Willie McBlind n'est pas le nom d'un artiste mais bien le patronyme d’un blues band, un quartet qui réunit la chanteuse Meredith ‘Babe’ Borden, le guitariste Jon Catler, le bassiste Mat Fieldes et le drummer Lorne Watson. Ces musiciens souhaitent faire revivre les légendes du Delta blues primaire ; celui de Charley Patton, Blind Willie Johnson ou encore Fred McDowell, tout en adoptant leurs propres arrangements. Et le résultat est plutôt original. Ces New-Yorkais puisent des tonalités intermédiaires dans la gamme musicale classique pour dispenser ce qu'ils appellent du ‘blues harmonique’. Le spécialiste de ces expérimentations ? Le gratteur Catler. Il n’hésite ainsi pas à se servir des techniques à 64 tonalités ou plus modestement à 12 tonalités. En outre, la voix de Babe relève facilement le défi, puisqu'elle s'étend sur trois octaves!
La formation comptait déjà deux opus à son actif, "Find my way back home" publié en 2007 et "Bad thing", en 2009. Pour enregistrer ce troisième essai, elle a choisi un thème : le train. Un elpee qui recèle neuf compositions personnelles et une seule reprise.
Le chef de gare annonce l’arrivée du convoi. "Sittin' in the train station" est imprimé sur un rythme vif. La voix de Babe est secondée par celle de Catler. La guitare nous interpelle. Le son est singulier, légèrement déjanté mais entièrement sous contrôle. "Living long day" embraie sur un mid tempo. Les deux voix dominent à nouveau le sujet ; mais dès qu’elles libèrent un espace, les cordes se mettent à cracher le feu! "Anywhere" est une excellente composition. La combinaison des vocaux me rappellent les prémices du Jefferson Airplane ; en outre les cordes affichent une créativité acide digne de Jorma Kaukonen. Blues presque classiques, "Slow moving train" et "One thing" se distinguent par la performance vocale de Babe qui couvre les fameux trois octaves. "Mighty long time" nous entraîne dans un voyage psychédélique, un blues qui circule à une cadence hypnotique. "Down the road" est un country blues classique. Une seule cover, la lecture toute personnelle du "Love in vain" de Robert Johnson. Boogie (NDR : of course !), "Boogie train" conjugue impeccablement cordes électriques et acoustiques ; et lorsqu’elles se mettent à délirer, on est totalement conquis. "The train that never came" clôt le long playing est une compo de 13’ qui s’ouvre sous une forme surannée, avant de glisser vers un très long interlude consacré à la musique contemporaine. De quoi étonner, mais aussi peut-être décourager le mélomane lambda.
Cet album dépasse largement le cadre du blues. Primitif, il est ouvert à des tas de styles différents, comme le rock, le jazz (Coltrane ?), le psychédélisme et la musique indienne. Une œuvre complexe, étonnante, à écouter et à réécouter, mais bien sûr aussi, un groupe à suivre…
Réunissant Emam Ruth Rundle, Clifford et Greg Burns de Red Sparowes, ce mariage embrasse le feu et la glace dans une étreinte somptueuse.
Annonçant la couleur sombre d’un album prochain, ces six titres augurent l’excellence à venir.
La puissance et la subtilité, la rage et la quiétude se rejoignent ici pour le meilleur, ignorant qu’il puisse exister un pire.
Depuis l’ouverture angoissante de « Ride In My Place » à la respiration claustrophobe d’un « Part The Dark Again », les sonorités s’écorchent sur les lames tranchantes d’un Rock Emo(tionnel).
On retrouve bien sûr le noir ramage de Red Sparowes ; cependant, il ne s’agit pas ici d’une simple variante, mais bien d’une extrapolation du groupe de L.A.
Sensuel, sombre et intriguant, cet Ep a été enregistré sous la houlette de Toshi Kasai (croisé un temps du côté des Melvins et… de Red Sparowes) ; et il a fiel allure.
