Alias Hervé Salter, General Elektriks avait récolté un franc succès lors de la sortie de son album « Good City for Dreamers », en 2009. L’auteur/compositeur/multi-instrumentiste/producteur et dénicheur de talents (Pigeon John, Honeycut, Antonionian...) publiera son nouvel opus ce 10 octobre. Il s’intitulera "Parker street". Le hip hop y deviendra pop, le funk glissera vers le rock et la soul se fera électronique… Un avant-goût ? "Summer Is Here", un premier extrait de l’elpee disponible sur la toile :
http://soundcloud.com/discograph-1/summer-is-here-single-edit
http://www.dailymotion.com/video/xkoasd_summer-is-here-general-elektriks_music#hp-v-v4
Pour plus d’infos : http://www.discograph.com/generalelektriks/
Glasgow est une formation française née… en Ecosse. Leur album, « Le Sexe des Anges » paraîtra au cours de ce mois d’octobre. Le style du groupe ? Fondamentalement rock. Mais interprété dans la langue de Molière.
Le single, “Chien et Chat”, fait l’objet d’un clip pour lequel le combo est accompagné du comédien Bruno Solo, qui apparemment, a eu un coup de cœur, pour le groupe.
La formation australienne Cloud Control, vient de sortir un nouveau single. Il s’intitule « Gold Canary ». Le groupe se produira à la rentrée au Botanique et ce 16 juillet dans le cadre du festival de Dour. Le folk stellaire sis à la croisée des chemins des Flaming Lips et de Fleet Foxes devrait y faire l’unanimité…
Pour plus d’infos : http://www.cloudcontrolband.com
Qu’attendre d’Anoraak, lorsqu’on n’a jamais eu l’occasion de les écouter. Une atmosphère qui incite à enfiler son pardessus lors des longs après-midi de novembre ? Que nenni, un album tout en soleil, qui habillera merveilleusement la saison chaude.
Anoraak, c’est en quelque sorte le pseudo d’un Nantais qui a suivi une formation rock. Etabli à Paris, il a fait un tour chez les Pony Pony Run Run, comme batteur, avant de se convertir à l’électro pop, faute de pouvoir pratiquer ses instruments, vu l’exiguïté des chambres de bonne. Anoraak est donc né d’essais électroniques, jusqu’au jour où il fait la connaissance de College et de son blog Valerie. De cette rencontre, et de l’arrivée d’autres groupes dans la clique, Valerie devient un collectif de musiciens solo-potes, et officialise Anoraak parmi ses projets.
Valerie résonne peu en France (à Paris et à Nantes) mais voyage beaucoup pour satisfaire un public qui les écoute jusque New York. Est-ce la French touch à la Phoenix (« Try Me »), son goût pour le funk old school (« Crazy Eyes ») ou les bons vieux synthés des années 70 (« Long Hot Summer Night ») qui attirent les éclairés ? Ou encore, le son finement moderne, conservé soigneusement (« Dolphins & Highways ») ? En tous les cas, le succès inopiné encourage le jeune artiste à continuer.
Les différents instruments typiques apparaissent au cours de l’album, mais c’est principalement seul, à l’aide de son ordinateur et d’un micro qu’Anoraak se présente sur scène. Si « Wherever The Sun Sets » est sorti il y a quelques mois déjà, il ira aussi de pair avec les beaux jours : relax, groovy mais léger, ce projet rétro-futuriste sera idéal pour agrémenter vos soirées d’été.
Seize années déjà que la formation chicagolaise roule sa bosse. Il y a bien eu une interruption entre 2004 et 2007, mais cette pause a permis au combo de se ressourcer. Valeur sûre dans l’univers de l’indie, The Sea and Cake, n’a cependant jamais rencontré le succès à la mesure de son talent. Faut dire que la musique développée par les Américains ne s’adresse pas aux hit-parades, le groupe privilégiant plutôt les longues compositions climatiques.
“The Moonlight Butterfly” constitue leur neuvième opus. Et apparemment, Sam Prekop et ses potes en sont revenus à leurs premiers amours. Les six compos de cet elpee ont été écrites lors d’une tournée accomplie en compagnie des Canadiens de Broken Social Scene. Des plages inévitablement copieuses, mais trempées dans une pop douce, brumeuse et mélancolique, traversées de passages instrumentaux aux accents jazz ou krautrock, à l’instar du morceau maître. Une seule piste plus rythmée: « Up on the North Shore ».
