C’est avec beaucoup d’intérêt que nous nous sommes penchés sur le projet de Gwenno Saunders.
Petite piqûre de rappel, Gwenno militait fièrement, micro vissé à la main, dans les Pipettes, un girl band qui a connu son petit succès début des années 2000.
A la fois chanteuse et DJ, la demoiselle possède beaucoup de charme, un certain charisme et une énergie scénique assez communicative.
C’est à présent seule qu’elle se lance dans l’aventure, et dès la première écoute, on se persuade qu’elle sera belle.
Tout d’abord interloqués par le titre de la galette « Y Dydd Olaf », on réfléchit au jeu de mots ou à la phonétique qu’elle pourrait cacher. Mais en lisant le titre des morceaux, on comprend vite que la Galloise vient défendre ses origines par ce qu’elle a de plus ancré en elle : la langue.
Très vite, l’album s’emmitoufle dans une pop rêveuse aux accents electro. Aussi rapidement également, le souvenir de Trish Keenan explose dans les oreilles.
Vaporeuse, désuète mais également parfois incisive et pertinente, la voix de Gwenno se fond parfaitement dans les mélodies qui enrobent et réconfortent, tout comme le proposait Broadcast, à l’époque de Tender Buttons, en 2005. Ce qui plombe un peu le côté novateur de « Y Dydd Olaf », mais là n’était pas son but de toute manière.
Manifestant énormément de tendresse et de rêve, la galette poursuit son chemin de manière convaincante. Souvent, la frustration d’avoir séché les cours de Gallois dans notre jeune époque, nous prive du plaisir de vraiment pouvoir s’immerger entièrement dans les chansons. Il ne nous reste dès lors que la possibilité d’imaginer des paroles, l’exercice offre du coup, une dose de vision supplémentaire. Gwenno pourrait nous chanter sa liste de courses à effectuer au supermarché que le subterfuge tiendrait la route.
C’est donc dans une ambiance mystérieuse et excessivement douce que l’enchaînement des plages s’exécute. Petit bémol tout de même, à vouloir insuffler du rêve, le réveil est rapide et fait mal. La durée de l’album n’étant pas hyper longue.
Cependant, « Y Dydd Olaf » baigne dans le bonheur tout en sublimant les éléments. Un argument à la créativité personnelle.
« Y Dydd Olaf » est juste magnifique et vivement conseillé.
Nick Grey est un infatigable bosseur. Il apporte régulièrement sa collaboration à des tas d’artistes. Il na ainsi participé aux sessions d’enregistrement pour Charlemagne Palestine, Martyn Bates (Eyeless in Gaza), Kris Force (Amber Asylum, Swans). Nick milite également chez 230 Divisadero en compagnie de Matt Shaw, de Tex La Homa (à l’origine projet solo de Matt Shaw, ce band compte plusieurs albums à son actif) et le 'collectif virtuel' 48 Cameras, un ensemble à géométrie variable au sein duquel ont notamment transité des musicos de Scanner, David Coulter, Gérard Malanga ou encore Jean-Marie Mathoul. Il partage son temps entre le Sud de la France et Montréal, au Canada.
The Random Orchestra réunit Louis Pontyianne et Sarah Maison. Bassiste de formation, le premier est également multi-instrumentiste et a participé à l'écriture de la plupart des morceaux de "You're Mine Again". La seconde a rejoint le line up, l’année dernière. Et c’est l’ingé-son Peter James qui s’est chargé du mixing et du mastering dans son studio d'Edimbourg. Enfin, l’artwork de la pochette est vraiment superbe.
David Bowie constitue certainement une des influences majeures de Nick Grey. A cause de cet esprit glam qui envahit l’elpee. Mais également de cette période électronique qui a enfanté la trilogie « Low », « Heroes », Lodger ». Et puis, de certaines inflexions dans la voix. Des inflexions qui lorgnent également vers Dave Stewart, à l’époque de The Tourists, juste avant de fonder Eurythmics. Mais aussi vers Brett Anderson, le leader de Suede.
Le titre maître vous entraîne progressivement dans un climat néo-romantique. Une image me vient immédiatement à l’esprit : celle de voyageurs qui naviguent sur une gondole à Venise, pendant le carnaval, alors que sur les quais se promènent des figurants masqués et fringués comme au temps des 'Splendeurs'.
Sans pourtant se révéler envahissants, les claviers constituent la colonne vertébrale de « My Love Affair With Might », une plage au cours de laquelle la voix de Nick prend toute son ampleur. Le refrain et la mélodie sont accrocheurs. En filigrane, on peut y déceler une touche de 'french touch'. L’envoûtement par les vocaux opéré sur « Heart Of The Glacier » évoque à nouveau Bowie. Un Bowie qui hante également « The Wasp Lover ». Paisible et planant, « Structure And Faith » privilégie l’électro. Mais pas au point de vous inviter sur le dancefloor. Si « Wounded, Yet Feudal » ne manque pas de charme, ce morceau nécessite plusieurs écoutes avant d’être apprécié à sa juste valeur. La voix de Nick est douce et frémissante pour interpréter « In The Ravine ». « Death Of The Dogman » est la piste la plus longue de l’elpee. Elle creuse jusqu’au racines du blues qui nous vient du delta. Nick module sa voix en conséquence. Et elle passe bien la rampe. Les claviers sont moins présents. La guitare prend ici, sa revanche. Et le disque de s’achever par « Enchantée », un morceau interprété par Sarah Maison dans la langue de Molière. Exquis ! D’autant qu’elle a également une très belle voix.
Howard Glazer est l'un des meilleurs bluesmen de Detroit, dans le Michigan. La Detroit Music Awards Foundation lui a d’ailleurs attribué, cette année, le titre de meilleur instrumentiste de blues et R&B. Glazer est sur les routes depuis plus de 20 ans. Il compte également plusieurs albums à son actif, dont le précédent, "Stepchild of the blues", est paru en 2013. De ces sessions, il en a conservé la section rythmique. Soit le fidèle Charles David aux drums et Chris Brown à la basse. De nouveau, Larry Marek se charge circonstanciellement des claviers. Glazer est devenu un homme à tout faire. Il a assuré la prise de son, le mixage et la production. Il signe aussi les douze plages!
Des cordes de guitare parcimonieuses introduisent "Midnight postman", un blues funk tapissé par les interventions d’orgue de l'orgue de Marek, alors que les voix féminines de Maggie McCabe et Stephanie Johnson soutiennent celle du leader. "Broken down hotel blues" emprunte un riff à Howlin' Wolf. La voix de Maggie épaule à nouveau celle d’Howard. Ce dernier libère une excellente sortie au sein d’une atmosphère cool. Howard écrase sa pédale sur "Take me baby" afin de torturer les vibrations électriques de sa guitare. Larry Marek prend un billet de sortie sur son orgue et réplique aux cordes acérées et bien amplifiées. De bonne facture, "All I ever wanted" jouit d’une excellente ligne mélodique. Miss McCabe susurre ses mots. L’assemblage des cordes est audacieux et bien réverbéré. Qu’elles soient acoustiques, électriques ou dispensées sur un dobro. Detroit shuffle, "Walking in Detroit" est très proche du blues de Chicago. La rythmique est bien marquée. Le duo vocal lymphatique. La guitare impeccable. Tout comme la sortie de David Kocbus à la trompette. "Eviction blues" est le long blues lent qu’on attendait. L'échange entre le chant et la guitare est bien mis en évidence. Armé de sa guitare resonator, Glazer chante d’un timbre quelque peu fatigué, le blues acoustique "Feeling so bad". Le titre maître est certainement le meilleur de l’opus. Un blues amplifié caractérisé par des grattes aux tonalités différentes qui s’entrelacent. La voix est nonchalante et le recours au bottleneck est tout à fait judicieux. Soutenu par les chœurs féminins, Howard change d’une voix ‘dylanesque’ "Wandering trails", une bien jolie ballade roots nappée d’orgue et balayée de cordes lancinantes, dispensées par le bottleneck qui glisse le long des cordes. Rock'n'roll classique, "Pushing the limits" adopte le riff de Chuck Berry. Delta blues original, "Misunderstood the devil" libère des sonorités décapantes, légèrement acides, destinées à préparer la rencontre avec le diable. Et la finale est tout à fait superbe. Blues lent accrocheur aux accords de gratte réverbérés, sulfureux, psychédéliques, "Emergency" est hanté par les fantômes qui peuplent les marais du Sud ; alors que la flûte de Tom Schmaltz tente de se frayer un chemin à travers les rares espaces libérés par la six cordes Impressionnant ! Finalement, Howard Glazer aurait dû davantage explorer l’aspect le plus ténébreux de sa muse…
Fo'Reel est un nouvel ‘all star band’ issu de la Nouvelle Orléans. Il a été fondé pour célébrer le blues, le R&B et le funk. Son créateur est Mark Domizio. Producteur et guitariste, il a régulièrement joué en compagnie de Bryan Lee. Y sont également impliqués, C.P Love, un chanteur soul local, Johnny Neel –un claviériste notoire qui a beaucoup travaillé pour l’Allman Brothers Band et Gov't Mule–, Dickey Betts, et enfin, le bassiste David Hyde. Le line up est soutenu par une section de cuivres réunissant Jon Smith au saxophone ténor, Ward Smith au saxophone baryton et Barney Floyd à la trompette. Et enrichi par la présence de Daryl Burgess à la batterie et Rick Lawson au chant. Fo'Reel est donc un projet. Qui vient donc de graver "Heavy water". Mais il vient également de prendre une dimension live. Y participent Domizio, C.P Love, Neel et David Barrard, un bassiste qui a épaulé pendant 40 longues années Dr John et s'est également produit en compagnie des Neville Brothers. Parmi les onze plages qui figurent sur "Heavy water", la majorité est issue de la plume de Domizio. Les prises de son ont été opérées au studio de David Farrell à New Orleans ou celui de Straight Up à Nashville.
