J’ai beau vérifier, l’Autriche n’est toujours pas un pays scandinave. Pourtant, Heathen Foray, combo originaire de la ville autrichienne de Deutschlandsberg, vient de se fendre d’un opus Viking métal que l’on croirait tout droit issu des studios d’enregistrements de l’extrême nord de l’Europe. Musicalement, le sujet est parfaitement maitrisé. Le Death Metal puissant aux relents folkloriques d’Amon Amarth est combiné aux mélodies Viking métal de Falconer et de Mithotyn. Comme chez ces trois groupes, pas d’instruments traditionnels ni même de claviers. Pas d’artifices. Le ton folk est créé à la six-cordes électrique uniquement. Les riffs, taillés à la hache, sont le plus souvent mid-tempo et accompagnés de soli aussi fluides que l’hydromel. Côté vocaux, le Viking autrichien ne fait pas dans la dentelle : rien que du ‘grunt’ death métal gras et colérique. Pas de chant clair, ni de voix féminines pour adoucir le propos. Le son est puissant et clair. Pour un premier album, « The Passage » est une véritable réussite. A classer quelque part entre le « Gathered Around the Oaken Table » de Mithotyn et le « Fate Of Norns » d’Amon Amarth.
Le label Black Bards Entertainment continue, petit à petit, son travail de restauration de l’œuvre d’Adorned Brood. Ces ménestrels Allemands de l’extrême sont l’un des premiers groupes à avoir inclus une flûte dans leur black métal épique ; et ce, dès 1993. Ils sont donc, juste après les Anglais de Skyclad, l’un des premiers groupes de Folk Metal.
Après « Hiltia » (1996) et « Wiegand » (1998), réédités fin 2008 sur un seul Cd, c’est l’album « Asgard » (2000) qui a droit à sa cure de jouvence. Afin de rendre ces initiatives intéressantes, les opus sont souvent enrichis de bonus et de surprises. Il faut bien avouer que, pour la circonstance, Black Bards Entertainment ne s’est pas foulé. En bonus, on a droit à deux vidéos format mp4, enregistrées ‘live’ au Celtic Rock Festival 2009. Pas vraiment de quoi pavoiser. Surtout qu’Ingeborg Anna, la flûtiste/chanteuse et principal centre d’intérêt du groupe ne participait pas au concert ce jour là. Ceux qui possèdent déjà l’album original peuvent clairement passer leur chemin.
Par contre, si vous ne détenez encore aucun disque du groupe, il est clair qu’« Asgard » est l’œuvre d’Adorned Brood à se procurer impérativement. Bien plus travaillé que ses deux précédents, c’est un véritable petit bijou folk et extrême. Alternant accès de black métal furieux et ambiances folk atmosphériques où les chants clairs masculins et féminins donnent la réplique à la guitare sèche, à la flûte et au grand piano, Asgard est une véritable réussite. Probablement le meilleur elpee du combo germanique.
Boss de l’écurie berlinoise Innervisions, Dixon est une figure de proue dans l’univers de la house teutonne. C’est certainement aujourd’hui un des meilleurs DJs de la planète ; et il le démontre une nouvelle fois sur sa nouvelle compilation « Temporary Secretary ». Un mixtape bien fichu et très personnel, digne du « Body Language Volume 4 » compilé pour le label Get Physical. Ici, Dixon, comme un très bon DJ, conte une histoire que l’auditeur voudrait éternelle tant le set (qui reste pourtant simple) est parsemé d’étapes voluptueuses et riches en musique.