La nouvelle œuvre du quatuor est de toute bonne facture. Mais, encore une fois, elle ne s’adresse pas au grand public. Perso, cette situation ne me dérange pas. D’ailleurs, souvent un groupe préserve bien mieux son identité à l’abri des regards et des oreilles. Et vu sa longévité, The Sea and Cake en est un parfait exemple.
Lors de la sortie de leur Ep, en 2006, j’avais été impressionné par le potentiel de cette formation lilloise, dont le style hybride, quoique largement dominé par l’électronique, lorgnait tant vers Bowie, Tuxedo Moon, Ultravox, Ozark Henry que Radiohead circa « Kid A ».
Pour enregistrer leur premier album, Cercueil (NDR : décidément, je ne m’y ferai jamais à leur patronyme) s’est rendu à Bristol, au sein des studios Toy Box, une œuvre qu’il a concoctée sous la houlette d’Alister Chant (PJ Harvey, John Parish). Première constatation, malgré le renfort d’un nouveau drummer, Olivier Durteste, l’aspect électro est renforcé. On y retrouve toujours le falsetto très particulier, lancinant, sinusoïdal de Pénélope Michel, mais l’alchimie sonore baigne au sein d’un climat ténébreux, énigmatique, angoissant, où ambient, trip hop, indus (Trent Reznor ?), electronica et cold wave opèrent une synthèse occulte.
Découpé en 10 plages, cet elpee ne souffre d’aucune faiblesse ; et s’il se révèle finalement très homogène, j’épinglerai quand même trois titres : l’élégiaque « Subtitle », le gothique « Shade unit » (Dead Can Dance ?) et « A ray apart » qui autorise la présence d’une guitare torturée (Suicide ?) Quand votre serviteur succombe à un album de musique électronique, c’est qu’il tient la route…
Un dernier mot encore sur le superbe artwork de la pochette ; il a été réalisé par les membres du groupe.
Trois ans après avoir publié « Music Hole », Camille sortira un nouvel album. Il devrait être dans les bacs ce 3 octobre. L’artiste française partira également en tournée européenne, dès l’automne 2011.
Quarante années déjà que le leader des Doors s’est éteint. C’était le 3 juillet 71. Pour célébrer cet événement, Warner Music a décidé de sortir un box réunissant les 6 cd du groupe ce 1er juillet. Intitulé « A collection », il contiendra donc « The Doors », leur premier album sorti en 1967, mais aussi « Strange Days », « Waiting For The Sun », « The Soft Parade », « Morrison Hotel » et « L.A. Woman ». Le prix de vente de ce coffret est annoncé abordable.
Erasure, formation pionnière de la pop synthétique, publiera un nouvel album cet automne. Ce sera leur premier depuis 4 ans. Intitulé « Tomorrow’s World », il a été produit par Frankmusik (Lady Gaga, Pet Shop Boys, Ellie Goulding) et mixé par Rob Orton. Un retour attendu vu le succès de Lady Gaga et de La Roux qui leur doivent beaucoup !
“Hits Me Like a Rock”, c’est le titre du premier single de CSS, extrait de leur futur album. « La Liberacion », troisième opus du groupe brésilien, paraîtra ce 22 août. Lors de sessions d’enregistrements les furies brésiliennes ont reçu le concours de Bobby Gillepsie des Primal Scream !
Petite star de l’électro chez Moderat, Sascha Ring est également connu sous le patronyme d’Apparat, son projet solo. Ce 3 août, il publiera « Black Water », le second extrait de son futur album, « The Devil's Walk », opus qui sera disponible chez Mute, le 26 septembre prochain. La conception de cet elpee a été réalisée lors d'un voyage accompli au Mexique en 2010. Pour la circonstance, Sascha avait enrôlé Joshua Eustis (Telefon Tel Aviv) et Fredo Noguerira, deux collaborateurs qui l'ont aidé à composer, dans un studio artisanal de la petite ville de Sayulita.