Le collectif est au grand complet pour attaquer "Breaking up somebody's home". Ce titre, Albert King en avait fait un hit. Il avait également été repris par Etta James et Ann Pebbles. La voix soul de C.P Love est naturelle, chaleureuse et plutôt remarquable. La même équipe embraie par le titre maître, une piste funky, dansante, tapissée par l'orgue Hammond de Johnny Neel. R&B pétillant, "Leave your love alone" est chargé de swing. Harmonieuse, la voix de Lawson est proche d'un jeune BB King. Les interventions de Neel à l’orgue Hammond sont savoureuses. Domizio aux cordes et Smith au sax ténor prennent ensuite le relais. "Blues" est un superbe blues lent. La voix de Rick Lawson y épanche toute sa sensibilité, alors que Domizio nous réserve un solo brillant, tout autant chargé de feeling personnel. Originaire du Mississippi, Lawson est un chanteur de southern soul. Il voue une grande admiration à Tyrone Davis. Il a réalisé la plus grande partie de sa jeune carrière à Jackson, capitale du Mississippi. Plage instrumentale, "Gate" permet aux différents musicos de tirer leur épingle du jeu. Et tout particulièrement Domizio à la six cordes. Blues particulièrement subtil, "What can I do" concède les accents latins d'une rumba, une superbe composition chantée par C.P Love qui secoue aussi des congas et gratte une planche à lessiver! Fo'Reel adapte ensuite deux compositions signées Luther Allison et James Solberg, le leader de son backing band américain! C’est la voix de nouveau chargée de passion que C.P chante le funky "What's going on my home" (extrait de "Blue Streak", paru en 1995) et "Just as I am" (issu de "Reckless, publié en 1997), un slow blues éblouissant. Rick Lawson revient chanter deux titres. Tout d’abord "Snake n Bake", un funk d’une grande pureté, largement cuivré. Puis "Outside love" un blues remarquable au cours duquel Johnny Neel tire son épingle du jeu en doublant piano et orgue, alors que les interventions de Domizio à la slide sont bouleversantes. La fête du rythme s’achève par la plage instrumentale "Tater", un titre de jazz coloré de southern soul, caractérisé par des envolées brillantes de Domizio aux cordes, mais également de la section rythmique, constitué, on vous le rappelle, de Daryl Burgess et David Hyde.
Echappé des Felice Brothers depuis 2009, groupe mené par ses frères Ian et James, et au sein duquel il militait comme batteur, Simone Felice a trouvé le temps de donner libre cours à sa propre inspiration. En écrivant des morceaux pour son groupe The Duke & the King ou des poèmes, dans le cadre de sa carrière littéraire…
Simone louvoie dans un univers très classique entre americana, country et ‘classic rock’. Sa voix rappelle quelque peu celle de Cat Stevens (« Gettysburg ») et on y traverse des ambiances à la Bruce Springsteen (« Molly-O ! »). Pas de réelles surprises à l’horizon sur « Strangers », son second album solo, mais des morceaux aux instrumentations soignées et aux riches harmonies dans la pure tradition US. Donc impliquant banjo, piano, violon et autre orgue Hammond pour quelques réussites immédiates (« Bye Bye Palenville ») et d’autres chansons plus anecdotiques (« Heartland »). Une musique de « Strangers » destinée aux Européens peut-être, mais bien américaine. Simone Felice se produira au Video de Gand, le 3 novembre prochain.
La trop méconnue Nancy Elizabeth Cunliffe fait assurément partie du gotha du songwriting actuel. Ce troisième album le confirme brillamment. Enregistré dans son petit appartement de Manchester, "Dancing" affine encore ce monde très personnel qui nous avait déjà tant séduit sur "Battle and Victory" et "Weight Iron".
Entourée d'une kyrielle d'instruments, du piano à la harpe celtique en passant par le khim (sorte de dulcimer thaïlandais), Nancy donne vie à ce petit orchestre de chambre. Parler de folk stricto sensu serait trop réducteur. Le premier single "The Last Battle" l'illustre bien. La BBC, grande fan de la ménestrelle, le dépeint fort justement comme une rencontre entre Ennio Morricone et Arthur Lee. C'est assurément un des très grands morceaux de cette pièce rare qui n'en manque pas.
La voix cristalline de cette adepte du Sōka Gakkai (variété du bouddhisme japonais) est un ravissement et touche à l'émotion pure. Comme sur "Heart", qui évoque le meilleur de Julia Holter, où apparaissent quelques légères sonorités électroniques. Une touche synthétique plus présente que sur les oeuvres précédentes que l'on retrouve sur "Simon Says Dance". Sur ce titre, son chant en staccato récité comme un mantra nous entraîne dans une danse spirituelle. Bouleversant aussi, le piano nostalgique de "Death in a Sunny Room" discrètement accompagné par quelques notes de harpe. Un instrument qui ennoblit tout l'opus et peut rapprocher certains morceaux des compositions de Serafina Steer. Sur l'hypnotique "Debt" par exemple, ballade sombre où harpe, guitare, cithare et rythmiques envoûtantes se côtoient et nous emportent dans une montée magistrale. Polly Jane Harvey appréciera certainement. On peut aussi déceler des réminiscences de "Rock Bottom", le chef-d'oeuvre de Robert Wyatt, dans certaines atmosphères de la Mancunienne. "All Mouth" et ses respirations saccadées en guise de rythme sonnent, par exemple, comme un cousin contemporain du remarquable "Alifib". On pourrait également citer les univers féeriques de Colleen, une autre personnalité particulière découverte par Leaf.
"Dancing" est riche et confine parfois au sublime. Son titre est cependant énigmatique. Le néo-folk aux touches médiévales et orientales décliné par la multi-instrumentiste anglaise est en effet bien plus destiné à l'âme qu'au corps. Une musique spirituelle qui apaise et parle à notre beauté intérieure.
- Papy, papy ? Mamy elle dit qu’avant tu faisais du speed métal. C’est quoi le speed métal ?
- Et bien tu vois fiston, le speed métal c’est comme le heavy métal mais plus vite…
- Ahhhh, et pourquoi tu fais plus du speed métal, papy ?
- Bé oui, tiens, pourquoi je fais plus du speed métal…
- Et, papy, ça raconte quoi le speed métal ?
- Et bien, tu vois fiston, je vais te raconter : Once upon a time… in Hell…
Mon esprit tortueux prend plaisir à imaginer ce qui a été le déclencheur de la réapparition de Drakkar. Perdu au fond des brumes depuis le début des années 90, ce groupe hennuyer fondé en 1983 était pourtant promis à un bel avenir. Notamment lors de la sortie de son premier album « X-Rated », en 1988. Ses prestations lui ont ouvert les portes de support de formations mythiques comme Metallica, Overkill, Slayer ou Queensrÿche lors de leurs tournées européennes. Mais, las de ramer ensemble, les Montois se séparent pour tenter l’aventure vers des horizons différents.
En 2012, riches de leurs expériences personnelles, ils se reforment pour tenter de nous envahir à l’aide d’une nouvelle production sous la bannière de Spinal Records : « Once Upon A Time In Hell ».
Je suis assez surpris qu’un groupe éteint depuis belle lurette puisse reprendre les flots pour nous soumettre à un ensemble aussi cohérent. Loin de larguer les amarres pour quitter le monde du speed métal, terre des anciens, ils parviennent à y adjoindre un souffle de modernisme non négligeable. Le chanteur des débuts, Fabrice Vanbellinghen alias Leny, maintient un vocal mélodique très eighties, tantôt cassé dans les aigus, tantôt tombant le grave hargneux et rageur digne d’un death light. Un support hardcore est présent dès l’entame des morceaux, chœurs œuvrant de concert pour nous marteler de sentences. Le côté technique est assuré par une ligne de trois guitares (Richy Tiborcz, Pat Thayse et Thierry Delcane) et une basse (Tytus Dupont) qui mènent de front les riffs mélodiques et le côté groove voire trash. Mais le rythme est vraiment emmené par Jo Sanders à la batterie, qui tel le Kraken surgi des profondeurs, étreint le navire pour l’emmener dans les profondeurs, palpite en rythme alternatif, dresse les galériens aux sons des tambours lancinants ou exaltés. Le côté accrocheur des morceaux tient à la recherche de la mise en ambiance de certains titres, intros, fonds sonores, voix off, Drakkar amène son auditeur dans son univers tout en progression.
Cet univers sent le vécu, la réflexion, la sueur. L’enfer n’est pas à venir, il est là. Nous l’avons créé à travers nos peurs et nos espoirs déçus. Drakkar réalise un audit de la misère humaine à travers l’Histoire, en mettant en évidence la faculté de l’Homme à s’autodétruire à coups d’idéologies et d’introspections inutile. Le ton est donné par le titre éponyme qui sert autant d’introduction que de conclusion et stigmatise tout ce qui fait nos valeurs sociétales : l’argent, l’éducation, l’évolution technologique et les religions. Cet album est construit comme une ligne du temps allant de la création aux temps modernes, en passant par les Croisades ‘Yerushalayim A.D. 1096’, la Saint-Barthélemy, la déification des Rois de Babel, les guerres mondiales du siècle passé pour en arriver à la conclusion de la folie humaine qui conditionne notre futur. A noter le soutien de cette idée par l’aspect graphique de la jaquette, sobre illustration des titres par la proposition d’une voie de réflexion sur fond de gargouilles. Un album, c’est comme une assiette au restaurant : vous mangez avec les yeux avant d’y goûter.
