Si vous n’avez pas encore entendu « Suite Royale », abondamment diffusé ces derniers temps par France Inter et Radio Nova, c’est que vous n’écoutez pratiquement jamais la radio. Fondée en 2004, La Maison Tellier est en passe de crever l’écran. Fondé en Normandie par les frangins Helmut et Raoul Tellier, ce collectif est rapidement rejoint par le reste de la famille : Léopold, Alexandre et Alphonse Tellier. Le patronyme du groupe renvoie aussi à une nouvelle de Maupassant, où la tenancière d’une maison close (la Maison Tellier) ferme le bordel pour la première communion de sa nièce.
Mais si le groupe chante en français (autant qu’en anglais), c’est plutôt dans le far-West que se situe leur terrain de jeu, leur pays imaginaire. La guitare, le dobro (guitare à résonateur métallique), le banjo et la batterie forgent une ambiance de western, le côté spaghetti étant assuré par l’humour transpirant des textes. Les frères Tellier jouent à l’amour, à la guerre, comme au poker.
Le rock lancinant et puissant du disque évoque Calexico et Noir Désir, mais parfois les voix empruntent à David Bowie ou Dominique A. Sur « Five years blues », la trompette et le trombone renforcent les accents rageurs du chant pour un blues transperçant. L’ombre de Johnny Cash rôde dans le superbe « Mexico city blues », sorte de gospel résonnant d’un chœur puissant, auréolé de mariachis mexicains, se terminant a capella.
C’est parfois poignant, comme lors du superbe « Il n’est point de sot métier », où intervient la chanteuse Lippie. Sa voix fatiguée, frêle comme celle de Charlotte Gainsbourg, est une note féminine bienvenue dans ce monde de cow-boys.
Les textes jouent habilement avec les mots et les références, citent la Bible de manière décalée, comme un vieux gaucho méfiant réciterait un ‘Je vous salue Marie’ avant d’aller trouer la peau de son rival. Chaque titre est une histoire riche et haletante, souvent drôle voire totalement délirante, soutenue par une musique épaisse comme du sang. Un disque que l’on apprivoise comme un chien famélique, qui nous transmet la rage et devient notre compagnon de route.
William Boray, alias Willy DeVille, nous a donc quittés ce 6 août 2009. Il était né le 27 août du même mois. En 1953. A New York. Il était d’origine portoricaine. Sa musique ne pouvait que transpirer des influences latines. Mais aussi, r’n’b et rock’n’roll. Paradoxalement, il va participer à l’éclosion du mouvement punk américain, à l’instar de Richard Hell & The Voivods, Blondie, Ramones, New York Dolls, Dead Boys, Patti Smith, Talking Heads ou encore Television. Plus artistique et intello, cette scène était aussi beaucoup moins exclusive qu’en Grande-Bretagne. De 1974 à 1986, Willy va se produire au sein de son propre groupe, baptisé Mink DeVille, avant d’embrasser une carrière solo.
Le 13 juillet 1982, Mink Deville se produit dans le cadre du festival de Montreux, en Suisse. Le groupe est alors au sommet de sa forme. Outre le latin lover exotique (NDR : ses compos parlent d’amour, de passion et de femmes fatales), le line up implique alors le saxophoniste Louis Cortlezzi, le claviériste Kenny Margolis, le guitariste Paul James, le bassiste Joey Vasta et le drummer Tommy Price. Le Dvd et le Cd immortalisent ce concert. Les compos sont identiques sur les deux plaques. Deux fois 18 titres trempés dans la soul, dont les remarquables « Cadillac Walk », « Savoir faire », « Love & emotion », son succès planétaire « Spanish Stroll » et en finale une cover bouleversante du « Stand by me » (NDR : signée Ben E. King, cette chanson a fait l’objet de multiples versions, dont les plus populaires sont probablement celles d’Elvis Presley et de John Lennon). Et le reste des compos est de la même trempe. J’accorderai quand même mon coup de cœur au Dvd qui reflète parfaitement l’intensité émotionnelle dispensée lors d’un set dispensé par Mink DeVille, à l’époque. En outre, le son est excellent (sauf en tout début de parcours).
Ne vous fiez pas au titre de l’album “Heavy Metal Fruit”. Motorpsycho, bien qu’il soit parfois assez heavy, n’a pas grand-chose de métal. Fondé il y a un peu plus de vingt ans à Tronheim, sur la côte ouest de la Norvège, Motorpsycho distille une musique plutôt inclassable. Stoner ? Rock progressif vintage ? Revival seventies ? Jazz rock ? Rock psychédélique ? Choisissez l’appellation qui vous convient. Ou plutôt non, prenez les toutes ensemble puisque, dans le fond, Motorpsycho, c’est exactement un cocktail de toutes ces références : de longs titres épiques aux structures progressives, des guitares aussi lourdes que celles du Black Sabbath original, de longs passages instrumentaux planants et hypnotiques ainsi qu’une bonne dose d’expérimentations instrumentales.
La grande force du combo norvégien procède de la façon imprévisible dont il arrange tous ces styles. Difficile par exemple de deviner qu’un titre ultra-heavy comme « Starhammer » se terminera en une jam jazz-rock instrumentale débridée et envoûtante. Même chose pour « X-3 (Knuckleheads In Space) / The Getaway Special » qui débute comme un titre ‘classic rock’, que n’aurait probablement pas renié Steppenwolf, pour s’achever dans le ‘free jazz’, moment au cours duquel une trompette déroutante se taille la part du lion. Surprenante et inattendue aussi cette ballade très seventies intitulée « Close Your Eyes » qui se situe un peu dans l’esprit du « Only Women Bleed » d’Alice Cooper. Caractérisé par ses guitares débridées, ses percussions déroutantes et sa section basse/batterie très démonstrative, l’instrumental « W.B.A.T. » est à nouveau contaminé par le free jazz. « Gullible's Travails (pt I-IV) » constitue la pièce la plus impressionnante de l’album. Un titre indéniablement progressif, d’une durée proche des vingt minutes, sur lequel le trio norvégien se livre à une véritable recherche sonore, cherchant à innover tout en gardant un esprit très seventies.
« Heavy Metal Fruit » est un album envoûtant et magique. Un must pour les amateurs de rock progressif teinté de fortes influences seventies.
« Together Out » constitue le 5ème album des New Pornographers, un ‘supergroupe’ canadien réunissant des membres de Destroyer, Swan Lake, A.C. Newman et Maow dont les figures les plus connues sont assurément Daniel Béjar, Neko Case et Carl Newman. Après avoir fait étape à Toronto, à l’occasion de la sortie du fabuleux nouvel elpee de Broken Social Scene, direction Vancouver ! The New Pornographers (NDR : leur patronyme s’inspirerait d’une citation de Jimmy Swagart qui avait qualifié la musique moderne de ‘nouvelle pornographie’), est également un collectif. Moins expérimental que celui de BSS, il cherche à rendre à la pop, la power pop très exactement, ses lettres de noblesses ! Et manifestement, il ne s’en sort pas trop mal…
Pourtant, à première écoute, les compos de ce « Together Out » semblent quelque peu pompeuses, formatées, destinées à la bande FM, même. Ce n’est qu’au fil des écoutes, qu’on se rend compte de leur richesse et de leur créativité. Et pour cause, audacieux, le sens mélodique n’est pas toujours très évident. Ce qui n’exclut pas la présence de titres tubesques, aux refrains survitaminés et à reprendre en chœur. « Move » et « Up In The Dark » en sont probablement les plus belles illustrations. Neko Case, Daniel Béjar et Carl Newman se réservent les vocaux à tour de rôle. Ce qui confère davantage de nuances aux différentes plages. Celle de Béjar baigne même au cœur d’une certaine folie sur « Daughters Of Sorrow ». Il y a, en outre, une forme de lyrisme suranné chez The New Pornographers. Des réminiscences peut-être héritées d’Electric Orchestra. L’éclectisme de cette œuvre transparaît encore sur « Valkyrie In the Roller Disco », une ballade minimaliste parfaite, « Crash Years », caractérisé par ses sifflements étonnants ou encore « Bite Out My Bed », parcouru par les interventions judicieuses de Zach Condon (Beirut), à la trompette. Lors des sessions d’enregistrement, la formation a notamment bénéficié du concours de Will Shelf (Okkervil River) ainsi que de St.Vincent. Une constante quand même tout au long de ce long playing : les chansons communiquent naturellement un sentiment de bonne humeur. Elles seraient même susceptibles de regonfler le moral à un Grec !
Victime d’un coup de mou, lors de la sortie de leur précédent elpee, « Challenger », The New Pornographers a manifestement retrouvé la pêche. Et ce « Together Out » en est la plus belle démonstration. Bien sûr le combo ne réinvente pas la pop, mais il cherche constamment à la magnifier, et tout en finesse !
En concert ce 25 mai au Botanique ! Et à ne louper sous aucun prétexte !
Lancé par deux ex-membres du groupe Alisse, Paperweight naît en 2005 de l’envie de délaisser certaines influences trop rock pour mettre en exergue d’autres facettes issues des influences de ses fondateurs. François Millet (voix, guitare…) et Sébastien Flémal (guitare, basse, claviers…) sont rejoints par Kevin P. à la batterie et, en 2006, sortent leur première production, « All Star Ep », sur leur Label Paperheart Music (www.paperheartmusic.net) créé pour l’occasion. S’en suivent plusieurs prix : concours Pure Demo en janvier 2007, Wolurock festival (second prix), soutien du programme « Ca balance » par la Province de Liège, et un écho favorable dans la presse spécialisée ainsi que sur les sites ‘indie-omanes’.
Une bonne série de concerts plus tard, la formation nivello-bruxelloise se quatuorise en accueillant Cédric Van Mol (basse, guitare, claviers…) afin de conférer un son plus abouti à leur musique. Pour leur premier album, « Snails of April », le groupe a bénéficié des ingénieux services de Loïc Bodson (Flexa Lyndo, Loïc BO…) et de Gaëtan Streels (Me & My Machines, Jeronimo…) Le résultat trempe dans un style indie d’une sombre fraîcheur. Pour continuer dans les paradoxes salutaires dont il regorge, on avancera que ce 12 titres aux distorsions ‘propres’ est intelligemment pop, sagement post-rock, résolument moderne dans ses influences 90s, et bordéliquement structuré. Ses harmonies sont riches mais subtiles, sa sensibilité mélancolique mais énergique… Les bonnes idées sont intangibles et pourtant le tout est bien solide. On sent qu’on sort des chemins battus mais on a du mal à définir pourquoi. En effet, si les influences sont indéniables (Nada Surf, Pavement, Dinosaur Jr., Lemonheads, Pixies, Chokebore, dont on en retire le meilleur), le groupe, qui se définit comme étant ‘postpop électro-bricolo issu de la vague shoegazer’, n’est aucunement formaté.