Le nouvel album de Customs, « Harlequins Of Love », sortira le 23 septembre. Il s’agira du 2ème opus pour ce groupe belge de rock, réunissant Kristof Uittenbroek (chanteur), Joan Govaerts (bassiste), Jelle Janse (guitariste) et Ace Zec (batteur).
« Harlequins Of Love » a été enregistré sous la houlette du producteur Jo Francken (Triggerfinger, Admiral Freebee) et le mastering de l'album a été réalisé aux légendaires studios d'Abbey Road, à Londres, avec la participation de Geoff Pesche (Gorillaz, Pulp, Coldplay). Imprimé sur un mid tempo et influencé par les 80’s, le premier single déborde d’énergie communicative.
Le groupe sera en concert le 15 novembre à l’AB à Bruxelles.
Pendant plus de quarante ans, Francis a vécu l'aventure de Status Quo, avec beaucoup de succès, il faut le souligner. Au cours des sixties, le Quo avait entamé sa carrière en publiant de petites plages psyché/pop, baptisées nuggets, dont l’aspect commercial était indéniable. Suffit de penser à "Pictures of Matchstick men", gravé en 1966! Fin de cette même décade, le combo change de formule et emprunte un style davantage orienté vers un cocktail de boogie, de blues et de pop. Et il faut reconnaître que depuis, le band n’a guère changé de fusil d’épaule. Faut dire que ce créneau va leur permettre d’arpenter les plus grandes scènes, à travers le monde.
Si Status Quo est toujours bien vivant en 2011 et continue à tourner, Francis s’offre de temps à autre une petite récréation en solo. Il a ainsi enregistré un opus ‘live’, au sein de l'église St-Luc à Londres, face à un public acquis à sa cause. Et il s’agit déjà de son septième essai en solitaire. Pour la circonstance, il s’est entouré à la fois de musiciens confirmés et de jeunes pousses, dont son fils Nicholas et Freddie Edwards, préposés aux six cordes. Paul Hirsh se réserve les claviers, également la guitare et l’harmonica, Leon Cave les drums et Gary Twigg la basse ; sans oublier la participation de quelques choristes. Ce concert épingle 18 plages, dont 17 sont issues de la plume de Francis ; encore qu’il cosigne la majeure partie du répertoire, en compagnie de son vieux partenaire des jours glorieux, Bob Young.
Rossi avait concocté un elpee studio, l’an dernier. Intitulé "One step at a time", il a servi de socle à la setlist de ce long playing. Comme chez le Quo, Rossi ouvre les hostilités par le tube "Caroline", un hit paru, à l'origine, en 1973. Il est ici traité à la manière d'un boogie shuffle. Moins linéaire et primaire que la version originale, mais plus accrocheur, il est caractérisé par des échanges de gratte entre les trois solistes. Ballade rock mélodique, dont le refrain évoque les Eagles, "Claudie" est une compo qui ne manque pas de charme. "All we really wanna do" est sculpté dans le pur Status Quo! Offensif, "You'll come round" est un rockin' blues de bonne facture soutenu par des chœurs féminins. L’elpee recèle quelques pistes un peu plus légères. Néanmoins, on épinglera encore "My little heartbreaker", "Electric arena", traversé de belles envolées de cordes, le blues enlevé "Diggin' Burt Baccharach" et un "Twenty wild horses" aux accents celtiques. Et le set de s’achever par un ancien hit du Quo, datant de 1991, "Can't give you more".
Nouvel opus pour les sœurs Unthanks, deux années seulement après la publication de « Here’s the Tender Coming ». Quelque part dans le Nord de leur Angleterre natale, au milieu des collines verdoyantes, régulièrement arrosées par la pluie bien insulaire, les frangines perpétuent le folklore local en racontant leurs histoires, un peu comme Joanna Newsom le restitue pour la Californie, en tirant parti parcimonieusement et minutieusement d’une instrumentation dominée par le piano. Et cet univers si particulier, on l’imagine facilement sorti tout droit d’un film de Ken Loach ou d’un roman des sœurs Brontë. Pour savourer au mieux le lyrisme glacé des Unthanks, l’écoute de ce disque s’indique au coin du feu de bois, lors de nuits très sombres, avant s’endormir, la tête pleine de rêves. Outre les deux plages qui ouvrent l’elpee, « Gan to the Kye » et « The Gallowgate Lad », les morceaux les plus fluides, le reste de l’œuvre exige une audition plus attentive. Maintenant, si vous n’êtes pas ouverts à ce type de musique bien britannique, ce long playing risque fort de vous sembler interminable et assommant…
Pas si jeunes qu’on ne l’imagine, les Young Knives connaissent la musique et la réinvente à leur sauce. Britpop sympathique et pas prise de tête pour un sou, humour omniprésent et bonhommie récurrente constituent les ingrédients de cet album, qui, s'il se laisse volontiers écouter, n'abrite aucun morceau digne de créer une quelconque sensation.