Au-delà de l’aspect technique réussi de « Once Upon A Time », ce qui marque c’est l’enthousiasme et la cohésion qui émanent de Drakkar, sa faculté à être resté fidèle à son style générique en y incluant un ensemble de spécificités d’autres genres du métal. Il y a bien longtemps que des refrains d’un album ne m’étaient restés gravés en tête aussi longtemps au point de me relever la nuit pour vous écrire cette bafouille et me libérer de cette emprise !
Si vous souhaitez tester cet enthousiasme, ils se produiront à Deerlyk le 1er novembre dans le cadre du ‘Métal against child cancer fest’, ainsi qu’au ‘Club Jan Hertog’ de Maasmechelen le 11 novembre. Notez encore que vous pouvez foncer vous procurer « Once Upon A Time In Hell » chez le magasin qui m’affirme (à tort) que ‘Je ne suis pas fou !’.
Dalton Telegramme a décidé de graver une série de 3 Eps. Paru en 2013, « La Cavale » en était le premier. « La Planque » constitue le deuxième. Publié le 5 mai 2014, il a été mis en boîte, aux Studios 5 de Liège, sous la houlette de Lucas Chauvière. Il s’agit de la seconde collaboration entre le band et cet ingé-son/producteur français, qui a notamment bossé pour M, Saule, Winston McAnuff, De La Soul, Salif Keita, Java et R.Wan.
Cet Ep a été immortalisé en prise directe. Il recèle 6 plages exemptes de tout artifice.
« ...Cavale (In) » ouvre la plaque. Les images des grandes plaines qui peuplent l’Ouest américain sont à nouveau bien présentes. Au sein d’un climat sonore qui fait la part belle à l’americana, le roots et le bluegrass. Depuis la sortie de « La Cavale », il faut reconnaître que le band a pris de la bouteille. Expérience qui se ressent tout au long de cet Ep. En outre, concilier ce type de musique à des lyrics dans la langue de Molière est audacieux. Des textes qui tiennent vraiment la route. A l’instar de « Babyface Nelson », « Pas Besoin » ou encore « J'ai laissé devant ta porte », piste balisée par un banjo.
Probablement autobiographique, « Ce que nous étions » épouse un format folk/rock plus paisible. « Cavale (Out)... » achève cet Ep comme il avait commencé. C’est-à-dire à la découverte des immenses étendues de l’Ouest. Mais de la Wallifornie. Banjo et cuivres y tirent leur épingle du jeu.
On attend impatiemment la sortie du 3ème Ep de Dalton Telegramme, « Dernier Raid », qui devrait achever cette trilogie en beauté…
Dalton Telegramme nous vient de la Wallifornie sauvage et profonde et plus précisément de la Cité Ardente. Le line up réunit le chanteur/guitariste/trompettiste Quentin Maquet, les multi-instrumentistes Oliver Cox (drums, percus, flûte à bec, accordéon, mélodica et chœurs) et Rémi Rotsaert (guitare, banjo, ukulélé et chœurs) ainsi que Bernard Thoorens à la basse et à la guimbarde. Lauréat du « Franc'Off » de Spa en 2010, il s’est tout naturellement produit à Montréal. Il a également gagné le concours ‘Talents Acoustics’ organisé par TV5 Monde, en 2013. Et haut la main !
Leurs influences oscillent de la nouvelle chanson française au country & western, en passant par le folk et la roots. Et leurs compos se distinguent par des textes soignés.
Le combo a décidé de publier une série de 3 Eps. Et « La Cavale » en est le premier de la série. Il a été enregistré dans le Jet Studio, le plus ancien studio en Belgique.
Dynamisé par un banjo allègre, « Réveil Matin » vous sort du lit. Un titre vraiment judicieux pour vous lever sur le bon pied. Et communiquer toute sa bonne humeur, toute la journée. Grâce également à sa dose d’humour destinée à vous ouvrir les zygomatiques. « Sally » est une plage fraîche et novatrice. Alain Souchon aurait pu l’interpréter. « Tequilla » est le fruit d’un cocktail de blues, ragtime et cajun. Serions nous en Louisiane ? Dans le delta ? Pas vraiment ! Plutôt au sein du New Brunswick canadien, mais sans l'accent. Les paroles de « Papillons » s’envolent et celles de « Simili Black » ne font pas semblant. Elles sont d’ailleurs savoureuses…
L'artiste en est aujourd'hui à son septième album.
Ne connaissant Corneille que par le single de ses débuts, « Parce qu'on vient de loin », peut-être suis-je passé à côté de quelque chose.
L'index balance la première.
Le premier tour de piste se passe sans encombre, idem pour le second qui se voit affublé d'une touche de rap plutôt sympa.
Les événements se compliquent au troisième tour. C'est un basculement, une glissade dans le décor, percutant de plein fouet les panneaux commerciaux.
Difficile d'en ressortir. Il y a un blocage à tous les étages. La verve est pauvre, la composition sans envergure et les onomatopées insistantes en deviennent irritantes.
Tant bien que mal, j’arrive à la piste 11 qui semble être annonciatrice d'un nouveau départ. L'espoir est, cependant, de courte durée, et ce jusqu'à la ligne d'arrivée.
L'alliage de plusieurs courants musicaux n'a pas aidé l'artiste.
Sans doute, aurait-il été préférable de le voir évoluer vers davantage de simplicité. Guitare folk, basse, batterie par exemple.
Je retiens trois pistes : "Les sommets de nos vies", "Ego" et "Au bord du lac".
Pour le reste, Corneille, je bâille.
Cette formation a été fondée par Skyla Burrell et Mark Tomlinson. Ils jouent tous les deux de la guitare. Skyla, se réserve les vocaux. Une blonde sexy aux longues jambes. Le premier opus du SB Band, "Working girl blues", remonte à 2004. L'année suivante, la formation est demi-finaliste de l'International Blues Challenge de Memphis. Réputé pour son blues/rock incendiaire, le combo aligne un nombre impressionnant de shows. Il publie ensuite "Livin' day to day" en 2006, "Tough luck" en 2008 et "Real love" en 2011.
Skyla est native de Los Angeles. Elle a émigré vers la côte Est, après ses 20 printemps. Mark est issu de New York. Il a milité chez les Kingsnakes, formation qui a accompagné un bon nombre de seigneurs du blues. Le line up est complété par Ezell Jones à la batterie et le vétéran Charlie Hilbert à la basse, qui vient de remplacer Miss Michelle Lucas. C’est d’ailleurs cette dernière qui a participé aux sessions de "Blues scars". Les quinze plages ont été écrites par Burrell et Tomlinson, seuls ou en couple.
Le titre maître ouvre les hostilités en mode funk. La voix de Skyla est excellente. Elle est talonnée par les grappes de notes produites par Tomlinson, inspirées subrepticement par Albert King. "Bluesin' for your lovin'" est un blues/rock bien balancé. Les grattes de Skyla et Mark se distinguent en alternance, dont une slide bien trempée. La rage au ventre, Skyla chante le rock'n'roll "Trouble". Dynamique, "Stuck in a struggle" est caractérisé par une bonne sortie de Mark sur ses cordes. Skyla chante sa passion, de manière bien féminine, tout au long de la ballade blues indolente "Love letter in blue". Balayé par une slide, "Livin' for the blues" adopte le tempo du classique "Help me", une piste qui ne manque pas de charme. Miss Burrell s’éclate sur "Shut you down". Et elle a la pêche ! Les musiciens sont chauffés à blanc. Il passent à l’offensive et attaquent en rythme "Life storms". "World wide blues" se convertit à la rumba. Un changement de style judicieux pour cette plage illuminée de guitares enchanteresses. Les sorties de cordes montent encore d'un cran tout au long du puissant "Full time gambler", un morceau au cours duquel le batteur Ezell Jones Jr fait une solide démonstration de son talent ! Un des meilleurs morceaux de l’opus ! Ballade R&B, "Jace" ne manque pas d'originalité. "Juke jointin' tonight" libère énormément de swing, une piste dont les grattes sont inspirées par Albert Collins. Empreint d’une grande sensibilité, mélodieux, "6 Mile Cemetery Road" autorise paradoxalement un flux de cordes en folie. Et ce sont "21st century blues" et "Bad business" qui achèvent cet opus de toute bonne facture…
Fausse et marquetée rébellion politique (« Boom Time »), beats old school éculés 1 000 fois entendus (« Smile »), flows insipides (« Left the Hood »), concept fumeux (premier album publié en forme de lunettes de soleil sur lesquelles on trouve un code pour le télécharger… hmmmm, quelle bonne idée !), sous-Sublime (« Feels Right ») ou sous Major Lazer (« Wrong War »), vocalises horripilantes (« Me I Am »), indigestion de styles (soul, hip-hop, dance, Latin, funk, reggae,…) ou diversité de pacotille, ‘feel-good music’ insipide et encore riffs de guitares faussement bodybuildés (« Flying High »)… Cette énumération constitue une partie des ingrédients utilisés pour concocter cette horripilante purée musicale londonienne. Pas la peine de vous rappeler qu’il est préférable de passer votre chemin…
Cette interview s’est déroulée dans le cadre de l’édition 2014 du festival de Barges sur Scène. Dans les loges. Pour avoir les pieds au sec. Car dehors, la plaine ressemble à un véritable cloaque. Kid Noize est en quelque sorte le régional de l’étape. S’il accorde une grande importance à la musique, l’artiste en réserve tout autant à l’image.
La première fois que j’ai assisté à un de tes concerts, c’était il y a deux ou trois ans, en première partie de Stromae. Depuis, il semble que tu as parcouru pas mal de chemin…
Kid Noize : Je suis parti pendant plus ou moins deux années en France afin d’y bosser en compagnie de la même équipe qui a travaillé pour Stromae. C'était sous l’égide de Universal France. Puis, fin 2013, j'ai monté mon propre label Black Gizah. Ce qui me permet d’y sortir mes propres productions. Une première compilation devrait paraître fin 2014, et elle permettra de découvrir tous les artistes qui m'entourent.
