Le cœur des musicos de Lavender Diamond serait-il incorruptible ? Après avoir écouté ce disque, on doit avouer ne pas avoir résolu cette énigme. « Incorruptible Heart » constitue le second elpee de cette formation étasunienne. Californienne, très exactement, puisqu’elle nous vient de Los Angeles. A sa tête, la charismatique Becky Starck, responsable des parties vocales.
« Incorruptible Heart » succède à « Imagine Our Love », publié en 2007. Entretemps, Becky s’est investie dans plusieurs projets. Chez The Decemberists, où elle a pu élargir son horizon sonore, aux côtés de l’acteur John C. Reilly (NDR : ensemble, ils ont signé des titres country) et le trio Living Sisters. Bref, fallait s’attendre à des accents americana sur ce long playing. Qui sont notamment perceptibles sur « Come Home » et « Everybody’s Song ». Bref, l’expression sonore s’éloigne quelque peu de leur folk théâtral initial, afin de privilégier des ambiances soigneusement mises en forme par Damain Kulash, le leader d’OK Go. L’instrumentation est enrichie de violons, de cor, de piano (« I Don’t Recall », caractérisé par son swing palpitant). Il y a des chœurs, quelques touches électro (« Light My Way »). Les climats proposés sont variés. L’elpee recèle quelques pépites pop/folk empreintes de charme et de romantisme (« Perfect love »). Bref, hormis le soporifique « Dragonfly », ce disque ne manque pas de potentiel. Maintenant, si mon cœur est incorruptible, je dois avouer que le groupe a encore une belle marge de progression qu’il lui appartiendra de combler, pour passer en division supérieure…
Dans l’univers du rock progressif, les artistes font rarement les choses à moitié. Surtout lorsqu’il s’agit d’enregistrer un disque. Preuve supplémentaire chez Docker’s Guild, qui signe ici la première partie d’un projet ultra-ambitieux, à la tête duquel on retrouve Douglas R. Docker. Ce claviériste a notamment travaillé en compagnie de Therion. Le premier volet de cet opéra rock en cinq saisons tente donc d’établir le lien entre science et religion, s’appuyant sur un thème classique dans la science-fiction : Dieu est une invention extraterrestre, destinée à faciliter la manipulation des êtres humains. Beaucoup de blé à moudre sur un sujet pareil, et il n’y a pas à douter que Docker trouvera facilement de quoi remplir les 5 volumes prévus pour ce périple, ouvertement inspiré par les sérials SF des années 30, Babylon 5 ou Buck Rogers en tête.
Musicalement, le projet est largement influencé par les ténors du genre que sont Yes, Genesis, Dream Theater, David Bowie voire Pink Floyd. Parfois plus proche du hard rock, voire de l’AOR, que du heavy metal, les chansons s’appuient plus volontiers sur une construction en crescendo que sur une succession de démonstration technique qui plombent souvent le style. Ici, les chansons et l’histoire sont mises en avant, ce qui rend l’album d’autant plus digeste.
Au final, même si l’LP est finalement très rock, très années 80, il est aussi particulièrement varié, notamment grâce à un line up très fourni. Une quinzaine de musiciens sont crédités, et Docker a le bon goût de leur laisser assez d’espace pour s’exprimer, se contentant la plupart du temps de lier le tout grâce à des nappes de clavier parfaites pour retranscrire l’ambiance SF old school, mais aussi à ses lignes de chant qui permettent à l’album de ne pas s’éparpiller.
Fine fleur de l’excellente maison clermontoise Kütü folk (NDR : sur laquelle on retrouve également les tout aussi excellents Hospital Ship, St Augustine et Zak Laughed), The Delano Orchestra publie son nouvel opus en même temps que sort ‘Royal Weekend’, le film consacré au plus célèbre des Delano, le 32ème président des Etats-Unis, Franklin Roosevelt. Fruit du hasard ? Peut-être pas ! Car après avoir écouté « Eitsoyam », on soupçonne fort que ce soit prémédité.