Le mix s’ouvre par « Ongou », un titre signé Icasol. De manière lente et répétitive il vient se fondre sur le tribal et dark « If I Had A Heart » de Fever Ray. Le conte se poursuit par un enchaînement entre le remuant « Let Me Show Ya » de Jazzanova et la pépite house « Something About You (Henrik Schwarz Remix) » de Daniel Paul. Lors de ce parcours toujours aussi jouissif, on rencontre le très deep et transcendant « Hazel (Ewan Pearson's House Remix) » de Junior Boys mais également le méditatif « Law Of Return » de Peter Kruder. L’histoire s’achève par le « Sepiaphone » de Tokyo Black Star, qui sur un fond deep présente quelques sonorités à l’intensité ‘kraftwerkienne’. En 14 titres, Dixon nous révèle ses compétences techniques, mais également musicales ! Un recueil qui ne paie pas de mine, mais croyez moi, digne d’intérêt…
Les Lyonnais de Doppler se réclament de la scène Noise Rock, ce qui, selon votre serviteur dessert largement leur réputation. Le ‘Noise Rock’ trahit une connotation bruyante et approximative ; ce qui et loin d’être le cas de la musique de Doppler. Certes « Songs to Defy » fait du bruit. C’est probablement la marque de fabrique du groupe. ‘Il faut que ça gueule’, dit le sample d’introduction de « We Are Not Sick », le titre d’ouverture de l’elpee. Cependant, ce disque n’a rien d’approximatif. Tout y est maitrisé à l’extrême. Le jeu des instruments est excellent. Epoustouflante, la section rythmique basse/batterie est groovy et jazzy à la fois. Surtout lorsqu’elle est agrémentée de percussions aussi dansantes qu’inattendues. Les parties de six-cordes sont inventives ; à des lieues de ce que l’on est en droit d’attendre d’une formation se prétendant ‘bruitiste’. Les compositions font la part belle à des errances instrumentales sombres, hypnotiques et envoûtantes. C’est probablement la voix, trafiquée et saturée, qui rappelle le plus l’appartenance ‘autoproclamée’ du groupe à la scène noisy.
Alors, Noise Rock ? Peut-être, mais aussi post-rock, math-rock, rock-indus, rock-alternatif. Doppler réunit toutes ces étiquettes à la fois. Un groupe bien meilleur que ce qu’il aime vouloir incarner. A découvrir !
Jello Biaffra a été le chanteur des Dead Kennedys de 1978 à 1986. Mais ce n’est pas son seul méfait. Activiste, politicien, militant écologiste, membre du parti ‘vert’ américain, il est aussi le fondateur et le boss du label Alternative Tentacles. Biaffra n’a jamais été avare de démonstration en ce qui concerne ses opinions, que ce soit dans la musique, dans ses disques consacrés aux ‘spoken words’ ou lors de ses actions politiques ‘coup de poing’. En 1979, il se présente comme candidat à la mairie de San Francisco. Il décroche la quatrième place sur dix candidats, en proposant un programme que de nombreux électeurs avaient pris pour un canular (obliger les hommes d’affaire à travailler avec des masques de clowns, bannir toutes les voitures de la ville, autoriser l’occupation des édifices vacants par les sans-abris ou plébisciter les policiers de quartiers). En 1999, il participe aux mouvements de protestation dénonçant les dérives de l’Organisation Mondiale du Commerce, à Seattle. En 2000 il se présente à la présidence de l’investiture du ‘green party’ (sans succès).