Tu as un bon contact avec Stromae ? Vous coopérez ?
Kid Noize : On se croise de temps en temps, mais non nous ne collaborons pas.
Peux-tu nous en dire plus sur ton écurie ?
Kid Noize : Le concept est de réunir sur un label électro des artistes différents qui accordent autant d’importance à l’audio qu’au visuel. Michel Moers, ancien chanteur de Telex, nous a rejoints. Et il a déjà parcouru quelques kilomètres. Mais on a recruté des petits jeunes comme Evernest, PPWB et plein d’autres projets qui verront le jour avant la fin de l’année. Je viens aussi de publier un nouveau single, « Brooklyn », la réédition d’un titre paru il y a quatre ans. Cette nouvelle version fera l’objet d’un tas de remixes. Plus d’une dizaine que nous allons publier.
Les années 80 t'inspirent plus que les années 90 ?
Kid Noize : Les eighties ont établi les fondements d’une grande partie de la musique électronique. Pas tellement les nineties.
Tu apprécies donc plus Depeche Mode que Kraftwerk ?
Kid Noize : Non davantage Kraftwerk. Enfin finalement autant l’un que l’autre. Evidemment, Depeche Mode est sans doute la formation qui a le mieux géré l'image et le son. En outre, c’est un très bon groupe qui pratique une sorte de rock électronique.
Apparemment, tu es un grand fan des films de science fiction, comme ‘E.T.’ ou ‘La guerre des Etoiles’…
Kid Noize : Ce sont les films de mon enfance. ‘Star Wars’ est le premier long métrage que je suis allé voir au cinéma. Cette œuvre a absorbé toute la vie de George Lucas. Il avait bien réalisé un autre film, auparavant ; mais pour le reste il l’a consacré essentiellement à cette épopée. J’ai également grandi avec ‘E.T.’ et ‘Retour vers le futur’. De grands classiques. Oui, toute ma jeunesse a baigné dans cet univers.
Tu aimes les objets vintage. Tu as d’ailleurs acquis une ‘Mustang’. Il t’arrive de dormir dedans ?
Kid Noize : Des filles, parfois... j’adore les antiquités. Quand je peux me les acheter. Je me procure rarement des choses neuves. Bien sûr, il faut vivre avec son temps, et choisir un bon ordinateur, un bon appareil photo, un bon téléphone ; mais je préfère ce qui a du vécu. Comme les vieux synthés. Je les préfère que ceux de la dernière génération. Ils sont meilleurs et ont plus de valeur. Quand tu achètes une vieille bagnole, si tu l’entretiens bien, au bout de dix ans elle en a plus que neuve. Lorsque tu acquiers un nouveau véhicule, 10 minutes plus tard –ou presque– il n'en vaut plus que la moitié du prix. Le temps a fait son oeuvre. Il opère un tri entre les bonnes et les mauvaises affaires.
Tu voues un culte à l’image ?
Kid Noize : Plus que jamais. Dès le moment que tu postes une image sur Internet, il te suffit d’une demi-seconde pour 'la piger'. Le son en exige 30, 40, 50, voire 3 minutes. Oui, l'image est un support énorme.
D'où vient ton nom de scène ?
Kid Noize : Il synthétise un peu toutes ces idées d'enfants, cette espèce de bruit incessant qui revient et t’incite à y aller à fond dans ce que tu veux faire. Qui te pousse à construire ta vie sur les rêves que tu projetais, au cours de ta tendre jeunesse. On ne se rend pas compte que c'est l'enfance qui crée les structures premières du reste de ta vie. C'est à ce moment-là qu'il faut accomplir les plus grands voyages.
Es-tu tourné vers le passé ou bien le futur ?
Kid Noize : Pour moi, le rock'n'roll est une musique qui creuse dans le passé. Elle recherche constamment ses racines. La musique électronique est résolument tournée vers l'avenir. C'est la musique du futur qui cherche continuellement à se renouveler. Celle qui écrit l’histoire de la musique contemporaine…
Cet entretien s’est déroulé le dimanche 31 août, dans le cadre du festival des Barges, à Scène sur Sambre. Au crachoir, Giacomo Panarisi, le leader de Romano Nervoso, une formation louviéroise que votre serviteur suit depuis pas mal de temps. Intitulé « Born To Boggie », son second elpee est paru ce 22/10/2014. Et pour la circonstance, il a bénéficié d’une ‘release party’ à la Rotonde du Botanique. Malgré le succès du combo, notre 'Italian Stallion' a bien la tête sur les épaules. Tout en demeurant éminemment sympathique.
On soupçonne fort que tu sois l'enfant naturel né d’une idylle entre Marc Bolan et Mick Jagger. Qu’as-tu à nous avancer pour ta défense ?
Giacomo : Marc Bolan, mon maréchal ! On dirait un gars de Saint-Vaast qui parle. En fait, ils avaient accordé un concert à Houdeng, en 1977. Ils étaient pétés. Ils ont fait l'amour. Je ne sais pas comment, mais je suis sorti du trou de balle d’un de ces deux-là. C'est bien moi, le fils de ce couple illégitime…
Quelle est ta définition du rock spaghetti ?
Giacomo : C'est du spaghetti rock. Tout simplement du rock. Il ne diffère en rien du rock conventionnel. Sauf qu’il est chanté en italien. Donc trahit des consonances latines. Celles de mes origines. Je mets donc mes origines au service du rock'n'roll.
Ton nouvel opus sort bientôt. As-tu des détails à nous communiquer à ce sujet?
Giacomo : Il sera dans les bacs le 22 octobre, jour de notre release party, organisée à la Rotonde du Botanique. Il s’intitulera « Born To Boggie » et paraîtra chez Mottow Soundz. Et j'en suis très fier.
Il ne devait pas sortir plus tôt ?
Giacomo : Effectivement, car au départ il s’agissait d’une autoproduction. Mais finalement, un label s’est intéressé à notre projet. Le temps de discuter du deal et on a pris du retard. Et puis je n’étais pas satisfait du premier mix. Donc il a fallu le recommencer et cet épisode a encore reporté sa sortie. J’ai préféré attendre que le produit soit entièrement fini et corresponde à mes attentes. D’où ce retard.
Ton dernier single s’intitule « Aline/Maria ». Adamo y est pour quelque chose ?
Giacomo : Adamo ? Non, Christophe. Daniel Bevilacqua est français, mais d’origine italienne. Et cette chanson, je l’écoute depuis ma plus tendre jeunesse. Je voulais donc en réaliser ma propre version. Tout en rendant hommage à Christophe, compositeur de ce bon vieux morceau de blues interplanétaire.
Tu as eu l’opportunité d’assurer le supporting act de Johnny Hallyday au Sportpaleis d'Anvers. Est-ce lui qui t'a choisi ? C'est quand même une fameuse référence pour toi, non ?
Giacomo : Au départ, je pensais que c'était une blague. Effectivement, c’est lui qui nous a invités. Mais l’expérience est vraiment unique. Tu joues tous les soirs devant 25 000 personnes qui ne te connaissent absolument pas. C’est terrible ! En fait, quand on a rencontré Johnny il nous a parlé de notre musique et de nos chansons. Manifestement, c’est une des plus belles aventures que j'ai pu vivre sur la scène musicale.
Johnny ratisse large. Sa musique s’adresse aux jeunes de 7 à 80 ans…
Giacomo : Oui il ratisse large, son public oscille entre 7 à 77 ans. Le public réunit de nombreux fans, mais également des curieux qui souhaitent voir le phénomène sur les planches…
Apparemment parmi ses aficionados, nombre d’entre eux ont apprécié votre set. Des amis présents ce soir-là me l’ont signalé ?
Giacomo : Cet écho est agréable à entendre. Perso, j’ai beaucoup aimé la réaction de la foule.
Parmi les premières parties, on pourrait également épingler celles que tu as accomplies pour Skip The Use et Electric Six…
Giacomo : Electric Six ? Il y a un bail ! Skip The Use, c'était à Mons. Le groupe débutait également. Depuis, nous sommes devenus amis…
En 2013 tu as réalisé une tournée baptisée 'We Love Bars'. Dans quel but ?
Giacomo : Afin de bosser sur tous les nouveaux morceaux du futur album. Et la meilleure manière de les tester, c’est de les interpréter dans des conditions de merde. Enfin, pas de merde… plutôt dans des conditions qui en reviennent aux roots. C’est-à-dire dans les bars. Ce périple nous a permis de faire une répète générale avant d’entamer la tournée des salles et des festivals. Finalement, l’épisode s’est bien passé et on s’est super éclatés…
Lors du dernier festival de Dour, je t’ai aperçu discuter en compagnie de Fred Lani (NDR : le leader de Fred & The Healers) et effectuer un échange de Cd.
Giacomo : Oui nous nous apprécions, tout comme j’apprécie sa musique et lui la nôtre. Et puis, j’ai un faible pour le blues…
Quels sont tes objectifs à court terme ?
Giacomo : Sortir l’album. Se produire en concert. Bien se sentir dans ma peau et réaliser ce que j’aime, sans devoir abaisser mon froc, tout en propageant la bonne parole, l'humour et le rock 'n' roll, à travers le monde.
Jack Bruce, musicien devenu notoire pour avoir milité comme bassiste et chanteur de l'un des tous premiers super-groupes de l’histoire du rock, The Cream, auprès d'Eric Clapton et de Ginger Baker, est décédé ce 25 octobre, à son domicile dans le Suffolk en Angleterre, il avait 71 ans.
Pas de cause de décès avancée, mais il souffrait d'un cancer du foie.
Début des sixites, Jack Buce a participé à l'éclosion du blues en Angleterre. Il a sévi au sein de l’Alexis Korner Blues Incorporated de Graham Bond Organisation et, plus brièvement, des Bluesbreakers de John Mayall.
