Depuis 2008, on assiste à une résurgence de la dream pop et de la noisy sur la scène musicale indépendante (Beach House, School of Seven Bells, The XX…) Genres musicaux où l'essence de la musique converge vers les textures et les ambiances éthérées plutôt que vers les riffs rock propulsifs. Le phénomène ne demeurant plus exclusivement britannique revient en force sur la scène rock expérimentale étasunienne.

La programmation du Chapiteau, baignée d’un merveilleux printemps écossais, nous en faisait du reste la démonstration en invitant les Américains de Deerhunter (Atlanta), The Dodos (San Francisco), A Sunny Day In Glasgow (Philadelphia) et les Danois –résidant à Berlin– de Raz Ohara And The Odd Orchestra. Quatre formations ambient pourvues, chacune, d’ingrédients particuliers (pop-rock, punk, psyché-folk, électro…) mais naviguant sur des ondes sonores communes. Un line-up de qualité et parfaitement cohérent.

Découvert sur la scène internationale en 2009 grâce à son second long playing « Ashes Grammar », A Sunny Day In Glasgow ouvrait de bien belle manière cette sixième journée des Nuits Botanique devant un public timide. Six artisans qui érigent les ogives d’une cathédrale de sons, sise sur des sables mouvants mais habitée de mélodies ellipsoïdales nimbées d’échos, de nappes électroniques, de guitares filtrées et sublimées gracieusement par les deux voix féminines de Jen Goma et Annie Fredrickson. Malgré des influences criantes telles que Lush ou Slowdive, le sextet philadelphien parvient à sculpter de majestueux ‘soundscapes’ à la fois abyssaux, personnels et uniques. « Slaughter Killing Carnage – The meaning of words » givre l’instant d’une voix féminine soufflée et immortalise des paysages sonores introspectifs et existentialistes qui vous glacent le sang. Une dream pop sombre et sensuelle couverte de deux guitares résolument noisy inscrites dans la pure tradition britannique des 80’s qui contemple les horizons lointains de « Victorialand » (Cocteau Twins). Une musique qui ne réchauffe pas le climat humide du chapiteau, mais fait voyager l’âme.

Raz Ohara And The Odd Orchestra, projet porté par le Danois Patrick Rasmussen, place la suite des événements sous le signe d’un ambient original. L’ambient minimaliste, irradié par la voix du leader scandinave se couvre d’une multitude d’instruments (guitares, drums, accordéon, xylophone…) Une atmosphère qui s’éclaire parfois de guitares électriques rock soutenues d’une ligne de basse solide, puis replonge subitement dans les bras d’un atmosphérique cotonneux. Un set additif globalement placé sous le contrôle d’un électro planant et psyché.

La réputation de The Dodos, en concert, est solidement établie et l’éloge de leur troisième opus, « Time to die », sorti en 2009 (NDR : album bénéficiant de la précieuse production de Phil Ek : The Shins, Fleet Foxes, Band Of Horses) n’est vraiment plus à faire. Un trio extrêmement physique au volume sonore capable de déplacer des montagnes. Sur scène, côté jardin, Meric Long (chant/guitare), côté cour, en lisière de front stage, le batteur hyperkinétique Logan Kroeber ; et, en background, le dernier venu, Keaton Snyder derrière son vibraphone king Size. Les trois hommes agitent les ondes sonores aussi violemment que le ferait un groupe formé d’une douzaine de musiciens. Une performance en montagnes russes qui vacille entre des morceaux orageux capables de déchirer les toiles robustes du chapiteau de leurs drums hyperpuissants et des mélodies à fendre les cœurs de pierre. Une musique bipolaire qui coupe le souffle du spectateur et le surprend souvent par son défi constant de toute loi de la logique pop, folk ou rock. The Dodos rompt cependant trop fréquemment l’équilibre mélodique en privilégiant particulièrement les drums. Une dualité guitare/batterie qui caractérise le trio californien mais dont l’arrivée récente du vibraphone de Keaton Snyder étoffe le son et offre un supplément d’équilibre sur scène entre le binôme percussif et mélodique. Un instrument de transition qui permet au public de pénétrer les territoires mélodiques et dynamiques les plus complexes avec moins de brutalité. Ce soir, les arabesques alambiquées des trois Américains se font sensiblement sentir sur des titres d’une impressionnante précision comme “Two Medecines”. Un morceau répétitif où tous les éléments guitare/batterie/chant s’agencent merveilleusement (NDR : instant où l’on croirait entendre un essaim de guitares et de batteries). L’autre versant du groupe s’éclaire de morceaux plus mélodieux tel “Time To Die”. Un titre vibrant d’émotion au tempo ralenti, aux arpèges qui se déroulent... Un instant de frisson qui ne réchauffe pas le printemps glacial du chapiteau mais nous offre globalement un délicieux moment de pure énergie brute !

