Wu Lyf, initiales de ‘World Unite - Lucifer Youth Foundation’ fait la nique à toutes les convenances et aux genres établis. D’ailleurs, pour enregistrer ce « Go Tell Fire To the Mountain », la ‘fondation de la jeunesse luciferienne’ s’est enfermée… dans une église. Les Mancuniens en sont sortis muni d’un premier LP énorme, aux hymnes que l’on imagine facilement repris par un stade de foot entier. Ellery Roberts, alias Elle Jaie, scande ses versets à qui veut les entendre. Et même si personne ne les entend, il n’en a rien à clairement rien foutre. Chaque syllabe est hurlée comme si son auteur recherchait la moindre once de délivrance que pourrait lui apporter ses interjections. Emmené également par des riffs de guitares séraphiques, le « Go Tell Fire To the Mountain » de Wu Lyf joue la carte de la dualité avec un brio désarmant.
« Heavy Pop », tel est le titre qui clôture la galette mais qui décrit également à merveille les dix morceaux qui la compose. A mi-chemin entre l’enfer et le paradis, les quatre Britons peuvent se targuer sans rougir d’avoir généré le chaînon manquant entre Pop, Indie et Metal. Suffit de jeter une oreille à « We Bros » ou l’énormissime « Spitting Blood » pour se laisser convaincre. Oubliez le sacrifice de chèvre et n’implorez plus l’absolution. Ecouter « Go Tell Fire To The Mountain » de World Unite – Lucifer Youth Foundation est l’acte le plus libérateur et spirituel susceptible d’être réalisé en cette période trouble.
Too Much and The White Nots est un collectif bien belge qui ne connaît pas la crise. Un septuor réunissant, un véritable ‘melting pot’ noir, jaune, rouge ; soit deux Wallons, une Bruxelloise d’origine néerlandophone ainsi que des Bruxellois d’adoption (français, italien). Et le collectif est parvenu à trouver le bon équilibre en n’hésitant pas à faire des compromis, pourvu qu’ils soient source de joie et de bonne humeur.
« Hootenanny » constitue leur tout premier elpee. Leurs influences ? Ils les puisent essentiellement dans le folk des sixties et du début des seventies. Pensez d’abord à Bob Dylan. Pour la face étasunienne. Et Nick Drake. Pour l’insulaire. Des influences que le collectif revendique d’ailleurs. Evidemment, si on se limite à la scène contemporaine, ce serait plutôt du côté de Fleet Foxes qu’il faudrait lorgner. Tout en imaginant un chanteur dont le timbre est aussi nasillard que celui de Devendra Banhart.
Parfois légèrement teintées de blues, les compos de Too Much and The White Nots sont balisées par un violoncelle et des guitares. Une trame sur laquelle vient se greffer une multitude d’instruments, dont un ukulélé, des dununs, du glockenspiel et un xylophone. Bien que le climat soit le plus souvent allègre, une certaine tension est parfois palpable sur certaines plages. Quant aux vocaux, dispensés sous forme de dialogues ou conjugués en harmonie, ils communiquent beaucoup de vivacité aux chansons. Deux regrets cependant, certaines pistes tirent en longueur. Et puis, il y a cette reprise « My Moon, My Man » de Feist, absolument abominable…
Bonne nouvelle quand même, le groupe a bien la tête sur les épaules. Et il est conscient que c’est sur les planches qu’il parvient à donner le meilleur de lui-même. Il lui faudra donc encore bosser pour reproduire sur un support, tout le talent qu’il parvient à afficher en ‘live’…
Quand un ex-punk décide de débrancher son ampli et de renoncer aux distos, pour embrasser un style plus basique, le plus souvent folk, limité en général à la sèche et à la voix, ça passe ou ça casse. Parce que lorsqu’on est seul avec sa guitare acoustique, il n’est plus possible de se cacher derrière le moindre artifice. Seule la qualité de songwriting importe. Parmi les reconversions les plus réussies, on épinglera Elliott Smith et Micah P. Hinson, qui militaient également au sein d’une formation punk avant de se lancer dans une aventure une solitaire. Il y en a d’autres, bien sûr, et l’exemple le plus récent est certainement celui accompli par l’ex-chanteur de Million Dead, Frank Turner.
