Bury Tomorrow réunit des musicos originaires de Portsmouth et Southampton, dans le Hampshire. Pratiquant du metalcore mélodique, le quintet implique Dani Winter-Bates au chant et au screaming, son frère Davyd Winter-Bates à la basse, Dawson Kristan à la guitare ainsi qu’Adam Jackson à la batterie. Et le line up s’est enrichi du claviériste/percussionniste Tom Prendergast. Il se produisait donc ce dimanche 1^er décembre à l’Ancienne Belgique de Bruxelles.

C’est la dernière date de la tournée européenne, pour laquelle le band a engagé, comme supporting act, Make Them Suffer, Thornhill et As Everything Unfolds. Belle soirée en perspective !

Pourtant, le concert devait se dérouler dans la grande-salle, mais comme moins de places que prévu ont été vendues, c’est l’option Ball Room qui a été choisie. D’ailleurs, les deux étages sont fermés.

Groupe insulaire de post hardcore et de metal alternatif, As Everything Unfolds ouvre les hostilités. Réputé pour ses instrumentaux dynamiques, son attaque sonore agressive mais mélodique et ses paroles chargées d'émotion, le combo est idéal pour faire circuler l'énergie dès le début de la soirée. Le chanteur principal, Charlie Rolfe, a la capacité de passer, sans problème, du chant clair aux cris gutturaux et impurs. Son registre vocal est à la hauteur de la performance serrée et soignée du band. La configuration de la scène est simple mais efficace. A cause de cet éclairage violet qui baigne la salle, créant un climat atmosphérique (page ‘Artistes’ ici).

‘Très bien, mettons-nous en mouvement !’, s’exclame Rolfe alors que la batterie entre en action, suivie d'un solo de guitare saccadé. La foule s’enthousiasme lorsque le bassiste George Hunt et le claviériste Jon Cassidy s’autorisent un petit tour dans la fosse. Le light show vire au rouge pendant les morceaux plus lourds, amplifiant l'intensité d’une performance, qui n’a duré que 30 minutes (page ‘Artistes’ là).

Place ensuite à Thornhill, un quatuor de metalcore progressif issu de Melbourne, connu pour son approche atmosphérique et émotive du genre. Le public piaffe d’impatience, en attendant que la formation australienne grimpe sur les planches. Il frappe dans les mains en cadence et lance même un ‘Woo’ collectif.

Enfin, le set s’ouvre par « Raw », un morceau particulièrement énergique qui va donner le ton à la soirée. Le lead vocalist, Jacob Charlton, a une présence imposante. Sa voix oscille entre force explosive et profondeur émotionnelle. Au fil du set, le mélange de metalcore percutant et d'éléments atmosphériques permet au band de créer des compositions complexes et en couches (page ‘Artistes’ ici et photos Romain Ballez là) …

Make Them Suffer (page artistes ici et photos Romain Ballez là) est également originaire du pays des kangourous. En ‘live’, il libère une certaine lourdeur ainsi qu’une énergie éruptive et contagieuse.

Notoire pour son amalgame de breakdowns deathcore brutaux, de chants clairs mélodiques et d'éléments atmosphériques symphoniques, le quintet aussi entame sa prestation par le célèbre morceau « Ghost Of Me ». Le chant clair et mélodique d'Alex Reade est remarquable, contrastant parfaitement avec les tons plus écrasants et gutturaux qui dominent dans son expression sonore. Cette énergie déborde dans la fosse. Les ‘crowdurfers’ la traversent. L'interaction entre le combo et le public est un élément clé de la performance. Le chanteur Sean Harmanis le taquine en criant : ‘Vous nous gardez en vie !’ Et il répond par des ‘crowdsurfings’ encore plus nombreux. Le personnel de la sécurité est très sollicité, alors que la tête d’affiche doit encore se produire. Et il est de notoriété publique que les concerts de Burry Tomorow sont athlétiques pour réceptionner les surfeurs devant le podium. Il y avait plus de 1 000 crowdsurfers, lors de son dernier spectacle, dans une salle qui peut accueillir 3 000 personnes.

Burry Tomorow clôt donc la soirée. La foule scande son nom bien avant qu’il n’apparaisse. Et lorsqu’il débarque, elle est prise d’une frénésie paroxystique. Dès la première note, on est conscient que ce set sera intense. La présence scénique des musicens est incomparable. Ils se déplacent constamment, interagissant avec le public afin de lui communiquer le sentiment de faire partie du spectacle. Le chanteur Daniel Winter-Bates, porte un gilet pare-balles. Il mène la charge.

Le public est déjà en ébullition lorsque Winter-Bates crie : ‘Je veux voir toute la salle tourner !’. Une invitation à créer un immense ‘circle pit’ auquel la foule s’empresse de répondre. Dingue ! 

Le setlist est partagée entre les morceaux préférés du public tel que « Earthbound », au cours duquel le band se déchaîne passionnément, nouvelles compos, et titres plus sombres mais davantage atmosphériques comme « DEATH (Ever Colder) », où la production scénique se distingue par son visuel obsédant pour correspondre aux thèmes introspectifs développés. La foule reprend les chansons en chœur. L’énergie monte en crescendo, au fil du show. « What If I Burn » libère une charge émotionnelle phénoménale, même si la foule continue de se défouler.  