The Cream est né en 1966. Il réunissait trois musiciens déjà légendaires de leur vivant.
Jack Bruce entame ensuite une carrière personnelle, et publie l’elpee "Songs from a taylor", en 1969. En 45 années, il gravera une douzaine d'albums personnels dont le dernier, "Silver rails", était sorti en mars 2014.
The Cream s'était reformé à deux reprises : en 1993 lors de leur intronisation dans le Rock Hall of Fame et, plus longuement, en 2005 et 2006.
Roger Waters, le bassiste de Pink Floyd, estimait que Bruce était le bassiste le plus doué de sa génération.
« Ghost Stories Live 2014 » sortira ce 21 novembre 2014. Il recèlera de nombreuses vidéos en extra, sur CD, DVD, Blu-Ray et en format digital.
Le trailer est à découvrir sur www.coldplay.com
« Ghost Stories Live 2014 » a été tourné et réalisé par le réalisateur Paul Dugdale. Il propose notamment le film du concert accordé par Coldplay en mars 2014 au ‘Magic Theatre’ à Los Angels, devant un public très limité, deux mois avant la sortie de l’album « Ghost Stories ». Un décor à 360° avait été construit tout spécialement pour l’occasion !
Chris Martin a déclaré : ‘Ce concert ‘Ghost Stories’ était vraiment très spécial pour le groupe. Le Magic Theatre, construit spécialement pour l’occasion par notre incroyable équipe avec ces 360 écrans, c’était réellement un rêve devenu réalité. En plus, c’était la première fois que quelqu’un d’autre que nous entendait les nouvelles chansons. Ce film est réellement notre vision originelle de l’album « Ghost Stories ».’
Tracklisting
CD:
1. Always In My Head (Live at the Royal Albert Hall, London)
2. Magic (Live at the Enmore Theatre, Sydney)
3. Ink (Live at Le Casino de Paris, Paris)
4. True Love (Live at the Enmore Theatre, Sydney)
5. Midnight (Live at the Royal Albert Hall, London)
6. Another’s Arms (Live at the Beacon Theatre, New York)
7. Oceans (Live at E-Werk, Cologne)
8. A Sky Full Of Stars (Live at the Royal Albert Hall, London)
9. O (Live at Royce Hall, Los Angeles)
DVD/Blu-ray
Ghost Stories Live 2014
1. Always In My Head
2. Magic
3. Ink
4. True Love
5. Midnight
6. Another’s Arms
7. Oceans
8. A Sky Full Of Stars
9. O
Music videos:
1. Midnight
2. Magic (Extended Director's Cut)
3. A Sky Full Of Stars
4. True Love
5. Ink (Live at the Royal Albert Hall)
6. All Your Friends
7. Ghost Story
8. Always In My Head (Artwork Animation)
Alternate Live Takes:
1. Always In My Head
2. Oceans
Le récent nominé au Mercury Prize Jon Hopkins publiera un nouvel Ep ce 10 novembre.
« Asleep Versions » a été enregistré au Sundlaugin Studios à Reykjavik. Il bénéficie d’un alléchant trailer, à découvrir ici
Immunity (with King Creosote)
Form By Firelight (With Raphaelle Standell)
Breathe This Air (Asleep Version)
Open Eye Signal (Asleep Version)
Le groupe de pop Aline a annoncé sur sa page Facebook que la production de son deuxième album sera réalisée par le légendaire Stephen Street. Celui qui a notamment produit des disques mythiques comme « Meat Is Murder » des Smith en 1984, « Parklife » de Blur ou « Employment » de Kaiser Chiefs aura la tâche d’aider les Français à sortir un deuxième opus aussi convaincant que « Regarde Le Ciel ». La sortie est prévue courant 2015.
Le concert Rockpalast filmé par la TV allemande a été restauré et édité pour la 1ère fois !
En DVD, et en couble CD + DVD. Il paraîtra ce 24 novembre 2014. Son titre ? “Uprising live”
Tracklisting
I Threes (Rita Marley, Marcia Griffiths & Judy Mowatt) 1) « Precious World » 2) « Slave Queen » 3) « Steppin' Out Of Babylon » 4) « That's The Way Jah Planned It » Bob Marley 5) « Marley Chant » 6) « Natural Mystic » 7) « Positive Vibration » 8) « Revolution » 9) « I Shot The Sheriff » 10) « War / No More Trouble » 11) « Zimbabwe » 12) « Jamming » 13) « No Woman, No Cry » 14) « Zion Train » 15) « Exodus » 16) « Redemption Song » 17) « Could You Be Loved » 18) « We Can Make It Work » 19) « Natty Dread » 20) « Is This Love » 21) « Get Up, Stand Up » 22) « Coming In From The Cold » 23) « Lively Up Yourself ».
Les Ecossais de Mogwai ont annoncé la sortie de « Music Industry 3. Fitness Industry 1. » Découpé en 6 plages, ce nouvel Ep réunira 3 titres issus des sessions de leur dernier opus, « Rave Tapes », et des remixes de Blanck Mass, Pye Corner et Nils Frahm.
En outre, ces vétérans du post-rock se produiront en concert le 28 octobre, au Vooruit à Gand.
Tracklisting:
1. Teenage Exorcists
2. History Day
3. HMP Shaun William Ryder
4. Re-Remurdered (Blanck Mass remix)
5. No Medicine For Regret (Pye Corner Audio remix)
6. The Lord Is Out Of Control (Nils Frahm remix)
Les Foo Fighters viennent de dévoiler « Something From Nothing », le premier extrait de leur nouvel album « Sonic Highways », dont la sortie est prévue pour le 10 novembre.
C’est la seconde fois cette année que le groupe anglais originaire d’Oxford nous rend visite. En février 2014, le quintet était déjà venu au Club en première partie de To Kill A King. Cette fois-ci, il constitue la tête d’affiche. Le concert était prévu au Club. Certainement par manque de publicité et le peu d’entrées (50 personnes), il a été transféré au Huis 123, une petite salle conviviale sise au-dessus de l’AB Café.
La soirée sera donc cosy et intimiste, à la limite d’un showcase organisé dans un salon. Le line up du combo réunit les frangins Lucas et Théo Witworth, respectivement chanteur et guitariste, Matt Cooper à la seconde gratte, Joe Charlett aux drums et Pelham Groom à la basse. Lucas a la jambe droite dans le plâtre. Durant toute la soirée, il restera donc assis sur un tabouret. Des rumeurs selon lesquelles Spring Offensive se séparerait à la fin de la tournée, circulent. Dommage, car c’est un excellent groupe. La presse musicale insulaire le considère même comme un des grands espoirs de la scène britannique. Le combo est venu défendre son dernier elpee, « Young Animals Hearts », paru une semaine après sa première visite à l’AB, en février dernier. Enfin, drôle d’idée d’opter pour un tel patronyme, puisqu’il évoque l’offensive du Printemps, également connue sous le nom Kaiserschlacht, bataille du Kaiser ou offensive de Ludendorff suite aux séries d'attaques allemandes opérées sur le front occidental du 21 mars au 18 juillet 1918, durant la Première Guerre mondiale (source : Wikipédia)
Quoique mélancolique, la musique de Spring Offensive est susceptible de s’emballer. Mais sans jamais déraper. Tout comme la voix de Lucas. Elle peut même se révéler divine. La formation accorde une grande importance aux harmonies vocales. A l’instar des classieux “52 Miles”, “No Assets” et “Bodylifting”. Les guitares s’excitent sur “Hengelo”, tout en prenant soin de ne pas agresser les tympans. Lucas demande à l’auditoire de se lever. Son vœu est exaucé. Le band attaque “The River”, une chanson au refrain immédiat et entraînant. “Cutt The Root” vous invite sur le dancefloor, mais la salle ne s’y prête pas. Huit mois plus tôt, le Spring Offensive et To Kill a King nous avaient réservé “Warry Fill My heart” a cappella, au milieu du public. Ce soir, l’instrumentation est bien présente, et Théo se sert du piano du Huis 123. Un grand moment au cours duquel des frissons me parcourent l’échine. Une dose de percus bien mesurée balise “Carrier” pour soutenir la voix sucrée de Lucas. Caractérisé par son refrain contagieux, “Speak” est une compo plus vivifiante au cours de laquelle la voix de Lucas monte dans les aigus par paliers. Envoûtant, “No Drowning But Waving” clôt le concert ; il s’agit également du morceau qui ouvre leur long playing.
En rappel, Spring Offensive interprète deux anciennes chansons. 70 minutes de set, c’est un peu court. Néanmoins, il faut aussi admettre qu’il n’a qu’un seul album à son actif. Et quand on a épuisé l’intégralité de son tracklisting, il ne reste plus grand-chose à ajouter à la setlist. Mais l’essentiel, c’est que cette offensive du printemps en automne n’était finalement pas dénuée de charme…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Cinq ans déjà que le collectif Hexagen organise à travers Bruxelles toute un série de petits concerts indie, principalement à tendance noise ou math-rock ; et pour marquer le coup il avait décidé de nous offrir un festival en 2 temps.
Le vendredi l’affiche proposait Jessica 93 et Headwar au Beurschouwburg et le lendemain pas moins de 7 groupes se produisaient au Magasin 4 ; et c'est cette soirée à laquelle votre serviteur a assisté.
Pas trop fan des festivals et des affiches à rallonge, j'ai zappé John Makay et LTDMS et suis arrivé pour Poutre dont l'écoute du bandcamp m'avait convaincu de ne pas louper le set. Décrit comme héritier d'une tradition bruitiste en France qui oscille de Condense à Heliogabale en passant par Portobello Bones, c'est surtout de ce dernier qu'il semble s’inspirer. Tout en urgence et en riffs tendus, ça cogne sec et quasi sans répit mais toujours en conservant un sens de la mélodie derrière l'apparence chaotique. Il faut dire que le son approximatif de la sono n'est sans doute pas étranger à cette situation ; mais si l’absence de basses sera corrigée par la suite, le son de batterie est un peu pourri et malheureusement le restera. Passé ces imperfections, le combo entame les hostilités en grande pompe et j'ai déjà les pieds et la tête qui ne tiennent plus en place!