Malheureusement, il faut reconnaître que Tony Sly n’a pas vraiment fait le bon choix. En outre, son deuxième album risque fort de définitivement éloigner les fans de No Use For A Name. Et pas seulement, parce que l’énergie légendaire dispensée par le groupe culte californien est ici totalement absente. Quant aux quelques étincelles qui parsèment accidentellement l’une ou l’autre plage, elles ne parviennent jamais à allumer la flamme. Simplement parce que les neuf morceaux qui figurent sur « Sad Bear » sont d’une niaiserie indicible. Les lyrics, tout particulièrement. Qu’il interprète, trop souvent d’un ton pathétique (« Discomfort Inn », « Therapy »). Même que si Tony Sly voulait faire pleurer sous les chaumières, il ne parviendrait qu’à provoquer des fous rires. Le pauvre !
Static est une formation allemande drivée par Hanno Leichtmann. Et on peut dire que ce leader la dirige, tambour battant. Son électro, il l’enrichit par une instrumentation basique, à l’instar de l’électro ou du banjo, par exemple.
« Freedom of Noise » ne casse cependant pas la baraque. Les compos du band berlinois sont profilées sur des sonorités bien trop répétitives et imprimées sur un tempo pas assez entraînant. Peu ou pratiquement pas de vocaux. Des arrangements excessifs. Pas de ligne de conduite. Bref, ça part dans tous les sens. "Collage, Holz, Papier 2" rappelle même le bruit de connexions Internet émis par les antiques modems 56k.
Les 10 titres de ce « Freedom of Noise » ne procurent guère de plaisir. Tout n’est pas à jeter, mais manifestement, Static semble quand être passé carrément à côté de son sujet. Et il aura beaucoup de mal à convaincre la critique.
« Our withers unwrung » constitue le troisième album de September Malevolence. Il fait suite à « After this darkness, there’s a next », paru il y a déjà trois ans. Un elpee qui navigue en eaux troubles, quelque part entre indie-rock et post-rock. Et c’est ici que le bât blesse, car le trio suédois ne parvient jamais à garder le cap. Au sein de ses compos relativement pop, la formation incorpore des riffs instrumentaux rappelant parfois Mogwai. L’idée a donc de quoi séduire, mais on a souvent l’impression que le navire dérive. Les mélodies sont trop confuses. Les interludes instrumentaux s’interrompent soit trop tôt, soit trop tard. On reste donc constamment sur sa faim.
Pourtant, les Scandinaves ont du potentiel. Les harmonies vocales sont superbes. La technique des musicos sur leurs instruments est irréprochable. Et la production est parfaite. Difficile de comprendre pourquoi l’embarcation a pris l’eau. Il faudra bien consolider la coque, avant de la remettre à l’eau…
En ces temps difficiles où quelques déceptions ont émaillé nos dernières écoutes, on se réjouissait à l’écoute d’un nouvel album de Scorpions. Et pourtant, on se demande encore ce qui a poussé le venimeux groupe vétéran à se soumettre à tel exercice. Sans être véritablement génial, « Sting of the Tail », présenté comme un album d’adieu, avait au moins la qualité d’apporter du sang non seulement neuf, mais surtout bien lourd, comme à la grande époque. « Comeblack », malgré ses apparences trompeuses, n’est pas un véritable nouvel opus de la bande à Klaus Meine. A moitié constitué de grands classiques réenregistrés, y figurent aussi des reprises de titres écrits dans les années 60.