Venu présenter son dernier opus « Microcastle » (NDR : collaboration avec Nicolas Vernhes : Animal Collective, Cat Power…), Deerhunter n’hésitera pas à envoyer le bois pendant presque une heure pour clôturer cette sixième soirée de festival. Fidèle à sa réputation live, la bande de Bradford Cox ouvre les hostilités par « Wash Off », nous rappelant ainsi qu’elle n’a pas totalement abandonné son esprit rock-garage et punk dans le fond d’un grenier poussiéreux. Un mur du son puissant qui s’effrite cependant progressivement pour laisser place au nouveau visage Deerhunter. Un visage plus mélodieux s’élevant davantage dans les sphères éthérées de la dream pop et du noise rock. Un nouveau genre qu’ils qualifient eux-mêmes de garage ambiant. « Little Kids » s’ouvre dès lors à des mélodies plus pop derrière lesquelles les guitares s’apprêtent sournoisement à monter, crescendo, à saturation pour nous propulser dans de purs moments d’apesanteur. Malgré des morceaux plus rêveurs sous influence ‘Animal Collective’, la setlist recèle de nombreux voyages noisy qui invitent à une transe électrique et agitée. Par ailleurs, « Nothing Ever Happend » pourrait bien faire figure d’archétype résumé de l’ère « Microcastle ». Un morceau pop chargé des guitares libres du krautrock et d’expériences dream pop. Un groupe qui se situe toujours à l’intersection de genres s’éloignant souvent des rives balisées de la conformité. A la sortie de chaque concert, une impression de chaos subsiste un certain temps et puis se désagrège. Le final sur « Calvary Scars » nous rappelle sans cesse que la muse ‘mybloodyvalentinesque’ reste indéfiniment dans l’ombre de l’univers noise de Deerhunter. Morceau qui démarre sur une pop discordante et se termine sur une explosion sonore ‘shoegazée’. C’est finalement le corps trempé jusqu’aux os et les tympans dévastés que le spectateur repartira rejoindre un Morphée probablement très agité. 

Deerhunter + The Dodos + Raz Ohara And The Odd Orchestra + A Sunny Day In Glasgow

Organisation Botanique

Attention ce Dvd est un documentaire consacré au meilleur opus enregistré par Tom Petty et sa bande, en 1979, « Damn the Torpedoes ». Il s’agissait du troisième elpee de cette formation née en Floride. Sacré triple album de platine, il recelait une compo exceptionnelle, intitulée « Refugee ». C’est d’ailleurs ce morceau qui allait lancer la carrière du groupe. La plaque inclut des interviews, des analyses, des images d’archives et même une leçon de guitare dispensée par Mike Campbell.

La sortie de ce Dvd annonce, en fait, tout simplement, la réédition prochaine de cet album culte. Il sera double et recèlera d’inévitables inédits.