Que ce soit par ses riffs accrocheurs (« Oh, My Owa »), ses chœurs et dialogues vocaux singuliers (« Snails of April », « Amy Knows »), sa voix vulnérablement intense sur fond de rythmes ‘ronds’ (« Failure »), la musique semble avancer par bridges noisy et incisifs. A l’instar de « You and I », « Scared » (au diable les couplets et les refrains, ils seront transcendés) tout en axant sa profondeur sur l’intensité de la mélodie. Quoiqu’il arrive, toutes les surprises qu’offre cet elpee sont bonnes. Et, même si l’opus fait preuve de maturité et d’aboutissement, on attend impatiemment la suite…
Bien que partageant la scène belge avec leurs comparses My Little cheap Dictaphone et Girls in Hawaii, Paperweight ne vise pas la tête d’affiche, mais a pour ambition unique de faire de son mieux dans son autodidactisme. Modestie n’empêche pas perfectionnisme.
Un Botanique noir de monde accueillait les désormais incontournables ‘Nuits belges’, ce mardi 11 mai. Une foule dense venue également fêter le 15ème anniversaire du label bruxellois 62TV Records. Excepté les Français de Syd Matters flanqué de quelques Guests, tous les groupes programmés ce mardi soir font d’ailleurs partie des écuries 62TV et 30 février. Un cru 2010 qui prétend s’ouvrir sur l’étendue et la diversité des artistes de notre plat pays. Et c’est précisément là que le bât blesse. La programmation illustre férocement la fragilité actuelle de notre paysage musical national. Un désert créatif où l’on peine à apercevoir le moindre oasis. Période de sécheresse durant laquelle la scène belge souffre cruellement d’un déficit chronique d’imagination créatrice et promène oisivement ses guêtres dans le doux confort du déjà vu.
L’édition 2010 présentait 11 groupes belges et un groupe français : expression singulière d’un line-up représentatif de la scène belge 2010 bousculant la curiosité du public : le retour brutal de Malibu Stacy, réveillé de son stand-by pour venir nous (re)présenter son album « Marathon », sorti en 2008. Prestation agrémentée de quelques compos du nouvel album en construction, dont la sortie est prévue dans le courant de l’année 2011, la visite inattendue de The Tellers recomposé après un split et trois ans d’absence, supposé nous donner un avant-goût d’un album en préparation, le résident David Bartholomé (NDR : déjà au programme, mais en compagnie de Sharko, lors de la Nuit Belge 2009, pour nous balancer « Dance On The Beast ») en mode stand-up comedy, le come-back inespéré de Lucy Lucy (NDR : eux aussi à l’affiche de l’édition 2009) de passage pour (re)rejouer son Ep six titres sorti en 2009… Que du neuf ! Le problème fondamental de cette Nuit Belge 2010 devait cependant découler du nombre : douze groupes belges de qualité à dénicher. Les Français de Syd Matters pallieront soigneusement cette insuffisance.
Trois salles et un chapiteau aux saveurs distinctes exigeant un don aigu d’ubiquité et une certaine souplesse pour se tailler une place au milieu du public des 4 scènes combles où 3 groupes jouent simultanément : le confort mélodieux du grand salon (Guy Van Nueten, Syd Matters et Dez Mona), le nid acoustique de la Rotonde (Stéphanie Crayencour, Loïc & The Frantic Lovers et David Barthlomé), la plus fougueuse Orangerie (Hallo Kosmo, Lucy Lucy et The Tellers) et l’humidité sibérienne du Chapiteau (Nele, Malibu Stacy et Été 67).
L’indétrônable pianiste et compositeur Guy Van Nueten ouvre délicatement cette soirée dans le cosy salon de concert. Paré de son costume noir, son air un peu absent et son humour délicieusement maladroit, l’ancien claviériste des Sands pose délicatement les doigts sur son piano noir pour nous faire partager ses rêveries minimalistes dignes d’un toucher pianistique épuré à la Satie. Souvent reconnu pour sa collaboration avec Tom Barman lors d’un somptueux disque ‘live’ paru en 2004, on en oublierait presque les talents de ce musicien à multiples facettes. Un arrangeur couru tant dans le monde de la pop (Daan, Tom Barman…) que du classique (Orchestre philharmonique de Flandre), du cinéma (Alex Stockman), de la danse, du théâtre… C’est d’ailleurs la tête pleine d’images qu’il interprète, dès le deuxième morceau, ses musiques de film empreintes d’un minimalisme à l’américaine. Un concert coloré d’images habité principalement de son dernier opus « Merg » paru en septembre 2009. Un moment doux pour l’âme.
A peine le temps de souffler pour rejoindre une Orangerie déjà surchauffée par les vapeurs électriques de Hallo Kosmo. Une scène drapée de toiles multicolores habitée du psychédélisme électronique de Daniel Offerman (ancien bassiste des Girls In Hawaii. Quelques minutes de décrassage auditif pour découvrir un rock coloré et festif qui ne laisse pas les guitares au placard et l’auditeur indifférent.
Singulièrement, la découverte la plus intéressante de cette édition 2010 des Nuits Belges nous viendra, sans l’ombre d’un doute, de France. Syd Matters (NDR : contraction entre Syd Barrett et Roger Waters des Pink Floyd) est un groupe porté par le Parisien Jonathan Morali qui affiche clairement ses couleurs entre Pink Floyd et Nick Drake. Bien déterminé à nous envoûter par les nouveaux morceaux de son prochain opus (« Brotherocean »), cet ensemble de cinq musiciens, sublimé de deux excellents backing vocalists, inonde le Grand Salon d’un hippie pop-folk hautement émotif. Un concert qui brille d’un travail soigné orienté vers l’ambiance, l’onirisme et l’émotion. Une musique née de la rencontre entre folk antique et pop moderne. Les voix magistrales, les discrets arpèges de guitare, les sonorités de claviers vintage, les atmosphères planantes aux vertus panoramiques, tout converge pour tisser un univers cotonneux que l’on souhaiterait ne plus devoir quitter. Syd Matters ou le pouvoir d’une simplicité et d’une naïveté ingénieusement contrôlées.
Cette soirée sans vagues s’achèvera par les histoires tragi-comiques de David Bartholomé qui nous attendaient tout naturellement sous les charpentes métalliques de la Rotonde. Exercice de style entre le songwriting et le stand-up comedy où le leader de Sharko s’improvise acteur de théâtre pour nous raconter ses (més)aventures à travers son livre ‘Sharko Journal 2003-2009 ou comment en voulant grimper, j’ai construit une échelle en abattant un arbre au lieu de monter à l’arbre’, publié en septembre 2009. Le préambule de cet ouvrage loufoque résume parfaitement la prestation scénique du musicien bruxellois : ‘Tour à tour cynique, honnête, aigre, enthousiaste, hypocondriaque, anxieux, il se livre à nous avec beaucoup d'humour’. Guitare acoustique et récits de vie déclamés ou chantés nous offrent un moment doux-amer où se mélangent tristesse et esprit cynique. Un David Bartholomé troubadour qui jongle merveilleusement avec le récit sonore et l’autodérision. Un dernier cadeau surréaliste qui nous mènera à nos chaumières un sourire doux-moqueur aux lèvres.
Été 67 + Malibu Stacy + Nele + The Tellers + Lucy Lucy + Halo Kosmo + David Bartholomé + Stéphanie Crayencour Loïc B.O. & The Frantic Lovers + Dez Mona + Guy Van Nueten + Syd Matters & Guests (Fr)
(Organisation Botanique)
Troisième soirée. Les Nuits battent leur plein. Tandis que le chapiteau se prépare à vibrer au son des complaintes de Scout Niblett et Jean-Louis Murat, un casting presque entièrement féminin attend les festivaliers qui ont jeté leur dévolu sur le line-up de l’Orangerie. Au programme : Selah Sue, la petite Belge qui monte, Errors et leur bidouillages entêtants, ainsi que Rox et Ellie Goulding, deux espoirs féminins plébiscitées par la critique britannique. Et plus particulièrement par la BBC qui a gentiment apposé un cachet ‘The Sound Of 2010’ sur leurs premiers travaux.
Programme chargé à l’Orangerie. Pas de moins de quatre artistes vont se donner le relais sur les planches de la salle. Une quadruple affiche qui n’a pas pour autant déplacé les foules. En guise d’ouverture, Selah Sue, de son vrai nom Sanne Putseys. Malgré son jeune âge (elle vient de souffler sa 21ème bougie), la demoiselle originaire de Louvain affiche une détermination admirable. Sa discographie a beau ne compter encore aujourd’hui qu’un seul Ep (« Black Part Love », paru en 2008), Miss Sue ne cesse de gagner du terrain dans sa quête de notoriété. Il faut dire que du haut son mètre soixante et des poussières, la jeune femme manifeste une énergie sans faille. Après deux concerts sold-out à l’ABClub et à la Rotonde, la folk teintée de soul et reggae de Selah Sue a conquis sans trop de difficulté le public présent, notamment grâce à une sympathique version de son « Raggamuffin », en clôture de son set.
Errors prend place sur les planches vers 21h10. Le trio originaire de Glasgow propose, dans la bonne humeur, « Come Down With Me », son nouvel LP, devant une Orangerie à moitié remplie. Les petits protégés de Mogwai (NDR : ils ont signé sur leur label Rock Action) se distinguent de la plupart des formations surfant sur la vague post-rock, par leurs synthés omniprésents. Techniquement, ils n’arrivent pas à la cheville d’une formation telle que 65daysofstatic, mais les trois joyeux lurons assènent à leurs compositions une dose électro beaucoup plus présente et assumée que chez leurs aînés. Du post-rock taillé pour les dance-floors. Il fallait oser. Et Errors s’en sort particulièrement bien dans l’exercice.
Rox, accompagnée de son full band, présente quant à elle son premier album, « Memoirs », à paraître au cours du mois de juin prochain. La Londonienne entame son set par « My Baby Left Me », un premier single aussi solaire que son interprète. La demoiselle enchaîne ses futurs tubes, un sourire gravé aux lèvres. « Rocksteady » procure au public un pur moment de bonheur grâce au déhanché fiévreux de la chanteuse et de ses choristes. Rox est sans nul doute un nom à retenir et une artiste qui aurait bien sa place à l’affiche d’un festival tel que Couleur Café.
Vers 23h10, place à la tête d’affiche de la soirée. Sans se presser, Ellie Goulding et ses trois musiciens entament leur prestation sur une nouvelle compo. A 24 ans, la blonde à la coiffe négligée (déjà adoptée par les ados du premier rang) a réalisé un coup de maître, au cours du mois de mars, en plaçant son premier essai « Lights », directement en pôle position des charts britanniques. Sa pop électronique sucrée n’est certainement pas susceptible de lui faire gagner le respect des ‘hipsters’, mais n’en est pas moins un petit plaisir coupable qui fait du bien par où elle passe. La chanteuse parcourt la quasi-intégralité de son œuvre, depuis « Guns and Horses » à « Salt Skin », en passant par une version acoustique de « Wish I Stayed ». Avant de quitter la scène sur les dernières notes de son hit « Starry Eyed », la Londonienne a également effectué un arrêt sur les terres de Midlake pour une reprise de « Roscoe », sans grand intérêt. Le genre même d’appropriation qui ferait certainement grincer des dents les fans de la formation. Petite faute de parcours sans conséquence qui clôture une soirée un brin 'gentillette'. Mais, parfois, il n'en faut pas beaucoup plus pour être heureux...