Room 204 nous plonge dans un univers plus technique et maîtrisé. Vous avez dit math-rock? Vous n'avez évidemment pas tort! Après la spontanéité débridée de Poutre, la transition n'est pas évidente vu l'interprétation toute en précision et en justesse de leurs successeurs sur scène. Heureusement derrière cette mécanique bien huilée surgissent des ‘accidents’ délicieusement barges et surprenants qui sont plus que les bienvenus dans leur jeu plutôt rigoureux. On imagine que la présence de certains plans métal bien ‘cliché’ joue le même rôle dans leurs compos, je veux parler de ces accords kitsch et victorieux que l'on retrouve aussi chez leurs compatriotes de Marvin (qui d'ailleurs commencent à en abuser un poil) voire chez Trans Am pour rendre à César ce qui lui appartient.
Place ensuite à The Guru Guru qui n'a rien à voir avec Guru Guru, les vétérans du kraut rock teuton toujours en activité. Ici on est dans la folie furieuse qui vous tombe dessus sans crier gare! Une petite ritournelle pop part en vrille en moins d'une minute (en écoutant leur bandcamp j'étais persuadé d'entendre deux morceaux en un) dans un chaos magistral, chaque musico maltraitant son instrument, les vociférations du chanteur se superposant à l’ensemble. Tout le long du concert, on est balancé dans cette schizophrénie créative qui fait la part belle à un jeu assez recherché et surprenant. Pourtant, les musiciens sont doués, mais j’ai du mal à accrocher. D’abord je suis assez réfractaire à ce type de vocaux. Et puis je cherche en vain un fil rouge dans leur répertoire.
Arrive enfin le grand moment de la soirée grâce au trio italien His Electro Blue Voice qui a plus d'un tour dans son sac et dont le cocktail détonnant va me mettre sur les genoux. Les ingrédients de cette mixture décapante? 1/3 de noise aux accents indie ou post hardcore, 1/3 de post punk et 1/3 de psyché kraut pour bien scotcher l'audience. Le résultat est garanti et scotché je l’ai été ! Je serais curieux de jeter un œil dans la collection de disques ou de mp3 des ritals et ne serais pas surpris d'y retrouver aussi bien Sonic Youth, Hüsker Dü, Big Black que Chrome, Wire ou Killing Joke... Mais stop au name dropping, His Electro Blue Voice mérite qu'on s'intéresse avant tout à son propre son. Un déluge supersonique, véritable lame de fond qui passe et repasse, emportant tout sur son passage au gré de sa cadence métronomique. Trop répétitive au goût de certains, elle baigne les autres dans une transe provoquant d'irrépressibles hochements de tête et puis progressivement une ondulation de tout le corps. Mais derrière la débauche sonore et la répétition, se cache souvent une accroche mélodique simple, évidente, pour ne pas dire essentielle, comme sur le tubesque "Eat Sons".
C'est à Electric Electric qu'était confiée la tâche de clôturer cette longue soirée qui à ce stade commençait à être bien éreintante pour les tympans. Qu'à cela ne tienne, on hausse encore le volume sonore rendant le concert limite insupportable à moins de porter des protections adéquates ou de se retrancher dans le fond de la salle. C'est assez dommage d'autant que les 2 fois où j'ai eu l'occasion de les voir, j'ai pris une monstrueuse claque à l'écoute de cette noise trance de haute volée qui tient la comparaison avec des formations comme Battles ou Lightning Bolt. Mais là au bout de 2 ou 3 morceaux plutôt de bonne augure, j'ai battu en retraite, vaincu par l'avalanche de décibels et un état de fatigue avancé. A revoir donc mais si possible pas à 1 heure du mat’ après une volée de groupes tous plus noise les uns que les autres.
Mais bon hormis ce petit bémol, on garde une bonne impression de ce festival dont je retiendrai les prestations de Poutre et des incroyables His Electro Blue Voice que vraiment je vous conseille de ne pas manquer!
(Organisation : Hexagen)
Paul Francis, aka Sage Francis, était de passage à la Rotonde du Botanique ce samedi 25 octobre, pour le plus grand plaisir des fans de hip hop. Il y a maintenant une petite quinzaine d’années que l’Américain (NDR : il est originaire de originaire de Miami) se distingue par un flow qu’il déverse avec une rapidité déconcertante. Une décennie et demi qu’il construit des ponts entre le hip hop et l’indie-rock en demandant, par exemple, à Yann Tiersen ou Calexico de se charger de l’instrumentation, en sollicitant Will Oldham pour assurer les chœurs et même en adaptant une chanson de Johnny Cash, sous forme d’hommage. Un artiste entier donc qui était dans la capitale pour présenter son dernier album, « Copper Gone ».
Après le supporting act assuré par le collectif belge, Behind The Wall, place à la tête d’affiche. Il monte sur l’estrade à 21h. Imposant, le barbu n’a pour tout compagnon que son ordinateur. Il a enfilé une djellaba dont la capuche recouvre son crâne dégarni. Il a noué, autour du cou, un drapeau qui flotte dans les airs lorsqu’il se déplace. Le Yankee ne lésine pas sur les moyens. Pour ouvrir son set, il interprète ce qui est certainement l’un de ses meilleurs morceaux, « Escape Artist ». Le ton est donné. L’ambiance est déjà très chaude dans la Rotonde et elle ne baissera pas d’un cran tout au long de la soirée. Les têtes remuent au rythme des basses. Le public s’est déplacé en nombre y compris un noyau dur de fans qui connaît les paroles par chœur. Ce qui communique une touche supplémentaire d’ambiance.
En tant que routinier de la scène, Sage Francis sait comment maintenir un public en éveil. Ainsi, il alterne des morceaux de son dernier album et ses tubes. On aura ainsi droit à « Sea Lion », « Jah didn’t kill Johnny » ou encore le superbe « The Best of Times », titre qui clôt sa prestation. Chaque morceau qu’il interprète est un véritable spectacle. Lorsqu’il ne parcourt pas le podium de long en large, il nous réserve une chorégraphie ou encore imagine un stratagème pour attirer notre attention. Enfin, lorsqu’il est à court d’idées, il en revient tout simplement à ce qu’il fait le mieux : le chant. D’ailleurs, ses exercices de style a capella figent littéralement l’auditoire. Un public qui tente néanmoins de suivre son phrasé dispensé à une vitesse vertigineuse. Les fans de hip hop ont trouvé leur maître !
(Organisation Botanique)
Le retour des Magic Numbers en Belgique, c’est toujours un moment que votre serviteur attend impatiemment. Les Londoniens prennent, en effet, un place particulière dans mon cœur, vu qu’ils figurent parmi les groupes qui ont révélé mon amour pour la musique durant ma jeunesse. Autant dire que quand je vois un nouvel album et une tournée qui suit, je suis pris d’un énorme élan nostalgique. Ce vendredi 24 octobre, le rendez-vous au Botanique à Bruxelles était donc incontournable.
Il revenait à Goldheart Assembly d’assurer la première partie. Il s’agit d’une formation de rock alternatif qui mise beaucoup sur les harmonies vocales. Mais au lieu des cinq membres habituels, seuls les deux leaders et leur guitare sèche sont présents sur scène. Un peu léger pour une assemblée… Peut-être se sont-ils expliqués à ce sujet en début de représentation ; malheureusement les embouteillages sur l’E42 et l’E19 ne m’ont pas permis d’assister aux dix premières minutes du spectacle. Plus de deux heures pour le trajet Mons-Bruxelles ; il fallait le mériter ce concert… Bref, les deux amis étaient bien sympathiques sur les planches ; mais leur musique était peu intéressante.(voir photos ici)
Une grosse demi-heure plus tard, les Magic Numbers entament leur set par la chanson qui ouvre leur nouvel et quatrième opus, « Alias ». « Wake Up » réveille toute la salle qui s’impatientait de voir débarquer leurs poilus préférés. Le quatuor réunit deux paires de frères et sœurs et comme d’habitude, portent de longs cheveux et des barbes monumentales (pour les hommes seulement, rassurez-vous…) Si la salle est aussi bien remplie, c’est parce qu’au-delà de la qualité évidente de leur songwriting, ce quatuor est vraiment ultra-sympathique. Romeo, le chanteur, a une bouille toute ronde et transpire la gentillesse durant tout le concert. Le leader du groupe adore en effet partager ses impressions avec le public et le faire participer. Près de dix ans après leur premier elpee à succès, les fans entonnent encore les hymnes célèbres avec le même entrain. Les vieux titres comme « Forever Lost » ou « I See You, You See Me » semblent prendre une quatrième jeunesse. Et au lieu de tomber dans la facilité, le band s’essaye à une version froide de leur chanson la plus célèbre : « Take A Chance ». Une belle réussite qui rappelle la célèbre reprise de « Get Lucky » des Daft Punk par Daughters. Michele Stodart, la bassiste, interprète également une plage de « Wide-Eyed Crossing », son LP solo paru en 2012. La jeune femme semble d’ailleurs avoir pris énormément de confiance grâce à cette aventure individuelle et sa présence scénique est un vrai plaisir à regarder. Energique, « Love Me Like You » clôture la première partie du spectacle. Les visages sont radieux autour de moi, tout le monde passe un très bon moment.
Les chevelus refont leur apparition et nous offrent quatre nouvelles compos dont une cover du « Harvest Moon » de Neil Young, morceau pour lequel ils reçoivent le concours de Goldheart Assembly. Le final sur ma chanson préférée du groupe, « Mornings Eleven », clôture un concert très agréable. Pour le plus grand bonheur des fans, le combo passera par la suite plusieurs dizaines de minutes à signer des autographes et à poser sur les photos.