Peu à l’aise sur le « Ruby Tuesday » des Stones, et complètement à côté de la plaque sur le « Children of Revolution » de T. Rex, le combo évolue avec bien plus d’aisance sur le standard des Kings « All Day And Out Of The Night ». Quant à « Tainted Love », ce titre appartient définitivement à Soft Cell (NDR : en fait, signé par Ed Copp du groupe The Four Preps, il a d’abord été popularisée en 1964 par Gloria Jones, avant d’être traduit en hit planétaire par le duo Marc Almond/Dave Ball). Il aura fallu, avant l’audition de ces reprises en demi-teinte, se farcir sept des plus grands hits de Scorpions, dans des ‘nouvelles’ versions. Et on reste bouche bée devant une telle initiative, car il est évident que des classiques comme « The Zoo », « No One Like You » et « Blackout » n’ont pas besoin de lifting. La puissance de feu de Scorpions est largement reconnue dans la famille metal. Mais la voix de Klaus Meine, même si elle demeure une des plus belles des groupes catalogués hard rock eighties, ne s’est pas améliorée au fil des décennies, et cela s’entend dès les premières mesures de « Rhythm Of Love ».
S’agit-il de la dernière piqûre des valeureux Teutons ? Si c’est le cas, elle n’a pas grand-chose de venimeux.
Oh Land ! Cette exclamation cadre à merveille avec la bonne santé de la scène musicale danoise. On peut même ajouter qu’elle est en effervescence. Après The Kissaway Trail, Iceage, Figurines et Efterklang, Oh Land a donc décidé de conquérir le reste du Vieux Continent. Et la Belgique, tout particulièrement ; d’ailleurs le concert de Nanna Øland était sold out, en novembre dernier, lorsqu’elle s’est produite au Botanique de Bruxelles
Il y a quelques années, la jeune femme était encore danseuse classique. Et une blessure au dos l’a contrainte à renoncer à sa passion. Pour embrasser celle de nouvelle égérie pop. Et ma foi, cette reconversion, elle ne l’a pas trop mal réussie. Suffit d’écouter son second elpee pour en être convaincu. Eponyme, il a reçu le concours de Dan Carey (Hot Chip, Franz Ferdinand, The Kills) et Dave McCracken (Depeche Mode, Beyonce), à la production. Et il regorge de morceaux électro-pop efficaces et bien construits, bien que très peu originaux, dans la lignée de Florence & The Machine, Lykke Li, La Roux et Kate Nash. Véritables hits en puissance, « Son of a Gun » et « White Nights » en sont de parfaits exemples. Mais ils sont rapidement périssables ? Mais profitons-en, car comme ils viennent du pays des contes d’Andersen, ils sont imparables et bourrés de charme…
A la première écoute du « Soul Is Heavy » de Nneka, on croirait avoir affaire à une version mieux produite de son « No longer At Ease » de 2008. Si la chanteuse nigérienne nous avait laissé une impression relativement bonne il y a trois ans, ce n’est pas vraiment le cas ici. Dans un souci de toucher un public plus large, Nneka perd un peu de son authenticité et livre des morceaux insipides tels que des « Shining Star », « Valley » ou « Restless » qui feraient moins tache au sein d’un disque de Corinne Bailey-Rae. A moins de totalement adhérer au style de la jeune femme, la galette paraît interminable. D’aucuns pointeront du doigt le nombre inutilement élevé de morceaux qui composent cette dernière. Pourtant, « No Longer At Ease », qui n’en contenait pas moins de 16, tirait son épingle du jeu. Mais « Soul Is Heavy » comporte bien trop de lourdeurs pour être passionnant de bout en bout. C’est donc sur scène que Nneka devra faire ses preuves. Rdv à Couleur Café 2012 ?
Décidément, il ne se passe pas une semaine sans l’apparition d’une nouvelle formation ou d’un nouveau projet musical belge. Milann & Laloy, comme son nom semble pourtant l’indiquer, n’est pas un duo ! Non, non, ils sont même quatre, étonnant, non ?