La musique des Dead Kennedys est un véritable pamphlet contre une certaine politique américaine. Il y condamne, avec un humour plus que corrosif, toutes les dérives du système capitaliste. Les titres des chansons et les pochettes des albums sont de véritables coups de poings décochés à la face des Yankees. La pochette d’« Holidays in Cambodia » représente une scène de torture, celle de « Plastic Surgery Disasters » le corps d’un enfant souffrant des affres de la famine. En 1986, après avoir divorcé dans la douleur (financière) des Dead Kennedys, il participe à un nombre incroyable de projets musicaux comme LARD où il fricote l’indus en compagnie d’Al Jourgensen de Ministry ou Tumor Circus. Il enregistre des albums en compagnie des punks canadiens de D.O.A, de NoMeansNo, des Melvins et bien d’autres. Formé début 2009, Jello Biafra and the Guantanamo School of Medicine constitue son premier véritable groupe depuis la mort des ‘Kennedys’, en 1986. On retrouve dans ce groupe toute l’essence de la personnalité de Monsieur Biaffra. Le patronyme du groupe ‘Jello Biafra et l’école de médecine de Guantanamo’ reflète parfaitement son goût pour l’humour noir. Un patronyme qui dénonce le système américain en huit petits mots. Le titre de l’album : « The Audacity of Hype » fait référence au livre de Barack Obama : « The Audacity Of Hope ». Il démontre bien que le vieil activiste punk n’a toujours pas peur de s’attaquer au pouvoir en place. Le livret de la pochette lui-même est du même acabit que celui des disques des Dead Kennedys : un patchwork de textes de chansons, de photos choc, de dessins et de coupures de journaux qui seraient hilarantes si elles n’étaient pas aussi désespérément navrantes pour la culture américaine. Un concept qui porte sans conteste la patte du punk rocker légendaire. Les textes dénoncent : racisme, stupidité, pollution et paranoïa américaine liée au 11 septembre. Tous les fers de lance du combat Jello y sont exposés. Pour véhiculer ses idées, Biafra se sert de ce qu’il fait de mieux : du Punk. Déjanté et virulent. Pas si éloigné de celui des Dead Kennedys. Il lui serait d’ailleurs difficile d’emprunter une autre méthode, vu son timbre de voix aussi atypique. Certains des titres proposés ici auraient très bien pu figurer sur « Plastic Surgery Disasters » ou « Frankenchrist ». Les parties de basse ont été enregistrée par Billy Gould. Depuis, il a rejoint ses compagnons de Faith No More. Les guitares, moins folles mais bien plus acérées que celles des Dead Kennedys, se fendent souvent de soli de guitares plus métal que punk. « The Audacity of Hype » ne pourra que plaire à ceux qui ont un jour trippé sur la musique des Kennedys Morts.
A 51 ans bien tassés, Jello Biafra n’a rien perdu de sa superbe ni de son intégrité. Si, un jour, sur terre, il ne reste qu’un seul véritable punk, sans conteste, ce sera lui.
Que serait le « Monster Mash » de Bobby Picket repris par Arcade Fire accompagné d’un clip vidéo réalisé par Tim Burton ? Ou le « Murder Ballads » de Nick Cave, réinterprété par une chorale de sales mioches se gavant des bouquins de la série « Chair de Poule », tout en écoutant inlassablement cette version imaginaire de « Monster Mash » ? Ou encore si Karen O and The Kids avaient confondus la B.O. de « Where The Wild Things Are » avec celle de « The Omen » ? Pas de doute. Le résultat serait, à peu de choses près, comparable à l’immense premier essai de Dead Man’s Bones.
Le projet est né de la rencontre entre le musicien Zach Shields et Ryan Gossling, connu essentiellement pour sa carrière cinématographique presque impeccable (« Lars And The Real Girl », « The Notebook », « The United States Of Leland », ou le génial « Half Nelson » pour lequel il a été nominé aux Oscars). Obsédés par la musique et les films d’horreurs, Shields et Gossling se sont mis en tête de créer la bande son parfaite pour effrayer leurs petites sœurs. Après avoir recruté les gamins de la chorale du Silverlake Conservatory Of Music, la formation Californienne a établi une série de règles à suivre durant l’enregistrement studio de la galette. Ainsi, le duo n’a réclamé aucune aide extérieure sinon celle d’un producteur. Les guitares électriques ont été mises au ban et chaque morceau a dû être enregistré en trois prises maximum. Des règles qui ont produit leur petit effet tant « Dead Man’s Bones » est une œuvre spontanée, intense et inventive, comme en témoignent les ‘monstrueux’ « Flowers Grow Out Of My Grave », « In The Room Where You Sleep » et « Lose Your Soul ».
Emmené par les singles, « My Body’s a Zombie For You » et « Dead Hearts », l’éponyme de Dead Man’s Bones est parcouru de morceaux macabrement poétiques et aux intitulés tous aussi évocateurs les uns que les autres. Les morts-vivants, les loups-garous, les monstres assoiffés de sang et autres créatures de la nuit s’y côtoient pour tourner en ridicule les pauvres mortels s’aventurant au-delà des limites du territoire tracé par ces premiers. Et pas besoin d’attendre Halloween pour s’envoyer cette formidable galette tout à fait intemporelle. Alors qu’ils étaient très souvent justifiés jusqu’ici, Gossling balaie magistralement tous les préjugés entourant les vedettes d’Hollywood qui se mettent en tête de pousser la chansonnette.