Les Magic Numbers ont prouvé ce vendredi qu’ils avaient encore une énorme envie de jouer et que leur aventure n’est pas encore finie, loin de là. C’est en tout cas une des formations les plus sympathiques actuellement et je me réjouis déjà de la sortie du prochain disque, synonyme de nouvelle tournée.(voir photos là)
(Organisation Botanique)
Il s’agit de la septième fois que votre serviteur assiste à un concert de Gabriel Rios. Ce soir, son backing group réunit les musicos qui l’épaulent depuis un bon bout de temps. En l’occurrence Amber Docters van Leeuwen au violoncelle ainsi que Ruben Samana à la contrebasse, au piano et chant. Un set (NDR : le n°7 ?) en version semi acoustique. Et c’est sous cette forme que j’apprécie le plus la musique de cet artiste, pro jusqu'au bout des ongles.
La première partie est assurée Katell Keineg. Une Bretonne qui va nous réserver un récital de trente minutes. Elle chante en s’accompagnant à la sèche. Pas vraiment transcendante, sa prestation sera, en outre, gâchée par l’auditoire. Le bruit des conversations va créer un tel brouhaha, qu’on n’entend pratiquement rien du concert. Pourtant sa voix est puissante, mais quand elle tente de monter dans les aigus, on sent qu’elle coince.
Le dernier opus de Gabriel, « This Marauder's Midnight », vient de sortir chez Sony Music. En octobre 2013, Gabriel avait décidé de publier un nouveau single chaque troisième lundi du mois. Un projet destiné à alimenter un nouvel elpee, un an plus tard. Et il a tenu parole.
Le parcours étonnant de Gabriel Rios débute en 1998. Il participe alors au Humo's Rock Rally, en compagnie du groupe The Nothing Bastards. Mais c’est en 2004 qu’il publie son premier album solo, « Ghostboy ». Après avoir rencontré Jo Bogaert (Technotronic). Le single « Broad Daylight » rencontre un immense succès et permet à Rios de dépasser les frontières de la Belgique. Musicien talentueux, chic et sexy, Gabriel séduit aussi bien sur disque que sur scène. Faut dire que, fruit d’un mélange détonant de swing, de rock et de funk et parfois de jazz, sa musique ne manque pas de charme. Il décroche de nombreuses récompenses belges et internationales. En 2007 il grave son deuxième opus, « Angelhead », qui squatte à nouveau la tête des charts, durant de longues semaines. Devenu alors une star de la pop, il décide d’en revenir à une formule plus intimiste. En solitaire ou en se limitant à un minimum de collaborateurs, comme Jef Neve et Kobe Proesmans.
Gabriel entame chaque fois ses shows par le « Voodo Chile » de Jimi Hendrix. Seul, à la gratte. Un titre qui figure sur « Angelhead ». Un rituel que semble apprécier le public. Conquis dès ce premier morceau. Un public en compagnie duquel il aime parler. Entre chaque titre, évidemment. Et il ne change pas de fusil d’épaule. Ce soir, le Cirque Royal n’est rempli qu’aux trois-quarts. Le décor est simple. La pochette de « This Marauder's Midnight » est projetée en toile de fond, à gauche. Gabriel est au centre. Au bord du podium. A sa gauche, Ruben. A sa droite, Amber. Judicieux, le light show met bien en exergue les trois musicos, même si Gabriel est davantage sous le feu des projecteurs, notamment à travers les lumières qui convergent vers la foule. Ce soir, le line up est enrichi d’une section de trois cuivres (trompette, trombone et cor d'harmonie), qui participent aux compos, suivant les morceaux. Et manifestement, ce concours apporte un plus à l’ensemble.
Après « Straight Song », un extrait de l'album « The Dangerous Return », le combo attaque les plages du nouvel elpee, « This Marauder’s Midnight ». « Skip The Intro » d’abord. Subtils, les instruments à cordes soutiennent à merveille la voix de ‘sérial lover’ de Gabriel. Les compos défilent : « City Song », un morceau au cours duquel les cordes montent en puissance, « Angelhead », « Madstone » et « Burning Song ». Souvent apaisante, la voix de Rios est susceptible de monter dans les aigus. Et ces envolées sont absolument divines. Gabriel nous signale que son père est dans le public. Plus dansant, « Broad Daylight » est issu de « Ghostboy », son premier LP. Une chanson qui figurait dans le soundtrack du film « 06/05 » de Theo Van Gogh, long métrage qui relate l'assassinat du leader nationaliste hollandais Pim Fortuyn. Le Gantois d'adoption revient alors à des pistes issues de son nouvel essai ; soit « Song n°7 », « Work Song » et le très médiatisé « Gold ». Un filet de guitare guide les cuivres et canalise la voix sucrée de Gabriel. Ruben frappe sur sa contrebasse, suppléant ainsi parfaitement l’absence de percussions. Katell Keineg rejoint Rios au chant, pour attaquer « Swing Low », un titre au cours duquel, il se consacre aux ivoires. Le concert est terminé. Il est passé trop rapidement.
En rappel, nous aurons droit à « El Carretero » du Buena Vista Social Club, collectif que votre serviteur avait pu voir, la semaine dernière, à l’AB. J’en ai d’ailleurs encore des paillettes dans les yeux. La cerise sur le gâteau, nous viendra de « Police Sounds ». Bouleversant ! Gabriel Rios signale que son grand-père chantait cette chanson. Une superbe fin pour cet excellent spectacle. A l’issue duquel, à l’instar de nombreux aficionados, votre serviteur s’est rendu au stand merchandising. Rien de tel pour clore la soirée en beauté…
(Organisation : Live nation)
James Brown is dead. Long live à Lee Fields! La comparaison ne date pas d’hier, mais lorsque l’on voit ce dernier se démener sur scène, on ne peut la remettre en question tant Lee Fields est à la Soul ce que James Brown a été au funk : un pur génie. Et une Rotonde pleine à craquer avait l’honneur d’accueillir celui que l’on surnomme ‘Little JB’, ce mercredi 22 octobre.
Dehors, il fait dégueulasse. Mais ce soir à la Rotonde, la température va instantanément monter d’un cran. « All I Need » ouvre le bal sur le coup des 21h. The Expressions, le band attitré de Truth & Soul Records qui l’accompagne depuis « My World », publié en 2009, le devance sur les planches. Belle entrée en matière. Et son entrée, Lee Fields ne l’a pas ratée ! Une ovation plus tard, les neuf hommes en costard enchaînent sur un bon vieux « My World » et les plus récents « Standing By Your Side », « Don’t Leave Me This Way », extraits de l’excellent « Emma Jean ». Un disque qui se taille la part du lion, ce soir. Les cuivres dégoulinent sur un « It Still Gets Me Down » sensuel à souhait tandis que le chanteur se déhanche pour les demoiselles de l’assistance.
D’ailleurs, les demoiselles en auront eu pour leur argent, le Soul Man leur dédiant la plupart des morceaux et plus particulièrement « Ladies », of course. Mister Fields se trémousse et se démène sans relâche, transpirant à grosse gouttes. Le set arrive brutalement à sa fin sur l’intense « Faithful Man », suivi d’une acclamation retentissante. La Rotonde est euphorique et le fait savoir au roi de la Soul, qui rapplique pour un rappel entamé par un petit instrumental de The Expressions. Le retour de Fields est chaudement accueilli pour un « Honey Dove » qui sonne ensuite la fin des festivités. Un tour de chant et puis s’en va. On en voudrait plus ! Au moins un petit « Magnolia »… 1h20, ça paraît court, vu la carrière du bonhomme. Mais après ce qu’il a envoyé, on se contente de lui tirer le chapeau et belle révérence.
(Organisation : Botanique)
C’est par Anvers que qu’Attila avait décidé de faire un crochet en Belgique pour le début de sa tournée européenne. Une centaine de personnes les attendaient au Kavka, petite salle de concert en plein cœur d’Anvers. Chauffé en première partie par Knives To a Gunfight et Heart Of A Coward, le public a répondu présent au Metalcore teinté de Hip-Hop des Géorgiens.
Les hostilités ont tout d’abord commencé par Knives To a Gunfight. Originaire d’Anvers, il va délivrer un Metalcore pêchu, précis et sans concession. Il joue sur ses terres, cela se sent. Les fans sont là. Ils jouent des coudes pour s’emparer du micro et chanter à l’unisson avec le chanteur charismatique (et tatoué jusqu’au visage!), Mick. On se bouscule et on laisse la place à quelques mosh-pits au centre de la salle. Vu l’agencement réduit des lieux, inutile de préciser que la promiscuité est vite de rigueur. L’intensité monte d’ailleurs d’un cran lorsque le combo annonce que le concert est entièrement filmé afin d’en réaliser prochainement un clip. Il ne compte certes que deux années dans les jambes mais fait preuve d’une expérience certaine de la scène. Bonne découverte.
Le temps de se rafraîchir le gosier et ce sont les Anglais de Heart Of A Coward qui prennent possession de la scène et attaquent ‘Killing Fields’, titre aux chants clairs en fin de compo, n’ayant pas manqué de faire vibrer dangereusement les tympans. Ce type de voix n’est en effet apparemment pas le point fort de Jamie Graham, chanteur de la formation. Elle nous promet ensuite une montée en puissance au fur et à mesure des morceaux. Pas faux. Mais le set ne décolle pas et les titres s’enchaînent selon une linéarité quelque peu monotone. « Around a Girl (in 80 days) » clôture la prestation en une envolée de fausses notes vocales. Passons. Il est temps de refaire le plein en houblon afin d’accueillir la tête d’affiche.
