui vous a le plus fait flasher ?
Max : Celui de de Stromae aux Ardentes. C'est un grand malade, ce type. Son show à l’américaine est d’une grande précision. Mais quand tu tournes, tu te rends compte du taf qu'il y a derrière. C'est une vraie machine de guerre. Depuis deux ans, il a fameusement évolué. Au point de vue technique, c'est pointu et le top.
Céd : Perso, celui de IAM qui a accordé un show à l'ancienne. Un sommet !
Les Berlinois de Camera entamaient ce mardi leurs trois dates belges à Liège. Un concert que votre serviteur attendait impatiemment, suite à la sortie de leur formidable nouvel album, "Remembre When I Was Dioxide Carbon" (voir rubrique chronique de notre site). Leur premier passage à Liège, dans le cadre du Microfetival 2013, m'avait laissé un peu sur ma faim. Le groupe, de fort mauvaise humeur suite, semble-t-il, à un conflit interne et des soucis techniques, n'avait pas vraiment justifié sa réputation de brillant performeur. JauneOrange avait alors promis de les inviter une nouvelle fois, à la première occasion. Ce nouveau rendez-vous a par contre amplement répondu à mon attente. Camera a démontré de la plus brillante manière qu'il est bel et bien une machine motorik exceptionnelle rôdée par des années de concerts sauvages dans les lieux publics berlinois et une tournée dans le monde entier quasi ininterrompue depuis 2012.
Mais commençons par évoquer la prestation du trio liégeois Back to Whitworth. Né sur les cendres d’Eté 67, le band n’a pourtant rien en commun avec le groupe de pop champêtre. Si le début du set peut rappeler la musique cosmique des années 70, en particulier les sonorités spatiales de l'orgue vintage, le propos se muscle progressivement et évolue vers des compositions plus math-rock saupoudrées de stoner. Agréablement surpris au départ, cette évolution me parle moins. Le son métallique de la batterie est agressif et cet instrument prend trop de place. On peut louer la technicité mais elle finit par lasser. Difficile de trouver un fil conducteur dans les courts morceaux finaux. Surtout quand on n'a jamais été grand fan de ce style. Ceci expliquant sans doute cela.
Chez Camera aussi, la batterie tient la place centrale. Motorikissimes, les rythmes de Michael Drummer (apparemment ce n’est pas un pseudo ; de quoi croire en la prédestination) sont l'élément moteur (fatalement) de la transe qu'impose progressivement le groupe. A côté de lui, sérieux comme Joseph Ratzinger, Timm Brockmann distille quelques drones sur son laptop mais surtout des sonorités synthétiques tournoyantes. Les deux compères sont accompagnés par un guitariste dont on n'apercevra le visage qu'à la fin du concert. Penché sur son instrument, les cheveux ballotant dans l'air rare de La Zone, il livre les accords cosmiques bouclés propres au krautrock.
D'interaction avec le public, il ne sera pas question. Pas un mot, pas un regard, pas un geste. Une froideur toute teutonne qui pour votre narrateur n'a pas d'importance mais peut-être, explique en partie le manque de réaction d'un public nombreux mais majoritairement amorphe voire même peu concerné.
Et pourtant, cette musique est terriblement excitante. Transique, psychédélique, faite de répétitions évolutives, elle passe de moments d'accalmie à des passages ébouriffants d'une rapidité extrême au gré du tempo des rythmes tribaux de Drummer.
Le premier morceau dure 15 minutes, le second 20. Enormes, hallucinants. On est entraîné sur les montagnes russes des percussions, le corps en ébullition et le cerveau déconnecté. On voudrait qu'ils nous emportent encore plus loin, on espère les mélodies synthétiques de l'album, des envolées de guitare. Elles ne viendront pas. Qu'importe. La scène semble pour Camera un monde à part où la transe prime, engendrée par les variations d'énergie et la répétitivité. Et tant pis pour ceux qui voulaient une copie conforme de leur remarquable travail en studio. Aucun morceau ne semble familier. C'est le royaume de l'improvisation maîtrisée. La dernière saillie, un peu plus brève et sans doute un rien moins intéressante donne à nouveau la part belle aux rythmiques. Drummer est vidé. Rideau.
Ce concert a provoqué en moi ce que seules certaines musiques africaines traditionnelles ont réussi à engendrer. Une déconnection quasi spirituelle, un état modifié de conscience. Pourtant, en y repensant, je suis certain de ne pas avoir assisté à la plus grande performance de Camera ce mardi soir. Mais je sais que la prochaine fois, l'expérience qu'ils me proposeront sera totalement semblable et complètement différente. Le propre du Krautrock. L'essence d'un grand groupe.
(Organisation JauneOrange)
Ils n’en ont décidemment jamais assez, pour le plus grand bonheur de leurs fans !
Depeche Mode a annoncé la sortie d’un CD/DVD live intitulé « Depeche Mode Live In Berlin » pour le 14 novembre prochain. Au programme, un film de deux heures tourné durant les concerts des 25 et 27 novembre 2013 à l’O2 World Berlin durant la tournée « Delta Machine ». La réalisation a été confiée à Anton Corbijn, un collaborateur de longue date du groupe. L’occasion parfaite pour redécouvrir les plus grands tubes des Britanniques.
Une version deluxe est également prévue sous la forme d’un box comprenant notamment un second DVD avec de nombreuses séquences dans les coulisses des deux shows. Ce package comprendra beaucoup d’autres surprises et devrait contenter les fans les plus exigeants d’une des formations pionnières de l’ère post-punk.
A quelques jours de la sortie de son nouvel album « It’s A Pleasure » (prévue le 20 octobre), Baxter Dury propose un concours original. En recréant la pochette du disque via l’application SNAPS, les internautes peuvent tenter de gagner un exemplaire dédicacé du successeur d’« Happy Soup ». Pour se faire, il suffit de reposter sa production sur Facebook, Twitter ou Instagram avec le hashtag #itsapleasure.
https://makesnaps.com/baxter-dury
Alice Glass, chanteuse de Crystal Castles, a annoncé sur sa page Facebook son départ du duo canadien et donc la dissolution de la formation après presque dix années d’existence. Elle a déclaré que plusieurs facteurs, autant professionnels que privés, avaient influencé sa décision. La scène électro-pop perd un de ses grands noms, les trois albums du duo de Toronto ayant été généralement bien accueillis par la critique.
https://www.facebook.com/aliceglass?fref=ts
Décidément, Bureau B ne cesse de nous livrer de très bons albums. Cette fois, c'est le retour de Camera, qui nous avait déjà séduits lors de la sortie de son premier elpee, "Radiate!", il y a deux ans. Depuis lors, il n'a cessé de tourner, s'accordant juste une respiration pour enregistrer le maxi 4 titres "Système solaire". A ses débuts, le duo se produit régulièrement dans le métro, les gares et autres endroits publics sans autorisation. Ce qui lui vaut le surnom de Krautrock Guerilla. Les Berlinois aimeraient pourtant qu'on cesse de les cantonner à ce style. Ils clament haut et fort que leur musique n'est pas une simple copie de Can, Neu! ou Faust.
Il est pourtant impossible de ne pas voir une évidente filiation avec les légendes de la Kosmische Muzik, vu la place dominante de l'improvisation dans leurs compositions. Le premier opus est en effet le fruit de longues sessions d'expérimentation cherchant à reproduire fidèlement les atmosphères de leurs jams sauvages. Les rythmiques motorik, les synthés cosmiques, les guitares spatiales et la répétitivité transique, si caractéristiques du genre, constituent en outre la base de leurs compositions. Difficile donc de blâmer ceux qui les considèrent simplement comme de dignes successeurs des pionniers du Kraut. Et ce ne serait déjà pas mal tant le résultat est probant. Peu de groupes sont arrivés à une telle excellence dans le style depuis les années 70.
"Remember When I Was Carbon Dioxide" confirme d'ailleurs ce lien du sang par son utilisation encore plus massive de la technique de l'overdub. En effet, sur le premier opus, seul Franz Bargmann était crédité à la guitare. Ici plus de trace du monsieur mais différents guitaristes sont dans un premier temps venus laisser leurs empreintes sur l'oeuvre lors de sessions d'improvisation si chères au duo. Michael Drummer et Timm Brockmann ont ensuite retravaillé, superposé, enrichi le résultat de ces jams, explorant bien plus loin les possibilités de la production en studio. C'est là la principale évolution de ce nouvel et formidable LP.