Le folk spectral, mystérieux, de ce sextuor français est également hanté par un esprit indie folk yankee. En outre, leur quatrième opus baigne dans une ambiance cinématographique. Et en particulier celle de ‘La Nuit du Chasseur’ (Charles Laughton, 1953). Un climat mis en forme, et de main de maître, par Peter Deimel. Après l’intro fantomatique « Everything », les pépites se succèdent et oscillent entre douce comptine (« Wollaws »), attaque légèrement noisy (« XxX »), virage subtilement pop, (« Light Games »), harmonies à la Fleet Foxes (« Dreams »), aura mystique et détraquée réminiscente de Sparklehorse (« November ») et électricité foutraque chère à Pavement (le magnifique « Always », caractérisé par l’intervention surprenante d’une trompette). A ce titre, The Delano Orchestra mérite d’être sacré président de la scène indie US ‘made in France’. Premier coup de cœur officiel en 2013 ! Et on n’oubliera pas de signaler une nouvelle fois que la pochette, véritable œuvre d’art, a été cousue main (Kütü folk)…
Terry Brisack est un bluesman français qui milite également au sein des Honkytonkers, formation dont le country/blues trempe dans le ‘deep south’. Après avoir publié plusieurs albums solos, le bluesman français Terry Brisack revient cette fois accompagné d’un nouveau band pour une collection de morceaux surannés, piochant dans les répertoires du rock fifties et sixties, du folk et même du surf. Il chante ces compos d’une voix chaude et brisée (parfois un peu trop, comme sur le pénible « Midnight on the Cliffs »…) Si l’originalité n’est pas le fort de ce musicien, ses morceaux revisitent souvent l’histoire du rock. Sur « Brighton 1932 », les compos sont régulièrement balisées par un piano inspiré (« Victorian Memories ») et des interventions de guitare rappelant Urge Overkill (« Season of Rage »). Et il ose même des envolées lyriques à la Matthew Bellamy, sur « Hiroshima »…
Aerdi est une formation italienne pratiquement inconnue hors de ses frontières. Pourtant, vu son potentiel, sa notoriété devrait rapidement les dépasser. « Ha Ta Ka Pa » constitue son deuxième album. Un disque dont les deux premiers titres sont sculptés dans le noise-punk. S’ouvrant sur des pecus tribales et des sonorités de guitares orientales, « Idea » s’achève sous le climat des Tropiques. Faut dire que la formation passe d’un style à l’autre avec une facilité déconcertante. « Rabbit on the Road » met en exergue les capacités vocales de la chanteuse. Sa voix haut-perchée me rappelle quelque part Satomi de Deerhoof. Elle est d’ailleurs aussi bien apte à se lancer dans des envolées lyriques que de pousser des hurlements à s’en briser les cordes vocales. De toute bonne facture, cet opus déborde d’énergie ; cependant, les mélodies sont particulièrement bien huilées. Mention particulière à « Omasz » et « The Sound of death », caractérisés par crescendos tout simplement étourdissants.
Une véritable découverte pour ce début 2013…
A en croire la bio du groupe, voire une certaine presse, The Twang n’est pas un soldat inconnu sur ses terres anglo-saxonnes.
Si musicalement, le groupe de Birmingham provoque effectivement quelques étincelles, leur notoriété a tout de même du mal à traverser la Manche, malgré la sortie de ce troisième album.
Ciselé dans leurs propres installations, « 10:20 » (titre hérité d’un message d’exaspération du voisinage pendant l’enregistrement, voir pochette) se caractérise par une production léchée et un soin particulier porté au son analogique, ce qui le démarque des deux premières productions du groupe.
Les chansons parlent avec fougue de la vie à deux (NDR : les lyrics sont parfois poignants, à l’instar du single « Guapa »), mais l’enthousiasme manifesté par le groupe pour interpréter les compos semble en décalage permanent avec les thèmes abordés.
Exemple frappant, la reprise du « Tomorrow » de Durutti Column, dont l’émotion originale semble violée par une maladroite envie de trop en faire.
Reste une gouaille accrocheuse, un accent attachant, quelques mélodies bien ficelées et un souci d’indépendance louable qui transforment ce disque un objet sympathique mais pas essentiel.
Paru en cd et dvd, « Home Plebis Ultimae Tour » a été enregistré le 9 décembre 2011, au Zénith de Nantes, lors de la tournée qui a suivi la sortie de l’album « Suppléments de mensonge ». 24 titres puisés dans toute la discographie de Thiefaine, dont 9 plages issues de son dernier elpee solo, « Suppléments de mensonge », figurent au menu. Le Dvd inclut un bonus track, « Ad orgasmum aetenum », une compo immortalisée aux Eurockéennes de Belfort, le 29 juin 2012.