Curieux, en lisant les articles consacrés à cette formation insulaire, on évoque surtout leurs plus gros tubes. « True », « Gold ». Voire même des ballades qui ont mal vieilli, comme « Through The Barricades » (NDR : je ne vais pas les citer toutes, elles sont toutes aussi ringardes les unes que les autres). Et pourtant, à leurs débuts, le quintet a commis quelques excellentes compos. Et en particulier « Chant n°1 », « Instinction » ou encore « Communication ». Sans oublier « To cut a long story short ». En fait, tant que leur musique était teintée de funk blanc, elle demeurait excitante ; mais dès qu’elle n’a plus visé que les charts, elle est devenue ‘chiante’ (NDR : fallait le dire !) Le quintet s’est donc reformé après s’être séparé, il y a vingt ans. Jusque là pas de problème. Le hic, c’est qu’il y a une dizaine d’années, les musiciens se sont entredéchirés par voie judiciaire. Pour le fric, vous vous en doutez. On suppose, qu’aujourd’hui, ils n’en ont plus. Donc ils ont enterré la hache de guerre. Et sont repartis en tournée. Les fans sont ravis. Tant mieux pour eux ! Les néoromantiques ont cependant, aujourd’hui, des kilomètres au compteur. Tony Hadley, le vocaliste, ressemble même à un employé de banque ou à un agent d’assurance, en fin de carrière.

Et la musique dans le jeu de quilles ? Bien interprétée. Les 20 000 spectateurs semblent ravis. La mise en scène grandiose. Les projections nous replongent dans leur illustre passé (NDR : quand ils étaient jeunes). Les titres évoqués dans le paragraphe ci-dessus confirment mon point de vue (NDR : tout en subjectivité). Mention particulière pour « Instinction ». Morceau au cours duquel la choriste vient donner davantage de relief aux harmonies vocales. Dommage, d’ailleurs, qu’elle n’intervienne pas plus souvent. Mais bon, Spandau Ballet appartient à l’histoire, et à mon avis, il aurait été préférable qu’il le reste. D’ailleurs, la seule nouvelle compo proposée au cours du set, « Lifeline », ne casse vraiment pas des briques.

En 2007, cet ensemble canadien avait publié un remarquable elpee. Intitulé « Glory Hope Mountain », il avait fait l’effet d’une bombe parmi la presse spécialisée. Leur néo folk rafraîchissant, né d’une rencontre hypothétique entre Sufjan Stevens, Midlake et Arcade Fire, avait fait l’unanimité au sein du monde musical. Et ces éloges étaient entièrement mérités. Cette situation leur a alors permis d’assurer le supporting act pour des groupes ou des artistes comme Fleet Foxes, Bon Iver, Calexico ou encore Elbow. De quoi engranger une bonne dose d’expérience. Après avoir accompli différents périples, mais également été consacrés par différentes citations (NDR : notamment leur sélection pour le Polaris Music Prize qui récompense, chaque année, le meilleur artiste canadien), il était donc temps pour le combo d’Ottawa de se remettre au travail. En espérant que toute cette gloriole ne leur monte pas à la tête…

Pour prendre ce recul nécessaire, Rolf Klausener et sa troupe se sont donc retirés au sein d’un village proche de Montréal. Et ils ont commencé à écrire leur « No Ghost ». Rien de tel que l’air frais québécois pour se nettoyer l’esprit. Et il faut reconnaître que cette retraite à porté ses fruits…

Fondamentalement, la musique de The Acorn n’a pas changé. Le timbre envoûtant de Rolf Klausener est toujours empreint de charme et de lyrisme. Conjuguées, les harmonies vocales sont une nouvelle fois splendides. Simplement, tout au long de « No Ghost », leur néo folk est circonstanciellement et subtilement électrifié. Ce qui communique davantage de relief aux compos. Et les rend même encore plus percutantes. Les mélodies sont tout bonnement irrésistibles. L’instrumentation parfaite. Les arrangements évoquent les grandes étendues paisibles des paysages du Canada. L’opus alterne morceaux allègres et plus atmosphériques, mais sans jamais perdre sa saveur. Une exception confirme la règle : le dansant « Crossed Wires ». Franchement, il dénote quelque peu dans l’ensemble.