Isoler des morceaux est malaisé ou plutôt terriblement subjectif. Contentons-nous de dire qu'aucun ne peut être considéré comme du remplissage. C'est une histoire que Camera nous raconte, tour à tour dansante et hypnotique, pleine de psychédélisme et de mélodies spatiales. Il ne reste qu'à se laisser porter et succomber à cette Autobahn sans fin.
Oui il y a bien du Can et du Neu! dans le moteur voire un zeste de Kraftwerk mais il y aussi beaucoup de rock psychédélique apatride et même quelques très agréables remous de Garage. Loin d'être un énième ersatz, Camera démontre au contraire que "When I Was Dioxide Carbon" affirme une réelle personnalité et trouve sa place dans la cour des très grands groupes instrumentaux actuels. Ne ratez pas la bretelle.
La première fois que j’ai entendu parler d’Irma Pany, c'était en 2011. Elle venait de poster son futur tube « I Know », sur la toile. Les internautes lui ont ensuite fait confiance et ont financé son premier album, « Letter To The Lord », via la plateforme participative 'My Major Company'. Et l’elpee est rapidement devenu disque de platine. Son premier concert, elle l’accorde à l’Ancienne Belgique, en première partie de Stromae. Coiffée d’un bonnet, armée d’une sèche, et tirant parti d’une loop machine, elle s’y produit en solitaire. Et tout en démontrant déjà son immense talent, sa superbe voix fait déjà la différence. Quelques mois plus tard, elle foule les planches de l’Orangerie, devant un auditoire sold out, pour y livrer un set empreint d’une grande sensibilité.
Irma est depuis soutenue par un backing group. Elle se charge du chant, de la sèche et des percus. Des percussions auxquelles se consacre entièrement Claire Pastor. Le line up est complété par le drummer Nicolas Dacunha, la bassiste Elise Blanchard, le guitariste Gautier Vizioz ainsi que Nicolas Liesnard au piano et synthétiseurs. Agée de 26 printemps, la Camerounaise possède un grain soul particulièrement émouvant dans la voix. Et difficile de ne pas y succomber. Sur les planches, sa frêle silhouette et son instrument font littéralement corps. Que ce soit la guitare, le piano ou les percus, qu’elle alterne avec le même bonheur. Son second album « Faces », est paru début juin. Elle l’a enregistré aux States. Elle est donc venue le défendre. L'Orangerie du Botanique est en configuration assise comme il y a deux jours pour Adam Cohen.
L’estrade est complètement dégagée au centre. A gauche sont concentrés la bassiste (également préposée aux synthés), le guitariste, et sur une estrade, la percussionniste. A l'extrême droite, le drummer jouit d’un emplacement de choix, sur un petit podium. A ses pieds, s’est installé le claviériste. Le concert va débuter. La scène est balayée d’un light show aux couleurs jaunes/orangées. Manifestement, un événement va se produire. Effectivement, Irma déboule depuis de fond du décor, alors inondé de lumière. Elle a abandonné son bonnet, mais pas sa six cordes. Elle entame le set par le single qui a précédé la sortie de son dernier opus, « Hear Me Out ». Sa voix est douce, enchanteresse. Progressivement, elle l’amplifie avant de lui donner toute sa puissance, sous un tonnerre d’acclamations. Je suis déjà conquis. Et j’en attrape déjà des frissons partout. Première constatation, les percussions ont pris une plus grande place dans l’expression sonore, communiquant davantage de couleurs aux compos. « Letter To The Lord » et « Their Truth » ne manquent pas de charme. Irma demande de balancer les épaules et de se les tenir. Pas évident quand on tien un appareil photo en main. Mais on se plie au jeu. Le public et l’artiste sont entrés en parfaite communion. Et elle sera permanente. Pour « Save Me », elle a empoigné une mandoline, un r&b qui ne manque pas de groove. Les cordes acoustiques guident « Where Do You Go ». Une formule qui a fait son succès. Et qu’elle exploite ici, à fond.
Percus et applaudissements accompagnent la voix d’Irma tout au long de « Watching Crap On Tv ». Elle en profite pour retrouver toute la magie des sonorités de sa loop machine. Et on se délecte des « Street Lights », « Ain't Easy » et « Everything Comes And Goes ». « Trouble Maker » rend un hommage appuyé à Michael Jackson. Elle ose un pas de danse qui devient presque envoûtant. On a envie de la rejoindre, mais c’est interdit. Elle nous réserve une autre reprise, mais de Justin Timberlake, toujours aussi dansante. Pour « Love Me », elle participe activement aux percussions. Et la belle va même au charbon. Chaleureux, l’auditoire l’accompagne en tapant dans les mains. Une envie irrésistible de quitter son siège vous envahit, mais la sécurité veille au grain. Les consignes sont strictes. Restez assis, vous pouvez vous agiter, mais modérément. Elle n’oublie pas son hit « I Know », qui lui a permis de faire sa place sur la scène musicale. « Catch The Wind » n'est pas une reprise de Donovan. Ou je me trompe. Mais c’est surtout une chanson qui incite au recueillement. En fermant les yeux, on entre dans le monde du rêve…
« Unconditional » constitue le dernier titre du concert. Enfin, celui pour lequel elle est soutenue par ses musicos. Car elle revient pour un petit rappel, mais en solitaire. Elle s’assied sur le bord de l’estrade pour interpréter « End Of The Story ». Bouleversant ! Et nous réserve une version acoustique, empreinte de tendresse, d’« I Know ». Votre serviteur a passé deux soirées d'exception en trois jours dans cette Orangerie en configuration assise : Adam Cohen et Irma. Deux artistes talentueux, mais qui sont demeurés humbles. Et qui respectent leur public…
(Organisation : Botanique)
Il y a trois ans, James Vincent McMorrow se produisait en première partie de Thomas Dybdahl, au Botanique. Et en début d'année, il faisait son retour à l'Orangerie, devant un auditoire comble. Huit mois à peine se sont écoulés et le songwriter revient déjà à Bruxelles. Mais pour la circonstance, au Cirque Royal. Et si la salle n’est pas comble, elle est bien garnie, preuve que le succès de l’Irlandais est en pleine phase ascendante. Un succès entièrement mérité, lorsque l'on écoute son deuxième album intitulé "Post Tropical", sorti il y a peu.
Pour assurer sa première partie, le natif de Dublin a fait appel à l’un de ses compatriotes, Rhob Cunningham, un artiste qui a déjà assuré, dans le passé, le supporting act de Lisa Hannigan et d’Alela Diane. Son folk est assez classique et plutôt sympathique. Idéal avant d’accueillir le maître de cérémonie. (Pour les photos, c'est ici)
James Vincent McMorrow monte sur l’estrade 20h45. Il est accompagné de trois musiciens : une bassiste (qui double aux claviers et aux guitares), un drummer et un claviériste (également préposé à la flûte traversière). Le podium est parsemé de petits cônes lumineux qui évoquent symboliquement la forêt. Arborant comme à son habitude une barbe, vêtu d’une chemise au col ouvert pour accentuer son allure plutôt décontractée, il se plante derrière ses claviers et entame le concert. Quand il n’en joue pas, il se consacre à la gratte, qu’il change de temps en temps. Dès les premières notes, on se rend compte que cet individu transpire la classe. Le son est parfait et lorsque les premières paroles sortent de sa bouche (ou gorge), on ne peut que succomber sous le charme. Plusieurs démonstrations vocales seront d’ailleurs chaleureusement applaudies par le public. Le décor et l’éclairage permettent aux titres de son dernier elpee de prendre une dimension davantage lyrique (« Red Dust », « Post Tropical », ...) McMorrow s’autorise l’un ou l’autre exercice de style en solitaire. Et à la perfection (« And if my heart should somehow stop »). Au bout d’une heure et demie, il termine le spectacle par une nouvelle démonstration vocale, sans avoir avant oublié de présenter ses musicos.