« Dead Man’s Bones », un essentiel de 2009 ? Pour ma part, le duo a déjà décroché la seconde place de mon classement annuel. Et c’est amplement mérité !
Il faut avouer qu’après avoir écouté une première fois le douzième elpee studio de la formation d’Oklahoma City, j’étais un peu décontenancé. En fait, il y a un bon bout de temps que le groupe n’avait plus commis de disque aussi alternatif. C’était en 1997. Un drôle de projet baptisé « Zaireeka » et subordonné à la technique du ‘surround sound’. Pour la circonstance, les quatre cds devaient être écoutés en même temps sur quatre systèmes sonores différents. Mais en se grattant un peu la tête, il faut reconnaître que la discographie antérieure, commise à cette période était encore plus aventureuse et audacieuse. A l’instar de celle du Mercury Rev originel. Donc finalement, la surprise n’en était finalement pas une. Mais un juste retour aux sources…
« Embryonic » est double. Et recèle 18 plages. Après avoir lu de nombreuses chroniques rédigées par toute une série de magazines spécialisés, j’ai presque cru que les Flaming Lips s’étaient contenté d’écouter en boucle l’œuvre complète du Pink Floyd, pour concocter un tel opus. Conclusion facile lorsqu’on sait que Wayne Coyne a déclaré vouloir enregistrer une nouvelle version du « Dark side of the moon ». Mais largement insuffisante, lorsqu’on analyse soigneusement le contenu de ce disque.
Du Floyd, on en retiendra « Evil » et « If », interludes empreints de douceur, réminiscents de « The Wall ». Le torturé et lugubre « See the leaves », manifestement inspiré par « More ». Et puis l’une ou l’autre trace ‘floydienne’ disséminée aux quatre coins de l’œuvre. Dont les harmonies vocales éthérées, sinusoïdales, si caractéristiques de « The Piper at the gates of dawn ». Et puis d’inévitables envolées semi-spatiales, semi-psychédéliques, tentaculaires, rencontrées sur « Animals ». La trame est posée. Reste maintenant à en déceler les subtilités. D’autant plus que la solution sonore emprunte autant au free jazz (Miles Davis, Coltrane), à la noisy (Sonic Youth), à l’électro (Kraftwerk), au krautrock (Can) qu’à la prog (King Crimson et les ‘frippertronics’ du tandem Brian Eno/Robert Fripp, mais également Todd Rundgren). J’allais oublier : et le psychédélisme. Sous toutes ses formes ! Wayne refuse de reconnaître avoir concocté un concept album. Mais quand on traite tout au long d’une même œuvre, de la force, de la faiblesse, de la liberté, de la responsabilité et du chaos (NDR : tiens, un thème auquel se réfère également Mercury Rev), on est en droit de se poser des questions. Une philosophie développée par le mathématicien Thorsten Wörmann, particulièrement branché sur le sujet ; et dont un discours est collé sur « Gemini syringes ». Bref, Coyne a peut-être envie de brouiller les pistes pour mieux nous mener en bateau (NDR : ou en vaisseau spatial, si vous préférez !) Mais bon, c’est aussi une belle manière de ne pas dévoiler toutes les facettes de son imagination débordante. Lors des sessions d’enregistrement, Karen O des Yeah Yeah Yeahs est venue poser quelques feulements sur deux titres, alors que MGMT a participé à la confection de « Worm mountain », une chanson atypique, tour à tour hymnique et participative (Arcade Fire ?), furieuse, puis menaçante. Afin de ne pas vous noyer de références, je ne vais pas décortiquer chaque compo. Je vous laisse le soin de découvrir, plage après plage, un des albums les plus complexes et créatifs de l’année. Peut-être de la décennie…