Labasheeda est une formation amstellodamoise qui compte déjà 8 années de carrière. Elle puise cependant ses racines dans les nineties, et en particulier chez Sonic Youth. Pas étonnant, puisqu’elle raffole des épopées bruitistes à la Sonic Youth. Et c’est manifeste dès le morceau qui ouvre l’opus, « Castfat Shadows » ou encore tout au long de l’excellent « 14 », titre sur lequel la chanteuse Saskia van der Giessen s’en donne à cœur joie, un peu à la manière de Karen O des Yeah Yeah Yeahs ! Mais la demoiselle possède plus d’un atout dans son jeu. Non seulement elle possède et maîtrise une voix puissante, mais se révèle une excellente violoniste. Elle le démontre ainsi sur « Double Exposure ». Si Labasheeda excelle dans son aptitude à faire sonner ses guitares dans un pur registre noisy, il ne parvient pas à fixer des mélodies inoubliables. Ce qui explique sans doute pourquoi il éprouve toutes les peines pour sortir de l’anonymat…
A l’An Vert de Liège le 29 septembre 2012.
John Hiatt figure parmi les meilleurs auteur-compositeurs, dans l’univers du roots, aux States. Il est aujourd’hui âgé de 62 balais. Il passe toute son enfance à Indianapolis ; mais après avoir terminé ses études, il part s'installer à Nashville où il opte pour une carrière d’auteur musical professionnel. Ce qui ne l’empêche pas de se produire sur scène, seul ou flanqué de son groupe, White Duck.
Il publie son premier elpee, "Hangin' around the observatory", en 1974, chez Epic. Découpé en trois disques, ce recueil nous en réserve deux plages, dont "Sure as I'm sittin' here" que Three Dog Night traduira en hit.
En 1978, il émigre à Los Angeles. Il y est signé par MCA, pour lequel il grave "Slug line". De cet opus paru en 1979, "Sharon's got a drugstore" en est extrait.
L'année suivante, il sort "Two bit monsters", dont a été sélectionné "It hasn't happened yet", que chante Hiatt d’une voix chargée de passion.
En 82, il passe chez Geffen. Il leur consacre alors trois long playings, dont "Riding with the King". Le titre maître sera repris bien plus tard par BB King, une version qui avait alors bénéficié du concours d’Eric Clapton. Sur l’originale, John avait reçu celui de spécialistes du pub rock anglais ; en l’occurrence, Nick Lowe, Paul Carrack et Martin Belmont. Ils participent également à "The love that harms", une compo pop empreinte de délicatesse. Cet elpee se réserve une belle part du gâteau, puisque six plages ont été retenues.
Commis en 1985, "Warming up to the Ice age" jouit d’une excellente production. Sur cette anthologie, y figurent le très électrique "The usual", un morceau couvert d’accents blues rock, caractérisé par le recours à un riff largement amplifié et le renfort d’une section de cuivres imposante ; mais aussi la cover du "Living a little, laughing a little" des Spinners, une bien jolie ballade à laquelle Elvis Costello participe aux chœurs.
John rejoint A&M en 1987. C'est le déclic. "Bring the family" est l’œuvre de la reconnaissance. Sept pistes ont d’ailleurs été retenues pour ce box. Quatre figurent sur le premier cd et trois ouvrent le deuxième. Pour la première fois un album de Hiatt entre au Billboard américain!
Pour concocter ce disque, il s’est entouré de musicos de gros calibre. Soit Ry Cooder, Jim Keltner et Nick Lowe. Les compositions sont très soignées. A l’instar de "Memphis in the Meantime", un bouleversant "Lipstick sunset", transpercé par la slide gémissante de Cooder, "Have a little faith on me" balisé par John au piano et "Thank you girl" dynamisé par un riff très ‘rollingstonien’.