A tout seigneur tout honneur, commençons donc par les deux figures de proue : Didier Laloy et Milann Lafontaine. Ce sont véritablement les deux moteurs de ce ‘quatre places’ ; le premier se consacre à l’accordéon, où il est quasi-omniprésent et le second à la guitare ainsi qu’au chant. Ils se partagent également le travail d’écriture et de composition des quinze titres réunis sur leur (déjà) second album. Efficacement mais discrètement secondés par Didier Fontaine aux drums et Thierry Rombaux à la basse, ils reçoivent également un coup de pouce d’un certain Philippe Lafontaine (parent lointain ?), responsable de quatre textes mais également partie prenante en ce qui concerne la partie vocale sur « Tu me danses 2.0 ». On épinglera encore deux autres collaborations, Séverine Crayon qui prête également ses cordes vocales sur « Quand mère nature se fâche » et Luc De Vos qui interprète… en néerlandais « Waar is het zwembad ». Drôle, non ?
Une autre particularité de cet album, c’est que bien que répertorié en pop/rock, il recèle cinq plages interprétées dans notre seconde langue nationale, deux dans le dialecte issu du nord de notre pays et sept en anglais. La quinzième, une seconde version de « Tu me danses », est totalement anecdotique…
Le fils du papa de « Cœur de loup » a vraiment hérité des gênes de son père : même facilité de composition de ballades, musicalité et mélodies entraînantes. Sur cet héritage viennent se greffer de façon efficace et pointue les partitions d’accordéon qui font plus que participer à l’accompagnement musical. Elles régulent véritablement la partie musicale des titres qui sont habillées de ces sonorités si particulières du piano à bretelles.
Voguant allègrement entre plusieurs eaux, le ‘quatre places’ surfe sur toutes les crêtes qui se présentent : rock, folk, pop, tango, tout en gardant toujours le cap.
Dans l’ensemble, l’opus est assez convaincant, quelques titres sortant toutefois du lot. Et, serait-ce un effet du hasard, les plages issues de la plume de papa sont diablement plus rythmées et accrocheuses (« Reste d’ivre », « Dès que je te vois »et le déjà cité « Tu me danses »).
Ah, les papas ont toujours quelque chose à transmettre à leurs rejetons, toujours, tout le temps, partout !
Faudrait pas s’en priver, même si un jour, va vraiment falloir voler de ses propres ailes… En attendant, savourez ce beau disque rafraîchissant et original, résultat d’une rencontre étonnante entre un songwriter talentueux et un accordéoniste au potentiel surprenant !
Le titre de l’album m’a flanqué des sueurs froides : « Tectonics » ; et j’ai craint, un instant, de devoir me farcir un horrible genre musical qui a sévi dans nos contrées, il y a peu… Mes frayeurs se sont heureusement rapidement estompées. Cet opus y navigue à des années-lumière…
The Malpractice, c’est le projet du Danois Johannes Gammelby, dont le cerveau en constante ébullition lui a permis de publier une multitude de disques, sous le patronyme de I Am Bones ou Beta Satan (NDR : au sein duquel, il est le ‘crieur’ de service. Et « Tectonics » constitue le premier elpee concocté sous son nouveau pseudo, imaginé après un échange musical opéré en compagnie de Claus Johansen des Figurines. Une discussion à propos de leur amour commun pour les mélodies ainsi que leur passion pour la pop moderne et la r’n’b. Imaginez donc une sorte de Justin Timberlake indie ! Difficile en effet de résister aux mini-hits électro-rock dansants et tranchants que sont « Oh, the Irony » ou « Boss Station ». Bien sûr, la plupart des compos sont extrêmement légères, et puis certaines souffrent de certaines fautes de goût, à l’instar de l’horrible « Fault Lines », aux relents soufflés par Marilyn Manson. Mais The Malpractice ne dénote absolument pas au sein de cette scène pop danoise, aujourd’hui particulièrement vivace… .
Un ovni que ce deuxième album de Loka. Cinq ans après « Fine Shepperds », le duo originaire de Liverpool nous réembarque dans son univers intemporel.
« Passing Place », sorti le 28 novembre, est paru sous le label Ninja Tunes, auquel on doit notamment la découverte de The Cinematic Orchestra, Amon Tobin et The Herbalizer. Le tandem psyché (Karl Webb et Mark Kyriacou) revisite l’ambient et le down-tempo dans un savant mélange de jazz avant-gardiste, de classique, de rock et de musique de film.