Selah Sue + Errors + Rox + Ellie Goulding
(Organisation : Botanique)
Suivant la bio, General Bye Bye serait un haut gradé de la musique alternative d’origine franco-allemande ! Et pour cause, il réunit trois Français et une Allemande établie à Paris. En l’occurrence Philippe Beer-Gabel (guitare, voix, mélodica et ‘kantélé’), Jana Klein (voix), Emmanuel Quirié (claviers) et Etienne Gillet (batterie, bugle).
« Girouette » constitue leur premier elpee. Un opus dont les compos sont sculptées dans des riffs de guitare bien yankees. Réminiscents des 90’s. Curieux que leur dossier de presse mentionne, parmi leurs influences majeures, Blonde Redhead, The Shins ou encore Death Cab for Cutie. Car le combo n’affiche ni la classe, la puissance mélodique et encore moins la mise en forme de leurs références. Ce qui n’empêche pas le band de montrer des compétences certaines. Simplement, leur style indie lorgne davantage vers Pavement (pour les guitares) et surtout Imperial Teen (pour les claviers bubble-gum nonchalants). Surtout lorsque l’intensité des six-cordes se conjugue à la perfection des claviers très pop. Mais l’originalité de leur musique procède de l’utilisation d’un kantalé, un instrument traditionnel à cordes finnois, pincé à la manière de la cithare.
Bien sûr, certaines plages passent complètement à travers. Et je pense tout particulièrement au dissonant « French Cancan » ou à l’ennuyeux « Girouette ». Mais le disque recèle quelques petites perles. A l’instar du très cool « When It’s Gonna Rain » ou encore du très inspiré « Maniac Mansion », le meilleur titre de l’œuvre. Même que l’accent franchouillard, susceptible d’agacer, passe curieusement ici bien la rampe. J’épinglerai encore le tendre « Time Is On y Side », un morceau destiné à panser nos blessures (NDR : de guerre ?).
Pour un coup d’essai, General Bye Bye ne s’en tire pas trop mal. Mais pour gagner du galon, notre général aurait tout intérêt à soigner davantage son sens mélodique. L’anglais de son vocaliste, également. Et puis de mieux cibler ses objectifs. Car tout au long de cette plaque, les morceaux tirent un peu trop dans toutes les directions.
General Bye Bye se produira ce 15 mai à L’Escalier à Liège.
On nous martèle à l’envi qu’à cause de l’avènement d’internet et du téléchargement illégal, les groupes n’arrivent plus à vendre leurs disques. Le duo français The Inspector Cluzo a pourtant réussi à écouler plus de 20 000 copies de son premier album éponyme ; et ce, sans le soutien d’une major. Ces Français auraient-ils un secret ?
En fait, ils en ont trois. Premièrement, leur disque est bon (NDR : si, je vous l’assure, ça aide pour vendre !) Secundo, ces Landais n’hésitent pas à accomplir des milliers de kilomètres hors des frontières de l’Hexagone, pour défendre leur musique. Troisièmement, ils bénéficient du soutien d’un ami célèbre : Angelo Moore, l’un des membres fondateurs de Fishbones. Certes, l’amitié ne suffit pas pour écouler des disques ; mais le soutien d’une telle icône leur assure sans conteste une certaine aura. Et si Monsieur Moore est un pote (NDR : il offre d’ailleurs au groupe un ‘spoken words’ pas piqué des vers, en fin d’album), il constitue surtout une source d’inspiration. Comme les Red Hot Chili Peppers d’ailleurs. Car, vous l’aurez sans doute compris, le créneau musical de l’Inspecteur, c’est le funk’n’roll. Et, si les RHCP sont devenus ramollos et bougons à force d’engranger du pognon, les 20 000 albums vendus par nos amis n’ont pas encore eu raison de leur hargne ni de leur sens du fun.
Nous pouvons déjà vous l’affirmer, « The French Bastards », cette deuxième galette signée par The Inspector Cluzo, fera bientôt bouger vos petits popotins de rockers. Les rythmes chaloupés du funk rock, boostés par une dose massive de hard rock risquent fort d’alimenter l’ambiance de vos soirées d’été. Il n’y a rien à jeter sur cette galette : depuis la fusion/funk rock groovy (« Tic Theme », « The French Bastards #1 », « Zombie DJ Killers ») au hard blues ‘aérosmithien’ d’« Empathy Blues » en passant par l’hommage à peine déguisé à AC/DC (« Terminator is Black in his Back ») ou encore le clin d’œil corrosif adressé au roi du pop (« F*** Michael Jackson ») que l’on croirait tiré d’un vieux vinyle de la ‘Motown’. Bref, tout ici fleure bon le fun et l’authenticité.
Signalons pour terminer, qu’afin de rendre son œuvre plus attrayante aux yeux de ceux qui achètent encore des Cds, ces ‘Salopards de Français’ (French Bastards) ont mis le paquet question packaging. La galette digitale est emballée dans un box sympathique et très original ; et les lyrics des chansons sont imprimés sur une douzaine de cartons illustrés, en noir et blanc, par l’artiste taïwanais Chaos. Du grand art !
Y a-t-il vraiment de la place pour un long playing tel que celui-ci dans notre monde rongé par la crise financière ? Les labels ont-ils encore les moyens de sortir un cd aussi peu excitant alors que le marché du disque est en perte de vitesse ? Comment pourrais-je vous donner l’envie de découvrir un opus dont l’écoute m’a profondément ennuyé ? Car vous avez beau dire, mais, pour moi, un disque rock qui débute par une minute et demie de sons inaudibles, continue par le ‘crin-crin’ larmoyant d’un violon ou de je ne sais quel autre instrument à cordes et n’accouche de son premier riff de guitare que plus de cinq minutes après avoir commencé, ça me gonfle au plus haut point.
Cet album que son géniteur hollandais Mother-Unit a très justement intitulé « Brain Massage » est constitué de quatre longs titres instrumentaux qui s’étalent sur une dizaine de minutes chacun. Sur une rythmique plutôt béton, viennent se greffer une longue déclinaison de riffs hypnotiques, psychédéliques et mêmes parfois blues ainsi que d’irritants bruitages électroniques. Cette musique lourde, robotique et obsédante, qui tient à la fois du massage cervical et du lavage de cerveau, semble plus s’apparenter à une jam improvisée qu’à un véritable travail de composition structuré.
Réservé à celles et ceux qui ont les moyens d’acheter des disques moyens.
C’est une anecdote qui vaut son poids de grain. Après la sortie de leur nouvel elpee, enregistré au sein des studios Soma (Chicago) de John McEntire (Stereolab, Kaki King, The Ex, Wilco…), Norman Blake a avoué : ‘J'ai une gueule de bois terrible !’ Pas parce qu’il a forcé les mots ou essayé d’arrêter les sons coléreux qui frappent encore les murs du studio qu’il vient tout juste de quitter pour la réalisation du huitième opus de Teenage Fanclub ; mais parce qu’il est sorti boire un verre avec un ami, pour fêter la sortie de son nouvel elpee ; et qu’il est rentré tard la nuit dernière, après avoir bu du whiskey. ‘C'est une chose terrible !’, ajoute-t-il.
C’est, en effet, le 31 mars dernier qu’est paru le très attendu (NDR : par une poignée de fans nostalgiques avouons-le !) « Shadows », un disque publié chez PeMa en Europe (le label du groupe) et Merge en Amérique du Nord. Cinq années de mutisme où les pionniers de la scène indie pop glaswégienne se sont confortés dans l’inaction. Ayant commis l’un des grands opus de la pop britannique des années 1990 (NDR : « Bandwagonesque » avait été élu album de l'année par le magazine Spin devant des elpees tels que « Loveless » de « My Bloody Valentine, « Out of time » de « R.E.M. » ou encore « Nevermind » de « Nirvana »), le retour des Bellshill Beach Boys (NDR : Bellshill : ville natale du groupe située près de Glasgow) était forcément attendu par les critiques.
Ce dernier long playing été entièrement pensé et enregistré loin des rumeurs des villes ; les trois auteurs-compositeurs (Norman Blake, Gerard Love et Raymond McGinley) ayant décidé de se retirer dans les profondeurs des paysages ruraux du Nortfolk (Angleterre) pour tenter de rompre la remarquable linéarité et fidélité artistique qui leur collent à la peau et transmuer la substance volatile de l’intuition en réflexion tangible. Gerard Love a d’ailleurs décrit leur travail comme : ‘un de nos albums les plus travaillés et réfléchis’.
Si l’empreinte bucolique s’imprime incontestablement sur la plaque, celle-ci se griffe cependant de quelques aspérités. Ainsi, « Shadows » se démarque de l’esthétique estivale et du power pop propre au trio écossais par un supplément d’harmonies qui noircit les mélodies de nuages sombres. Mélodies souvent soulignées par les notes obscures du piano de Gorki (musicien invité sur l’album). Une musique qui s’inscrit dans le milieu qui a suscité sa création et épouse les formes d’une pop pastorale.
Rassurons tout de même les fidèles : pas de grande révolution dans le monde tranquille de Teenage Fanclub. Excepté ce léger supplément d’âme plus douloureux dans les lyrics et les compos que par le passé, TFC conserve sa marque de fabrique, ses mélodies en avant et ses rythmiques astucieusement basiques. Un album qui, finalement, préserverait la spontanéité de « Bandwagonesque » et aurait le poli et l’intelligence de « Grand Prix ».
Paru peu de temps après la mort prématurée du prince du power pop, Alex Chilton, « Shadows » pouvait difficilement surgir à un meilleur moment pour permettre au public de redécouvrir le genre.
En naissant au sein d’une famille comme la sienne, Rufus Wainwright était voué à devenir l’artiste qu’il est aujourd’hui. Fils de Loundon Wainwright III et de feue Kate McGarrigle, le singer-songwriter, aujourd’hui âgé de 36 ans, publie son sixième album studio, « All Days Are Nights : Songs For Lulu » dont la grande majorité des morceaux est dédiée aux membres d’une famille pour le moins artistique. De passage à Bruxelles, le Canadien a jeté son dévolu sur la superbe salle Henry LeBoeuf, l’âme musicale du Palais des Beaux-Arts, pour y présenter un spectacle particulièrement surprenant.
A quelques sièges près, la salle est comble. Vers 20h30 un collaborateur du Bozar s’avance sur le podium pour annoncer le programme. Plus qu’un simple concert, le public apprend que la représentation de Rufus Wainwright sera scindée en deux parties distinctes. La première est constituée d’un récital d’une heure. Pendant celui-ci, il est demandé au parterre de ne prendre aucune photo et de ne pas applaudir entre le moment où l’artiste apparaît sur scène jusqu’au moment où celui-ci l’a quitté. De quoi attiser la curiosité. La seconde partie, elle, est consacrée à la partie concert ‘standard’.