L’année suivante paraît "Slow turning". Le climat y est totalement différent. Parmi les guests, on identifie la présence du notoire Sonny Landrreth aux guitares et James Hooker à l'orgue. Difficile de passer à côté de "Georgia Rae". C’est d’ailleurs le sommet de cette compile. Un morceau au cours duquel l’attaque vocale est redoutable, l’orgue Hammond savoureux et la national steel de Sonny, souveraine. Et elle est encore à l’affût tout au long de "Tennessee Plates". Enfin, John chante le brûlant "Already loved", d’un timbre chargé de passion et de sincérité.
L’artiste commet "Stolen moments", en 1990. Le titre maître lorgne manifestement vers les Stones. La même année, il publie un single. Un rockabilly intitulé "Already loved".
En 1992, il bénéficie à nouveau de la participation de Cooder, Keltner et Lowe. En résulte « Little Village », un long playing qui ne récolte que peu de succès. L'expérience n'aura plus de lendemain.
L’année suivante, c’est l’enchantement lors de la sortie de "Perfectly good guitar". Les compos sont superbes et en particulier le morceau qui donne le titre à l’œuvre, une piste très électrique, fustigée par des cordes de guitare saturées…
Hiatt grave son premier elpee live en 1994 : "Hiatt comes Alive at Budokan". Trois fragments ont été retenus pour figurer sur le troisième compact disc : "Icy blue heart", "Angel eyes" et "You dad did".
Il publie "Walk on" chez Capitol, en 1995 ; ce qui lui permet de décrocher une première nomination aux Grammy Awards.
De "Little head" paru en 98, "Graduated" en a été retenu.
Cette collection recèle encore trois plages acoustiques extraites de ‘2 Meter Sessies’. Elles remontent à 1995. Et sont inédites. De quoi rendre justice à l'artiste.
Cette anthologie n’entre pas au XXIème siècle. Pourtant, l’artiste continue de se produire en ‘live’ et d’enregistrer. Depuis le début de ce siècle, il a signé de nouveaux albums chez Vanguard et New West. Son tout dernier, "Mystic pinball", vient de paraître. Et il est excellent !
Pas facile pour un artiste italien au physique d’Apollon de se s’offrir une certaine crédibilité dans le milieu folk ; surtout lorsqu’il enfonce le clou et se met en scène tel Eros Ramazotti sur la photo qui illustre son album… Mais, dès l’inaugural « All I Know », on est prêt à oublier cette faute de goût pour élever Fabrizio Cammarata au rang du Suédois Jens Kristian Mattsson (The Tallest Man on Earth) voire du Gantois Bram Vanparys (The Bony King of Nowhere). Sa voix est douce et nasillarde, dans un registre proche de Bob Dylan. Flanqué de son groupe, The Second Grace, le songwriter a, en outre, le bon goût de varier les ambiances. De son second opus, on épinglera le plus électrique « Alone & Alive », une plage fouettée de rythmes caribéens, « Misery », dont les interventions à la slide peuvent rappeler celles d’un Ryan Adams, ainsi que le très réussi « Myriam », morceau au cours duquel guitares et le violoncelle font bon ménage.
On comprend mieux pourquoi Fabrizio Cammarata a tourné en compagnie d’Iron & Wine, mais également de Devandra Banhart… « Rooms » est la preuve vivante que les clichés ont la vie dure. Ce Sicilien (Palerme) pourrait bien placer son île sur celle du folk européen. Car manifestement, il n’a plus de frontières…
En concert le 7 octobre 2012 au DD12 de Moerbeke-Waas.
Il y a déjà dix-huit ans que Danny Griffiths et Darius Keeler ont fondé le collectif Archive. Collectif, le mot prend toute son importance aux yeux des deux compères car Archive est un groupe à géométrie variable, articulé autour de ses pères fondateurs. Ses musiciens et chanteurs vont et viennent, même si le noyau dur du groupe et ses trois chanteurs principaux ne se quittent plus depuis 2006, c’est-à-dire depuis la confection du fabuleux « Lights ».