Après avoir publié deux albums, James Vincent McMorrow nous a démontré qu'il est déjà devenu une valeur sûre de électro/folk indie. Et au vu de la performance accordée ce soir elle ne peut que monter en flèche... (Et pour les autres photos, c'est là)
(Organisation Botanique)
Ce samedi 11 octobre, l’Orangerie du Botanique accueille le fils de Léonard Cohen, Adam. La salle est en configuration assise. A ce jour, il a publié quatre elpees, dont le dernier, « We go home », est paru ce 15 septembre. Initialement, le spectacle devait se dérouler à la Rotonde. Vu le succès des réservations, il a été transféré dans la grande salle. Et le supporting act est assuré par la Belgo-suisse Stéphanie Blanchoud, dont la sortie du prochain opus est prévue pour le début 2015.
Dès 2005, Stéphanie Blanchoud s’était illustrée en gravant un premier LP intitulé « A Coeur Ouvert », un disque bien accueilli par la critique musicale, en Belgique. La jeune artiste décroche de nombreux prix et tourne pas mal. Elle participe notamment au ‘Coup de Cœur Francophone’ à Montréal, aux ‘Francofolies’ de Spa, aux ‘Découvertes’ à Mautauban ainsi qu’aux ‘Jeux de la Francophonie’ à Niamey. Elle rencontre Jean François Assy, le violoncelliste d’Alain Bashung, qui lui écrit la plupart des titres de l'album, « Insomnies », long playing qui paraît en 2009. Ce deuxième essai lui ouvre de nouvelles perspectives et lui permet d’assurer les premières parties de Benabar, Yodelice, Jane Birkin et Maurane. Cette dernière l’invite à participer à son périple ‘Nougaro’ pour plusieurs dates, dont celle de l’Olympia à Paris, en mai 2010.
Stéphanie part ensuite aux Etats-Unis, l’année suivante, pour mettre en boîte un Ep, dans le cadre de son projet ‘Blanche’, sous la houlette du producteur Jack Johnson. Et début 2015, elle devrait livrer un nouvel elpee davantage imprégné des sonorités anglo-saxonnes. Empruntées, notamment à T-Bone Burnett. Pour le concocter, elle a bénéficié du concours de Marcello Giuliani (Sophie Hunger, Erik Truffaz, Lou Doillon) à la mise en forme. Et puis du chanteur Daan, lors d’un duo.
Le set de Stéphanie baigne au sein d’un climat feutré. Elle est épaulée par deux musicos. Un guitariste/mandoliniste/percussionniste (David Piedfort) et un violoncelliste/bassiste (David Piedfort). Elle possède une très belle voix, chaude, sensuelle, passionnée, qu’elle souligne de sa gratte électro-acoustique.
En une demi-heure de prestation, elle va nous dispenser quelques jolies chansons dans la langue de Molière, pistes qui figureront sur son prochain long playing. Et une dans celle de Shakespeare, vraiment superbe. Manifestement, la musique de l’artiste a pris une coloration nettement plus anglo-saxonne ; et l’instrumentation n’est pas étrangère à ce phénomène.
Setlist : "Tout au bout du monde", "A quoi ça rime", "Oops" (cover de Britney Spears), "Les beaux jours", "Perdre la douleur", "Mes bonnes manières". Rappel en solo : "Déjà ça"
Adam Cohen s’était produit, il y a un peu plus de deux ans, dans le cadre du Brussels Summer Festival, sous le dôme du Magic Mirrors. L'artiste était parvenu à charmer son auditoire, grâce à des compos issues de son troisième long playing, « Like A Man ». Un disque qui me fait penser à deux formations que j’apprécie énormément, Mumford And Sons et The Lumineers. A l’instar d’Adam, ils pratiquent une folk dépouillée, illuminée par des instruments à cordes, et dont les mélodies vous prennent carrément aux tripes. Des chansons à savourer devant un bon feu de bois, par une froide soirée d'hiver. J'étais donc impatient de revoir le fils de Léonard en concert…
Il est venu défendre son quatrième LP, « We Go Home ». Il présente chacune de ses chansons, tantôt en anglais, tantôt en français. Sur les planches, il est soutenu sur sa gauche par la guitariste Trish Robb ainsi que son ami et multi-instrumentiste (percussions, piano, basse et guitare) Michael Chaves. Et deux charmantes violonistes ainsi que la violoncelliste Mai Bloomfield, circonstanciellement préposée aux claviers, s’installent derrière lui. Adam est âgé depuis peu de 42 ans. Il ressemble à son père. C’est frappant ! Et puis il ne se prend pas la tête et semble prendre son pied sur scène. Il a un excellent contact avec le public, un contact qu’on pourrait qualifier d’interactif.
Le spectacle s’ouvre en douceur par « Too Real ». Trish a placé sa guitare horizontalement et en joue en mode 'pedal steel'. Adam possède des inflexions vocales proches de celles de son paternel. Aussi chaude, sa voix peut se faire grave et légèrement rocailleuse. Et il la maîtrise parfaitement. A la gratte, il tire parfaitement son épingle du jeu. Il existe une grande complicité entre l’artiste et ses musicos, principalement de sexe féminin. A l’instar du dernier opus, les compos sont généreusement enrichies d’instruments à cordes et de chœurs. Le sens mélodique est irrésistible. Les textes sont soignés. A plusieurs reprises, Adam demande aux spectateurs la raison de leur présence. Les réponses sont empreintes d’émotion, ce qui aura le don de toucher le poète au grand cœur. A l’écoute de « Put Your Bags Down », on ne peut que fermer les yeux. Contagieux, le titre maître du dernier LP incite la foule à reprendre le refrain en chœur. « What Other Guy » est un extrait de « Like A Man », une chanson douce, soulignée de chœurs, qu’Adam interprète d’un timbre paisible. Il embraie par « Don't Crack », tiré du dernier long playing, et « Like A Man », titre maître de l’opus paru en 2011. Le duo échangé entre Tris et Adam pour « Sweet Dominique » constitue un moment fort du concert. La connivence entre les deux musicos est totale. Le public le ressent. Pour « What Kind Of Woman », issu du nouvel opus, Adam utilise un cornet de téléphone vintage, afin de nous transmettre son message positif. Un titre de toute beauté, bercé par des cordes omniprésentes…
Adam siège derrière le piano pour « Love Is ». Les musiciens claquent des doigts et l’auditoire embraie, avant d’applaudir généreusement. On sent une parfaite communion entre ce public et les artistes. Le set s’achève par « Beautiful », un dernier morceau du long playing précédent. Mais cette belle soirée, chargée d’émotion, intense et intimiste à la fois, ne peut se terminer ainsi. La foule en redemande.
Après tant d’acclamations, la troupe revient sur l’estrade et le rappel va nous réserver des instants comme je les apprécie tout particulièrement. Plus de micro. Plus d’électricité. Et c’est totalement ‘unplugged’, que le band nous réserve trois perles, « So Much To Learn », « Uniform » et en finale, « Fall Apart ».
Le temps est passé trop vite. Mais quelle belle soirée !
(Organisation : Botanique)
Arrivé plus tôt que prévu, j’assiste à une scène pour le moins intrigante : Miles Michaud et Matthew Correia, soit respectivement le chanteur et le batteur du groupe, font le mur pour passer du côté rue du Botanique.
Un mur de deux mètres cinquante surplombé d’une barrière hérissée de pointes acérées. Les fugitifs sont chargés d’encombrants bagages en tout genre (vieilles valises, sachets en plastique et autres sacs à dos de randonnée).
Ciel ! Les Allah-Las se feraient ils la malle ?
Alors que je m’interroge, le reste du groupe arrive paisiblement par la porte principale, et après avoir rangé leur joyeux bordel dans le van, ils reviennent tranquillement et me saluent poliment.
Fausse alerte ! Peut être un manque d’exercice. Cependant, pas décidés à se dérober, les jeunes Californiens s’éclipsent pour mieux revenir quelques heures plus tard.
Profitant de cette fin de journée ensoleillée, prémisse à un voyage dans le temps, je m’arrête devant la vitrine d’une boutique, sise juste en face.
Truffée d’objets des années 50, 60, et 70, elle fleure bon le vintage.
Une petite jeune fille aux escarpins rouge à pois vient déposer dans ma main une carte de visite. Au verso, la typo me renvoie à un site web.
Je réfléchis au contraste amusant entre l’aspect rétro de ces objets et leur immersion heureuse dans le monde actuel. Et j’établis le corollaire avec les Allah Las, qui eux, recyclent à leur manière le patrimoine musical en y incorporant une subtile dose de modernité.