Votre serviteur s’est surtout penché sur le Dvd. Il est d’une qualité sonore exceptionnelle. Très bien filmé, il rend parfaitement la communion qui s’établit entre le public et l’artiste. Bouleversant dans ses chansons les plus mélancoliques, il bénéficie cependant, et pour la circonstance, d’un groupe fondamentalement rock, pour le soutenir. Et le morceau d’entrée, « Annihilation », titre de plus de 10 minutes, donne immédiatement le ton : le set sera très électrique. Posés sur des échelles, les jeux de lumières sont judicieusement dosés. A contrario du cd, qui peut parfois paraître un peu tiré en longueur, le visuel accroche tout au long des plus de 120 minutes de concert, au cours duquel il a bien sûr interprété les inévitables « Lorelei sebasto cha », « Soleil cherche futur », une version plus pêchue de « La ruelle des morts », « Alligator 427 », et en rappel l’incontournable « La fille du coupeur de joints ». Moment d’émotion intense quand son fils Lucas le rejoint pour l’accompagner à la sèche pour « Mathématiques souterraines » et lors du rappel lorsqu’Hubert-Félix attaque, en fin de parcours, « Les filles du Sud », seul à la gratte acoustique, avant d’être rejoint par ses musicos.
Dédié à la mémoire de feu son père journaliste, Jean Thiefaine, « Home Plebis Ultimae Tour » confirme vraiment qu’Hubert-Felix, poète contemporain, méritait (enfin !) le titre du meilleur interprète masculin de l’année 2012, aux Victoires de la Musique.
En Belgique, la scène métal est d’une richesse qui n’a rien à envier au reste de l’Europe, voire du globe. Ces groupes y sont connus et suivis depuis des années. Length Of Time, Do Or Die, Arkangel, Surge Of Fury, les prometteurs Spitdown, Dawnbreath, Closure ou les incontournables Channel Zero sont aussi talentueux que les ténors mondiaux du genre, même s’ils n’ont pas leur notoriété internationale. D’ailleurs, dès qu’on passe la frontière, ils sont en général inconnus au bataillon. Certes, la règle connaît quelques exceptions ; notamment Leng Tche, Aborted ou l’immense Dirk Verbeuren, batteur (entre autres) de Soilwork. Difficile d’expliquer cette situation, mais Spoil Engine semble disposer de toutes les armes pour devenir un fier représentant du metal noir-jaune-rouge. A commencer par la qualité de la musique qu’il pratique : un thrash moderne, hybride, intelligent et sans concession. On pourrait d’ailleurs facilement le comparer à Soilwork, et c’est vrai qu’il partage avec les Suédois le don des lignes de chant clair inspirées et bien placées. En outre, la production remplit en tous points le cahier des charges de la scène de Göteborg. Mais « The Art Of Imperfection » va au-delà de ces considérations. Le chant hargneux lorgne méchamment du côté hardcore de la force (« Thalidomide »). On pense parfois à Danny de Deviate (« Nerve Cell », « Castles ») voire à Agnostic Front. Les lignes de chant clair sont variées, inspirées, naturelles, et ne tombent jamais dans la facilité du refrain fédérateur. La construction progressive et complexe des morceaux évoque parfois les géniaux Anglais de Sylosis. Au final, le groupe ne cède à aucune mode, ne singe personne, possède un son propre, et contredit avec plaisir le titre de son album, auquel il est difficile d’émettre le moindre reproche...