Mélange pas toujours subtil de sucreries estampillées eighties et de vagues réminiscences New Wave, cet « Ornaments From The Silver Arcade » ne décolle que trop rarement et s'oublie trop facilement.
Bref, un essai fort peu concluant...
« The Gathering » est la définition même de l’ennui. Les airs entrent par une oreille et ressortent par l’autre, sans même avoir eu le temps de résonner dans la tête. Digne des ménestrels d’antan, la voix fade et insipide de Dave Heumann est à peine plus distincte. Le chanteur d’Arbouretum a lu en profondeur les écrits de Carl Jung, un psychiatre et psychologue suisse, afin d’en tirer l’inspiration pour cet album. Et il est vrai que le résultat obtenu est à peu près aussi assommant que d’essayer d’ingurgiter d’affilée une centaine de pages d’étude des comportements. Prenons la première piste « The White Bird », qui dure précisément 7 minutes 10. La mélodie est terne et tellement répétitive qu’elle en devient très vite lassante. On sent presque l’oiseau blanc, essayant de prendre son envol, enchaîné à un boulet (mais profitez de cette sensation parce qu’elle est l’unique existante tout au long des trop longues plages du cd). Et la scène dure encore et encore sans que rien n’y change. Jamais il ne décolle. Comme jamais « The Gathering » ne déploie de grandes ailes pour s’élever dans les airs. On reste les deux pieds sur une terre peu fertile, sans histoire. Même la poussière de cette lande n’a aucun goût.
Autant le dire d'emblée, il n'est ici pas question de banjo, pas plus que de sérénades transalpines, même si le nom d'Alessio Natalizia ne laisse planer aucun doute sur ses origines.
Entre Electro cotonneuse et Pop évidente aux couleurs nineties, ce joli recueil de mélodies baignées d'un Shoegaze tout en retenue, alimente un sentiment de béatitude céleste.
Tout récemment auteur d'un remix pour Interpol, le Londonien affiche son amour pour les guitares diluées et les refrains paresseux ainsi que pour une Electronica, descendante directe de cette mouvance dont le « Pygmalion » de Slowdive était précurseur et qui trouve écho ici tout au long de l’œuvre.
Manquant un peu de mordant sur la longueur (on aurait aimé que ces guitares s'emportent un peu plus), cet album s'avère tout de même une excellente alternative aux successeurs trop révérencieux de ce mouvement musical dont les influences continuent d'irradier encore les ondes aujourd'hui.
A de nombreuses reprises, on repense avec bonheur à Swervedriver, et on se laisse dériver au gré de ces volutes acoustiques tantôt hypnotiques (« Dear Me »), tantôt apaisantes (« I don't want to start all over again »). Un réel plaisir !
Dès lors, on se prend à rêver de découvrir Banjo Freakout sur l'une de nos scènes prochainement.
Bowie Peru succède à un autre groupe, No Mo Trevno. David Demaegd, Pieter De Wilde et Jakob Haeghebaert sont les pionniers de cette nouvelle bande de rockeurs. Nathalie Van Laecke, la chanteuse et Thomas Cleppe les ont rejoints. De cette union est né un Ep découpé en quatre titres. Et la pomme n’est pas tombée bien loin de l’arbre. « On top of a mountain, we are all snow » transpire l’énergie positive au travers des basses, des guitares et de la batterie. La jolie voix de Nathalie Van Laecke vient renforcer ces bons sentiments. Bien que son timbre de voix manque un rien de puissance pour pouvoir parfaitement se coupler aux instruments derrière elle qui, eux, affirment leur vigueur. Mais ce premier essai manque sérieusement d’originalité. Rien qu’on n’ait déjà entendu. Des compositions ‘sympathiques’ mais pas suffisamment alléchantes que pour véritablement marquer les esprits. Tout juste de quoi obtenir un peu de crédit supplémentaire et une seconde chance avant un classement définitif parmi les artistes ‘communs’. « On top of a mountain, we are all snow » est orphelin d’une prise de risques avérée. La suite des projets de Bowie Peru doit être soumise à la règle du ‘ça passe ou ça casse’. Il ne s’agit plus de tergiverser. No Mo Trevno a prouvé qu’on pouvait renaître de ses cendres ; donc, quitte à brûler, mieux vaut que ce soit pour avoir tenté le diable.