Seul un piano trône sur les planches. Lorsque les lumières s’éteignent, un silence de mort règne dans la salle. Rufus Wainwright s’avance à pas lents vers l’instrument, vêtu d’une sorte de toge bleue dotée d’une traîne interminable. L’ambiance dans la pièce est unique. A la fois intense et apaisante. Le chanteur s’installe délicatement sur son siège et entame son répertoire, centré essentiellement sur les compositions extraites de « All Days Are Nights : Songs For Lulu ». « Martha », dédié à sa talentueuse frangine, le trio de « Sonnet », « What Would I Ever Do With A Rose ? » ou « Les feux d’artifices t’appellent » s’enchaînent tandis que l’auditoire écoute, dans un respect le plus total. Et, pourtant, ce n’est pas l’envie d’applaudir cette superbe prestation qui manque. Une heure plus tard, Wainwright se retire de la scène. Sa démarche fantomatique communique une atmosphère toute théâtrale à la prestation sans faille de l’artiste.
Après un court entracte d’une vingtaine de minutes, le chanteur est de retour sur scène, souriant, décontracté. Il remercie le public pour le respect qu’il lui a témoigné pendant la première partie et entame une seconde partie de spectacle qui parcourt un large pan de sa discographie. Pas avare en paroles, il évoque son opéra « Prima Donna », son père, ses sœurs, son petit ami et, surtout, sa mère décédée en janvier dernier. Il reprend d’ailleurs « Walking Song », un morceau des sœurs McGarrigle. Le Canadien en profite également pour manifester sa colère, suite à l’attentat déjoué deux jours auparavant, qui s’est produit en plein Manhattan, et rend un vibrant hommage à New York au son de son tube « Going To A Town ». Le deuxième volet du set s’achève au bout d’une heure vingt par une ‘standing ovation’ tout à fait méritée. Wainwright est sans nul doute ce que l’on appelle un artiste accompli.
(Organisation : Live Nation)
Ne pas confondre The Field et Field Music. Le premier est le pseudo d’un artiste techno suédois, répondant au nom d’Axel Willner. Le second, un quatuor insulaire drivé par les frangins Brewis, Peter et David. C’est cette formation issue de Sunderland qui nous intéresse ici. Et pour cause, elle vient de sortir un nouvel album. Un disque très riche. Et pas seulement parce qu’il est double ! Leur tournée transitait par la Belgique. Le combo en a profité pour accorder quelques interviews. David s’est prêté à cet exercice de style, en toute sincérité, pour Musiczine. Et à l’instar de la musique dispensée, tout au long de leur elpee éponyme, les réponses ont fusé dans tous les sens…
Je présume que vous ne débarquez pas pour la première fois en Belgique. Heureux de revenir dans notre pays ?
En fait, nous ne nous sommes produits, qu’une seule fois en Belgique. Au Pukkelpop, en 2006, si mes souvenirs sont bons. Une très belle expérience même si elle a été de courte durée ; car nous devions accorder un show à Sunderland, le lendemain. C’est donc avec grand plaisir que nous retrouvons la Belgique ! C’est une chance de pouvoir y jouer à nouveau (NDR : les Anglais avaient accordé deux concerts, chez nous, à Ostende et Anvers, respectivement ces 22 et 23 avril).
Vous avez êtes accordé un break de 3 ans, à l’issue de la publication de votre album précédent (NDR : l’excellent « Tones of Town »). Certaines rumeurs de split ont forcément circulé. Etaient-elles fondées ?
Nous ne prenions plus beaucoup de plaisir au sein du groupe, à l’époque. La décision la plus logique a donc été de se séparer et de nous consacrer à nos projets solos (The Week That Wasn’t pour Peter et School Of Language pour David). Nous ne savions pas si nous allions un jour nous remettre à composer sous le nom de Field Music. Mais comme nous sommes frères ; nous ne pourrons de toute façon, jamais réellement nous séparer !
Aviez-vous besoin de ces expériences en solo ? Y avait-il certaines idées qui ne convenaient tout simplement pas à l’univers de Field Music ?
Il existait pas mal de choses que nous pensions à l’époque ne pas convenir à Field Music. Comme, par exemple, des chansons construites autour de samples de batterie de The Week That Wasn’t ou des morceaux sans claviers pour School Of Languages. Mais en tournant pour ces albums, nous nous sommes rendu compte que nous devions élargir la palette de Field Music et cesser de nous imposer des barrières et des règles. Bon nombre de nouvelles compos de « Field Music » découlent donc de nos expériences vécues en solo.
Ce nouvel elpee regorge d’influences. Lesquelles aviez-vous en tête lors des sessions d’enregistrement ?
Difficile à dire… j’écoutais en tout cas David Bowie. Et puis nous étions en pleine phase de redécouverte de la musique qui avait bercé notre enfance. Comme celle du Led Zeppelin, qui était le premier groupe que nous avons réellement aimé. Et puis également, d’autres artistes, que nous avions repérés dans la collection de disques de nos parents, comme ceux de 10CC ou The Cream.
Quelle direction désiriez-vous explorer, lors de la confection de ce nouvel elpee ? Certaines de vos nouvelles découvertes vous ont-elles influencées?
Nous voulions créer une œuvre longue et variée, afin de donner une image plus complète de ce que nous sommes et aimons réellement. Nous refusions de nous engager dans une seule direction de bout en bout. Nous souhaitions emprunter toutes les directions à la fois, sans aucune limite !
Vous produisez toujours vos albums. Ne pensez-vous pas que vous pourriez puiser de nouvelles idées, en confiant ce rôle à quelqu’un d’extérieur au groupe ? Ou estimez-vous que vous en développez suffisamment ?
Il est très difficile pour nous de séparer les arrangements de la composition. Nous avons de plus des idées très précises du son que nous voulons recréer ; donc je ne vois pas comment nous pourrions travailler sous la houlette d’un producteur. En studio, Peter et moi sommes producteurs, avant d’être musiciens d’ailleurs…
Quels sont vos rôles en studio?
Nous écrivons chacun de notre côté et nous occupons tous les deux d’un peu de tout. Une véritable équipe !
Vous disputez-vous comme de véritables frères lors des sessions d’enregistrement ?
Pas vraiment. Nous avons une règle d’or : celui qui a composé la chanson prend les décisions finales quant à sa réalisation. Nous sommes dictateurs chacun à notre tour ; donc pas de disputes possible !
L’opus contient 20 chansons et s’étale sur plus de 70 minutes. Avez-vous réussi à inclure toutes les chansons composées ou certaines ont-elles été éliminées ?
Pratiquement toutes nos compositions s’y trouvent. Nous en avions, en fait, écrites 23 ! Mais les 3 qui ne se figurent pas sur l’album n’étaient pas terminées…
Ce disque est très éclectique. On a parfois l’impression que ce sont des groupes différents qui ont concocté des morceaux comme « Let’s Write A Book », « Choosing Numbers » ou « You And I ». Ne craigniez-vous pas un manque de cohérence ?
Nous étions au contraire très excités par cette absence de cohérence ! Les changements de style faisaient partie de notre nouvelle philosophie. Mais comme Peter et moi chantons à notre tour, je pense que notre musique sonne tout de même toujours comme du Field Music.
Il recèle aussi quelques chansons quasiment pop, comme « Them That Do Nothing » ou encore « You And I » ; mais elles figurent parmi les 18 autres, plus riches et complexes. Vous ne semblez pas particulièrement obnubilés par la recherche d’un succès populaire.
Notre seul but est de créer la meilleure musique possible et le seul moyen pour y parvenir est de tenter de composer celle que nous aimerions écouter. C’est aussi simple que ça. Je n’écrirai jamais une chanson pour qu’elle rencontre un succès commercial. J’aime beaucoup trop la musique pour ça.
Quels sont vos groupes favoris du moment ?
Ils sont principalement américains : Deerhof, The Fiery Furnaces et Joanna Newsom. Mais je vous conseille également de tendre l’oreille à Frankie and The Heartstrings. Ce sont nos amis. Ils sont issus de la scène de Sunderland et composent des hymnes indie-pop très sexy.
Habitez-vous toujours Sunderland? Pourriez-vous décrire cette ville à nos lecteurs ?
Et oui ! J’habite toujours cette ville du Nord-est de l’Angleterre de plus ou moins 250 000 habitants. Elle se situe non loin de Newcastle, à plus ou moins 6 heures de route de Londres. Hormis son glorieux passé, illustré par l’essor de l’industrie maritime et charbonnière, Sunderland ne jouit pas d’une grande notoriété. En outre, les habitants ont été particulièrement touchés par la disparition de ces secteurs d’activité économique. Aujourd’hui, elle est pauvre et souffre d’un taux de chômage très élevé. Sunderland n’est pas une ville très culturelle ; sauf si l’on considère le foot comme de la culture. Une situation parfois fort déprimante. Mais c’est chez moi et je n’ai aucune intention de la quitter, car je l’aime, malgré tout…
Mosaïques d'art !
Lors de cette deuxième soirée des Nuits Botanique, le Cirque Royal nous régalait de deux talentueux groupes aux rumeurs musicales distinctes mais aux projets parallèlement excentriques : The Irrepressibles et MLCD. Espace artistique où chacun d’eux nous propose une vision kaléidoscopique de l’art qui se sert de la musique pour nous emmener dans les mondes du théâtre, du cinéma, de l’opéra… Pas de première partie ce soir mais deux réelles têtes d’affiche qui chevauchent des champs musicaux éloignés sans jamais se télescoper.
The Irrepessibles. Après avoir chambardé les salles du Roundhouse de Londres, l’amphithéâtre romain de Barcelone et la Cigale à Paris, l’orchestre britannique composé de neuf musiciens classiques déverse le flot torrentueux de ses élucubrations ‘rockocoesque’ sur les planches du Cirque royal. Illuminations puisées aux sources de leur deuxième opus, « Mirror Mirror », produit par l’excellent Dimitri Tikovoi (Placebo, The Horrors, Sharko, John Cale…)
Tout d’abord, un décor. Une scène minutieusement architecturée de huit miroirs, de néons blancs et d’une énorme boule à facettes. Lieu planté, côté jardin, d’un clavier, d’un violoncelle, de deux flûtes traversières et, côté cour, d’un percussionniste et de trois violons. Au centre, le chef d’orchestre, Jamie McDermott. Un ensemble qui magnifie de sa belle synchronisation chaque note émise par la guitare acoustique du leader charismatique. Un travail de concordance stupéfiant ! Un univers extraterrestre construisant un pop orchestral baroque et classique grimé de gestuelle théâtrale, de poses statuaires, de fanfreluches décadentes, de maquillage fantaisiste, de costumes intemporels… Jamie McDermott définit d’ailleurs lui-même son concept : ‘Je me suis intéressé aux liens entre la mode et la musique, à la façon dont la musique et les arts peuvent ouvrir sur un autre monde.’ Un spectacle atypique qui synchroniserait dans le maintenant pur de cet espace sans rivages la musique classique baroque, la pop spatiale de Bowie, le rock pompier de Queen. Non lieu sonore où les symphonies pop de Scott Walker converseraient avec le chant sophistiqué d’Anthony Hegarty (Anthony and The Johnson). Un spectacle qui habiterait le décor cinéma de « The Rocky Horror Picture Show ».