Levant les yeux au ciel, un oiseau passe et me demande :
- ‘Alors, voyageur du temps, es-tu en place ?’
- ‘Et comment !’
Petits protégés de Nick Waterhouse, les Allah-Las peuvent paraître passéistes (le son, le style, voir même la dégaine de ses membres), ils n’en restent pas moins un groupe novateur à sa façon.
Par touches délicates, ils ont ce talent, cette facilité déconcertante de rendre hommage à une époque sans tomber dans la révérence nostalgique.
De fait, le public ici présent est loin de se limiter à des Bobos quadragénaires (il y en a bien sûr), mais brasse dans différentes catégories d’âge.
Preuve s’il en faut que le combo n’est pas une caricature du genre.
Pendant une heure quart, il revisite donc la côte ouest en version Instagram, filtre ‘Earlybird’ vissé à la caméra 8mm et guitare en bandoulière.
Difficile de résister.
Les pieds dans le sable, le regard accroché au soleil, on s’évade en (bonne) compagnie de ces jeunes gens fort sympathiques.
Nettement plus surf que Psyché à mon sens, la musique des Allah-Las séduit et semble mettre tout le monde d’accord.
« Catamaran » et « Tell Me (What’S On Your Mind) » avaient tracé la route du succès pour le groupe de Los Angeles.
Il est fort à parier que leur second album, « Worship The Sun », sorti en mai dernier, ne fera qu’enfoncer le clou dans le bitume qui les mène doucement vers un semblant de notoriété.
Finalement, il est sage de voir le groupe préparer ses chansons dans une vieille marmite, parce que la sauce prend vraiment bien !
Du coup, tout, tout le monde semble heureux d’être (Allah) là.
S’échangeant de temps à autre les rôles derrière le micro et les instruments, chacun des éléments apporte son équilibre à un ensemble séduisant.
Nettement plus à l’aise que quand je les avais vus la première fois (Pukkelpop 2013), alors qu’ils m’avaient déjà séduits, ils enchaînent les titres comme autant de perles sur un collier.
Un rappel plus tard, ce sont eux qui remercient l’auditoire pour l’enthousiasme non feint dont celui-ci fait montre au final de la dernière note.
En quittant la salle, on aperçoit les musicos hilares qui observent le public s’échapper par les portes de sortie, le sourire figé aux dents.
Voici donc un groupe sur lequel on peut compter.
Ce soleil là n’étant pas près de se coucher !
(Organisation : Botanique)
Après 6 ans d’absence, les vétérans d’AC/DC reviennent avec un nouvel album studio !
Dès le 28 novembre, « Rock or Bust » dévoilera ses ‘charmes’… Il recèlera 11 chansons, enregistrées au cours du printemps 2014, au Warehouse Studio de Vancouver. AC/DC a travaillé en compagnie du producteur Brendan O’Brien et du mixeur Mike Fraser.
Pour des raisons de santé, Malcom Young n’a malheureusement pas pu rejoindre le reste du groupe pour ce nouveau projet…
http://www.acdc.com/
https://www.facebook.com/acdc
https://twitter.com/AC_DC
Ariel Pink a présenté sa nouvelle vidéo du titre « Put Your Number in My Phone », premier single issu de son nouvel album « Pom Pom », dont la sortie est prévue pour le 17 novembre.
Elle a été réalisée par Grant Singer et parle d’amitié et de la recherche du bonheur… tout un programme !
Gladys, c’est la nouvelle claviériste du groupe louviérois Von Durden, groupe qui vient de sortir son troisième album intitulé « III ». Mais elle mène, également, en parallèle, un projet solo. Un projet pour lequel elle injecte toute son énergie.
Bercée par la pop anglaise et américaine, malgré un goût prononcé pour le rock, notre artiste souhaite réunir l'un et l'autre dans des titres à la fois mélodiques et rythmés.
Influencée par Pink, les Ting Tings, Gwen Stefani, Gossip ou encore Skunk Anansie, Gladys vous propose un cocktail musical détonant, accrocheur et très féminin.
La vidéo de son nouveau single « Lucky in Love », est ici
Le 14 novembre sortira « Bruce Springsteen: The Album Collection Vol. 1 1973-1984 », un coffret comprenant les éditions remasterisées des sept premiers albums du Boss. Ces derniers ont été enregistrés entre 1973 et 1984.
Tous les albums ont été remasterisés par le célèbre ingénieur Bob Ludwig, en collaboration avec Springsteen et l’ingénieur du son Toby Scott.
www.facebook.com/brucespringsteen
Le coffret inclut :
Greetings From Asbury Park, N.J. (1973)*
The Wild, The Innocent and The E Street Shuffle (1973)*
Born To Run (1975)
Darkness On The Edge Of Town (1978)
The River (1980)*
Nebraska (1982)*
Born In The U.S.A. (1984)*
« Motion », le nouvel album de Calvin Harris, sort le 3 novembre. Ce disque tant attendu a bénéficié de nombreuses collaborations : Ellie Goulding, Gwen Stefani, Haim, Tinashe, Big Sean, Hurts, John Newman, Firebeatz et R3hab.
Grâce à son dernier single “Blame”, Calvin Harris a continué de battre des records, sur Spotify cette fois-ci.
https://www.youtube.com/watch?v=6ACl8s_tBzE
Track listing
1. Faith
2. Under Control (w/ Alesso Feat. Hurts)
3. Blame (feat. John Newman)
4. Love Now (feat. All About She)
5. Slow Acid
6. Outside (feat. Ellie Goulding)
7. It Was You (w/ Firebeatz)
8. Summer
9. Overdrive (w/ Ummet Ozcan)
10. Ecstacy (feat. Hurts)
11. Pray To God (feat. Haim)
12. Open Wide (feat. Big Sean)
13. Together (feat. Gwen Stefani)
14. Burnin (w/ R3hab)
15. Dollar Signs (feat. Tinashe)
A l'occasion de la sortie de leur nouvel album « Encyclopedia », The Drums propose un nouveau single en exclusivité sur Dazed et c’est ici
1. Magic Mountain» - vidéo : https://www.youtube.com/watch»v=4IbkytcnRa4
2. «I Can't Pretend»
3. «I Hope Times Doesn't Change Him»
4. «Kiss Me Again»
5. «Let Me»
6. «Break My Heart»
7. «Face Of God»
8. «U.S. National Park»
9. «Deep In My Heart»
10. «Bell Laboratories»
11. «There Is Nothing Left»
12. «Wild Geese»
Les détails du nouvel album de Pink Floyd sont connus !
« Endless River » sortira le 7 novembre et a été produit par David Gilmour, Phil Manzanera, Youth et Andy Jackson. David Gilmour, Rick Wright et Nick Mason annoncent 4 faces principalement instrumentales.
SIDE 1
Things Left Unsaid
It’s What We Do
Ebb And Flow
SIDE 2
Sum
Skins
Unsung
Anisina
SIDE 3
The Lost Art of Conversation
On Noodle Street
Night Light
Allons-y (1)
Autumn’68
Allons-y (2)
Talkin’ Hawkin’
SIDE 4
Calling
Eyes To Pearls
Surfacing
Louder Than Words
www.pinkfloyd.com/theendlessriver
M. François-Régis Croisier, Sa quarantaine de chansons, Ses deux albums, ‘Changing Plans’ et ‘Soldiers’,
ont la profonde douleur de vous annoncer la disparition de St. Augustine !
Mais à cette triste disparition vient s'accoler un indéniable cas de réincarnation… car Pain-Noir est bien vivant !
Ni fleurs ni couronnes ne seront nécessaires : c'est gravé sur un beau vinyle en édition limitée que paraîtra cet heureux faire-part de renaissance !
Le Botanique a pris une coloration canadienne ce soir. Aussi bien à la Rotonde qu’à l’Orangerie. La grande salle devrait vibrer aux sonorités électro de Caribou. Et la Rotonde trembler sous les décibels de Death From Above 1979. Votre serviteur remplace au pied levé un collaborateur empêché pour le concert de Daniel V. Snaith et sa bande. Il y a énormément de monde pour les deux concerts. Ils sont même sold out. La soirée sera donc chaude, mais pas exceptionnelle.