Quand la Pop anglaise se réinvente avec bonheur, elle accouche de subtils albums comme ce « Nightingale », oiseau de nuit au ramage aussi beau que le plumage.
Emmené par Gawain Erland Cooper, érudit de Folk anglais décliné noblement, ce carnaval de sons et de couleurs enchante par le spectre de sa palette.
Entre Pop de haute voltige et Psychédélisme rayonnant, ce second opus démarque le groupe de nombre de productions actuelles.
Le line up ? Pas vraiment des nouveaux venus dans le paysage, puisqu'on retrouve au sein de cette formation londonienne, Simon Tong, ex-The Verve et acolyte de Damon Albarn dans The Good, The Bad and the Queen ou encore le batteur David Nock (Fireman, The Orb, The Cult). E&TC s'amuse à brouiller les pistes, mais surtout s'ingénie à redorer le blason d'une certaine orfèvrerie musicale anglo-saxonne, qui hormis par le truchement de Neil Hannon, semblait être tombée dans l’oubli, depuis belle lurette.
En résulte treize titres captivants sous bien des angles et fascinants sous bien des facettes que tout amateur du genre ne saurait bouder.
Fyfe Dangerfield, le chanteur, a rejoint ses camarades de Guillemots pour cette nouvelle aventure. Il avait tenté, au préalable, sa propre expérience, en publiant un album personnel intitulé « Fly Yellow Moon ». Et si Dangerfield rechigne à s’étaler sur cette aventure en solitaire, il s’en est toutefois pleinement servi pour enrichir ce troisième opus du groupe. Mais les trésors n’y sont pas distribués équitablement. « Walk the River », chanson éponyme de l’album, a tout pour devenir une référence pour les quatre artistes et le monde musical qui les entoure. Tout comme « Dancing in the Devil’s shoes » et son ambiance ténébreuse. Ce morceau est un petit bijou à lui tout seul. La voix pimpante du leader des Guillemots vient lécher gracieusement les notes exaltantes. Mais les pistes se suivent et ne se ressemblent pas. Traduisez cette impression par diversité ou… inégalité ! Toujours est-il que tous les goûts se retrouvent dans « Walk the River ». Et il ne laisse, par conséquent, pas indifférent. Il suscite le débat. Tantôt les plages fortes feront oublier les plus faibles. L’album sera alors évoqué comme culte. Tantôt les détracteurs retiendront cette incapacité à emplir chaque morceau de la même dose de talent. Mais quoiqu’il advienne, on finira toujours par parler de Guillemots.
Avez-vous déjà eu la sensation, en écoutant un album, de vous retrouver instantanément parmi vos potes, prêt à relever tous les défis ?
Le mini-album « Désarroi esthétique », c’est un peu ça ! Il n’y a qu’à écouter les titres tels que « Signal To Jersey » et « Jerome Kerviel Is A Market Man » pour s’en rendre compte !
Heliport, est un jeune groupe issu de Rennes. Fondé en 2007, il réunit François Guilbaut (chant), Ghislain Fracapane (basse et chant), Jean-et Régis Rollant (guitare), Florent Jamelot (guitare) et Eric Hardy (batterie). C’est au fil des concerts que la formation s’est forgée son expérience, partageant ainsi la scène avec des groupes comme les This Town Needs Guns, The Death Of Anna Karina ou encore Apes Did Ensemble. Le combo avait également participé à l’enregistrement de l’album des Alaska Pipeline, publié en 2008.
Ce disque n’est pas vraiment révolutionnaire. Mais sculptées dans le pop/rock, les compos apportent une grande bouffée d’air frais. Le tout en 18 minutes : durée totale de la plaque.