Un cabaret pop précieux qui assume et cultive une certaine forme visuelle du kitsch et de l’excentricité sur "My Friend Joe" ou "Splish! Splash! Sploo!" alternant cependant avec des morceaux plus classiques ("Forget The Past", "In This Shirt" ou "Nuclear Skies"). D’autres, enfin, surprennent par leur sérénité. Ainsi, "The Tide", chanson poignante, bouscule les âmes par ses envolées finales de cordes. Lyrique, glam, précieuse, la musique de The Irrepressibles ne sombre jamais dans l’ultra-sulfureux et se fond souvent dans le timbre élégiaque du contre-ténor britannique.
Et le concert de s’achever tendrement sur un rappel orné d’un visuel drapé d’un fond de scène rouge vif où seuls la claviériste et le chanteur anglais apparaîtront en ombres chinoises. Touché ou non par cette représentation surréaliste, le spectateur ne sort pas indemne de cette expérience.
21h30. MLCD monte sur les planches du Cirque Royal pour livrer le concert belge le plus attendu de cette année musicale 2010. Deuxième représentation seulement (NDR : le premier concert s’était déroulé la veille à la Caserne Fonck de Liège) pour exposer les trames singulières de son opéra pop. Ceux qui d’ailleurs ont eu la chance d’assister au concert livré en bord de Meuse, en rêvent encore. Vidéos, animations, orchestre, costumes… MLCD conjugue avec une aisance remarquable la musique et la magie du cinéma, mais aussi du théâtre.
Trois années de travail intensif qui prennent enfin corps au milieu d’une scène minutieusement meublée. Une fiction accompagnée de metteurs en scène, de vidéastes, de scénographes narrant la vie torturée de Brian Wilson (leader charismatique des Beach Boys) et prêtant un supplément d’âme aux symphonies ‘dictaphoniennes’. Symphonies sublimées par l’orchestre du conservatoire de Liège. Un travail minutieux où tous les acteurs artistiques font merveilleusement corps et observent une synchronisation digne d’un horloger suisse entre musique et projections. Musique qui donne astucieusement vie aux images (NDR : vidéo projetée sur 47 cubes érigés en pyramides) habitées par Redboy. Lieu fantasmagorique où le chanteur-guitariste devient acteur de sa propre narration et incarne le fantôme de Brian Wilson. Un exercice schizophrénique merveilleusement réussi.
Alternant le rouge et le blanc, cet espace visuel est habilement organisé et habité, côté jardin, d’un orchestre sous la direction d’Hélène Cambier, de la basse hyperactive de Xavier Guinotte et, côté cour, du clavier de Louis Leback ainsi que de la batterie de Jérôme Compère. Au centre, la remarquable présence scénique de Redboy déchire radicalement la ‘toile’.
Entre rêve et réalité, les quatre de bord de Meuse feuillettent les pages de la vie passionnante du musicien californien, en empruntant le talent narratif d’un Tom Waits. Neuf morceaux savoureux au sein desquels ils injectent une énergie brute et communicative et qui ne peuvent laisser indifférents. “He’s not there”, “What are you waiting for », “Shine on”… joués avec plus d’intensité et de puissance que sur l’album n’accorde aucune seconde de répit à vos tympans. Un visuel et une musique qui flirtent avec la perfection !
Ce spectacle-concert froisse le confort des certitudes lisses et vous tourmente l’âme. Il vous convie dans l’œil même du cyclone d’un destin que disloquent tous les vents en furie de la schizophrénie, où se déchaînent des démons qui fracassent la conscience et l’attirent sans pitié dans les abysses les plus sombres d’un océan cauchemardesque. Mais tout n’est pas vents et furie, il est des crêtes du destin où l’on aime surfer indéfiniment…
Une performance impressionnante qui, espérons-le, encouragera d’autres groupes nationaux à se lancer dans des projets aussi ambitieux…
Organisation Botanique
My Little Cheap Dictaphone (BE) + The Irrepressibles (GB)
A l’origine, Dum Dum Girls était le projet solo de Kristin Gundred, alias Dee Dee (NDR : un clin d’œil aux Ramones ?) Penny. Un patronyme qu’elle a créé en contractant une compo d’Iggy Pop et une autre des Vaselines. Respectivement « Dum Dum Boys » et « Dum-Dum ». Puis elle a décidé de fonder un groupe. Exclusivement féminin. Et à l’attitude fondamentalement rock’n’roll : cuir, rouge à lèvres et tutti quanti. Frankie Rose, une ex-Vivian Girls et Crystal Stilts, Jules et Bambi Rose, vont ainsi compléter le line up.
Pour enregistrer leur premier album, le quatuor a reçu le concours du célèbre producteur Richard Gottehrer. Pas un illustre inconnu, puisque sa carte de visite mentionne la mise en forme d’œuvres de Richard Hell, Blondie, The Go-Go’s, The Fleshtones, Dr Feelgood et The Raveonettes). Ce qui devrait quand même vous donner une petite idée du style musical proposé par les filles. Des références ? Le garage, la noisy, le punk et la pop sixties, mais également lo-fi. Des noms ? Shangri-Las, Ronettes, Jesus & Mary Chain, Times New Viking, Vivian Girls et un zeste de Cramps. Et en imaginant une Katy Perry sous un déluge de fuzz, vous ne faites pas tout à fait fausse route.
Conjuguées à l’unisson, les harmonies vocales sont délicieuses. Et puis il y a la voix un peu mystérieuse de Dee Dee qui confère un charme particulier à ces petites bombes pop impétueuses, instinctives, d’à peine 2 minutes 30, qui se succèdent en une trentaine de minutes. Les mélodies sont contagieuses (NDR : tout particulièrement « Everybody’s Out » et « Oh Mein M », ce dernier morceau interprété dans la langue de Goethe) et la rythmique est infernale. Enfin, il fallait s’y attendre, la production n’est pas très lisse. Et pour que votre info soit complète, sachez Nick Zimmer, des Yeah Yeah Yeahs, est venu donner un petit coup de guitare sur « Yours Alone ».
En live, lors des Nuits Botanique, ce 12 mai, à la Rotonde, en compagnie de Male Bonding.
‘C’est toujours pareil. Trans Am était là avant (…) Il est tellement incroyable d’être toujours en activité, 15 ans plus tard. Mais, rien n’a vraiment changé sur ce disque’. Ce sont les déclarations du groupe issu de Bethesda (Maryland), à l’issue de la sortie de leur nouvel opus. Trois années après avoir publié « Sex Change », Nathan Means, Philip Manley et Sebastian Thomson sont de retour. Leur style ? Toujours aussi anticonformiste. Faut dire que depuis le début des années 90, les Américains pratiquent un cocktail de post/math/kraut/etc./rock singulier. Leur MySpace nous éclaire quelque peu sur cet etc., puisqu’il mentionne d’autres critères référentiels, comme le funk, le metal et la pop germanique. Tout un programme !!!
Cet album a failli ne jamais paraître. Et pour cause, il était destiné à la B.O. d’un film qui n’a jamais vu le jour. Pas de révolution chez « Thing ». Les rythmiques sont toujours aussi précises et véloces. Elles constituent d’ailleurs la marque de fabrique de Trans Am. Synthés bien présents ainsi que cordes de guitares sauvages et tonitruantes, complètent le décor sonore, caractérisé par une maîtrise instrumentale impressionnante. Mais c’est lorsque le climat se fait menaçant que le combo devient le plus performant. A l’instar de l’excellent « Black Matter ». Ou du morceau, final « Space Duck ». Car sur les autres plages, le suspense est tellement tiré en longueur, qu’il finit par ne plus produire le moindre effet. A conseiller exclusivement aux inconditionnels.
En concert ce 8 mai à Bruxelles, dans le cadre des Nuits Botanique.
‘Benjamin Biolay ne fait rien comme les autres et pas grand-chose pour qu’on l’aime’ ! J’avais lu cette phrase au sein d’un article, mais je ne me souviens plus de sa source. N’ayant que ma curiosité à opposer à ces paroles pas très ‘sympathiques’, je me demandais qui donc et surtout pourquoi on pouvait bien véhiculer ce genre d’affirmation gratuite… N’étant jamais si bien servi que par soi-même je décidai donc de vérifier la véracité ( ?) de ces propos.
Bien avant son entrée en scène, Biolay avait convié un duo bruxellois plutôt insignifiant pour ouvrir l’appétit d’un public éclectique où jeunes, moins jeunes et pas jeunes du tout même se pressaient afin d’entendre ce ‘mutant’ de la chanson française. Ses géniteurs seraient tous deux… masculins, le premier pourrait être Gainsbourg dont il aurait hérité le don des mélodies, le sens de l’orchestration et… la clope souvent suspendue aux lèvres. Le second pourrait être Bashung à qui il aurait hérité de la voix à la fois chaude et rocailleuse ainsi que la facilité d’écrire des textes d’une beauté et d’une justesse incomparables. Et puis, n’aurait-il pas eu comme ‘nounou’ Etienne Daho qui lui aurait laissé comme bagage le sens du rythme pop des eighties ?
Encore tout auréolé de son trophée aux victoires de la musique et à peine sorti d’un scandale médiatisé à souhait par la presse people, le plus mélancolique des sombres chanteurs français avait mis les petits plats dans les grands jeudi soir à Lille. Devant une salle comble (NDR : deux mille personnes entièrement dévouées à sa cause), l’ex-mari de Chiara Mastroianni, en compagnie de laquelle il avait signé un elpee de duos piquants et amoureux, nous l’a joué dandy, tendre et sensuel à souhait.
Benjamin sait que le public sera chaud/bouillant dès les premières notes et mots qui émergeront de l’obscurité. Et il se fait désirer pendant près de 40 minutes. Après les petits zakouskis sans saveur servis par le supporting act, de quoi encore faire monter la pression. Et inévitablement, dès les premiers accords de « Pour écrire un seul vers », c’est le délire dans les travées de l’Aéronef. Pari gagné pour ce beau brun un peu timide, réservé, qui remercie gauchement, et dix fois plutôt qu’une, ses admirateurs.
Un piano à queue noir trône au milieu de la scène devant un décor romantico-baroque, dont les pans de murs aux hauteurs différentes sont recouverts de feuilles d’aluminium qui scintillent aux rythmes des ballades chaloupées du ‘quintet biolesque’. Cinq, ils sont cinq pour donner vie au monde musical de Benjamin.
Une harpiste/violoncelliste/choriste, deux guitaristes, un batteur et un claviériste/touche à tout (utilisant le theremin, espèce de scie musicale) démontrent par cette richesse instrumentale, toute l’étendue du talent affiché par le beau Lyonnais. Le sixième c’est lui, seul au piano pour quelques morceaux plus intimes dont le sublime « Ton héritage » et une fois, une seule à la trompette, dos au public comme gêné de souffler, peut-être, dans un instrument un peu ringard aux yeux de ses fans…
Il faudra cependant plus d’une demi-heure pour que la tension, espèce de vernis dont est recouvert Benjamin, se craquelle. Enveloppé dans une timidité, une gêne quasi palpable, le trentenaire ténébreux lâchera enfin les chevaux à partir de « Lyon presqu’île » mais surtout « Prenons le large », repris en chœur par une salle en ébullition.