« With us until you’re dead » constitue déjà leur neuvième album studio. Ce nouvel opus continue d’explorer les atmosphères sombres et profondes qui ont fait la richesse de ses précédents essais. On retrouve ici un mélange des différentes influences qui ont marqué Archive tout au long de sa discographie. Et en particulier ce son trip-hop des débuts. Il recèle à la fois leur côté rock du début des années 2000 mais aussi la touche symphonique rencontrée sur « Lights ». Par contre, on n’y retrouve plus le rap de Rosko John qui, après un retour au sein de la formation sur « Controlling Crowds », disparait à nouveau du line-up.
La grande nouveauté de ce disque procède de l’arrivée d’une nouvelle chanteuse aux côtés des trois voix habituelles ; et la jeune Australienne Holly Martin est une belle découverte. Une voix de caractère, qui colle parfaitement au style du groupe et se marie parfaitement à celles de Dave Pen, Pollard Berrier et Maria Q pour aboutir à un ensemble étonnamment cohérent.
« With Us Until You’re Dead » s’écoute comme une histoire d’amour, avec ses hauts, ses bas, ses ruptures, ses coups de cœur. Probablement l’elpee le plus noir jamais enregistré par Archive. Les longs morceaux ne sont plus de la partie, les Londoniens vont droit au but en nous réservant quelques titres d’une efficacité remarquable comme le single « Violently » (pour lequel Holly Martin prête sa voix et dont le clip a été réalisé par Brian Cannon), « Hatchet » ou encore « Twisting » dont les envolées pourraient sortir tout droit d’un album de Portishead.
Cet opus, comme bon nombre d’albums d’Archive, est difficile à classer tant les courants s’y croisent avec bonheur : électro, trip-hop, rock, pop, symphonique… tout y est.
Mais c’est sur scène qu’Archive prend toute sa dimension, la machine est diablement bien huilée. A voir absolument à Forest National ce 13 novembre 2012.
Vision of Trees est un duo mixte réunissant la vocaliste Sara Atalar et le compositeur/électronicien Joni Juden. Après avoir publié un Ep en 2009, intitulé « Sometime it kills », le groupe est-londonien propose aujourd’hui son premier elpee, un disque découpé en 10 pistes.
Le sens mélodique est soigné. Les compos font mouche et Juden impressionne de maîtrise. Surtout quand on sait qu’il s’agit d’un premier long playing. Il parvient ainsi à baliser les effets électro sur une ligne de basse puissante mais jamais écrasante. Du très bon travail. On est ici bien loin du style minimaliste proposé par les artistes issus de la scène contemporaine. Et vu le résultat obtenu, on ne s’en plaindra pas.
Tout au long de cet opus éponyme, la voix de Sara est omniprésente. Une très belle voix qui sert en quelque sorte de cerise sur le gâteau sonore. On comprend mieux pourquoi Juden s’était mis, en 2009, à la recherche d’une voix féminine. Manifestement, c’est ce qui manquait à sa musique.
Une musique hantée par les spectres de Garbage, de Faithless voire de Crystal Castle. Au fil des plages, l’énergie cède le relais à la quiétude. Mais sans jamais perdre ce feeling accrocheur qui fait la différence.
De ce long playing, j’épinglerai « Turn 2U », un ‘single’ potentiel, mais surtout deux morceaux qui m’ont vraiment fait flasher. Tout d’abord « With You », piste au cours de laquelle Sara donne toute la mesure de son talent au chant et puis surtout « Glass Rain », la pépite de cet LP.
Un petit bémol, cependant, l’une ou l’autre compo part encore dans tous les sens. Et en particulier « Ocean Floor », un peu trop brouillon pour convaincre. Comme si le duo n’était pas parvenu à la dompter. Enfin, il manque peut-être sur ce cd, un titre explosif, nourri à l’électro survitaminée et au cours duquel la chanteuse se serait totalement libérée
M’enfin, pour un coup d’essai, on ne peut pas tout demander. D’autant que dans l’ensemble cet album est un délice. D’ailleurs si Visions of Trees continue sur sa lancée, on risque fort d’entendre parler d’eux d’ici peu. Et en bien !