Les plus jeunes se retrouveront aisément à travers leur côté déjanté, tandis que les plus âgés, eux, se rappelleront volontiers leurs années rebelles et revendicatrices. De quoi plaire à tout le monde. Cette bande de bons vivants possède un énorme potentiel. Et le fait de ne pas se prendre au sérieux leur communique une touche de fantaisie qui n’est pas pour déplaire. Un ‘premier jet’ qui annonce un avenir très prometteur pour ce groupe !
Jenifererver est un quatuor suédois qui roule sa bosse depuis déjà quelques années. “Silesia” constitue d’ailleurs le troisième né de leur discographie. Peu connu, ce groupe est pourtant doté d’un grand potentiel !
La qualité musicale de cet opus est exceptionnelle. Le morceau qui ouvre l’elpee nous met immédiatement l’eau à la bouche. C’est aussi le titre éponyme. “Silesia” nous invite ainsi à voyager entre nostalgie et romantisme, mais sans excès. Le grand mérite de cette formation, c’est de faire jaillir des mélodies de la new-wave ou du bon rock. Mais c’est cette mélancolie douce qui apporte le relief aux chansons ; et “ Drink to remember” en est certainement la plus belle illustration. Au sein de l’univers Jeniferever, on transite d’une émotion à une autre, de piste en piste. On y vit également chaque moment de la chanson. Alternant passages chantés et instrumentaux, “ Hearth”, morceau qui achève l’opus, est une conclusion parfaite. Une synthèse, en quelque sorte, de leur expression sonore. Savoureux !
« Confessions of a Belladonna Eater » n’est pas le coup d’essai de Kid Loco, alias Jean-Yves Prieur. « A Grand Love Story » avait, en 1998, marqué le début du succès du musicien et producteur français. D’autres expériences ont suivi : la bande originale du film « The Graffiti Artist » et l’exercice de DJ, entres autres. Mais il n’a plus raflé tous les suffrages, comme à la fin des années 1990.
Pour les amateurs du genre, cet album pourrait bien être une aubaine. Car si on peut émettre quelques réticences à l’égard du clip de « The Morning After », au cours duquel une fille ‘zombifiée’ dévore à pleines dents, un homme, jusqu’aux organes ou même vis-à-vis des paroles de chansons qui loin d’être de grande qualité n’abordent guère de sujets hautement philosophiques (en même temps, serait-ce encore du vrai Kid Loco si tel était le cas ?) « Confessions of a Belladonna Eater » a le mérite de surprendre, de plonger l’auditeur dans le monde psychédélique de son auteur. Et ce dernier sait comment tenir son public en haleine. La preuve en est donnée par le titre maître, « Ballad for A Bella Donna ». La composition musicale de ce morceau est tout simplement un coup de maître. L’accordéon, qui en est l’atout majeur, y est transcendant. La chanson y figure deux fois : la première, en introduction, bercée par une voix féminine ; la seconde, au beau milieu du défilé des titres, quelque peu psalmodiée, par le producteur lui-même. Un reflet sincère de cet album, en fait, marqué par l’intelligence musicale plus que par le talent pur. Mais une compo diablement efficace.
En prenant le risque de choisir pour son album, un titre aussi redondant, Jérôme Orsoni (NDR : il n’en est pas à son coup d’essai, puisque son précédent opus s’intitulait –tout aussi énigmatiquement– « Pourtant nous avons avec soin, cueilli quelques croquis pour votre album vorace », une œuvre dont on retrouve ici quatre titres) expose son travail aux serres et aux griffes acérées du merle moqueur.
Mais au-delà de tout concept intello, reste la musique.
Cartes postales des jours qui passent et ne se ressemblent pas, chaque morceau de ce recueil offre une vision poétique du monde vu depuis un balcon qui surplombe l’amer (…)
Trames rythmiques et mélodies bouclées, sons ambiants et sonorités ‘ambient’, multi-effets et guitares triturées construisent le paysage O!nirique de ce voyage initiatique.
Entre Tortoise et Mogwai (le mélancolique « The Last Time I Saw August »), déroutant et déstabilisant, à mille lieux des sentiers battus et rabattus, ce disque se découvre lentement, comme on prend le temps d'admirer un ciel chargé d'orage.