Jouant à saute-mouton dans son répertoire, alternant le piano-voix (« Nuage Noir », « Novembre toute l’année », « Négatif »), les ambiances vaporeuses (« Même si tu pars »), la pop eighties (« Si tu suis mon regard », « Qu'est-ce que ça peut faire ? »), le déchirement glacé (« Night shop »), les boucles électro (« L'espoir fait vivre ») ou la nostalgie dansante (« Lyon Presqu'île »), Benjamin se remue, complètement décomplexé à présent, levant le poing plus souvent, et sur « A l'origine », finit même par se rouler par terre en vociférant, dans un tonnerre de guitares-batterie très réussi.
Deux heures passent hélas très (trop) vite et au vu du catalogue musical de Benjamin Biolay, on aurait volontiers écouté une dizaine de morceaux en plus ; car c’est réellement un très grand compositeur, un musicien hors pair et un arrangeur exceptionnel qui nous fait face ce soir.
Quatre rappels seront accordés dont le splendide « Padam », mais en guise de clôture, définitive cette fois, en duo avec sa complice harpiste, il nous délivre le déjà mythique « Brandt Rapsodhy » évoquant une liaison par post-it interposés ; et il met le doigt là où ça souffre, passant des éclaboussures d’un grand amour à une déchirure brutale.
Une fin dramatique pour un spectacle tout en nuances, sombre et lumineux, mélancolique et mélodique.
Quel est le con qui a dit : ‘Benjamin Biolay ne fait rien comme les autres et pas grand-chose pour qu’on l’aime’ ?
(Voir aussi notre section photos)
Organisation Vérone Prod
Miam Monster Miam est de retour. Pour un single coécrit en compagnie de l’ex Telex, Michel Moers. Son titre ? « J’aurais ta peau ». Pour la circonstance, il est soutenu par ses Loved Drones. Le disque a été enregistré à Londres par Ed Peffers au Studio Fortress et mixé par Gilles Martin au studio Farside de Paris. Après avoir remis en selle Lio ( ?!?!?), grâce à l’aventure Phantom, Benjamin Schoos est donc prêt pour de nouvelles aventures.
Le single, "J'aurais Ta Peau", est en écoute ici
En concert:
Le 8 mai au fête de l'Iris avec Phantom feat. LIO
Le 20 mai à l'Espace Tivoli Liege pour une carte blanche avec invités (Christophe Danthinne showstar, Redboy Mlcd, Hank Harry, Georges Hermans, Jacques Duvall ...)
Le métal FM des années 80 vous manque ? Vous regrettez l’apogée des Europe, Toto, Journey et consorts ? Dans l’affirmative, vous devriez tomber sous le charme de H.E.A.T., un combo suédois réunissant des jeunes musiciens, d’à peine 20 ans… Leur premier album devrait tomber dans les bacs, ce 31 mai prochain.
Pour plus d’infos : http://www.heatsweden.com/
2010 sera l’année LCD Soundsystem. Après trois années d’absence, faisant suite à la publication du sublime « Sound Of Silver », James Murphy, tête pensante du combo newyorkais, revient au galop pour présenter son troisième et très probablement dernier opus. Il s’intitulera « This Is Happening » et est déjà annoncé comme l’album de l’année. Le leader de DFA se produisait ce mercredi 5 mai, à l’AB, pour un show qui a tenu toutes ses promesses. Ou presque…
Depuis belle lurette le concert est sold out et les petits veinards détenteurs d’un ticket ont la chance, ce soir, d’assister à une soirée 100% DFA. En première partie, YACHT, l’une des dernières signatures du label, ouvre les festivités. Un combo originaire de Portland, emmené par le duo Jona Bechtolt/Claire Evans. Très rapidement, il trouve ses repères et en un clin d’œil, les musiciens balancent la sauce. Responsable de l’excellent « See Mystery Lights », YACHT transpose ses titres avec une énergie extravagante. Qui de mieux que cette paire entourée de trois autres musicos pour débuter cette soirée ? Leur tracklisting va notamment inclure « Ring The Bell », « The Afterlife » et le torride « Psychic City (Voodoo City) ». YACHT nous quitte malheureusement trop tôt ; mais à l’issue d’une demi-heure jouissive ! La nuit est chargée de promesses…
Entre les deux prestations la période est douloureuse. Certains ont les nerfs qui lâchent tandis que d’autres, plus patients, attendent religieusement la venue de la bande à Murphy. Sans se faire pourtant prier, LCD débarque sur les planches. Vêtu de son immanquable short de plage, Pat ‘Drum Machine’ Mahoney, donne le tempo. « Us V Them » est propulsé telle une boule de neige balancée en pleine face ! Eclairage disco et énorme globe à facettes : que la fête commence ! Le son est impeccable. Pas le moindre dérapage. James assure les vocalises et tâte de quelques percussions tandis que Nancy, Tyler et encore Gavin Russom (oui, oui le bonhomme à l’horrible coupe de cheveux) assurent respectivement la basse, la guitare et les machines ! « Yr City’s A Sucker », « Daft Punk Is Playing In My House », « Movement », « Tribulations », « Someone Great », « All My Friends » et même la tuerie « Yeah (Crass Version) » s’enchaînent sans jamais s’égarer. On en prend plein la gueule. Le public titube et n’hésite jamais à mouiller sa chemise. Pourtant, on a parfois l’impression que le combo ne se livre pas à fond. Sans doute à cause de cette attitude nonchalante des musiciens. Mais manifestement, le cœur y est. Est c’est inévitablement sur « New York I Love You But You’re Bringing Me Down » que James Murphy et ses comparses terminent un concert rondement mené ! Véritable génie, et à mes yeux, le mec du siècle dans sa catégorie, c’est avec un petit pincement au cœur qu’on le voit s’en aller pour peut-être ne plus revenir au sein de LCD Soundsystem.
Si j’ai un reproche à émettre, c’est vis-à-vis de la sortie du nouvel elpee. Bien trop tardive. D’ailleurs, les Newyorkais n’ont interprété que trois titres de leur nouveau long playing, dont la sortie est prévue pour ce 17 mai ; c’est-à-dire « Drunk Girls », « I Can Change » et « Pow Pow ». Néanmoins, cette soirée du 5 mai constitue pour la majorité du public présent ce concert, un remake –peut-être un rien moins parfait– de leur set accordé sur les mêmes planches, un certain 16 mars 2003. Quoiqu’il en soit, la performance était fabuleuse ; et puis, James Murphy est âgé de 40 balais. Sa vie est déjà bien remplie. Et il n’a plus rien à prouver. Chapeau bas James…
(Organisation : Live Nation)
Vu l’immense succès de « Repenti », son premier album, sorti en 2006, Renan Luce s’est fait une place au soleil dans le milieu de la chanson française. Le public est charmé par les accords simples et les textes à la fois authentiques et fantaisistes de « La Lettre », des « Voisines », de « Monsieur Marcel » ou encore de « Repenti ». La tournée/révélation qui s’en suit est une réussite même si à cette époque, découverte oblige, ce sont les ‘petites salles’ qui sont privilégiées.
Le succès de son premier opus n’est pas encore froid qu’il enregistre déjà une seconde plaque, « Le Clan des Miros », en compagnie de ses compagnons de scène. Une nouvelle fois, le succès est au rendez-vous grâce à « La fille de la Bande » et « On n’est pas à une bêtise près » (générique du film « Le Petit Nicolas »). Et notre Renan de repartir sur les chemins afin de rencontrer les attentes d’un public de plus en plus nombreux. C’est donc au cœur d’enceintes un peu moins discrètes, cette fois, qu’il opère son retour.
Ce mercredi, près de 2 500 personnes ont réservé leur sésame pour aller écouter ce nouveau genre de poète. L’auditoire est en grande partie féminin et de tous âges, même si on croise également quelques messieurs qui, soit accompagnent madame, soit ont décidé d’emmener toute la petite famille pour un spectacle tous publics. Les isolés sont plus rares, quoique ; tassé près de la scène un instit de la région est visiblement fan. Et pour cause, pour la onzième fois en quatre mois, il a fait le déplacement… Alors que le Zénith peut plus ou moins contenir le double de monde, c’est avec une légère impression de vide, surtout dans les gradins, que la soirée débute.
Pour ouvrir le bal, Benoît Dorémus, ami personnel de Renan, nous interprète seul à la guitare acoustique la dizaine de chansons qui peupleront bientôt son nouvel album en gestation. De jolis textes très actuels (écologie, Obama, …), de non moins jolies mélodies nous font patienter gentiment en attendant la vedette annoncée.
Sans aucune manifestation d’impatience, le public bon enfant attend sagement les premiers accords joués à la gratte par le trentenaire. Et c’est parti pour une petite vingtaine de titres, rappels compris. Comme lors de la tournée précédente, les quatre mêmes acolytes accompagnent le Breton d’adoption : un batteur, un guitariste/ukulélétiste, un contrebassiste et un homme à tout faire (guitare, percussions, claviers). Tous apportent également leur contribution vocale lorsque le besoin s’en fait sentir. Si la majorité du répertoire est relativement calme, des titres tels que « La fille de la bande », « Les voisines », « On n’est pas à une bêtise près » invitent cependant à une participation plus active, ce que les spectateurs comprennent rapidement.
Pour tout décor, tout en douceur, et en parfaite harmonie avec le répertoire proposé, Renan dispose un léger voile de perles permettant un jeu subtil d’ombres chinoises et susceptible également de servir d’écran sur lequel figurent, au fil des chansons, les personnages et les scènes évoqués. Les maîtres mots de la soirée sont charme et tendresse. En effet, charmant et tendre à la fois, Renan Luce, non sans humour, parvient à faire frémir son public. Tous, quel que soit leur âge, fredonnent de temps en temps un couplet. Certains parfois chantonnent discrètement une chanson complète, la palme revenant sans conteste à Juliette, neuf ans, juste à côté de moi qui connaissait intégralement les paroles de « Repenti ». Entamée timidement, la prestation ira crescendo et on en dira de même de l’attitude des fans qui termineront la soirée en acclamant longuement et méritoirement leur favori qui, visiblement aime beaucoup être ovationné...
Une petite fête de la musique a déjà eu lieu hier à Lille. Bon enfant, familial, sans prétention outrancière, le programme proposé a véritablement fait des heureux. Il suffisait de voir les yeux étincelants des enfants pour s’en convaincre…
Mais il est près de 23 heures. Il est donc grand temps pour tous ces marmots d’aller au lit. Heureusement, comme s’il avait prémédité son coup, Renan a chanté un mardi soir. Mais comme le mercredi, il n’y a pas d’école pour les petits fans français... Et puis de toute façon, on n’est pas à une bêtise près !