Jessy Lanza est également canadienne. Elle sert de supporting act pour Caribou. Elle va sauver ma soirée. Née en 1985, cette chanteuse/musicienne est issue de Hamilton, dans l’Ontario. Elle est considérée comme une des découvertes les plus marquantes, au pays de l’érable, en 2013. Perso, je la découvre également. Elle a reçu une formation jazz, mais avoue pour influence majeure, le r'n'b. Et apprécie notamment des artistes comme Missy Elliot et Timbaland. Son premier elpee, « Pull My Hair Back », est paru en 2013. C’est d’ailleurs des extraits de ce disque qu’elle va interpréter lors de son set. Elle est seule sur les planches, entourée de ses synthétiseurs et machines. Douce, troublante et sensuelle, sa voix colle parfaitement à son électro. Jessy est cependant timide et ne communique guère avec le public, pourtant attentif à sa prestation. Le son est presque parfait. Et à l’issue de son show, d’une durée de 30 minutes, elle est chaleureusement applaudie. Malgré le bref laps de temps qui lui a été imparti, il faut reconnaître que l’artiste a laissé entrevoir un énorme potentiel. A revoir certainement, mais en tête d'affiche. Quelque part, elle me fait penser à M'Michèle, véritable surprise électro, lors des dernières Francos…
Caribou, c’est le projet de Dan Snaith. Un multi-instrumentiste, producteur, chanteur, arrangeur et compositeur qui fait un véritable tabac sur la scène contemporaine. L’animal doit être beau et impressionnant pour recueillir un tel crédit. Faut dire qu’il compte –en tenant compte de ceux de Daphni et Manitoba– 7 albums à son actif. Précédé par le single « Can't Do Without You », son dernier LP, « Our Love », est paru ce 6 octobre. Et en ‘live’, il est soutenu par 3 collaborateurs.
Les quatre acolytes sont disposés en cercle, un peu comme chez BRNS, pour démontrer leur cohésion. Dan se charge des percus et des synthés. Deux batteries se font face. Les autres musicos se partagent machines et autres synthétiseurs. Lorsqu’il monte sur l’estrade, Smith est acclamé par une foule venue spécialement pour lui. Mais dès le départ, je constate que le son est de qualité médiocre. Les synthés saturent et les retours de basse sont excessifs. J’ai beau changer de place, le résultat est identique. Même près de la table de mixage. C’est peut-être un choix du leader qui souhaite probablement noyer l’auditoire dans son déluge sonore. Mais perso, je préfère rester la tête hors de l’eau. Dès que le son est de piètre qualité, je suis mal à l'aise et je finis par vider les lieux. Avant même la fin du concert. Comme ce soir. Une seule chanson fera exception à la règle, plus paisible également, et paradoxalement celle au cours de laquelle Dan va inviter Jessy à le rejoindre sur le podium.
Notre rédac’ chef néerlandophone assistait au concert de Death From Above 1979 à la Rotonde. Il a débarqué à l’Orangerie à deux reprises, me signifiant que la musique de Caribou était superbe. Sur disque, certainement. Bon, comme le justifiait Johan, elle n’est peut-être pas adaptée aux petites salles et prend, paraît-il, une autre dimension lors des festivals. C’est à vérifier…
(Organisation : Botanique)
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L’histoire des Vaselines, longtemps faite de pointillés, prend donc un nouveau virage, vingt-cinq ans après leur première sortie de route.
Groupe atypique s’il en est, le combo d’Édimbourg, constitué principalement du duo Eugene Kelly – Frances McKee, n’a jamais cherché le succès et ne l’a d’ailleurs jamais trouvé.
Forcément, on doute que les événements changent aujourd’hui.
Mais pour autant, il ne faudrait surtout pas mésestimer le potentiel de ce sympathique combo et de son tout nouveau bébé.
Injustement méconnu, The Vaselines ne doit sa relative notoriété qu’à l’admiration sans borne que leur vouait un certain Kurt Cobain, de son vivant.
Trois reprises (dont le magnifique « Jesus Doesn’t Want Me For A Sunbeam » lors du MTV unplugged), qui l’espace d’un instant, éclairaient le monde sur un des joyaux de la Reine, jalousement gardé par une frange d’adorateurs d’une certaine Pop aux couleurs délavées et jetaient la lumière sur ce modeste groupe écossais.
Alors catalogué groupe mythique sans pour autant susciter un quelconque intérêt, tout laissait présager que le groupe allait connaître la fin obscure que lui même s’était dessinée en 89 (en se séparant la semaine même de la sortie de « Dum Dum », leur premier elpee).
Ressortis de la naphtaline par le label Sub Pop (déjà en 92), les petits protégés de Stephen McRobbie (The Pastels) se languissaient jusqu’en 2010 avant de sortir leur deuxième opus.
Et toujours dans une semi indifférence.
Au final, donc, quatre années seulement nous séparent de ce dernier essai, prompt à réveiller la curiosité de certains d’entre nous.
Alors, quid de ce « V For Vaselines » ?
D’abord, il y a ce titre, en forme de boutade, rappelant à qui veut l’entendre que le groupe ne s’est jamais pris au sérieux.
Ensuite, épinglons la pochette, où le duo s’affiche plus rebelle que jamais.
Cuir et casquette, comme au bon vieux temps de ‘l’Équipée Sauvage’.
Et de fait, le premier titre « High Tide Low Tide » pétarade d’entrée de jeu.
Papapa papa pa Papapa papa pa Papapa papa pa !
La suite est du même acabit.
Les mélodies sont accrocheuses, entraînantes, faussement niaises, délicieusement candides, et s’enchaînent sans s’essouffler.
La complicité reste palpable entre les deux voix, et souligne le lien ténu qui les unit, portant les chansons sur de solides épaules.
Finalement, c’est peut-être la recette simple et imparable d’une Pop intelligente et éternellement fraîche ?
Quant aux intros, elles sont généralement directes et efficaces, de manière à saisir l’attention immédiatement.
Sans surprise, dès lors, le charme opère tout du long.
« V for Vaselines », comme deux doigts frondeurs et qui narguent le succès du haut de la juvénile insouciance de ses membres fondateurs.
L’art de trousser des morceaux irrésistibles aux accents indémodables, même quand ils frôlent un semblant d’insipidité (« Single Spies »).
Derrière cette façade à la dualité affichée comme des rideaux aux fenêtres d’une maison close (entre douceur et vice) se glisse le propos irrévérencieux de deux têtes bien pleines et qui ont encore leur mot à dire.
Décidément, avec The Vaselines, tout passe nettement mieux !
« L'envol » est le joli titre de l'album d'Ivan Tirtiaux.
Sur la pochette, en carton, l'artiste regarde vers le haut, vers la droite, et tourne le dos à un mur de briques humides sur lequel les bois d'un cervidé sont accrochés. Le côté mélancolique annoncé n'est pas pour me déplaire et attise ma curiosité.
Les chansons, écrites en français, sont une promenade dans le quotidien, la nature et les horizons.
Il semble que l'homme a beaucoup marché, regardé tout autour le lui, s'est intéressé à l'infiniment grand, l'infiniment petit, bourlingué et pris pas mal de notes pour s'en souvenir encore et souvent.
D'une piste à l'autre, le souci des arrangements et de l'harmonisation est bel et bien présent.
Les styles musicaux abordés sont, alors, à la portée de tout un chacun, mais il est préférable d'avoir le calme autour de soi et une certaine paix intérieure lors de la première écoute.
En effet, dès la cinquième plage, le changement peut s'avérer ‘brutal’.
En conclusion, j'ai beaucoup apprécié le soin apporté au son, et la complémentarité entre les instruments. Aucune tension intempestive à déclarer.
Une rose sur un terril !
De son véritable nom Saul Hudson, Slash est né le 23 juillet 1965 dans le quartier de Hampstead, à Londres (Royaume-Uni). Il a cependant grandi au sein d’un petit village répondant au nom de Burton. Le pseudo ‘Slash’ lui aurait été attribué par le père d'un ami lors d'une soirée. Depuis son départ des Guns n'Roses en 1995, le légendaire guitariste au chapeau haut-de-forme n'a cessé d'accumuler les projets musicaux. Velvet Revolver, Slash's Snakepit et une aventure sous son nom, à laquelle ont participé de grosses pointures comme Ozzy Osbourne (Black Sabbath) et Lemmy (Motörhead).