Ne tournez pas la page trop vite !
A première écoute, cet album plutôt stylé permet à Bruno Rocha, chanteur originaire du Portugal, de présenter une certaine assurance en affichant un coté rebelle qui se lie à merveille au titre de son album, « Self shot soul ». Quant aux premières notes de l’opus introduites par « Love Queen », très vite on se laisse emporter par ses sonorités rock.
D’ailleurs, en fermant les yeux on pourrait presque s’imaginer en moto sur une route américaine.
Malheureusement, cette impression est éphémère… Le style musical de Bruno Rocha s’essouffle rapidement. On sent que son inspiration ne vient pas de son ressenti profond mais plutôt d’un effet de mode. L’album « Self shot soul » donne l’impression d’être né dans un but commercial. Des refrains répétitifs et dont les mélodies se mémorisent très rapidement, comme « There will always be another time » et « Who’s gonna lead ? » ou encore « That’s all right ». Ce qui donne l’impression d’écouter une seule et même chanson alors que plusieurs pistes sont passées.
Heureusement, quelques titres plus intéressants sortent du lot comme « Never too long » ou encore « Two white angels ».
Un premier essai plutôt décevant. Néanmoins, si Bruno Rocha explore davantage son style et ses idées, il pourrait très vite dévoiler son potentiel et finir même par impressionner !
The Sewergrooves est une formation suédoise très influencée par le rock n’roll de leurs compatriotes et amis d’Hellacopters. Le drummer Robban Eriksson a ainsi transité quelque temps chez les deux groupes. La formation est née en 2000 et « Trouble Station » constitue leur quatrième opus. Si ces zigomars n’ont pas inventé la poudre, leur musique est diablement efficace ! Plus pop que celle de leurs compatriotes, quoique bien rock, elle trempe cependant tout autant dans les 70’s. Mélodies volatiles, solos dégoulinants, timbre soul du chanteur et rythmique frénétique, The Sewergrooves ont la patate et tentent de nous la refiler. D’ailleurs, à l’écoute de leurs compos, vous vous surprendrez à balancer la tête, sans trop savoir pourquoi. On pense parfois aux Eagles of Death Metal, à Thin Lizzy et même aux Ramones sur des morceaux comme « Oh Trouble » ou « Burning Desire ».
« Trouble Station » n’est pas un elpee inoubliable, mais il ne manque pas de saveur. Comme un bonbon bourré de colorant et trop sucré. ‘To Sew Groove’ signifie ‘Coudre du Groove’ et, si les Suédois ne sont pas des orfèvres en la matière, ils se révèlent de très honnêtes artisans !
« Dorwytch » est avant tout le fruit d’un savant mélange de musique d’antan et d’outils modernes. La recette pour le déguster à la meilleure sauce est simple : allongez-vous, la pochette du CD ouverte sur le ventre (le dessin représente un ciel bleu troué de deux nuages blancs) et laissez-vous porter par les mélodies. Un incroyable voyage vous attend. Vous y traverserez toute une série d’époques et de lieux. De ceux qui ne vous avez peut-être même jamais effleuré l’esprit. La voix d’Alexander Tucker vous sert de guide. Elle flotte tranquillement à la surface des notes que laissent s’évaporer nonchalamment les instruments. Son timbre vous emmène sur des parcours que vous n’aviez encore jamais explorés. Des surprises vous guettent le long des premières plages de sentier. Mais lorsqu’on voit la fin de la route, ces ébahissements s’estompent. Et là, le périple devient quelque peu monotone. Il manque de salivation à l’idée d’explorer encore. Les notes, tout à l’heure à l’état de vapeur, se transforment en une pluie qui vient assombrir la fin d’une radieuse expédition. Mais on broie rapidement ce nuage noir. On le réduit à une contrariété insignifiante au milieu d’une escapade éclatante. Et là, on se souvient finalement que « Dorwytch » est un voyage qu’il faut tenter.
L’Américaine Maria Taylor publiera son nouvel album, « Overlook », le12 août prochain. La chanteuse d’Azure Ray a enregistré cet opus en compagnie de Browan Lollar et de son frère Macey, entre sa ville natale d’Omaha et Birmingham. Un peu de tendresse ?