Après avoir écouté ce disque (NDR : une petite heure, quand même), on se sent apaisé, serein, et des rêves plein la tête. Une thérapie bien plus efficace (et surtout moins onéreuse) que n’importe quelle séance d’une quelconque relaxation. Ce bien bel album devrait marquer l’année 2010. En attendant la sortie de ce « No Ghost », prévue pour le 7 juin, sachez que le groupe se produira au Botanique, le 5 juin, en compagnie de Xiu Xiu. Une belle soirée en perspective !!!

Après le succès décroché par leur premier album, le trépidant « Blonde comme moi », les BB Brunes devaient confirmer. Surgi de nulle part il y a un peu plus de trois ans, le quatuor de teenagers réussit immédiatement l’exploit de s’imposer dans le milieu. Leur premier opus séduit le grand public grâce à une grosse promo radio et subitement, le groupe se voit propulsé comme chef de file du ‘nouveau rock français’. Un disque de platine, une Victoire de la Musique (Artiste - Groupe Révélation Scène 2009) et des centaines de concerts plus tard, Adrien, Félix, Karim et Bérald sont attendus au tournant. Or, ils relèvent allègrement le défi en nous proposant « Nico Teen Love », coréalisé par le groupe & Antoine Gaillet (Les Wampas, Julien Doré, Mademoiselle K, Arman Méliès…)

L’empreinte BB Brunes est facilement reconnaissable. Des compos bien rock, des guitares très présentes, une rythmique basique, des refrains faciles, des chœurs mais pas trop et la voix du chanteur, souvent maniérée, un brin lascive, qui contribue amplement au son de « Nico Teen Love ». Boosté par le hit « Lalalove you », que toutes les ondes programment, ce nouvel elpee entre par la ‘grande porte’, se plaçant directement dans les meilleures ventes de cette fin d’année 2009.

A l’écoute des 15 titres pas de révolution à l’horizon. Une musique de ‘Bébés rockeurs’, des thèmes récurrents : les filles, les garçons, les garçons, les filles. Bref rien qui ne rehausse vraiment le niveau. On les retrouve exactement au même endroit où on les avait laissés à l’issue de la sortie de leur premier Cd.

Mais attention, ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit (plutôt écrit). Ce n’est pas un disque de mauvaise facture. Aucun des 15 morceaux ne dénote. Tout se laisse gentiment écouter. BB Brunes nous offre une toute petite heure de petit bonheur en toute simplicité dont on extirpera quelques compos très intéressantes : « (D)Andy », « Lalalove You », « M. La Maudite » ou encore « Nico Teen Love », par exemple. 

Petit groupe gentil vient de sortir joli petit album ! 

Big Dez est une des plus anciennes formations blues de l'Hexagone ; mais aussi l'une des plus solides et talentueuses. C'est à Paris, en 1996, que le chanteur guitariste Phil Fernandez, dit Big Dez, fonde son groupe. Il y entraîne alors le redoutable claviériste Bala Pradal. L'harmoniciste Marc Schaeller est également de l’aventure. Par contre le second gratteur, Rodolphe Dumont, a débarqué au sein du line up, un peu plus tard.

Phil est un passionné du Texas. Il s’y est rendu de nombreuses fois et s'est fait des tas de connaissances. Il est monté sur les planches en compagnie d’artistes notoires comme Luther Allison, Billy Branch ou encore WC Clarck. Il était même devenu l’ami du regretté et légendaire batteur, Uncle Joe Turner (ex musicien de Johnny Winter). En mars 2003, le groupe s'envole pour Austin, afin de mettre en boîte son premier album "Sail on blues". L'année suivante, le combo reprend le même vol pour aller concocter son second opus, "Night after night", au même endroit. Il faudra cependant attendre février 2008 pour saluer la publication de "You can smile". Lors des sessions, le band avait reçu la collaboration de plusieurs pointures locales, dont Preston Hubbard des Fabulous Thunderbirds et Sax Gordon Beadle. Il était donc temps d’immortaliser un long playing ‘live’. Et c’est chose faite, puisque ce "…Late Live!" réunit des compos interprétées lors de tournées accomplies en 2008 et 2009 ; et notamment au festival Cognac Passions ainsi qu’au Fleurus in Jazz festival. Un disque qui nous offre près de 80' de musique dense et enflammée.