Un petit grain de sable peut sérieusement perturber le fonctionnement d’une mécanique bien huilée. Et « Dominion », le quatrième album d’Infinite Horizon, en est une belle illustration. Pourtant, il a tout pour plaire aux aficionados de power métal mélodique. Fondé en 1997, ce combo teuton n’a pas grand-chose à envier aux pointures du genre. Des compos inventives et plutôt originales pour ce style cloisonné. De solides mélodies appuyées par un clavier, parcimonieux, mais du plus bel effet. Des riffs et des soli de guitare alliant le heavy classique au prog métal moderne, évoquant tour à tour Iced Earth, Savatage, Masterplan ou encore Grave Digger. Des lignes vocales fortes et mémorisables. Marc M. Lemler, le frontman est d’ailleurs le clone vocal de Zak Stevens (Savatage, Circle II Circle). Tout pourrait être parfait sur ce long playing. Mais il y a quelque chose qui coince. Un détail, un grain de sable, qui gâche grandement le plaisir d’écoute. Le son de la batterie est atroce. On a beau essayer de l’oublier et de se concentrer sur le reste des instruments, peine perdue, il est là, envahissant et disgracieux comme le son d’une boîte a rythme bon marché. Quel gâchis ! Ces compositions méritaient beaucoup mieux que la production maigrelette assignée à leur section rythmique. Dommage !
Fat Wreck Chords, le label fondé par Fat Mike, le bassiste/chanteur de NOFX reprend sous son aile des formations aussi diverses que variées dont le seul point commun est d’appartenir de près ou de loin à la mouvance punk. De groupes un peu moyens comme American Steel ou Banner Pilot à d’autres bien meilleurs tels que Strung Out ou Teenage Bottlerocket, le label a pris l’habitude de proposer un large éventail du punk contemporain.
Intitulé « African Elephants », le nouvel elpee de Dead To Me semble vouloir suivre la ligne de son label en déclinant un album punk incroyablement diversifié. Du reggae punky de « X » qui ouvre le cd au punk musclé de « Nuthin Running Through My Brain » et « Fell right in », en passant par des titres rappelant le Clash de la bonne époque comme « A Day Without War » ou même le grunge de Nirvana (« Blue »), le combo de San Francisco excelle dans tous les styles plus ou moins affiliés au punk rock. Preuve s’il en est que diversifié ne signifie pas décousu, « African Elephants » conserve une parfaite homogénéité du début à la fin. Pêchu sans être violent, agréable sans être commercial, différent sans être repoussant, cet elpee est largement au dessus du lot et mérite bien qu’on lui prête une oreille attentive.
Metalforce. Le patronyme de ce groupe allemand ne ment pas sur la marchandise. Si vous aimez les clichés inhérents au métal, vous allez être servis, car Metalforce les envoie par paquets de douze. « Freedom Warriors », « Metal Crusaders », « Let The Battle Begin », « Son of the North », rien que des titres qui fleurent bon le « True Metal » si cher à Manowar. Nous serions bien les derniers à nous en plaindre, car, nous aussi nous aimons les hymnes guerriers, la fraternité métallique, la bière bue à la corne et les riffs de guitare puissants comme le marteau de Thor. D’accord, il n’y a pas une once d’originalité sur ce disque largement inspiré par la musique des ‘Kings Of Metal’. Mais qui s’en plaindra ? Pas Manowar en tout cas puisque c’est Joey DeMaio lui-même qui produit l’album de ses grosses mains calleuses et velues. Sans être aussi puissant qu’Eric Adams, Tarek ‘Ms’ Maghary possède un timbre de voix similaire à ce dernier, ce qui renforce encore l’impression de déjà entendu qui assaille les tympans dès l’écoute du titre d’ouverture (« Faster, Louder, Metalforce »).
Pour enfoncer le clou des comparaisons identifiées auprès des ‘inventeurs’ américains du True Métal, Ross The Boss, gratteur du célèbre combo yankee depuis sa formation en 1980 jusqu'en 1988, vient distiller solo de guitare sur le titre « When The Valkiries Fly ». En conclusion : si vous en avez assez d’attendre le prochain véritable opus de Manowar, et que vous aimez le son brut de l’œuvre originelle de ce groupe culte, « Metalforce » est fait pour vous.