Son premier véritable solo remonte au printemps 2009, lorsqu’il entame les sessions d’enregistrement de « Slash And Friends ». Il y reçoit le concours d’une pléiade de stars dont Iggy Pop, Dave Grohl (ex-Nirvana), Alice Cooper, Fergie (Black Eyed Peas), Andrew Stockdale (Wolfmother), Nicole Scherzinger (The Pussycat Dolls), Ozzy Osbourne, Adam Levine (Maroon 5), Lemmy, Chris Cornell (Soundgarden), Flea (Red Hot Chili Peppers), Josh Freese (ex-Nine Inch Nails) ou encore l'ancien batteur de Guns N'Roses et ami d'enfance Steven Adler qui apporte sa collaboration sur un titre. Sans oublier la présence des anciens guitariste et bassiste de Guns N'Roses, Izzy Stradlin et Duff McKagan. Produit par Eric Valentine (Queens Of The Stone Age), l’elpee paraît le 6 avril 2010.
Le deuxième LP en solitaire, « Apocalyptic Love », remonte à 2012. « World On Fire » constitue donc son troisième. Un œuvre pour laquelle il a de nouveau bénéficié de la participation de Myles Kennedy and The Conspirators. Compositeur, et guitariste rythmique, Myles est surtout notoire pour ses capacités vocales qui couvrent 4 octaves. Des rôles qu’il accomplit au sein d’Alter Bridge. Myles Kennedy est apparu sur scène aux côtés de nombreux artistes aux cours des dernières années et s'est impliqué dans de nombreux projets. Et notamment en 2008, auprès des anciens membres du groupe Led Zeppelin (Jimmy Page, John Paul Jones et Jason Bonham), projet qui est demeuré dans les cartons.
La pochette de l'album a été réalisée par l'artiste américain Ron English, qui s’était déjà chargé de celle du premier long playing. Une image très ‘pop’ où l'on voit des jouets qui baignent dans la peinture, ainsi qu'une boule smiley représentant le musicien. Slash ne chante toujours pas, mais il met tous ses talents de gratteur (slide et rythmique) à contribution pour épauler la voix de Myles Kennedy. Et l’ensemble est parfaitement soutenu par les Conspirators impliquant Todd Kerns (également préposé aux backing vocals) à la basse et Brent Fitz aux drums, aux percus et au piano électrique. Consistante, la plaque est découpée en 17 plages.
Récemment élu second meilleur guitariste de tous les temps, derrière Hendrix, Slash adore balancer des riffs incisifs qu’il maîtrise à la perfection sur sa Les Paul. Et il va le démontrer brillamment tout au long des 75’ de son long playing.
Le morceau maître ouvre l’opus. Et manifestement, dès le départ on se rend compte que les musicos ne font pas dans la dentelle. Un départ en force ! Il s’agit d’ailleurs du premier single qui a précédé la sortie de l’LP. Un disque qui s’achève par deux chansons empreintes de douceur, deux superbes ballades destinées à rejoindre le dancefloor : « Bent To Fly » et le plus prog « The Unholy ».
Pour « Stone Blind », « Withered Delilah » et « Avalon », Slash envoie du lourd. En écoutant « Shadow Life », on imagine qu’Axel Rose est de retour ; mais c’est Myles Kennedy qui est derrière le micro. Le clin d’œil est peut-être volontaire… « Battleground » est une petite merveille. Ici, c’est Myles qui communie pleinement avec sa gratte. Et sa voix est absolument divine tout au long d’« Automatic Overdrive », de « 30 Years To Life » et de « Beneath The Savage Sun », trois morceaux accrocheurs, métalliques, mais mélodieux, caractérisés par des riffs qui ont la pêche. Bien balancé, « Wicked Stone » macère dans des sonorités de gratte graisseuses, huileuses, malsaines. « Too Far Gone » ne me botte pas trop. A contrario « Dirty Girl » et « Iris Of The Storm » sont absolument savoureux. A croquer! Une intro radiophonique débarque du néant, mais l’enchaînement opéré sur « The Dissident » est parfait. Les cordes sont bien distinctes alors que Brent Fitz martèle ses fûts vigoureusement mais aussi métronomiquement. Instrumental, « Safari Inn » permet à Slash d’explorer toutes les facettes de son talent sur sa Gibson.
Un album brillant coécrit par Slash et Myles. En compagnie des Conspirators, ils se produiront ce 26 novembre à Forest National. Un rendez-vous à ne pas manquer
C’est depuis le climat ensoleillé de la Croisette cannoise qu’un mystérieux ‘Nancy Boy’ tisse de douces mélopées électro-acoustiques. Son univers éthéré et poétique rappelle le récent effort des Canadiens de Peter Peter, surtout à travers la voix du Nancy Boy en question et la mélancolie qui baigne l’ensemble. Le timbre vocal rappelle également celui de Florent Marchet ; mais un Florent Marchet qui aurait choisi d’évoquer principalement le sentiment amoureux (« Where You Go I Go »). Ravageur, le premier titre, « Toi, Moi », donne le ton d’un album pop empreint d’une grande sensibilité… Pas de véritables références au « Nancy Boy » de Placebo même si le côté écorché (« L’Absente ») et légèrement androgyne finit par le suggérer. A la limite du maniérisme (le plus pénible « When You’ll Be Mine »), la musique est cependant magnifiée par les arrangements raffinés de Jean-Baptiste Ayoub, des arrangements impliquant trompettes, violoncelles, saxos et autres boites à rythmes. Définitivement une voix singulière qui éclot…
Mississippi Heat est un blues band multiracial établi dans la cité qui a tant donné au blues, Chicago. Le groupe s'est formé en 1991, sous la houlette de deux frères, Pierre et Michel Lacocque, originaires de Ransart, en Belgique. La famille avait émigré dans la plus grande ville de la région du Mid-Ouest, en 1969. Harmoniciste exceptionnel, au style très personnel, Pierre est devenu depuis docteur en psychologie. Michel se charge du management. La formation n’a jamais été stable ; sans doute une volonté du leader qui a toujours souhaité s’entourer de musiciens notoires, tout en invitant des vocalistes, davantage féminins que masculins, occuper le front de scène. A l’instar de Deitra Farr, Mary Lane, Zora Young, Katherine Davis et pour cet elpee, Inetta Visor.
Les quatre premiers elpees du combo sont parus sur leur propre label, Van der Linden. Les deux suivants ont été publiés par l’écurie allemande Crosscut. En 2005, il est passé chez Delmark, et lui est resté fidèle ; une boîte qui a depuis des lustres pignon sur rue, à Chicago. Le groupe puise en effet ses sources dans le Chicago blues urbain des années 50, tout en y ajoutant une pointe d'originalité très personnelle. Le line up de base implique Pierre, Inetta, Giles Corey et Michael Dotson aux guitares ainsi que Kenny Smith à la batterie et Brian Quinn à la basse. En mars dernier, ils se sont réunis au studio Riverside à Chicago, et ont invité, comme d’habitude, une belle brochette d'invités. L’opus est découpé en seize plages, pour la plupart signées par Lacocque.