Le quartet de base est bien calé dans ses starting-blocks. Au fil des plages, différents musicos viennent apporter leur concours. Dont pas moins de cinq cuivres, parmi lesquels figurent l'ami américain, Gordon Beadle, mais aussi la saxophoniste du Bones Project de Boney Fields, Nadège Dumas. Le blues de Big Dez est teinté de rock, mais laisse également transparaître des accents très prononcés de R&B et de funk.

C'est sous un format big band que Big Dez attaque la plage d’ouverture, le "Sack o'woe" de Cannonball Adderley. Un instrumental tout en puissance. Du R&B très accrocheur. Les musiciens tirent leur épingle du jeu, chacun leur tour : Pradal à l'orgue Hammond, Andrew Crocker à la trompette, Gordon Beadle au sax ténor et Phil aux cordes, à moins que ce ne soient celles de Rodolphe, car l’entrée en scène de Fernandez est enfin annoncée. Et le set d’embrayer par la plage introductive et éponyme de "You can smile". Du Memphis R&B, généreusement nappé par l’orgue de Bala. La voix de Phil est puissante et domine le sujet. Elle est, en outre, soutenue de chœurs féminins. Parfaitement huilée, la machine aborde le rock'n'roll, lors de la cover du "I knew the bride when she used to rock'n'roll" de Nick Lowe (NDR : c’était à l’époque de Rockpile, au sein duquel militait également Dave Edmunds). Le tempo est très rapide. Bala est très à l'aise derrière son piano. Une formule qu’on retrouve sur "Keep a knockin". Extrait du premier elpee, "Bad news" campe un tout bon R&B funkysant. Il est caractérisé par de solides envolées de Phil aux cordes et de Marc à l'harmonica. Tout au long du blues lent très ‘Stax’, "Anywhere please", Phil impose sa griffe, nonobstant la présence de Vanessa et Kania aux backing vocaux. Il y dispense un solo tout en feeling. Fernandez est particulièrement convaincant lors de son adaptation du "The come back" de LC Fraser. Son jeu est manifestement inspiré par un maître texan, Albert Collins. Imprimé sur un tempo élevé, "One way ticket" marque le retour de Marc Schaeller, dont le souffle à l’harmo est chargé de passion. La reprise torride du "Three O' clock blues" de Lowell Fulsom est un blues d’excellente facture, au cours duquel les interventions aux cordes sont éclatantes. Dans le même registre, "I got the blues" est issu de la plume de Leo Nocentelli. Le "You don't know what love is" de Fenton Robinson concède un arrangement soul blues dansant. Bien dans l’esprit R&B, "Let's have some fun" accorde un billet de sortie à Schaeller et Pradal. L’elpee recèle encore quelques morceaux funky, dont une bien agréable reprise de "Green onions", au cours de laquelle Phil et Bala réincarnent Steve Cropper et Booker T.

Au cours de cet été, Big Dez se produira lors de plusieurs festivals européens. Notamment celui de Bourges ainsi que le Jazz Rallye de Luxembourg, en juillet ; et puis en août, au Nottoden Blues Festival, en Norvège.

Derrière son look de baba cool et ses petites boucles qu’un porte-parole de Babyliss ne pourrait qu’approuver, Darwin Deez est loin d’être le néo-hippie dont il a l’air. Musicalement, du moins. Car Mister Deez n’est pas homme à puiser dans le passé, un héritage déjà surexploité. Darwin Deez est dans l’air du temps. Pas novateur pour un sou mais d’une fraîcheur et d’une vivacité sans faille. Une plaque immédiate, qui vous colle la banane pour la semaine. « Constellations », le single introductif de l’œuvre furète du côté des Strokes mais également Beck, circa « Mutations ». Deux influences qui poursuivent le New-yorkais tout au long d’un premier labeur parsemé de handclaps irrésistibles et de riffs de guitares aussi élémentaires et nerveux qu’efficaces.