Première constatation : les Américains d’Attila ne sont que quatre sur scène. Nate Salameh, le soliste, manque à l’appel. Le band n’y fera d’ailleurs pas mention ni allusion pendant son show. On apprendra le lendemain, via le compte Facebook de Nate, que les quatre autres musicos et lui ont décidé de converger vers des chemins différents, le guitariste ayant désormais opté pour ‘un style de vie différent en ne consommant plus d’alcool ni de drogues ; ce qui s’avérait impossible comme membre du groupe’.
Le concert s’ouvre par un « Middle Fingers Up » qui met directement l’ambiance : le quatuor invite à jumper et le public suit sans broncher. Attila prend visiblement du plaisir à exécuter ses titres, malgré le format réduit des lieux. Alors qu’il rencontre un beau succès outre-mer, atteignant presque les deux millions d’écoutes sur Spotify, il doit encore faire ses preuves en Europe. ‘C’est vrai que nous ne venons pas souvent chez vous, mais c’est promis, on reviendra’ lance Fronz, le chanteur, en guise de promesse au public. La setlist reprend essentiellement des plages de leur dernier opus, « About that Life », reconnu unanimement par les critiques comme un succès. ‘Il y a la barrière de la langue, mais je vois qu’on se comprend quand même’. La confrontation des cultures européennes et américaines est en effet parfois palpable. Il peut paraître un peu surprenant de voir une formation profiter d’un break entre deux morceaux pour apercevoir qui, parmi le public, porte un t-shirt ou une casquette à leur effigie, tout en invitant ensuite chaleureusement les personnes présentes dans la salle à dépenser quelques deniers au stand marchandising. Il suffit de suivre quelque peu le groupe sur les réseaux sociaux pour se rendre compte que leur facette ‘business’ occupe une part toute aussi importante que celle musicale. Par chance, il a préféré ranger dans ses tiroirs les chaînes (à l’exception du batteur) et autres bagues ‘bling-bling’ arborées dans le clip « About That Life ». C’est d’ailleurs par ce titre, lors du rappel, qu’Attila clôture un show propre, percutant et fidèle à l’énergie insufflée dans leur dernier LP. On regrettera cependant la durée du spectacle : à peine moins d’une heure. Un combo incontestablement habitué à fouler les scènes dont la percée en Europe ne pourra qu’aller crescendo au fur et à mesure des prestations. Prochain rendez-vous lors des festivals d’été ?
Ce soir l’AB est archi-comble pour accueillir l’Orquesta Buena Vista Social Club. On va donc vibrer aux sonorités cubaines de la guajira, du danzon, du bolero, du cha-cha-cha et de la rumba. Entre autres. C'est la tournée d'adieu du Buena Vista Social Club. Elle a d’ailleurs été baptisée 'The Adios Tour'. Et la nouvelle mise en scène devrait permettre au répertoire, pourtant classique, de prendre une nouvelle dimension.
Le Buena Vista Social Club est à l'origine, une mythique boîte de nuit située dans la banlieue de La Havane, à Cuba. A l’issue de la révolution cubaine de 1959, ce night club a disparu. Cinquante ans après sa fermeture, le nom a été repris pour baptiser un projet musical imaginé par Nick Gold de la maison de disques World Circuit et le guitariste américain Ry Cooder. L'idée de ce projet était de réunir dans un même enregistrement des musiciens cubains ‘campesinos’ (soneros légendaires des années 1930, 40 et 50) et d'Afrique de l'Ouest. Retenus à l'aéroport de Paris, les Africains n’avaient pu rejoindre Cuba. Finalement l'enregistrement de l'album sera réalisé sans eux. Intitulé « Buena Vista Social Club », il va rencontrer un tel succès que le groupe sera invité à se produire sur scène. D’abord à Amsterdam, en 1998 ; puis pour une série de concerts au Carnegie Hall de New York. Le cinéaste Wim Wenders sera même sollicité pour filmer ces événements. Il va en réaliser un documentaire, en ajoutant des interviews accordées par plusieurs musiciens, à La Havane. Et le film va même porter le même titre, 'Buena Vista Social Club'.
Avant le spectacle, l’impatience est palpable dans la grande salle de l'Ancienne Belgique. L’auditoire est constitué essentiellement de quadras et de quinquas pour cet avant-dernier show. A 20h30 pétantes, les lumières s'éteignent. Rolando Luna se dirige vers son piano, placé à l’extrême gauche du podium. Il est seul pour rendre un premier hommage. A Ruben Gonzales, décédé en 2003. En interprétant « Como Sento Yo ». Tout au long de ce récital, une vidéo consacrée à Ruben défile en arrière-plan, sur un écran. Bouleversant ! Le combo déboule ensuite sur les planches, sous la houlette du tromboniste Aguaje Ramos. Pour cet ‘Adios Tour’, il a entraîné dans le périple, plusieurs musiciens qui avaient participé à la confection de l’opus ainsi qu’au film, il y a plus de 15 ans. Et tout particulièrement Eliades Ochoa, le guitariste au chapeau de cow-boy, le trompettiste Guajiro Mirabal et le virtuose du laud, Barbarito Torres. Ils sont soutenus, ce soir, par de nombreux musicos qui les ont rejoints au cours de l'aventure, dont le vétéran Papi Oviedo, particulièrement dynamique à la guitare 'tres', le jeune pianiste –un virtuose !– Rolando Luna, et une fameuse section rythmique composée du contrebassiste Pedro Pablo et des percussionnistes Andres Coyao (congas), Filiberto Sánchez (timbales) et Alberto 'La Noche' (bongos). Sans oublier le trio de trompettiste drivé par Luis Allemany et le célèbre chanteur de 'son', Carlos Calunga. Chef d’orchestre, Jesús 'Aguaje' se consacre également au chant. Il y est secondé, par la très belle Idania Valdés.
Le second hommage est réservé au contrebassiste Israel ‘Cachao’ López, disparu en 2008. Et c’est évidemment Pedro Pablo qui donne le ton, tout au long de « Tumbao », alors qu’en arrière-plan, ce sont les images de Cachao qui sont projetées. On en arrive donc à « Santa Lucia ». Là en fermant les yeux (NDR : surtout si on a vu le film), on se sent transporté à la Havane, dans la rue, où défilent devant vous des vieilles bagnoles américaines rafistolées. « Rincon Caliente », « Carretera » et « Trombon Majadero » permettent d’entretenir ce voyage. Comme son titre l’indique, « La Percusion » va démontrer tout le talent du trio de percussionnistes, installés sur une estrade, au fond de la scène. Après « El Ruisenor », on a droit à un troisième hommage à travers « Bruca Manigua ». Il s’adresse à Ibrahim Ferrer qui s’est éteint en 2005. Votre serviteur avait eu la chance d’assister à un concert de ce personnage, physiquement frêle, mais grand pas son talent de vocaliste, un an avant son départ. Je regarde donc attentivement les images qui défilent sur l’écran. Et un quatrième est dédié au guitariste Manuel Galbán, qui nous a quittés en 2011, lors de l’interprétation de « Marieta ». Après « Batanga », j’assiste à l'arrivée triomphale d'Omara Portuondo. Ce moment est particulièrement attendu par l’auditoire. Car, cette jeune fille n’a que 84 ans. C’est l'une des dernières icônes vivantes de la grande 'Musica Cubana'. Et quand elle déboule sur les planches, c’est pour mettre le feu. Tout d’abord lors des trois premières chansons qu’elle interprète. Omara et le Rolando Luna sont très complices. Et « Mulata En Cha Cha Cha », « 20 Anos » et « Quizas Quizas » en sont de belles illustrations, des compos au cours desquelles, la voix de Mrs Portuondo vous prend littéralement aux tripes. Elle s’éclipse alors sous un tonnerre d'applaudissements. Deux ans, que je n'avais pas vu la grande diva et je dois vous avouer jubiler de bonheur en revivant de tels instants magiques. Sa voix vous fait fondre comme un glaçon au soleil.
« Chan Chan » constitue le cinquième hommage. Il s’adresse à Compay Secundo, un remarquable guitariste décédé en 2003. Lui et Ibrahim formaient un duo infernal. Les images nous feraient presque croire que Compay est présent parmi nous. Le sixième concerne Pio Leiva, la voix de Buena Vista Social Club. Il a rejoint l’autre monde en 2006. Idania Valdés et Carlos Calunga saluent divinement sa mémoire, à travers « El Cuarto De Tula ». Le concert est fini. Mais ce n’est pas la fin...
Omara, la grande dame, est de retour. Mon coeur frétille comme un gardon avant même qu’elle ne se mette à chanter. « Dos Gardienas » et « Candela » constituent assurément les cerises sur le gâteau des 95 minutes de ce fabuleux spectacle. Que je n'oublierai pas de si tôt. En finale, on retiendra encore les exercices de style de Guajiro Mirabal et les pirouettes de Barbarito Torres, qui va même jouer de son laud, dans le dos.
(Organisation : Ancienne Belgique + Jazztronaut)
Voir aussi notre section photos ici
Olly Murs est de retour avec un quatrième album. Intitulé « Never Been Better », il paraîtra ce 24 novembre.
Pour enregistrer le premier single “Wrapped Up”, l’artiste anglais a reçu le concours de Travie McCoy, le leader de Gym Class Heroes.
Olly co-écrit la majorité des titres de ce nouveau disque !
Full Tracklisting:
1. Did You Miss Me?
2. Wrapped Up (feat. Travie McCoy)
3. Beautiful To Me
4. Up (feat. Demi Lovato)
5. Seasons
6. Nothing Without You
7. Never Been Better
8. Hope You Got What You Came For
9. Why Do I Love You
10. Stick With Me
11. Can’t Say No
12. Tomorrow
13. Let Me In
Deluxe Album Only:
14. We Still Love
15. Us Against The World
16. Ready For Love
17. History
Nederlands 
Français 