Track Listing:
1. Masterplan
2. Matador
3. Happenstance
4. Like It Does
5. Bad Idea?
6. Idle Mind
7. In a Bad Way
8. This Could Take a Lifetime
9. Along for the Ride
Le nouveau clip de l'auteur/compositeur bruxellois, surtout connu pour son parcours de slammeur, Veence Hanao, est on line sur la toile. Intitulé "Kick, Snare, Bien" c’est un extrait du prochain Ep prévu pour la rentrée.
http://bit.ly/cliphd_ksb
http://www.veencehanao.be
Pour le dernier jour, le soleil a décidé d’être de la partie. D’autant plus de raisons pour faire la fête. Le dimanche est immanquablement le jour ‘familial’ à Couleur Café ; et l’affiche s’y colle parfaitement. Au programme : Seal, Band Of Gypsies 2, Irma, Dub Inc., Alborosie, etc. Sur papier, on ne se laisserait pas facilement convaincre mais, sur scène, l’ultime journée du festival réservait bien quelques bonnes surprises.
Il n’est pas idéal d’assister à deux concerts, en autant de soirées d’affilée ; car lorsque le spectacle parvient à me transporter, il me faut plus de 24h pour le digérer… Et ce sera le cas pour l’Unspeakable Chilly Gonzales programmé à la Volksbühne. Etait-ce de la musique contemporaine ? Un one-man show ? Une leçon d’éthique ? Ce que j’ai retenu, c’est que je ne me suis pas emmerdée une seconde. Le concert était ultra sold-out ; mais on a récupéré des cartes de ‘désistement’ après 3/4h d’attente à la caisse. D’un seul coup, 10 places se sont libérées (NDR : oui, je sais, j’aurais dû m’y prendre plus tôt ; et pareil pour les Foo Fighters).
L’homme est mégalomane : il se déclare légèrement dictateur à l’égard du Fuck Luck Orchestra (sic) qu’il ‘paie pour qu’ils fassent ce qu’il dit’.
L’homme est humble : en pantoufles et peignoir, comme à son habitude, il aspire avant tout à se décarcasser ostensiblement pour le public. Dans son interview sur Motor FM le lendemain, il expliquait que seuls les vrais artistes sont ceux chez qui on sent les années-misères, le vrai ‘job alimentaire’ de musicien de studio/d’ambiance/prof derrière eux, qui ont acquis assez d’humilité pour ne pas jouer les invincibles ‘même pas mal quand je joue’ une fois sur la scène du succès. Chilly Gonzales transpire, postillonne, s’obstine et s’essouffle. Il a parfois le profil du pianiste dans ‘Shine’.
L’homme est génial : il définit le musical genius comme la simple faculté d’entendre des choses et de les rejouer. Cela ne signifie pas le talent. Mais avant tout, l’unspeakable genius de Gonzales procède de l’invention d’un langage musical drôle et compréhensible qui demeure dans la finesse. Un piano s’exprime. Des incises au semblant improvisé donnent l’impression qu’il nous parle à tous, et pas seulement dans un jargon destiné aux musicos, même dans son trip extatique.
L’homme est un poète : il a peut-être pensé que les gens l’écouteraient plus que ne le liraient et a intégré ses poèmes, voire son pamphlet, dans sa musique. Résultat : du rap blanc qui ne parle ni de misère, ni de fric, ni de sexe et baston, mais résonne tel un article de Slate. Pourquoi le rap ? Parce que ‘si vous n’aimez pas le rap d’aujourd’hui, vous n’aimez pas aujourd’hui’.
L’homme souhaite vivre dans son temps: ‘I want to be a man of my time with my old-fashioned skills. (…) Find a way in. Find your way in’. Le pianiste tambourine de la pédale et va dans les cordes, mais accuse les musiciens classiques contemporains d’avoir tué la musique classique et se met à jouer n’importe quoi, ‘What I’m playin’ is bullshit, you know, just make the face so as to make it credible’.
L’homme est capitaliste : ‘Vous savez, ceux qui aiment ce que je fais achèteront mes disques et viendront à mes concerts, c’est comme ça que ça marche, je suis capitaliste’. ‘I’m a lot of things, but a left-wing singer songwriter I’m not.’
L’homme est arrogant, atypique, légèrement démoniaque, et complètement barge…
(Organisation Volksbühne)
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