Chelsea Light Moving c’est le nouveau groupe fondé par Thurston Moore, l’ex-leader de Sonic Youth. Et manifestement, après avoir écouté cet album, on pense immédiatement à… Sonic Youth. Evidemment, c’est quand même lui qui a forgé le son du défunt groupe mythique, alors qu’est-ce qui l’empêcherait de poursuivre son développement. En outre, il faut reconnaître que le dernier elpee solo de Lee Ranaldo ne casse pas des briques. Quant à Kim Gordon, elle est retournée faire du noise avant-gardiste dans une cave, au détriment de nos oreilles…
Moore avait déjà tenté quelques aventures en solitaire. « Trees outside the academy » et « Demolishes thoughts » ne manquaient pas d’allure. Aussi ce n’est pas trop grave s’il laisse les boutons de distorsion de ses guitares faire des heures supplémentaires. Et si le résultat doit ressembler à du Sonic Youth, pourquoi pas, puisque dans le style, il n’a aucun rival…
Sur cet opus, la gratte de Moore emprunte parfois des riffs particulièrement puissants, des riffs dignes du stoner de Karma to Burn (« Sleeping were I fall », « Alighted »). Plus punk, « Lip » marche un peu à contre-courant. Et il semble que Mike Watt et son Minutemen se sont joints à la partie. Le reste du long playing recèle tous les meilleurs ingrédients made in Sonic Youth. Les sonorités grincent, déchirent, troublent et instinctivement retrouvent leur fil mélodique, même si ce fil est tellement fragile…
Le disque s’achève par « Communist Eyes » une petite bombe corrosive, caustique, un morceau plutôt court de lo-fi punk qui reflète les pulsions juvéniles du rebelle Thurston Moore.
Chelsea Light Moving lui permet en tout cas de souffler sur les braises de son univers post Sonic Youth…
Prince africain, John the Conqueror aurait été vendu comme esclave. Il est ainsi entré dans la légende afro-américaine. On l’associe à John the Conqueroo dont les pouvoirs magiques sont associés à la tradition hoodoo ; en fait, il s’agit de racines de plantes (ipomoea jalapa) aux vertus psychédéliques. Ce thème revient régulièrement dans les lyrics des bluesmen. John the Conqueror est également le patronyme choisi par deux cousins originaires de Jackson (NDR : c’est dans le Mississippi), Pierre Moore et Mike Gardner, pour leur formation. A l’origine, le band se limitait à un duo, Pierre aux guitares (NDR : c’est également le producteur et le principal compositeur) et Mike à la batterie. Ce n’est que bien plus tard que la paire va engager un bassiste, issu de Philadelphie, Ryan Lynn. Leur style ? Un cocktail de southern rock qui a bercé leur enfance, du punk qui a marqué leur adolescence, mais aussi de blues et de soul. Ils mettent en boîte deux EPs. De quoi attirer l’attention de Patrick Boiselle, le responsable d'Alive Natural Sound. Ce qui leur permet de graver leur premier long playing officiel.
"I just wanna" s’ouvre comme une work song. Des voix a capella sont soutenue par quelques percussions avant qu'une guitare largement amplifiée n’opère son entrée. Nous sommes alors plongés au sein d’un blues rock d'excellente facture, au cours duquel les percussions de Mike Gardner libèrent toute leur intensité, pendant que les conquérants chantent en chœur. Puissante, "Southern boy" est une plage caractérisée par des sonorités très électriques et des percussions tribales. Entraînants, les vocaux de Pierre dominent cependant le sujet. Imprimé sur un tempo lent, "Lucille" est une ballade découpée par une rythmique quasi reggae. La voix se détache nettement de l’ensemble, malgré le riff implacable. Blues rock classique, "All alone" évoque l'ancienne école anglaise, et tout particulièrement le Free de Paul Rodgers, même si Conqueror prépare le tout à sa propre sauce. Ballade soul, "Time to go" révèle des accents Stax. Un morceau dépouillé à l'extrême. La voix de Pierre est naturelle, limpide et empreinte d’une grande sensibilité. Mais soudainement, le rythme change et adopte le profil d’un rock/soul à la Faces. De bonne structure, "Say what you want" et "Come home with me" constituent des rockin' blues qui font mouche. Particulièrement originale, "Letter of intervention" est une compo sculptée dans le rock ou plus exactement le southern rock austère, presqu’écrasant. Un poids répercuté, en bonne mesure, sur "Passing time".
Totalement ignoré par la presse internationale, « Featherbrain », quatrième long-playing de la musicienne norvégienne, appartient certainement aux curiosités cachées de l’année 2012 et peut même être signalé comme l’un des albums pop-rock les plus surprenants de cet exercice.