"Sweet poison" ouvre la plaque. Un Chicago shuffle contaminé par le Southside. Giles Corey (NDR : il vient juste de fêter ses 40 balais) fréquente le Heat depuis près de 10 ans. Il prodigue un riff de gratte familier. La voix d'Inetta est autoritaire et passe facilement la rampe. Plus rock, "Alley Cat Boogie" est imprimé sur un tempo plus enlevé. Soutenue par un solide chœur féminin, Miss Visor balise l’ensemble. Pierre Lacocque opère sa première sortie sur l'harmo astatique. Et elle est spectaculaire. Il est ensuite relayé par le saxophone baryton de Sax Gordon. Excellent! Lacocque aime se plonger dans des ambiances exotiques et latines. A l’instar de "Come to Mama", une compo dont le climat festif est enrichi par les percus, les cuivres et les claviers. Le "I don't know" de Brook Benton a permis à Ruth Brown de décrocher un hit. Soul/blues, cette version met en exergue les interventions de l’harmo tout en délicatesse et finesse. Michael Dotson chante son "Yeah now baby", un morceau imprimé sur un rythme nerveux! "Swingy Dingy Baby" et "Evaporated blues" me bottent davantage, des plages qui démontrent toute la cohésion, la puissance et la créativité de l'ensemble! Inetta chante le ludique "Birthday song", une compo écrite par Pierre pour ses trois petits-enfants. Les percussions et surtout la guitare délirante de Carl Weathersby entretiennent une atmosphère digne de Santana. "Nowhere to go" opère un retour au style Chicago. La voix d'Inetta est conquérante face à l'harmonica et le piano de Neal O'Hara (NDR : un musico du groupe de funk Heard). Ce dernier tire son épingle du jeu à l’orgue sur le titre maître, sans pour autant faire de l’ombre à son leader! L’adorable Inetta chante "Too sad to wipe my tears", un excellent roots blues. Particulièrement dépouillé, il est talonné par l'harmonica, les cordes de Corey et le piano. Dynamisé par ses rythmes syncopés, "Recession blues" permet à Larocque et Corey de prendre un nouveau billet de sortie. Encore un grand moment ! Une seule plage instrumentale : le "Your cheating heart" de Hank Williams, un piste qui met en exergue le sax ténor de Sax Gordon! Un espace funk est concédé à Miss Visor pour attaquer son "A part of something special". Kenny Smith (le fils du légendaire Willie ‘Big Eyes’ Smith), chante "What cha say?", tout en se consacrant aux drums, un blues lent qu'il a composé. Et ce superbe opus s’achève par "Working man", un Chicago blues rythmé, dernière opportunité pour célébrer cette rencontre réussie entre la voix expressive d'Inetta et l'harmonica du chef Lacocque!
Etablie à Chicago, Liz Mandeville est une chanteuse de blues. Compositrice prolifique, elle gratte également de la guitare. En outre, elle a également monté son propre label, Blue Kitty Music. Originaire du Wisconsin, elle s’est installée dans la Cité des Vents, en 1979. Elle s’était alors mariée à Willie Greeson qui militait au sein du Legendary Blues Band, une formation qui réunissait des musicos qui avaient sévi dans le Muddy Waters Band. Elle s'est d'abord révélée sous le nom de Liz Mandeville Greeson. Le nom de son mari a disparu, suite à l’échec de son union! Elle a longtemps travaillé auprès du bassiste Aron Burton, mais également bossé en compagnie de Willie Kent, Maurice John Vaughan et Michael Coleman. De couleur blanche, cette dame est parvenue à se forger une notoriété dans la plus grande ville de la région du Mid-Ouest. Ce qui n'était pas gagné d'avance. Elle vient de graver son sixième LP personnel.
Liz drive son propre groupe, les Blue Points, un combo au sein duquel militent le Japonais Minoru Maryama à la guitare, Darryl Wright à la basse et Jeremiah Thomas à la batterie. Un claviériste et une section de cuivres complètent le line up. Et suivant la tradition, quelques invités ont poussé la porte du studio. Quoique blues, "Heart 'O' Chicago" est largement teinté de soul, et notamment à caractère Stax et Muscle Shoals.
Liz Mandville s'échauffe sur "Cloud of love", un R&B bien dansant. Sa voix est claire. Elle conserve cependant une réserve de puissance conséquente. Les cuivres sont bien mis en exergue. Le prestigieux Eddie Shaw, autrefois leader du Wolf Gang, backing group de Howlin' Wolf, est venu renforcer l’ensemble de son sax ténor. Il émane de ce titre, un funk naturel, balisé par les interventions de basse de son compagnon Darryl et l'orgue Hammond de Miss Joan Gand. Elle adopte un timbre plus grave pour aborder "These blues", une ballade swing jazz au cours de laquelle Joan passée au piano, Minoru brille aux cordes et les cuivres se révèlent particulièrement en verve. "Don't doubt my love" est un titre de soul classieux. Liz et Charlie Love (ex-Casey Jones Revue), un grand spécialiste du style, se partagent les vocaux. Contemporain, dansant, "So called best friend" est un Chicago blues coloré par l'orgue Hammond et souligné par les interventions de Billy Branch à l’harmo. La voix de Liz est au sommet de son art sur "Quit me on a voice mail", un R&B très lent, abordé dans l'esprit du southern soul de Memphis. Elle y injecte toute sa sensibilité, épanche tout son vécu, face à l'orgue Hammond, le saxophone ténor troublant d'Eddie Shaw et les cordes mélodieuses de Maruyama. Imprimé sur un bon tempo, "Party at the end of time" est un Chicago blues plus conventionnel, marqué par le retour de Branch à l’harmonica. Et ses interventions sont vraiment atmosphériques. Les cuivres reviennent à la surface sur "Silver's lining", un blues rythmé destiné à la danse. "Tig Tok" est une composition qui accroche instantanément. Une compo de pop/r&b à la mélodie légère, tapissée par l'orgue Hammond. Les cuivres servent de rampe de lancement à la guitare, alors que Miss Mandville ne cesse de relancer le Tig Tok! Enchantée, elle empoigne sa gratte électrique et nous sert une tranche funk bien brûlante intitulée "Why would a woman sing the blues". Charlie Love revient servir de partenaire vocal pour le blues enlevé "Smart women foolish choices", une piste balayée par la trompette de Wade Baker, alors que Minoru semble bien avoir rechargé ses accus à la six cordes. "Life is like a wave" clôt l’elpee. Un pur bonheur ! Du blues très fifties dont le tempo semble avoir été emprunté à Jimmy Reed. Liz est toujours à la gratte, pendant que Dizzy Bolinski, une étoile montante de la Cité des Vents souffle passionnément dans son harmonica. De toute bonne facture, ce long playing propose onze compos originales également produites par Liz Mandeville…
Rhode Island est un petit état situé sur la côte Atlantique des USA, coincé entre le Connecticut et le Massachusetts. Mais depuis longtemps, sa scène jump blues et R&B est particulièrement fertile. Surtout à Newport. C’est dans ce port de plaisance que se déroulent le Newport Jazz Festival ainsi que le Newport Folk Festival. Des événement qui ont permis, au cours des 60’s et des 70’s la découverte d’artistes incontournables comme Bob Dylan, Joan Baez, mais aussi Greg Piccolo, Johnny Nicholas et Duke Robillard qui allait former le big band Roomful of Blues. JP Gauthier et son ami Bob Christina ont eu l'idée de ressusciter ce concept en réunissant des musiciens qui partagent la même passion afin d'enregistrer cet album dans l'esprit d'une performance live.
Bob est batteur. C’est le frère de Fran Christina, le drummer historique des Fabulous Thunderbirds. Il a participé à l’enregistrement de trois plages. Le line up des All Stars implique les frères Christina, le bassiste Bob Worthington, le guitariste Ricky King Russell, Al Copley ou Dave Maxwell au piano ainsi qu’une section complète de cuivres. Et pas moins de 8 chanteurs ont été invités pour immortaliser l’événement. Un événement qui s’est déroulé dans le patelin de Westerly ; et "Open mic at the Knick" nous restitue l'ambiance brûlante qui y régnait et règne encore les plus grands soirs. John Paul Gauthier a enregistré, mixé, produit et distribue ce CD sur son label JP Cadillac.