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‘Cariboooooooou’ hurlait Frank Black, à tue-tête, il y a quelques années. Et son appel n’a pas été ignoré. Aujourd’hui, le renne canadien a investi les terres internationales, avec la ferme intention d’y déverser sa pop électronique. Après nous avoir entraînés en plein cœur des splendides plaines d’« Andorra », Dan Snaith nous pousse, la tête première, dans les abysses de son imparable « Swim ». Contemplatives à souhait, les neuf étendues liquides de Caribou, sont parcourues, de long en large, sans manifester le moindre essoufflement. Les mélodies psychédéliques de Snaith évoluent à la même vitesse que le compteur de la platine. Et le travail d’écriture y est, évidemment, irréprochable.
Le multi-instrumentaliste, autrefois connu sous le pseudonyme de Manitoba, s’offre le pendant orienté dance-floor du dernier Four Tet. La froideur en moins. « Swim » regorge de rythmiques qui vous retournent le cerveau d’un gros coup de bois, sans révérence. Les obsédants appels à l’évasion « Odessa », « Bowls », « Hannibal » et « Sun » en sont les parfaits exemples. Caribou délivre, une fois encore, une œuvre subtile et fascinante. « Swim » constitue tant un retour aux sources qu’un regard résolument tourné vers l’avenir. Et si vous ne deviez jeter votre dévolu que sur un seul disque cette année, le Caribou nouveau est celui qu’il vous faut. A condition de pas tomber dans les filets de l’énorme Flying Lotus, troisième du nom.
Boosté par l’imparable single « Hey You », « You Need Pony Pony Run Run » constitue le premier essai des Nantais de Pony Pony Run Run. Sa date de sortie initiale remonte déjà à juin 2009. Depuis, bien des choses ont changé pour le trio. Soutenus par Canal + et France 2, entre-autres, les frangins Gaëtan et Amaël Réchin Lê Ky-Huong flanqués de leur acolyte Antonin Pierre, ont remporté, en mars dernier, le titre de ‘Révélation du public de l’année’, aux Victoires de la Musique. Un bon coup de pub pour les trois gaillards. Et une occasion en or pour stimuler les ventes du disque en assurant une deuxième vague de promo. En l’espace d’un single, Pony Pony Run Run est d’ores et déjà considéré comme une valeur sûre de la scène pop française. Un peu trop tôt, peut-être… Car à l’écoute des balbutiements musicaux de la formation, « Hey You » n’est, finalement, rien d’autre que de la poudre aux yeux. Pony Pony Run Run ou comment miser sur le mauvais cheval.
En matière de reconnaissance internationale, ce n’est donc pas grâce à « You Need Pony Pony Run Run » que la France gagnera plus de points. Le disque, tout à fait instantané, évoque une partie de jambes en l’air entre The Killers (« Out Of Control », « Show Me Show Me ») et White Rose Movement (« First Date Mullet », « Girl I Know »), au terme de laquelle chacun rentrerait chez lui complètement frustré. Entre morceaux faussement énergiques (« Walking On The Line », « 1997 (She Said It’s Alright) ») et passades insipides (« What I Feel », « Future Of A Nation »), l’œuvre introductive de Pony Pony Run Run est de celles qu’on oublie aussi vite qu’une intrigue des « Experts ». N’est pas Phoenix qui veut…
« Only Mirrors », premier essai de Drew Andrews n’est pas une nouveauté en soi. Publié pour la première fois en 2008, le disque n’est parvenu à traverser l’Atlantique que deux ans plus tard. Le chanteur, originaire de San Diego, n’en est pas à son coup d’essai puisque c’est au sein de The Album Leaf qu’il a fait ses premières armes. Il profite donc aujourd’hui de la sortie de « A Chorus Of Storytellers », nouvel LP de sa formation originelle, pour hisser son nom vers le haut de l’affiche, dans un même mouvement. Mais « Only Mirrors » est de ces œuvres discrètes dont l’existence même repose sur la confidentialité de sa sortie. Un secret bien gardé, tout à l’honneur de son géniteur.
« Only Mirrors » recèle 14 proses aigres-douces et intimistes. Une pop acoustique solaire à mi-chemin entre un Elliott Smith et un Ed Harcourt, testée et approuvée par Rogue Wave et The Black Heart Procession. Ce qui n’est pas rien. Drew Andrews est de ces artistes qui vous prennent par la main et vous entraînent au cœur de panoramas resplendissants, dressés au gré de leur imagination. « I Could Write A Book », « I Will, You Won’t », « Angeli », « Hospitals Again » sont autant de refuges contre l’ennui, des abris ‘cosy’ au sein desquels on peut se blottir au bras de l’être aimé. Qui a dit que le romantisme était mort ?
Avi Buffalo est un quatuor originaire de Long Beach en Californie. Des garnements dont l’âge moyen doit osciller autour des 19 ans, réunis par la force de l’imaginaire d’Avi Zahner-Isenberg, à l’époque où il n’avait encore que 16 printemps. Autour de lui, gravitent Sheridan Riley, chargée des grosses caisses, Rebecca Coleman au piano et Arin Fazio à la basse. Le leader de la bande, plutôt spontané, conte le récit de la rencontre de ces quatre entités et de l’avènement d’Avi Buffalo au cœur du livret accompagnant la jolie plaque. Jeune protégé de Sub Pop, le quatuor propose une première œuvre folk tant gracieuse qu’atmosphérique. Côté harmonies, ces petits artistes en herbe en connaissent déjà un rayon. Les vocalises féminines et masculines se partagent équitablement l’espace sonore. Et lorsque les voix se croisent, Avi Buffalo s’offre de belles mélopées lyriques qui feraient fantasmer bon nombre de ses aînés.
L’éponyme d’Avi Buffalo évoque Los Campesinos!, sous analgésique, interprétant des ‘mash-up’ de The Shins et The Beach Boys sur une plage déserte. Les surprises s’enchaînent. De l’introductif « Truth Sets In » au tendre « Where’s Your Dirty Mind », en passant obligatoirement par l’indispensable single « What’s In It For? » et les sept minutes magiques de « Remember Last Time ». En concoctant un premier LP de cette trempe, Avi Buffalo a de grandes chances de constituer une formation de référence pour la prochaine génération de folkeux. Tout simplement exemplaire.
A voir en ‘live’ dans le cadre des Nuits Botanique le 16 mai 2010.
Après « Jours étranges », « God blesse », « Debbie », « Varsovie/L'Alhambra/Paris » et « Yellow Tricycle », « J'accuse » constitue déjà le sixième opus de Damien Daez. Ce rocker français, au phrasé quelque peu inhabituel, ne fait pas dans la dentelle. Tout au long de cet elpee, on a droit à l’artillerie lourde, du moins en ce qui concerne ses textes.
La place quelque peu abandonnée par Noir Désir, depuis le ‘crochet à Vilnius’, opéré par Bertrand Cantat, a vite été convoitée par des groupes ou chanteurs venus d’horizons divers (Luke, Eiffel, …) Damien Saez en révolutionnaire averti pousse à gauche et à droite afin de pouvoir occuper l’espace laissé vacant, par ce petit jeu de la chaise musicale…
Les thèmes abordés dans ses chansons sont toujours d'actualité et reflètent la pensée collective depuis une décennie. En ces moments de crise et paradoxalement en pleine jouissance/dérive (NDR : biffez la mention inutile) de la société de consommation, Saez s’érige un peu en donneur de leçons ; il devrait toutefois faire attention de ne pas devenir ce qu’il a facilement tendance à critiquer. Je m’explique, à force de critiquer un système et surtout un business dont il fait partie intégrante ; et bien en gros, il crache un peu dans la soupe, qu’il nous sert… Néanmoins, il a toujours les yeux grands ouverts sur le monde qui nous entoure et ses textes sont résolument engagés. Ouais, on n’est vraiment pas loin de Noir Désir, CQFD.
Ne retenir cependant que cet aspect du personnage serait un peu réducteur. D’abord, Saez est un vrai artiste ! Quelqu’un qui plaît ou qui dérange, c’est selon. Lorsqu’il dit : ‘Oh non, l'homme descend pas du singe il descend plutôt du mouton’ on a fait un peu le tour du propriétaire. Il dénonce, accuse, et assume ! Il dit ce que tout le monde pense tout bas ou ce que les gens ne veulent pas voir. La musique est un art non ? Et un art, c'est sensé nous faire passer un véritable message.
Cet album, comme l'indique le titre, est un fameux message, c’est même une dénonciation. Mais pas une dénonciation vague, comme le font la plupart des artistes pseudo engagés. Saez, lui, met le doigt sur ce qui ne va pas, en accusant le machisme social, la manipulation des médias, la croissance de la société de consommation... Les phrases s'enchaînent, s’entrechoquent. On a l'impression d’entendre un tourbillon de mots se déverser sur une musique violente, agressive ; en un mot, rock.
« J’accuse » premier single issu de l’album du même nom est déjà devenu un hymne dans lequel chacun peut aisément s’identifier. Ce titre à lui seul résume les 13 autres compos écrites, composées et interprétées par cet écorché vif. Le prochain sera sans aucun doute « Des p’tits sous » qui est du même tonneau. Une fois de plus un texte qui fait mouche souligné par une ‘mélodie’ accrocheuse en diable.
Le petit Zola de la chanson française s’appelle Saez, Damien Saez. On n’a pas fini d’en parler… Pour l’énergie qu’il dégage dans ses chansons, pour l’ambiance qu’il doit créer dans les salles, il faut vite se procurer un sésame et aller ‘râler’ avec lui sur notre ‘condition humaine’…
Deux ans à peine après avoir sorti le très acclamé « Jim », l’extravagant Jamie Liddell nous propose son cinquième opus. Et à nouveau, il a pris un malin plaisir à brouiller les pistes. Bien que recelant quelques morceaux sculptés dans le funk/rock/soul et d’autres dans l’électro/rock, « Compass » constitue l’elpee le plus éclectique et expérimental, paru à ce jour, de l’artiste. Les nouveaux territoires explorés tout au long de ce nouveau long playing, Jamie en avait déjà manifesté un bel aperçu, lors de la publication de « Multiply », en 2005. Un disque qui avait quand même récolté un certain succès. Et le bidouilleur confirme cet état d’esprit sur cette œuvre. Il ne relève pas de l’écurie Warp par pur hasard !
Beck, Feist, ‘Chilly’ Gonzales et des musiciens de Wilco ont participé aux sessions d’enregistrement de la plaque. Un disque qui recèle quelques hits potentiels. A l’instar de « Enough’s Enough », plage soul qui aurait pu figurer au répertoire des Jackson Five ou du mielleux mais fantastique « She Needs Me ». Chris Taylor, le bassiste de Grizzly Bear, s’est chargé de la mise en forme. Il marque de son empreinte les morceaux les plus complexes. Et je pense tout particulièrement au titre maître, une plage épique, acoustique, digne d’une b.o. signée Ennio Morricone. Et puis du rock ténébreux « Gypsy Blood ». A contrario, les compos d’inspiration techno/funk passent moins bien la rampe. L’agaçant « I Wanna Be Your Telephone » en est probablement la plus belle illustration. Le sorcier de l’électro-soul a encore plus d’un tour dans son sac, c’est une certitude. En progression constante, il devrait, nous réserver, à l’avenir, de belles surprises. Sans oublier qu’il est un remarquable showman sur les planches. Il viendra le démontrer sur celles du chapiteau, dans le cadre des Nuits du Bota, ce 17 mai, où il partagera l’affiche, en compagnie de Little Dragon.