On a l’impression tantôt de se promener dans un feuilleton policier des années 70, tantôt de se déplacer dans un projet cinématographique empreint de beaucoup de lyrisme. Car c’est une véritable histoire qu’ils nous racontent au fil de leurs douze titres évocateurs. Difficile donc de parler de cette œuvre sans parcourir les différentes plages, comme on feuilletterait un livre.
Le bien nommé titre d’ouverture, « Entrance », capte d’emblée l’attention tant il intrigue et secoue. Tout au long de l’instrumental « As the tower falls », on se retrouve plongé dans un James Bond de l’époque. Mais ce n’est que pour être propulsé ensuite dans une ambiance atmosphérique, planante et… aquatique. Et on ne peut s’empêcher, au gré des variations de ton, de rythme et d’intensité, de penser aux quatre éléments (pistes 3 et 4). « Sam Star », particulièrement inspiré, évoque les paradis artificiels. Assurément, le morceau phare de cet album, « The beauty in darkness », dégage une force et une puissance inquiétantes qui font penser à Dead Can Dance ou Björk pour la voix. Les chants d’enfants qui suivent symboliseraient-ils la part de lumière dans les ténèbres?
Après ces questions et ces bouleversements « Temporary external » marque un retour au calme. Puis, « The sound stars make » et ses accords épurés au piano émeut, immanquablement. Traversé par une voix presque extraterrestre sur fond de cloches et d’ambiance sinistre, « Attrition exposed » semble sonner le glas. « No water » nous téléporte de l’autre côté du miroir, à la découverte de ce qui nous attend au bout du tunnel, dans la lumière aveuglante. Et, à en croire « Mirror image opposite », on peut se réjouir ! Le disque se clôture sur une note positive et optimiste de renaissance, d’éblouissement, d’ivresse presque. « Exit » déroule ses notes symphoniques pour accompagner le générique de fin.
Difficile d’accès de prime abord, « Passing Place » nous emmène en voyage à chaque nouvelle écoute.
On ne peut pas dire que l’écurie Fakto Records réunisse des pur-sang. Ce serait même plutôt des canassons. Miser sur la découverte de nouveaux talents est louable. Dénicher la perle rare, c’est beaucoup plus difficile. Cependant, le label vient peut-être de recruter le poulain susceptible de devenir un étalon.
The Link est un groupe bruxellois fondé 2007 et « The Virtue » constitue son premier album. Et pour un coup d’essai, le combo a décidé de frapper fort. La mise en forme est tout simplement parfaite ; difficile d’ailleurs de croire que ses membres ont assuré ce travail du début à la fin. Enfin, il faut tout de même préciser qu’ils ont bénéficié des oreilles expertes d’Alan Douches (Mastodon, Dillinger Escape Plan, Converge), pour le mastering.
« The Virtue » montre les dents d’entrée. Violence et agressivité sont au programme. Les influences de Mastodon et de Dillinger Escape Plan sont clairement perceptibles. The Link pratique un mathcore, limite hardcore, bien charpenté et d’une grande maturité. Ce n’est qu’à mi-parcours que l’opus nous réserve un peu de répit. Notamment lors de l’incorporation d’une étonnante marche funèbre sur « Daydream Milk and Genocide». Mais de cet elpee, j’épinglerai surtout, l’excellent « Rouge Ecarlate ».
Tout n’est cependant pas parfait sur ce disque. Et notamment les vocaux. Gueuler ou chanter ; entre ces deux rôles, le chanteur devra choisir. Et puis il y a cette ignoble pochette. M’enfin, ce « Virtue » ne manque pas d’allure. Et il redore le blason d’un label auquel, je ne croyais plus. Faudra maintenant attendre la suite. N’empêche, The Link est un groupe à suivre de près. Et pour celles ou ceux que ce style intéresse, la formation se produira le 4 décembre, au Magasin 4. Pogos et slams assurés !
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