Que le temps passe vite. Il y a déjà 4 ans que Chan a publié « Juke box », un album de reprises. Et son véritable dernier opus studio, « The greatest » remonte déjà à 2006 ! Après avoir proposé une musique minimaliste, fruit de la rencontre entre folk, country, blues et rock, Chan Marshall, aka Cat Power, s’est orientée vers la pop et la soul. Enregistré à Memphis, « The greatest » avait ainsi été enregistré à Memphis et bénéficié de la participation de vétérans impliqués dans les backing groups d’Al Green et de Booker T.
Découpé en 11 plages, le nouvel elpee baigne dans une pop rafraîchissante, visionnaire, chaleureuse, agréable et pleine de tendresse. Il y a un zeste d’électronique. Des rythmes stimulants. Et puis quel bonheur de retrouver la voix mélancolique, légèrement rauque de Chan. Parfois un peu trafiquée. Pas nécessairement une bonne idée. Un disque sur lequel figure le presque dansant « Ruin », paru en single, et puis une longue plage intitulée « Nothing but time », qui rend hommage à Bowie, pour laquelle elle a reçu le concours d’Iggy Pop. Un retour surprenant !
Impliqué malgré lui dans le mouvement no wave, bruitiste avant l’heure, ce groupe avant-gardiste new-yorkais vient de concocter son deuxième essai, depuis leur reformation en 2009. Et quel album ! Toujours sous la houlette de leur gourou Michael Gira, « The seer » fait suite à « My father will guide me up a rope to the sky ». Une œuvre qui s’étale sur 2 bonnes heures, proposant des morceaux de 10 à 30 minutes. Fatale, extrême, languissante, hypnotique, viscérale, incantatoire, tantôt sauvage, tantôt paisible, la musique baigne au sein d’un univers apocalyptique à la beauté intense. D’ailleurs on ne sort pas indemne après avoir écouté « The seer ». « Mother of the world », « Avatar » mais surtout le titre maître, « A piece of the sky » et « The apostate » en sont les plus beaux exemples. Ecrasants, les rythmes s’élèvent en crescendo. Ils menacent, frappent et virent, in fine, à la folie sinistre. Un dénominateur commun aux compos de cet elpee, le baryton aigre-doux, fatigué, gémissant, profond, de Gira.
Celui-ci a déclaré que ce double elpee œuvre constituait le point culminant de 30 années de carrière. J’ajouterai, plus que probablement sa synthèse. Dans la discographie de Swans, « Filth », « Greed », « Children of God », « The burning world », « White light from the mouth of infinity » et « Love of live » constituent des oeuvres incontournables. Pourtant, en 1997, le band se sépare et Gira se concentre sur différents projets, dont Angels of Light, davantage orienté vers le concept du ‘drone’. Il faudra attendre 2010, pour que Gira remonte ses Cygnes. Il cherchait son second souffle. Et le trouve immédiatement sur le vaporeux « My Father Will Guide Me up a Rope to the Sky ». « The seer » en est donc la suite. Et première constatation, il épingle quelques collaborations. La plus surprenante ? Celle de Jarboe, son ex-compagne, sur « A piece of a sky ». Encore que celles du couple Sparhawk/Parker (Low) pour « Lunacy » ou de Karen O des Yeah Yeah Yeahs a également de quoi déconcerter. Ils sont d’ailleurs une trentaine à avoir participé aux sessions de ce qui risque plus que probablement de devenir le chef d’œuvre de Swans…