Et si le plus digne héritier de Michael Jackson était né dans une petite bourgade, sis au Nord de l’Angleterre ?
En 2008, Flexa Lyndo, groupe précurseur du rock francophone (‘les grand frères’, dixit Girls In Hawaï), décide de prendre une pause. Durée ? Indéterminée. Le groupe venait de passer 3 années sur les routes, pour défendre son album « Slow Club ». Après une décennie accomplie au service du rock alternatif belge, les musiciens sont sur les genoux… Il est temps pour eux de se ressourcer. Les trois membres du noyau dur décident alors de se consacrer à leurs projets solos (Bambi Kramer, F.L.A.M.E.), avant de prendre une certaine distance vis-à-vis du monde musical. Mais difficile de résister à la passion dévorante. Ainsi, l’un d’entre eux, Loïc, enregistre, dans son home studio, construit au sein de la maison familiale où il a grandi, une vingtaine de morceaux, en un petit mois… Des compos qu’il décide de réécouter quelques semaines plus tard. Et là, comme une évidence, ces compositions semblent former un tout cohérent susceptible de figurer sur un album… Retrouver son fidèle label (62 TV) coule alors de source. Et il réactive rapidement son projet solo, Loïc B.O., pour le compte duquel il n’avait jamais enregistré ; mais déjà ouvert en live pour des artistes confirmés comme An Pierlé, Zita Swoon ou le regretté Vic Chesnutt !
Début 2010, il entame l’enregistrement de ce qui deviendra « Million Dreams ». Il sélectionne 11 titres, principalement acoustiques, des compos qui baignent dans un climat visionnaire, propice à une certaine sérénité, mais également empreint de beaucoup d’émotion. Les mélodies sont fragiles et finement ciselées. On devine que Loïc a beaucoup écouté Iron & Wine ; et s’est probablement passionné pour l’œuvre de Bon Iver. Soutenus d’accords de piano ou de cordes et enrichis de superbes chœurs, la plupart des compos privilégient le folk rock épuré. Et « Punks », « Stuck On Our Bones » ainsi que « Suddenfall » en sont les plus belles illustrations. Une chose est sûre, on sent que l’artiste a voulu se livrer complètement… pour le plus grand plaisir des mélomanes…
Loïc B.O. est à découvrir en live, flanqué de ses Frantic Lovers, dans le cadre des Nuits Botanique, ce 11 mai ; et en particulier lors de la ‘Nuit Belge’ (NDR : 21h à la Rotonde). Il se produira également en concert ce 30 avril au CC de Bièvres, le 7 mai au Factory de Mouscron et le 22 mai au Belvédère à Namur.
Le plus rassurant chez des groupes comme Molly Hatchett ou AC/DC, c’est que l’on sait toujours à quoi s’attendre avant d’écouter leurs albums. Tout comme nos hard rockers australiens préférés, les rockers sudistes floridiens tracent une ligne de conduite musicale dont ils ne dévient que très rarement. Dès lors, si l’on a aimé un jour l’un des albums du combo, il y a de fortes chances que l’on ne soit pas déçu par le suivant.
Alors, si comme votre serviteur, vous avez craqué en 1983 pour le hard rock teinté de blues et de country rock de l’album « No Guts No Glory » ou pour l’un des 12 autres opus studios enregistré par le combo depuis 1978, une écoute de ce « Justice », tout droit sorti de la machine à rock sudiste de Jacksonville, s’impose d’urgence.
Comme toujours dans le rock du pays des cow-boys, les guitares s’en donnent à cœur joie. Slide, électrique, acoustique : Dave Hlubek et Bobby Ingram sont au top de leur forme et délivrent leur pesant de riffs épiques et de soli magnifiques. Les parties de claviers (synthé, piano, orgue Hammond) de John Galvin dévient parfois le rock sudiste vers le classic rock ou même l’AOR. Les vocaux de Phil McCormack sont, toujours aussi gras que l’huile de vidange et enivrants que le bourbon.
Pour Bobby Ingram, le cerveau du combo, la justice est une philosophie de vie. Comme son nom l’indique les textes de « Justice » sont consacrés aux nombreuses déclinaisons ce thème. A l’instar de la magnifique ballade « Fly On Wings Of Angels (Somers Song) ». Elle raconte l’histoire vraie du petit Somer Thompson dont le viol et l’assassinat brutal avaient profondément choqué le guitariste. Ce dernier n’avait pas hésité à participer à un concert de charité destiné à aider les parents de la victime. La petite fille qui chante au début du titre est d’ailleurs la propre sœur de Somer.
Molly Hatchett est l’un des piliers du rock sudiste, au même titre que Lynyrd Skynyrd, 38 Special ou The Allman Brothers Band. « Justice » est une nouvelle pierre apportée à l’édifice construit par ce groupe légendaire, depuis la fin des seventies. Il sera, sans doute possible, l’album de l’été des bikers qui pourront l’écouter, une bière à la main et la barbe dégoulinante de ketchup, en laissant refroidir les braises du barbecue.
« The Tragic Tale of a Genius » est le fruit du projet solo de Red Boy, membre fondateur et éminence grise des Hollywood Porn Stars. Ce projet, il l’a baptisé ‘My Little Cheap Dictaphone’ à cause de l'orientation lo-fi (en opposition à hi-fi) empruntée par sa musique, à l'origine. My Little Cheap Dictaphone se décline sous la forme d’un trio (un quatuor sur les planches) que les règles et conventions intéressent peu. Entre folk de cabaret et rock déjanté, l'univers théâtral de ce groupe originaire de Liège est plus qu’intéressant.
Red Boy est un obstiné. Depuis trois ans, il veut écrire un opéra rock. Il y a travaillé ardemment. Il aurait même cassé sa tirelire pour y parvenir. En outre, il a réussi à attirer dans l'aventure d’autres chanteurs (NDR : et pas des moindres !) tels Jonathan Donahue de Mercury Rev, Ralph Mulder d'Alamo Race Track et Pall Jenkins de Black Heart Procession.
‘Ce n'est ni "Tommy" ou "The Wall", plutôt un conte moderne, explique Redboy. "The Tales Of Genius" trace la trajectoire d'un génie maudit. Avant d'écrire les chansons, j'ai lu les biographies de Brian Wilson des Beach Boys, de Johnny Cash et de Tom Waits. Ce qui m'a frappé, c'est le nombre de points communs qu'on peut retrouver dans leur parcours. Une enfance difficile, la reconnaissance critique, le sentiment d'aliénation et l'isolement dans un monde dont ils sont les seuls à posséder les clefs. Pour élargir le propos, le groupe s'est enfermé dans un chalet de Vielsalm. On se passait des films de David Lynch, de Lars von Trier ou d'Hitchcock et on jouait en improvisant’. Chaud chaud l’ambiance !
Le résultat de cette préparation surréaliste est un véritable chef-d’œuvre. Une histoire, un cabaret, un opéra rock/pop moderne qui raconte le parcours d'un artiste surdoué mais torturé par des démons intérieurs (Brian Wilson pour ne pas le nommer) décliné en treize morceaux de choix. Les envolées symphoniques côtoient les ballades pop du meilleur acabit. La réussite est totale. D’abord, les textes sont écrits de manière à vraiment frapper l’imagination. Ensuite, les mélodies sont variées à souhait, mettant en valeur toute la créativité et l’authenticité du projet. Dès la première plage, « Ouverture », on est pris au piège, capturé par cette musique théâtrale, envoûtante, imprévisible.
Chaque compo est une nouvelle création. Toutes les trois ou quatre minutes, on a l’impression que le rideau se lève et fait place à un nouveau numéro, différent des précédents. Quelle richesse !
L’ensemble des treize titres est indissociable ; mais on épinglera quand-même deux ou trois singles potentiels tels « He’s not there », « What are you waiting for » ou encore « Slow me down ».
Red Boy n’en a pas encore terminé avec son projet. Il a décidé maintenant de le monter et de tourner en compagnie d’un orchestre classique de trente musiciens. Le jeu en vaudra certainement la chandelle et les chançards qui sont parvenus à se procurer un ticket d’entrée pour les 7 et 8 mai à Bruxelles ou Liège ne le regretteront sûrement pas.
Un des meilleurs et peut être déjà le meilleur album belge de l’année.
L’horror Punk marie, de manière humoristique, le punk rock à une imagerie sombre et kitch inspirée des films d’horreur de série B. La paternité du style est habituellement attribuée aux Misfits. Si d’autres combos américains ont pris la relève (Frankenstein Drag Queens From Planet 13, 45 Grave, Murderdolls, Wednesday 13), les formations européennes se grimant en squelette pour faire pogoter les foules ne sont pas très nombreuses. Les Allemands de The Other constituent donc l’exception qui confirme la règle.
A une époque, les sorties d’albums produits par Waldemar Sorychta provoquaient de mini-émeutes chez les disquaires branchés métal. Et pour cause : le guitariste/producteur n’associait son nom qu’à des disques de qualité. Dans les années 90, le son du « Wildhoney » de Tiamat, « Ceremony Of Opposites » de Samael, « Mandylion » de The Gathering ou « Irreligious » de Moonspell, c’était à lui qu’on le devait. Depuis, l’homme s’était fait un peu plus rare et, hormis le « Karmacode » de Lacuna Coil ou le « Memorial » de Moonspell, publiés en 2006, on ne peut pas dire que ses productions aient fait la une de l’actualité. C’est donc plutôt une bonne surprise de le retrouver derrière les manettes de ce « New Blood ». Une bonne surprise ? Oui, enfin presque puisqu’il n’est pas vraiment certain que le son léché, peaufiné à l’extrême, qui a fait la renommée de Sorychta soit vraiment adapté à un disque de punk rock. Curieusement, la qualité, c’est un peu le problème de ce disque. Pour être honnête, le son des guitares puissant, presque métal, associé aux vocaux évoquant à la fois Elvis Presley et Glen Danzig, rapproche davantage la musique de The Other d’une version simplifiée du thrash/rock’n’roll des Danois de Volbeat que du punk rock déjanté des Misfits. « New Blood » est puissant, oui, mais pas ‘destroy’ !
Reste donc l’iconographie Horror Punk. Et là, nous sommes servis. Maquillage de zombie et de boucher ensanglanté, textes évoquant les cimetières, les vampires, les démons et les loups-garous. Bref, toute la panoplie du petit ‘horror-punk-rocker’ qui fait rire en faisant peur !
The Other s’aventure parfois sur le terrain du métal gothique et notamment sur « The Lovesick Mind » un titre, à l’écoute duquel on ne peut s’empêcher d’avoir une pensée émue pour l’ami Peter Steele (Type-O-Negative) décédé récemment.
« New Blood » est donc un album qui ratisse bien plus large que le public Horror Punk. Un album horrifique et attachant qui plaira aux punks, aux gothiques, aux métalleux ou tout simplement aux rockers.
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