Deez est le mec qui a bien compris comment ça marche. Tu t’amènes avec tes petites crolles, tu balances une dizaine de morceaux entêtants engendrés sur ton vieux PC. Tu les accompagnes de quelques pas de danse bien sentis (voir la vidéo de sa « Spring Dance » pour le moins originale, dispo sur Youtube), et le tour est joué. Pas besoin d’en faire des tonnes. C’est ça la théorie de la contre-évolution. Tout le génie des titres comme « Radar Detector », le faussement enjoué « Bad Day » ou l’insolant « The Suicide Song » découle d’une production terriblement cheap. Un premier effort discographique low-budget spontané, à contre-courant des grosses machines industrielles qui surpeuplent la scène indie.

Il n’a pas fallu longtemps à Luke Temple et sa troupe pour livrer un successeur à leur premier album éponyme, sorti en mai dernier. Juste le temps d’accomplir une brève tournée en compagnie de Grizzly Bear et de The Walkmen, et les New-Yorkais rentraient au bercail pour enregistrer ce nouvel opus. Un disque dont l’écriture n’a nécessité que quatre mois. Manifestement, Mr. Temple se plait beaucoup à la tête de sa nouvelle formation. Une dynamique qui lui permet d’embrasser de nouveaux horizons sonores. Bien différents que celui du folk, au sein duquel il se confinait, en solitaire.

Tout au long de ce second elpee, synthétisme et psychédélisme semblent faire bon ménage. La ligne de basse est hypnotique, caoutchouteuse et l’orgue insidieux. Un peu dans l’esprit d’Of Montreal. Et pas seulement à cause de certains dérapages (NDR : susceptibles, à force, d’agacer) dans le disco. D’ailleurs la voix androgyne de Luke Temple campe un timbre fort proche de celui de Kevin Barnes. A contrario du long playing précédent, « Pigeons » n’accorde aucune place aux plages instrumentales. Les mélodies font systématiquement mouche. Le tracklisting inclut une majorité de morceaux allègres. A l’instar de « Hibernation », « Collector » ou encore « Old World United ». Ce qui n’empêche pas Here We Go Magic de s’aventurer dans l’univers atmosphérique d’un Flaming Lips (« F.F.A.P. », « Casual », « Land Of Feeling »). Seul « Bottom Feeder », en revient à une forme plus minimaliste, proche du Temple en solo.

Here We Go Magic se produira en première partie de The New Pornographers, ce 25 mai, au Botanique.

En 1984, Robyn Hitchcock publiait “I often dream of trains”, son troisième elpee studio. Juste avant d’entamer sa première aventure, en compagnie de ses Egyptians. Pour une certaine presse spécialisée, il s’agit d’un album de référence. En 2008, il a accompli une tournée, au cours de laquelle, son répertoire était essentiellement consacré aux compos de cet opus. Le 22 novembre, un des sets issu de ce périple, a été immortalisé ‘live’, au Symphony Space de New York City. C’est ce concert qui est reproduit sur cette œuvre. En intégralité sur le Dvd.