Le rideau s'ouvre par le classique de BB King, "You upset me baby". Ronnie Earl, qui a longtemps sévi chez Roomful of Blues, se réserve la guitare, alors que Sugar Ray Norcia, ex-leader des Bluetones, se consacre au chant. Autoritaire, puissante, sa voix est vraiment adaptée pour aborder le style jump. Rich Lataille (NDR : seul membre originel de Roomful of Blues toujours présent!) s'envole sur son sax ténor alors que King Russell s'emballe sur sa Fender Stratocaster. Les All Stars embrayent par le classique "Turn on the love light", une piste chantée dans une ambiance Blues Brothers par le Texan Malford Mulligan. Il réplique ensuite tout au long du rythmé "Love disease", un morceau dont le tempo est imprimé par Fran Christina, lui aussi un ancien Roomful of Blues. Autre Texan, Willie Laws se réserve le micro pour attaquer le blues lent "Mother-in-law blues", un petit joyau autrefois interprété par Buddy Guy. Et il remet parfaitement le couvert sur le classique "Five long years", un slow blues signé par le pianiste Eddie Boyd. Johnny Nicholas nous vient également du Texas. Il chante remarquablement le blues indolent "Jelly Jelly". Les cordes de Russell sont impeccables ; le piano et la trompette feutrée de Doc Channonhouse le sont tout autant. Rick Russell introduit "Reconsider baby", un autre blues lent. Nicholas est toujours aux vocaux pour ce titre issu de la plume de Lowell Fulson. Sugar Ray revient chanter "It's later than you think", un jump tourmenté, imprimé sur un tempo irrésistible. Al Copley, Rich Lataille et Doc Channonhouse tirent leur épingle du jeu sur cette plage composée par Roy Milton. Curtis Salgado est un autre ancien musico du Roomful of Blues. Il aborde "Ain't that lovin' you" d’une voix purement soul. Mais plutôt jazz, cette compo swingue naturellement. Et à la six cordes, King Russell s’y révèle bouleversant. "Somebody's got to go" est un blues classieux dispensé par J.P Sheerar. Brian Templeton drivait autrefois Radio Kings, un combo notoire de Boston. Sa version du "I'm tore down", un des joyaux issus du répertoire de Freddie King, ne manque pas de panache. Russell est intenable aux cordes. Un des tous grands moments de cet opus. Et on n’est pas au bout de nos surprises. Nicholas chante le blues louisianais, "Along about midnight". Rick est décidément insatiable sur sa gratte tout au long de cette composition signée Guitar Slim, l'un des fleurons du blues de New Orleans. Et il en remet une dernière couche sur le "Going down" de Don Nix, une finale très électrique chantée par Mike O'Connell.
L’album « Abbey Road » des Fab Four a été réinterprété, en entier, en fingerpicking (NDR : c'est-à-dire à l’aide d’une guitare folk, dont les cordes sont en métal) par Antoine Goudeseune. Et dans l’ordre du tracklisting. En outre, cet elpee a été enregistré au sein du même studio mythique (studio 2), en janvier 2014. Et la pochette est identique ; sauf que c’est Antoine qui traverse la rue…
Cet opus est paru ce 26 septembre 2014, soit 45 ans jour pour jour après la sortie de celui des Beatles. Natif de Binche, virtuose et professeur de guitare au Conservatoire Marcel Quinet de Binche et à l'Académie de musique de Morlanwelz, Antoine vient donc de réaliser son rêve. Il a commencé à jouer de la guitare classique dès l’âge de 8 ans. Il a reçu son premier prix de guitare à 18 printemps, au Conservatoire Royal de Mons. C’est en 2011 qu’il s’est lancé dans ce projet ‘fingerpicking The Beatles’, qui consiste à reprendre et arranger les titres des Beatles uniquement à la six cordes et en utilisant cette technique. En fait, elle évolue à la limite entre celle du classique et du picking pur et dur. Antoine y reproduit les arrangements complexes des titres des Beatles sur sa gratte. Et il publie un premier opus du style, « Fingerpicking The Beatles », en 2012. Il n’est cependant devenu fan inconditionnel des quatre de Liverpool que depuis une vingtaine d’années. Il estime même qu’au plus on écoute les Beatles, au plus on découvre de nouvelles sonorités dans leur musique.
En Belgique deux artistes pratiquent ce type de fingerpicking. Tout d’abord, Jacques Stozem. Un maître incontesté qui remplit des stades en Asie. Et puis Antoine. Ce dernier a réalisé son projet via le crowdsufing (financement participatif) de KissKissBangBang. Une plate-forme qui permet aux internautes et fans d'Antoine de le financer, en échange d’une gratification personnelle (un disque, un vinyle, un concert privé, etc.) Et le montant nécessaire a vite été atteint. Preuve que ce guitariste est hors pair.
Pour la petite histoire, le studio avait été réservé pour 2 x 12 heures. Antoine avait emmené son ingé-son et son luthier (pour préserver son instrument de tout contretemps). Particulièrement motivé, il a mis en boîte l1 plages, le premier jour. Il était donc à l'aise, le second, pour enregistrer les six pistes restantes.
Il a fallu douze mois de travail à l’artiste pour adapter les 17 morceaux en fingerpicking. Un travail de réécriture a même été nécessaire. Lors des sessions, il a reçu le concours du guitariste suédois Mattias IA Eklundh, pour la chanson « Here Comes The Sun ». De l’opus, j’ai beaucoup apprécié le superbe « Come Toghether », « Oh! Darling », « You Never Give Me Your Money » et « Sun King ». Et le disque est également paru en vinyle!
Antoine a parfaitement réussi son exercice de style. Son style est léché et ne s’adresse pas exclusivement aux fans des Fab Four. Un disque à écouter par une belle soirée d'automne devant un bon feu de bois…
La tournée d’Antoine passera par le ‘Beatles Day’ de Mons, ce samedi 11 octobre 2014.
Lyla Foy est certainement l’une des meilleures surprises féminines de l’année. Agée, d’à peine 25 ans, cette Londonienne jouit d’un talent qui n’est pas passé inaperçu auprès des pontes du label de Sub Pop. Ce qui explique leur empressement à signer la demoiselle. Qui vient donc de publier son premier opus, « Mirrors the Sky ».
Si Lila Foy reconnaît pour influence majeure le folk, et notamment celui de Tori Amos ainsi que de Fiona Apple, elle a le bon goût de ne pas se contenter de marcher sur les traces de ses idoles. A contrario d’une majorité d’artistes contemporaines du style, l’Anglaise ne conte pas ses problèmes de cœur en s’accompagnant à la gratte sèche. Elle n’en fait jamais trop ; et sa musique est à la fois minimaliste, douce et attachante. Mais son folk, elle le teinte habilement de touches électroniques et de nappes de claviers. Pour un résultat manifestement bien au goût du jour. On pourrait même comparer son style à une rencontre entre électro folk et cold wave, dans l’esprit de The XX ou Beach House.
Les dix plages de « Mirrors the sky » finissent même par vous envoûter. Il y a belle lurette que je n’avais plus eu la chance de découvrir une artiste folk de ce calibre. Elle ne se contente pas de sortir des sentiers battus, mais nous réserve une musique particulièrement originale…
Daveed Diggs, William Hutson et Jonathan Snipes ont fondé Clipping, il y a déjà quelques années. Après avoir publié un premier elpee sur une écurie obscure, le trio signe chez Sub Pop. Suivant son habitude, le prestigieux label américain adore surprendre les mélomanes. Et pour cause, Clipping est un groupe de hip hop.
Mais ce « CLPPNG » est loin d’être abordable. Minimaliste, le hip hop de ces Californiens (NDR : ils sont originaires de Los Angeles) est tour à tour chargé de références différentes. Tantôt r’n’b (« Tonight », « Get Up »), tantôt jazz (« Taking off »), et la liste est loin d’être exhaustive… En fait, le crew s’amuse à récupérer tout ce qui lui tombe dans l’oreille et à l’intégrer dans son style. Tout en conservant un tempo monocorde. Finalement, ce disque ressemble à un OVNI qu’il est nécessaire d’apprivoiser avant de l’apprécier. Car côté vocaux, il faut reconnaître que le flow de D.Diggs est assez impressionnant. Dès l’introduction, il montre la couleur. Pour étoffer le tout, au fil des morceaux, des amis et amies viennent poser leur voix sur la trame, sans même accorder un minimum de cohérence.
Cet album ne figurera pas parmi les classiques Sub Pop. Trop expérimental. Pas assez harmonieux. Néanmoins, si vous appréciez les artistes en perpétuelle recherche, ce « CLPPNG » pourrait peut-être vous botter...
Pas d’influences moyen-orientales pour ces Assyriens venus d’Italie… Ce sont plutôt des effluves psyché qui enfument cette « Tundra », premier album, qualifié de ‘Galatic Pop’ par le groupe lui-même. Une pop rappelant bien entendu MGMT voire Foxygen et fortement gavée de sonorités 60’s. Des titres comme « Darwin » permettent à The Assyrians de dresser de belles et inspirées vignettes particulièrement mélodiques rappelant Mercury Rev et même Syd Barrett, cerveaux notoirement perdus dans la Galaxie ! Les jeunes Milanais planent et nous font planer (« Astronaut ») tout en n’omettant pas de pondre l’un ou l’autre single, afin de nous faire revenir les pieds sur terre, tels qu’« Orion » ou « Baobab ». Après le Batave Jacco Gardner, The Assyrians prouve que le Vieux Continent n’est pas en reste quand il s’agit de s’abandonner dans les psychédélices…
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