Tom Prendergast a droit à son moment de gloire sur le fameux « Majesty » pour lequel il entame le chant seul avant d’être rejoint par le reste du band Et Bury Tomorrow achève son concert par « Choke », l'un des morceaux les plus emblématiques du band. Une performance magistrale !

Depuis les premières notes de As Everything Unfolds jusqu’au rugissement final de Bury Tomorrow, cette soirée s’est révélée d'une férocité et d'une énergie sans précédent. Chaque groupe a apporté quelque chose d'unique sur scène, mais tous ont partagé une passion et une connexion avec leur public qui ont fait de ce concert un moment inoubliable. Qu'il s'agisse des mélodies dynamiques de As Everything Unfolds, du son progressif et atmosphérique de Thornhill, de l'énergie chaotique de Make Them Suffer ou de la présence électrisante de Bury Tomorrow, ce spectacle était un véritable témoignage de la puissance de la musique live et du dynamisme de la communauté métal, même si en fin de parcours, les infrabasses dépassaient un peu trop les limites du (dé)raisonnable… (photos Romain Balllez là)

Setlist : « Abandon Us », « More Than Mortal », « Earthbound », « DEATH (Ever Colder) », « Begin Again », « Villain Arc », « What If I Burn », « Recovery ? », « Boltcutter », « LIFE (Paradise Denied) », « Black Flame », « Cannibal », « Majesty », « Last Light », « Choke ».

(Organisation : Ancienne Belgique)

Une fois n’est pas coutume, votre serviteur s’est expatrié outre-Quiévrain ! A Lille plus exactement ! Non pour y déambuler entre les différents stands dressés sur la Grand Place pour y appâter le nigaut en période de Noël, mais pour y voir et écouter une Hoshi au sommet de son art.

L’artiste se produit au Zénith, une salle nichée en plein cœur de la cité, dans le cadre de sa tournée baptisée ‘Cœur Parapluie’.

Le supporting act est assuré par Camille Gemoets, aka RORI, une autrice-compositrice-interprète belge. Depuis quelque temps, elle marque de son empreinte la sphère musicale grâce à une pop contemporaine inspirée par la culture musicale anglo-saxonne et la scène rock.

Alors qu’elle est habituellement flanquée de ses fidèles serviteurs, l’ex-The Subs, Hadrien Lavogez, préposé à la guitare, et Loïc Lavogez, derrière les fûts (succédant à Pierrick Destrebecq), ici, la demoiselle se livre seule, uniquement soutenue par un support préenregistré.

Lorsque votre serviteur débarque sur les lieux du crime, l’artiste a déjà (bien) entamé son set. Sa taille est inversement proportionnelle au podium, qui pour le coup, paraît immensément démesurée. Pour seul décor, un grand tissu blanc qui flotte derrière elle. Pas d’autres artifices, si ce n’est l’un ou l’autre coup de projecteur. Un peu ‘cheap’ quand même…

La belle et rebelle n’en demeure pas moins efficace, infligeant, sans semonce, ses compos à la fois cinglantes et paradoxalement très radiophoniques. A vrai dire, l’absence de ses musiciens ne semble pas, a priori, la gêner outre mesure. A moins que ce ne soit qu’un leurre…

Elle poursuit vaille que vaille, sans se laisser démonter. « Jalousie », une nouveauté aux accents pop/rock chanfreinés lui va comme un gant. Le public, enivré par cette fausse nonchalance dont elle a le secret, n’y tient plus. Ça gigote et ça tape des mains. Difficile de rester cloué sur son siège.

Et que dire lorsque, elle se rend chez son « Docteur », pour y décrire la syncope d’une foule en délire.

Capable de vous retourner de solides punchlines, l’ingénue, devenue figure de proue de la scène musicale noir-jaune-rouge, s’affranchit des préjugés pour servir sa sauce pop acidulée devant un public que l’on dit souvent élitiste et pas nécessairement venu pour elle.

Après une interruption d’une vingtaine de minutes, place à la Maîtresse des lieux. Une artiste, une vraie au sens noble du terme. Elle baigne dans la musique depuis son plus jeune âge. Elle commence à jouer du piano à six ans et la guitare à quinze. À la même époque, elle écrit ses premières chansons.

Elle effectue ses premiers pas au sein du groupe amateur TransyStory, formé en septembre 2011. Passionnée par la culture japonaise, elle choisit comme nom de scène Hoshi Hideko, puis simplement Hoshi, qui signifie ‘étoile’ en japonais.

La pénombre s’estompe doucement, les lights prennent discrètement de l’intensité. Pendant la longue intro, les projecteurs, jusque-là timides, laissent entrevoir un espace scénique très épuré. Seul le parapluie, immense emblème de la tournée, dénote. Il semble vissé pour toujours au plafond. Il est auréolé de tubes néon qui s’illumineront au gré des chansons et des ambiances.