« Sweet Nostalgia » constitue le second album d’Oh My Darling, un quatuor féminin particulièrement branché sur les musiques ancestrales. Et en particulier la country, le bluegrass, le folk appalachien, mais également francophone. Les 10 titres de cet elpee ont été enregistrés dans des conditions live (NDR : où les filles excellent, paraît-il !), en quelques jours, à Manitoba, sous la houlette du producteur Steve Dawson (à qui on doit la bande son du film Juno). Vanessa Kuzina, Rosalyn Dennett, Allison de Groot et Marie-Josée Dandeneau se réservent respectivement la guitare, le violon, le banjo et la contrebasse. Les deux premières citées, les vocaux. Les vignettes old-school du groupe canadien sont alternativement interprétées dans la langue de Molière ou de Shakespeare. Oscillant entre ballade folk ténébreuse, (« Anna K »), bluegrass (« Don’t Come Around Here ») et blues (« Roustabout »), l’opus recèle des compositions originales, mais aussi des standards de morceaux traditionnels. Une constante, la qualité des arrangements et des harmonies. Quoique résolument calées dans le passé, la musique d’Oh Darling exhale un parfum vintage plein de saveur et de douceur…
Marillion est un groupe de néo-prog britannique. C’est également le fer de lance du renouveau du ‘rock progressif’. Fondé en 1978, il avait alors choisi pour patronyme ‘Silmarillion’, un terme emprunté à un roman de J.R.R. Tolkien, l'auteur du "Seigneur des Anneaux". Devenue célèbre dans les années 80 grâce, notamment, à des hits tels que "Kayleigh" ou "Incommunicado", la formation s'est séparée de son chanteur, l'immense Fish, qui ne supportait plus le rythme incessant des tournées ainsi que le diktat de la compagnie de disque EMI. Fish est alors remplacé par le chanteur des Europeans, Steve Hogarth. Le groupe connaîtra ensuite des fortunes diverses, fondera son propre label et sera un des premiers groupes à développer un lien très étroit avec ses fans via internet, sans l'aide des majors et des médias. Aujourd'hui, le groupe a enregistré 17 albums, qui se sont vendus au total à plus de 15 millions d'exemplaires et a joué devant plus de 3 millions de personnes.
Le double CD "Best.Live" constitue une véritable anthologie des prestations scéniques du combo, accordées entre 2003 et 2011. Y figurent trois extraits de "Clutching At Straws" (1987), de la période ‘Fish’. Paradoxal, mais plus de 20 ans après, ce sont encore les morceaux qui recueillent le plus de succès sur les planches. Il est vrai que Fish n'avait pas son pareil pour composer des mélodies accrocheuses et surtout des paroles à la fois poétiques et symboliques, pleine de puissance et de fureur. Steve Hogarth, c'est un tout autre style, plus dans la retenue, dans l'émotion pure, voire le déchirement. Mais attention, car ce chant plus intimiste monte très souvent en crescendo avant d’exploser dans un cri. Grâce à lui, Marillion a pu explorer de nouveaux territoires musicaux, plus proches du rock 'indie' ou de la pop intelligente.
La plupart des chansons sont tirées des albums "Afraid Of Sunlight" (1995) et "Marbles" (2004). "Neverland", "This Strange Engines" et "The Invisible Man" sont de purs chefs-d'œuvre, qui se développent sur plus de 10 minutes et culminent en d'impressionnantes incantations de Steve Hogarth, soutenues par les solos de guitare très ‘Gilmouresques’ de Steve Rothery. Par ailleurs, nombre de compositions, telles que "Beautiful", "The Release" ou "King" font beaucoup plus penser à Radiohead, Razorlight ou Waterboys qu'à Genesis, Porcupine Tree et la mouvance ‘neo-prog’. On le constate, tout au long de "Best.Live", c'est principalement sur scène que Marillion prend sa pleine dimension, en créant une véritable communion avec ses fans. En résumé, ce double CD est une excellente introduction à la deuxième partie de la carrière du groupe et cerise sur le gâteau, il est enrichi d’un joli livret! On attend impatiemment le prochain opus studio de Marillion. Intitulé: "Sounds That Can't Be Made", il verra le jour le 17 septembre prochain. Ah oui, j'oubliais : ne les manquez pas ; ils se produisent au Splendid de Lille, le jeudi 15 novembre prochain!