La partie audio souffre d’une approche un peu trop minimaliste de la plupart des compos. Difficile dans ces conditions, de faire passer son message psychédélique. Sauf peut-être, parfois dans la voix sinusoïdale. Ce n’est que sur la partie Dvd qu’on prend vraiment plaisir à apprécier sa prestation. L’humour de Robyn Hitchcock et de ses deux acolytes (Terry Edwards aux claviers, aux cuivres, à la basse et au piano ainsi que Captain ‘Tim’ Keagan à la seconde gratte) passe mieux la rampe, surtout lorsqu’il est souligné par les mimiques et les attitudes (NDR : pensez à Mr. Bean). L’interprétation a cappella d’« Unconnected prersonality trails » est d’ailleurs aussi bien splendide qu’hilarante. Bien sûr, une connaissance minimale de la langue de Shakespeare est une aide précieuse, pour mieux saisir les remarques spirituelles de Robyn. Et on entre plus facilement dans l’univers excentrique du Britannique. En outre, les chansons se traînent alors bien moins en longueur. Il y a bien ces quelques interludes (NDR : des interviews accordées dans le train, des images filmées il y a un peu plus de 25 ans et quelques paysages balayés par une caméra, à travers la vitre d’un wagon réservé aux voyageurs), mais l’ensemble tient en haleine. D’autant plus que c’est à mi-parcours que les meilleures compos sont proposées. Peut-être aussi parce que Hitchcock a décidé d’empoigner sa six cordes électrique. Il y a d’abord ce superbe « Winter love », au cours duquel Gaida Hinnawi vient poser ses vocalises yiddish. A vous flanquer des frissons partout. Le ‘sydbarretien’ « This could be the day » (NDR : une référence incontestable pour notre Robyn). Et puis en rappel deux morceaux extraits du dernier album, « Goodbye Oslo ». Dont « Goodnight », au cours duquel Gaida est de retour. Et Amir El Saffar vient joindre sa trompette à celle de Terry. Une compo dont la mélodie évoque curieusement James.

A voir donc plus qu’à écouter !

Dire que je n’attendais pas grand-chose de cet album de Josiah est un doux euphémisme. Que pouvais-je espérer de cette collection d’inédits et de titres live d’un obscur combo stoner anglais ayant splitté il y a deux ans déjà ? Personnellement, je n’avais même jamais écouté ce groupe. Et, la seule fois que j’avais lu son nom, c’était en lisant la biographie de Cherry Choke, un groupe garage rock fondé par Mat Bethancourt (NDR : le leader de Josiah). Fallait-il voir dans ce « Procession » une ultime tentative de la part du label Electrohash de se faire un peu d’argent sur le dos d’un groupe disparu ? Cette situation, en tout cas, ne laissait rien entrevoir de bon.

« Procession » est la preuve, qu’en matière de musique, il faut se méfier des idées préconçues. Car je dois bien l’avouer maintenant, ce disque est un petit joyau et je remercie Electrohash de l’avoir édité.

Josiah est un trio, formé en 2000 par le guitariste Mat Bethancourt et le bassiste Sie Beasley. Ils se partagent les vocaux. Leur line up ne s’est stabilisé qu’en 2004. Après l’arrivée, derrière les fûts, de Keith Beacom. De 2000 à 2008, Josiah a publié 3 albums et deux Eps. Il tourne également un peu partout en Europe.

« Procession » est partagé entre cinq plages enregistrées en studio et autant ‘live’, en Suède (NDR : c’était en mars 2007). Les cinq titres studios sont de véritables petites bombes mêlant classic rock à l’anglaise et stoner plombé. Si les premiers opus de Black Sabbath semblent être l’influence principale du groupe (NDR : certains des riffs semblent avoir été directement inspirés par les pierres angulaires du heavy rock qu’étaient « Paranoïd » et « Sabbath Bloody Sabbath ») il ne faut pas réduire Josiah à une pâle copie du patriarche de Birmingham. Le trio anglais est loin d’être un groupe doom métal. Certes, ses guitares sont lourdes, mais elles sont aussi très rock. A l’influence du grand Sabbath, il faut certainement aussi ajouter celle de Led Zeppelin (dans ce qu’il a fait de plus rock) et peut-être même de Motörhead. Le son ‘brut de décoffrage’ des cinq titres live apporte à la seconde partie de la galette un côté authentique tout à fait envoûtant. Sur ces cinq compos, les riffs groovys et l’abus de pédale wah-wah nous transportent carrément à une autre époque. Difficile de croire que ces titres ont été enregistrés en 2007 et pas en 1974.

Pour un disque dont on n’attendait rien, « Procession » est une véritable excellente surprise qui donne envie de découvrir plus en détail la discographie de ce groupe malheureusement disparu.