Pour l’histoire, James Dewitt Yancey aka J Dilla ou encore alias Jay Dee a été l’un des rappeurs les plus intéressants de ces 15 dernières années. Issu de la scène hip hop underground de Détroit, ce rappeur au style unique possédait surtout ce don de rendre ses productions et ses différentes collaborations uniques en leur genre. Souvent copié, jamais égalé, il constitue encore aujourd’hui une véritable référence auprès d’artistes contemporains. On lui doit, entre autres, les succès des excellents « Donuts » et « Rough Draft », tous deux signés sur le fameux label underground Stones Throw Records. Mais aussi différents ouvrages concoctés en compagnie d’artistes réputés tels que Busta Rhymes, The Roots, Common, Slum Village (NDR : au sein duquel il a milité jusqu’en 2000) ou encore A Tribe Called Quest. Victime d’une crise cardiaque, il est disparu prématurément en 2006. Néanmoins, les œuvres posthumes de J Dilla font apparemment recette, puisque comme son nom l’indique, ce « Dillanthology 3 : Dilla’s Productions » constitue le troisième volume d’une trilogie éditée après sa mort.
Ce chapitre devrait boucler logiquement cette série « Dillanthology » ! Pour rappel, le premier chapitre se consacrait aux différentes productions classiques de l’Américain, pour des artistes comme The Pharcyde ou encore Erykah Badu. Le second proposait des remixes de Mr. Dilla himself pour De La Soul ou même Spacek. Et, last but not least, le troisième nous invite à replonger dans la carrière solo de ce personnage mythique. Outre le tube « WorkinOnIt », figurent sur ce disque la pépite « Raw Sh*t » de Jaylib, énième pseudo utilisé par J Dilla au moment où il militait aux côtés de Madlib. Le très remuant « Reality Check » featuring Black Thought, emcee charismatique et surtout un des leaders du combo The Roots. Ou encore le très groovy « So Far To Go », auquel collaborent Common et D’Angelo. Un trio pour clore cette superbe trilogie commémorative. L’esprit (défunt) de ce génie du hip hop vient nous en mettre plein la vue ! Recommandable et à écouter à grosses doses !
Attention, nous sommes en présence de la grosse artillerie rock ‘à la yankee’. Dead By Sunrise est le side project de Chester Bennington, mieux connu pour être le vocaliste des Linkin Park, le groupe californien aux cinquante millions d’albums vendus. Il a eu l’idée de former Dead By Sunrise en 2005, alors qu’il écrivait des titres pour l’album « Minutes to Midnight » de Linkin Park. Plutôt que de jeter ces compositions à la poubelle, il a préféré les réserver à un projet futur. Motif ? Il les jugeait trop sombres et inadaptées à son groupe. Ce projet, il va le concrétiser quelques années plus tard en compagnie de Ryan Schuck, l’ex-gratteur d’Orgy. Vous dire que le monde du rock n’aurait pas survécu si ces douze titres étaient passés à la trappe, serait peut-être un tantinet exagéré. Cependant, il faut avouer que l’écoute d’« Out of Ashes » se révèle plutôt agréable. Alternant les titres ‘néo-métallico-post-pop-grunge’, dont quelques jolies ballades (« Inside of Me », « Let Down », « Give Me Your Name », l’elpee a tout ce qu’il faut pour cartonner dans les charts américains. Probablement un peu trop gentil pour le fan de métal européen moyen, l’album plaira à coup sur aux fans de Linkin Park et à ceux de combos ‘rock’ américains pour ados comme Daughtry ou Creed.
La production, léchée et sans faille, est signée par Howard Benson, mieux connu, entre autres, pour son travail opéré chez Creed, Apocalyptica, Motörhead, Sepultura et Daughtry. L’achat du mois si vous aimez les grosses productions débarquant d’outre-Atlantique.
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