Perdue dans un tourbillon musical scandinave qui ne cesse de produire de plus en plus d’artistes, Hanne Hukkleberg se distingue pourtant comme l’une des figures de proue de cette nouvelle génération de musiciens issu du Nord, depuis la sortie de son premier Ep en 2003 (« Cast Anchor ») et rapidement confirmé par un étonnant premier album en 2004 (« Little Things »).
En publiant cette cinquième réalisation, la chanteuse-compositrice norvégienne s’élève, cependant, au sommet de son art. Un douze titres sur lequel chaque microsillon s’enchevêtre parfaitement pour filer une toile d’une densité exceptionnelle de texture. Un ensemble riche, luxurieux, construit de mélopées mélancoliques et potentiellement infinies qui dérangent les tympans.
On pourrait se laisser glisser sur la pente de la facilité, succomber à la tentation des comparaisons convenues et raccrocher les compos de la jeune diplômée du conservatoire d’Oslo aux wagons Stina Nordenstan, Björk, Emiliana Torrini ou encore Soap&Skin. Pourtant, le monde de Hanne est bien incontestablement singulier et nous réjouit de solides compositions aux structures audacieuses. Une instrumentation dérangeante aux sons coupés, déchirés, qui parvient à tisser une atmosphère souvent inquiétante et imprévisible. Tout au long de ce disque, abondent, fourmillent, se télescopent, l'imagination, l’excentricité, la subtilité, l'audace et la délicatesse ; la noirceur et la vitalité, la retenue et l'exubérance.
Typiquement nordique dans ses ambiances, singulièrement expérimental, se jouant des styles et des conventions, chaque titre est unique. Les tonalités sont continuellement modifiées et il serait inutile de chercher deux chansons au même niveau d'intensité. Un quatrième essai sorti de l’imagination créative de l’artisane norvégienne qui se distingue par ses structures ingénieusement bricolées sur lesquelles elle n’hésite pas à user et d’abuser de sonorités incongrues : bruits de chandeliers, sonnettes de bicyclettes et autres ronronnements de chat...
« My Devils » sombre d’ailleurs rapidement dans des mélodies étranges, des airs entre insouciance et sérénité, nous rappelant sans cesse et sans concession, aux profondeurs de son identité nordique. Un morceau au chant parfumé de la robotique de Karin Andersson Dreijer (The Knife) et de la tessiture décontractée de Phil Elverum (The Microphones). Quant à « The Bigger Me », morceau qui aurait très bien pu être enregistré dans une cuisine, il s’agite d’un dépouillement bricolé et fait écho à des percussions de bocaux, de casseroles et à des sifflements de bouilloire. « Erik », piste de clôture, brille encore d’excentricité et contraste complètement avec le reste de l’album. Un titre qui nous offre un insolite et improbable duo chanté en norvégien par Hanne Hukkelberg et Erik Vister, illustre inconnu de 88 ans, et accompagné de quelques notes intemporelles sorties d’un vieux piano désaccordé. Un duo intergénérationnel surprenant.
Hanne Hukkelberg, une artiste qui n’a pas fini de nous étonner.
Réunion disparate de titres pour la plupart collectés sur leur propre site en offrande à leurs fans, cet opus des Londoniens suit le très jouissif « Judy Sucks A Lemon For Breakfast », paru en 2009.
Intervalle où le groupe s’est donc essayé avec plus ou moins de succès à différentes sauces, Talvin Singh son leader-chanteur ne prêtant sa voix qu’à de brèves occasions.
Collaborations multiples et éternelle insouciance face au fric business transforment donc ce recueil en un énième coup de pied (de leur part) aux us et coutumes d’un milieu se prenant trop souvent au sérieux.
Rois incontestés de l’Hindie Pop, Cornershop tâte donc aussi bien des tablas que du Disco Funk Baba Kool & The Gang avec panache et désinvolture.
Les titres soulignent la fantaisie Pythonesque de ce groupe hors norme (« Beacon Radio » par exemple) où les invités apportent cette petite pincée de sel qui fait prendre le curry (« Soko ») ou le rendent indigeste de second degré (Céleste sur l’improbable « Non Stop Radio »).
La démarche est louable, le résultat parfois laisse à désirer, mais l’esprit iconoclaste reste le maître mot de ces Paki du coin qui font la nique aux supermarchés.
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