Ses musiciens entrent en scène lentement, tour à tour. Et dans cette bande, il n’y pas que des inconnus.  A commencer par Lola Frichet à la basse (Pogo Car Crash Control), Charlène Juarez aux claviers (Brigitte) et Enzo Gabert à la batterie (Skip The Use). Et c’est Lucie, un joli bout de femme, qui se réserve la guitare.

« Mauvais rêve », titre phare de son dernier opus, retrace les étapes d’une vie que l’on comprend difficile, rejetée de tous et du système. Parfois, des sanglots apparaissent dans sa voix.

Une certitude, Hoshi impose un style musical bien à elle. Des textes simples, mais touchants, une musique entraînante et une aura exceptionnelle. Sans oublier cette voix haut-perchée et quelque peu nasillarde qui peut perturber les non-initiés. Pas étonnant donc que ce soit devenue l’une des révélations de la chanson française de ces dernières années.

Elle cultive une identité visuelle très forte : des vêtements amples, une attitude de femme-enfant, un chignon nippon et ce visage angélique qui lui confère un petit côté geisha.

Très vite, elle embraie par « Tu me manques même quand t'es là », une compo sur les relations passionnelles. Un moment particulièrement émouvant.

L’artiste répète à qui veut l’entendre qu’elle est heureuse de fouler les planches lilloises. Le meilleur selon ses dires.

Manifestant le souhait de prendre un nouveau tournant dans sa vie, elle dénoue d’un coup sec ses cheveux et laisse apparaître une longue tignasse impressionnante. Un choc visuel qui détonne par rapport à l’image de la jeune première qu’elle veut bien se donner.

Très vite, Mathilde Gerner, à l’état-civil, s’épanche sur la bestialité sans nom dont elle a été victime à travers son appel au manifeste, « Amour censure », hymne à la tolérance et à la sincérité des sentiments amoureux.

Hoshi, elle-même victime d'agression homophobe, a écrit cette chanson en réaction à une certaine libération de la parole discriminatoire, notamment après la ‘manif pour tous’. Une composition qui malheureusement a encore des raisons d'exister auprès des ‘biens pensants’. Et pour contrer toute cette haine, rien de tel qu’un gros fuck à tous ces enculés dont elle n’a plus peur aujourd’hui, dit-elle, tout en agitant un drapeau arc-en-ciel, symbole du mouvement LGBT+. Le public ne peut s’empêcher, à son tour, de lever le majeur, signe de l’intégration des mœurs. Mêmes les plus jeunes s’y mettent. Une parenthèse particulière, mais bien sympathique.

Souffrant de la maladie de Ménière (un mal qui la poursuit depuis toute petite et provoque des acouphènes et des pertes d'audition), elle s'avoue, à demi-mot, vaincue par cette affection sur l’époustouflant « Fais-moi signe ». Un piano-voix qui met en exergue le grain particulier de sa voix. Un véritable appel de détresse également auprès d’un public qui ne peut que l’encourager en applaudissant par le langage des signes. Les larmes ruissellent alors sur les joues de la jeune femme. Sans doute, est-elle convaincue qu’elle ne parviendra pas à éteindre ce fléau qui la consume lentement.

Marcel, son grand-père, est au centre des débats. Un homme qui lui a communiqué la fibre musicale alors qu’il l’emmenait aux concerts, alors qu’elle était encore très jeune. C’est donc à la mémoire de ce grand monsieur qu’elle entame un hymne à la puissance magistrale. Et si nous avions tous un Marcel dans notre cœur ?

Elle empoigne ensuite sa sèche, comme à ses débuts, pour y jouer « Manège à trois », lorsqu’en rue, elle essayait d’accrocher du regard les passants, sans parvenir à ses fins. Sauf sa mère et son père, dit-elle, entre rage et désespoir.

Douée pour les métaphores et autres figures de style, elle poursuit sur un ton nettement plus rock avec un « Superstar » qui arrache les portugaises. Les musiciens s’en donnent à cœur joie. Un joli moment de communion également.

Généreuse et humaine, on la sent fusionnelle au sein de son band. Une belle complicité la lie avec sa bassiste. Et les puristes auront remarqué l’inscription gravée sur l’instrument, ‘One woman on stage’.

Celle dont le physique a été quelque malmené par le journaliste-chroniqueur Fabien Lecoeuvre, entame un « Je partirai », une chanson percutante où elle parle du désir de partir loin d'un monde qui ne l'aime pas, la juge et la blesse. Bref, un exutoire où elle exprime sa souffrance, son incompréhension et son besoin de liberté. Elle veut rester éternelle dans les mémoires, comme une étoile ou une comète. Gageons qu’elle y parvienne.

Le set s’achève doucement. « Ta marinière » versius 2.0 est repris en chœur par un public particulièrement enchanté par cette extraterrestre. On a droit à deux versions. L’une imbriquée à l’autre, tantôt proche de la version originale, tantôt, plus luxuriante, avec des riffs et des beats à n’en plus finir.

Après plus d’une heure trente de concert, Hoshi se retire.

Elle détient la recette du succès ! Un brin de folie, beaucoup d'amour et une énergie communicative.