Left Lane Cruiser est un duo originaire de Fort Wayne dans l'Indiana. Il réunit le chanteur/guitariste Frederic ‘Joe’ Evans et le drummer/percussionniste Brenn ‘Sausage Paw’ Beck. La paire est responsable d’un blues primaire, brut, réminiscent de ce qui se pratiquait dans les collines du Nord Mississippi et dont la figure de proue était le vieux bluesman local, feu R.L Burnside. Pensez au label Fat Possum!
Le tandem mêle roots, blues, country et bluegrass, tout en adoptant une attitude punk garage ; mais de toute évidence, il s’intéresse à la musique issue du plus profond des States. Le duo avait publié un tout premier elpee en 2006, "Getting down on it", un disque paru chez Hillgrass Bluebilly, avant d'être signé par Alive, pour lequel il a gravé "Bring yo ass to the table" en 2008, "All you can eat" en 2009 et enfin "Junkyard speed ball" en 2011. Depuis, la paire a régulièrement collaboré en compagnie de James Leg. De son véritable nom John Wesley Myers, il avait concocté un elpee solo, "Solitary pleasure", sur le même label. En outre, Leg est également chanteur et claviériste au sein d’un autre duo, Black Diamond Heavies. Et pour enregistrer cet opus, le trio a reçu le concours du bassiste des Dirtbombs, Jim Diamond, ainsi que du vétéran noir Harmonica Shah, le célèbre harmoniciste issu de Detroit.
"Painkillers" est un long playing un peu particulier, car il ne réunit que des reprises de stars confirmées du blues et de la rock music! L'ouverture ne nous laisse guère le temps de souffler. Le climat est torride. Furieuse, la slide gémit tout au long du "Sad days lonely nights" de Jr Kimbrough. Les claviers de Leg ont du répondant. Le choc entre Joe et James ressemble à un véritable combat de tranchée. Il est vrai que l’image reproduite sur la pochette était prophétique. Ces pilules, véritables "Tueuses de la douleur" qu'il est conseillé de prendre avec un grand verre de whisky, et dont les effets secondaires peuvent entraîner l'euphorie et un désir incontrôlable de danser le boogie! Hound Dog Taylor était un des plus grands sliders du blues. Sur son "She's gone", le bottleneck de Joe ne tient pas en place. Il est judicieusement talonné par l'harmonica de Shah, le souffleur de Detroit, âgé de 66 ans. Issu du répertoire de Bob Seger, "Come to Poppa" baigne dans une atmosphère relaxante. La guitare semble domptée. Les interventions à l’orgue lorgnent manifestement vers Jon Lord voire Ray Manzarek. Le chant devient féroce sur le "Shake it" de John Lee Hooker, un boogie plutôt sauvage qui accorde de l'espace au vieux Shah! Une solide tranche de punk blues juke joint! Les vocaux sont carrément déjantés et décapants tout au long du "If 6 was 9" de Jimi Hendrix, une plage balisée par un riff de gratte monumental et parcourue d’accès d’orgue plutôt appuyés. Willie Dixon a écrit "Red Rooster", un classique popularisé par Howlin' Wolf. Il fait ici l’objet d’une dissection à vif. Chapeau bas à Harmonica Shah qui parvient à s’imposer dans ce chaos sonore entretenu par la slide. James Leg siège derrière son roadhouse piano pour chanter le "Ramblin' my mind" du légendaire Robert Johnson. Sa voix évoque un Tom Waits qui aurait sifflé trois bouteilles de bourbon! Le "Chevrolet" de Taj Mahal carbure au groove. Et il est infernal. La basse de Jim et les percus de Sausage Paw s’affrontent à visière découverte. Shah revient une dernière fois vider ses poumons en exécutant le "When the levee breaks" de Led Zeppelin. Torturée, cette œuvre s’achève en toute décontraction, par la cover du "Sway" des Rolling Stones.
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